MIS PELICULAS Y SERIES

FECHA DE ESTRENO
17 de Agosto de 1982
TITULO ORIGINAL
The Flight of Dragons
DIRECTOR
Jules Bass, Arthur Rankin Junior, Fumihiko Takayama, Katsuhisa Yamada
PRODUCTORES
Jules Bass, Arthur Rankin Junior
GUION
Romeo Muller
Basado en la novelas de Peter Dickinson y Gordon R Dickson
REPARTO (VOCES)
John Ritter (Peter Dickenson), Alexandra Stoddart (Princesa Melisandre), Harry Morgan (Carolinus, el Mago Verde), Cosie Costa (Gorbash), James Gregory (Smrgol, Bryagh, Antigüedad), Bob McFadden (Sir Orrin Neville-Smythe), Victor Buono (Aragh el Lobo), Nellie Bellflower (Danielle de los Bosques), James Earl Jones (Ommadon, el Mago Rojo), Paul Frees (Solarius, el Mago Azul), Don Messick (Giles de las Copas de los Árboles / Lo Tae Zhao, el Mago Dorado), Larry Storch (Prestamista), Ed Peck (Molinero), Jack Lester (Molinero)
CINEMATOGRAFÍA
Inaplicable
BANDA SONORA
Maury Laws, Don McLean
DISTRIBUIDA POR:
ABC, Warner Bros.
DURACIÓN
92 minutos

CAROLINUS: “Así como la maldad es parte de todas las cosas, la maldad es parte de nuestro mundo de magia. Pues la ironía de toda la existencia es que el bien sería completamente impotente sin el contraste del mal.”

OMMADON: “Yo tengo armas que no te atreverías a usar. El temor gobierna al hombre. Evocando a todos los oscuros poderes, infestaré el espíritu del hombre para que use su ciencia y su lógica para destruirse a si mismo. ¡Que estragos causaré! Enfrentaré a hermano contra hermano. La ambición y la avaricia dominaran, y aquellos que no oigan mis palabras pagaran el precio. Le enseñaré al hombre a usar sus maquinas; le enseñaré lo que una ciencia desvirtuada puede crear. Le enseñaré a volar como las hadas, y le daré la respuesta final a todo lo que su ciencia quiera saber. Y de nuevo el mundo estará en libertad para usar mi magia.”

OMMADON: “Vengan demonios, brujas, diablos, ogros, lobos, lóbregos, harpías, necrófagos, brujos.”
PETER DICKENSON: “Vengan algebra, anatomía, astronomía, biología, química, geología, geometría, matemáticas, meteorología, mineralogía, oceanografía, paleontología, física, psicología, sociología, trigonometría y zoología.”

CURIOSIDADES
La película esta mayormente basada en la novela “El Vuelo de los Dragones”, publicada en 1979 por el escritor Peter Dickinson, aunque también utiliza temas de la novela “The Dragon and the George” publicado en el año 1976 por el escritor Gordon R Dickson. La película se centra en el clásico tema de una búsqueda o misión, en este caso para derrotar a un mago oscuro, que pretende hacerse con el planeta mediante el uso de la magia negra. El tema principal de la película es la incógnita sobre si la magia y la ciencia pueden o no coexistir. Para ello la historia se narra a través de las experiencias de un personaje llamado Peter Dickinson, trasladado desde el siglo veinte hasta el Reino de la Magia.

No es casualidad que el personaje tenga el mismo nombre que el autor de la novela, ya que este se incluyó en la misma, pues sentía una enorme fascinación por el mundo de la magia, y en especial por los dragones. De hecho, tanto en la novela como en la película, existe un momento en el que el personaje contempla el libro que llegará a escribir. A lo largo de la película, el personaje encuentra explicaciones lógicas y científicas que explican los sucesos denominados como mágicos en el Reino en el que se encuentra, y donde acaba fusionado con un dragón llamado Gorbash. Uno de estos ejemplos es la explicación científica detallada que se da a la capacidad de los dragones para volar, y como el escupir fuego influye en la misma.
Otra curiosidad es que la película surgió como un proyecto destinado a ser lanzado directamente en video en el año 1982, para alquiler. De hecho arrasó en las listas de alquiler de los siguientes tres años, por lo que se decidió e

strenarla en el cine en el año 1986. Tras esto fue escogida como la película de la semana en la cadena ABC, en el mismo año, y sería lanzada en DVD en noviembre de 2009, como parte de la Colección de Archivos Warner.
La película comienza con una canción titulada de igual forma que la película, compuesta y escrita por Jules Bass e interpretada por Don McLean. La película fue el último proyecto de Victor Buono. Alexandra Stoddart, que proporcionaba la voz del personaje de la Princesa Melisandre, apareció en un episodio de la serie de televisión “MASH” junto a Harry Morgan, que curiosamente otorga la voz del Mago Carolinus, padre adoptivo de Melisandre en la película. Algunas de las voces no fueron acreditadas, como las del Mago Solarius o de la Antigüedad, o del dragón Gorbash.
La productora creada por Rankin y Bass tenía el propósito de crear películas de animación que incluyeran un tono más oscuro al habitual en Estados Unidos, para competir con la creciente popularidad del cine de animación japonés en la déca

da de 1980. La animación fue creada por Estudios Topcraft de Japón, uno de los más famosos de la época. De hecho, muchos de los animadores de Topcraft eventualmente abandonarían el estudio para formar Studio Ghibli. Como resultado de esta colaboración la animación de la película es una combinación de estilos de otros proyectos como “El Último Unicornio”, “El Hobbit” o “Nausicaa”. La dirección de la animación fue proporcionada por Fumihiko Takayama, y su asistente fue Katsuhisa Yamada, director de animación de “El Hobbit” y “El Retorno del Rey” (evidentemente nos referimos a las películas de dibujos animados).
La crítica se mostró mayoritariamente a favor de la película, elogiando diálogos inteligentes, y una hábil combinación de la magia y la ciencia, si bien algunas de las explicaciones científicas podían confundir a los espectadores de menor edad.

NOTA PERSONAL
A

lquilé la película en la década de 1980, y debo reconocer que es una de las películas de animación que mas me gustaron. Pero lo que más sorprendió fue la excelente calidad del film, considerando que este había sido creado para ser lanzado en video directamente. Sinceramente creo que hay películas de dibujos animados estrenadas en el cine, que no le han logrado llegar ni a la suela de los zapatos.
Añadido a esto, la formula de la búsqueda y la misión ha probado ser siempre la perfecta para las películas de fantasía, logrando sumergir al espectador en el viaje de los personajes. Igualmente formidable me pareció la combinación de dos temas tan dispares como la magia y la ciencia, sobre todo la utilización de la última para otorgar explicaciones a seres y sucesos mágicos del reino visitado por Dickinson. El autor logró de esta forma combinar dos conceptos opuestos, que fueron perfectamente reflejados en la película. La historia no peca de infantilismos y no duda en mostrar la muert

e, así como escenas que pueden inquietar al espectador más joven. Ommadon siempre me ha parecido uno de los mejores villanos que he encontrado en los dibujos animados.
De esta forma me parece elogiable el logro de un proyecto que pretendía ser modesto, que no se estrenó en el cine, y que se ha logrado convertirse en un clásico de la animación.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
En una era de magos, caballeros, criaturas mágicas y dragones, el Mago Verde Carolinus comprueba como un cisne acompañado de unas hadas es engullido por la rueda de un nuevo molino en el río. Tras sanarlos a todos, Carolinus se enfrenta a los molineros, explicando que su nueva ciencia debe aprender a convivir con el mundo de la magia, pero estos se ríen y le apedrean. Carolinus intenta crear una llama mágica para acabar con el molino, pero esta se extingue antes de lograr su propósito. De regreso a casa, Carolinus se reúne con su hija adoptiva la Princesa Melisandre, y sus dos drag

ones Smrgol y Gorbash. Carolinus se esta percatando de que el auge de la ciencia, esta afectando la magia, que comienza a disiparse. Por ello convoca a sus tres hermanos, los cuales son el Mago Dorado de la sabiduría y armonía Lo Tae Zhao, el Mago Azul de los Océanos Solarius, y el Mago Rojo de la maldad Ommadon.
Los cuatro hermanos se reúnen para discutir la gradual desaparición de la magia, ante lo que Carolinus propone combinar sus poderes para crear “El Último Reino de la Magia”, donde los seres mágicos puedan vivir ocultos del resto del mundo. Todos están de acuerdos excepto Ommadon, que anuncia su intención de conquistar el mundo, influenciado al hombre para que utilice su nueva ciencia con fines malvados. Una vez parte, los tres hermanos restantes se percatan de que deben hacerse con la corona roja de Ommadon, fuente de sus poderes. Sin embargo, el ente conocido como la Antigüedad prohíbe que los hermanos luchen entre si, con lo que deben seleccionar a tres intermediarios que acometan la misión. Carolinus esc

oge a su dragón Gorbash, y el caballero Sir Orrin Neville-Smythe. Sin saber quien puede ser el tercero, Carolinus pide consejo a la Antigüedad, que le envía al siglo veinte para escoger a un hombre de ciencia.
En el siglo veinte, el antiguo científico Peter Dickinson intenta convencer a un prestamista para que financie su nuevo juego de mesa “El Vuelo de los Dragones”, que contiene figuras que curiosamente representan a los habitantes del reino de la magia en el pasado. Carolinus se presenta ante Peter, y le lleva al pasado, donde pronto se percata de que la Antigüedad le ha escogido no solo por su conocimiento científico, siendo también un apasionado de la magia y los dragones. También le muestra a Peter el libro que algún día acabará, “El Vuelo de los Dragones”. Carolinus le hace entrega a Peter de dos armas, un escudo capaz de anular hechizos cedido por Solarius, y una flauta cuya melodía hace dormir a los dragones, proporcionad por Lo Tae Zhao.
Las cosas se complican cuando Carolinus d

escubre que Ommadon ha hechizado a todos los dragones para que formen parte de su ejército, con la excepción de Smrgol y Gorbash. Peter no tarda en enamorarse de la Princesa Melisandre, que le escoge como su campeón. Sin embargo, esa misma noche, Ommadon envía a su dragón Bryagh para capturar a Peter. Bryagh captura a Peter, y Gorbash intenta rescatarle, mientras Carolinus crea un hechizo con el mismo propósito. Sin embargo, la magia no funciona bien, y aunque Peter es rescatado, se fusiona con el dragón Gorbash, la mente del científico en control.
A la mañana siguiente llega Sir Orrin, mientras Smrgol se une a la búsqueda para servir de consejero de Peter, que debe aprender a manejarse como dragón. Para ello, Smrgol le explica como es necesario alimentarse de diamantes, para crear el fuego, mientras Peter no tarda en deducir la explicación científica detrás del proceso. Mientras tanto, y debido a la disminución de sus poderes mágicos, Carolinus utiliza a Melisa

ndre desde su casa para que observe el viaje de los héroes usando su percepción extrasensorial.
Durante el viaje Orrin confiesa haber deseado casarse con Melisandre, a la que conoció siendo una niña. Durante un viaje, se había encontrado con Bryagh, al que derrotó al ver como devoraba un nido de dragones. Solo quedó un huevo, del que surgió Gorbash, que fue el regalo de Orrin para Melisandre. A pesar de ello, Orrin entiende que el amor ha surgido entre Peter y la princesa. El primer ataque por parte de Ommadon surge en la forma de un ataque de Lóbregos, criaturas cuyo sonido provoca la demencia. Solarius ayuda al grupo resucitando a un lobo llamado Aragh, que llega a tiempo para aniquilar a la Reina de los Lóbregos, acabando con la amenaza, y uniéndose a la misión. Sin embargo, el ataque ha provocado que Melisandre, en casa de Carolinus, caiga en un trance, aunque continua narrando el viaje de los aventureros.
Internándose en un bosque, Peter y Smrgol s

on atacados por elfos, que temen que sean dragones al servicio de Ommadon. El grupo es rescatado por una arquera llamada Danielle de los Bosques. Las cosas se aclaran con los elfos, y su líder Giles se une a la misión, así como la propia Danielle. El grupo llega a una posada situada en la frontera con el Reino de Ommadon, donde son divisados por sus espías. Orrin y Danielle se enamoran, pero durante la noche, el grupo es atacado por un Ogro, que captura a Orrin y Danielle y los lleva al muro de la frontera, donde reside. Peter se enfrenta al Ogro, pero resulta herido, lo que obliga al viejo Smrgol a entrar en acción. Smrgol acaba con el Ogro, pero tras la lucha fallece debido a las heridas sufridas.
Ya en el reino de Ommadon, el grupo se enfrenta y destruye a un Gusano de Sligoth, por lo que Ommadon utiliza un hechizo para que pierdan la esperanza. Peter utiliza el escudo de Solarius, acabando con el hechizo. Ommadon procede a enviar su ejército de dragones contra el grupo. Peter le entrega la flauta de Lo Tae Zhao a Giles, que

toca una balada que sume a los dragones, incluido Peter en un profundo sueño. Sin embargo, Bryagh sigue vivo gracias a la magia de Ommadon, y acaba con la vida de Aragh, Giles y Danielle. Orrin se enfrenta de nuevo a Bryagh, acabando con el dragón, pero fallece después de la batalla.
Aparece entonces Ommadon proclamándose victorioso. Sin embargo, Peter logra separarse de Gorbash al deducir que dos cuerpos no pueden ocupar el mismo espacio. Con la ciencia como su arma, Peter consigue acabar con la vida de Ommadon, aunque en el proceso se ve obligado a renegar de la magia. Tras la muerte de Ommadon, Orrin, Danielle, Aragh y Giles recuperan la vida, y ante ellos aparecen una recuperada Melisandre, junto a Carolinus, Solarius y Lo Tae Zhao. El Último Reino de la Magia ha sido creado. Sin embargo, al haber renegado de la magia, Peter ha sido transportado de regreso al siglo veinte. Melisandre expresa su deseo de ir junto a él.
En la tienda, Peter vende la flauta y el escudo de oro al prestamista, y Melisandre llega a la tienda, donde vende la corona roja de Ommadon. Peter y Melisandre se besan, comenzando su nueva vida juntos en la Tierra.

ESCENA
Como ninguna de las escenas en “youtube” se puede insertar, nunca entenderé esto, aquí dejo este tráiler, aunque lamentablemente esta en español.

FECHA DE ESTRENO
28 de Febrero de 1986
TITULO ORIGINAL
Pretty in Pink
DIRECTOR
Howard Deutch
PRODUCTOR
Lauren Shuler
GUION
John Hughes
REPARTO
Molly Ringwald (Andie Walsh), Jon Cryer (Philip F Dale), Andrew McCarthy (Blane McDonough), Harry Dean Stanton (Jack Walsh), Annie Potts (Iona), James Spader (Steff McKee), Kate Vernon (Benny Hanson), Andrew Dice Clay (Portero en CATS), Kristy Swanson (Duckette), Alexa Kenin (Jenna Hoeman), Dweezil Zappa (Simon), Gina Gershon (Trombley), Jim Haynie (Donnelly), Emily Longstreth (Kate), Margaret Colin (Profesora de Ingles), Jamie Anders (Terrence), Audre Johnston (Madre de Benny), Maggie Roswell (Señorita Dietz), Kevin D Lindsay (Kevin)
CINEMATOGRAFÍA
Tak Fujimoto
BANDA SONORA
Michael Gore
DISTRIBUIDA POR:
Paramount Pictures
DURACIÓN

96 minutos

SEÑOR DONNELLY: “Solo te quedan un par de meses de curso, tus notas son excepcionalmente buenas y creo que las posibilidades de conseguir otra beca son excelentes.”
ANDIE WALSH: “Ya lo se señor Donnelly.”
SEÑOR DONNELLY: “¿Por qué has venido a verme?”
ANDIE WALSH: “No lo se, quizá por que estoy un poco harta.”
SEÑOR DONNELLY: “¿De qué?”
ANDIE WALSH: “De como se nos trata.”
SEÑOR DONNELLY: “Mira Andie, aquí recibes una educación de calidad, y desde luego no quiero ver como la desperdicias.”
ANDIE WALSH: “Lo se, una educación mejor de la que me merezco. Tengo suerte, porque gracias a ciertas personas puedo asistir a esta escuela.”
SEÑOR DONNELLY: “Sigues sin entender lo que quiero decirte.”
ANDIE WALSH: “Lo entiendo muy bien señor Donnelly, no es necesario que lo explique, lo vivo. Lo que pasa es que a veces no lo puedo evitar y pierdo los nervios. No me gusta ver como suspenden y castigan a mis compañeras solo porque intentan defenderse.”
SEÑOR DONNELLY: “Bueno, será mejor que nos olvidemos de este asunto. ¿No te parece?”
ANDIE WALSH: “De acuerdo. ¿Qué pasará con Jenna?”
SEÑOR DONNELLY: “También lo olvidaré.”
ANDIE WALSH: “Gracias.”
SEÑOR DONNELLY: “Andie, si sigues dando la impresión de no querer integrarte, todo el mundo va a pensar que realmente es así.”
ANDIE WALSH: “Una curiosa teoría.”

CURIOSIDADES

John Hughes escribió el guion de la película a principios de 1985; y el rodaje comenzó el veintidós de junio de 1985, para finalizar el doce de octubre del mismo año. La película marca el debut de Howard Deutch como director. Se rodó en el mismo instituto de Los Ángeles en el que se había realizado la película “Grease”. La película fue dedicada a Alexa Kenin y Bruce Weintraub. Kenny que interpretaba a Iona había sido asesinada poco tiempo antes de la película se estrenara. Weintraub era el diseñador de producción, nominado a los Oscar por “El Honor de los Prizzi”, pero terminó por fallecer de SIDA a la edad de treinta y tres años. “La Chica de Rosa” fue su última película.
El papel de Andie fue escrito desde un principio con Molly Ringwald en mente. Inicialmente, al proponérselo esta mostró dudas, inicialmente rechazándolo. Jodie Foster fue la siguiente en rechazar el papel. Otras actrices consideras para el papel fueron Lori Loughlin, Tatum O’Neal, Diane Lane, Sarah Jessica Parker y Brooke Shields. Pero al ver lo difícil que resultaba buscar a una actriz diferente, decid

ió interpretarlo. Hughes respiró aliviado, pues tenía la convicción absoluta de que la película no sería la misma, a menos que la actriz accediera a interpretar a su protagonista. Lo curioso es que Molly Ringwald terminó por considerar la película como la mejor de todas las que había interpretado.
Originalmente, se escogió a Anthony Michael Hall para el papel de Phil Dale, pero este rechazó el papel por el temor a acabar encasillado en el papel del empollón pardillo. Dicho papel ya lo había interpretado en el gran clásico de Hughes, “El Club de los Cinco”. Tras este rechazo, John Hughes intentó que Robert Downey Junior interpretara el papel, pero no fue escogido cuando Molly Ringwald declaró que se veía capaz de enamorarse de él. La actriz quería que el papel recayera en alguien por el que nunca pudiera sentirse atraída, pero que acabara considerado como un mejor amigo o humano. Cuando conoció a Cryer consideró que era el actor perfecto.
El papel de Iona le fue ofrecido a Anjelica Huston, pero esta lo recha

zó al involucrarse en otro proyecto. Se consideró contar con Tracey Ullman para dicho papel, pero la actriz carecía del acento americano necesario. Se optó por Annie Potts después de que John Hughes la viera en la película “Cazafantasmas”. Simon fue interpretado por Dweezil Zappa, que era el novio de Molly Ringwald en la época en la película fue producida. Charlie Sheen se presentó a las pruebas para el papel de Blane, pero fue rechazado. Otro actor considerado para dicho papel fue Jerry Levine.
La banda que actuaba en la escena del club era “The Rave-Ups”. Parece ser que Molly Ringwald era fan de su música, y añadido a esto su hermana había tenido un hijo con uno de los miembros de la banda. De hecho, la banda ya había aparecido en otra película con la actriz como protagonista, “16 Velas”.
El final original de la película mostraba como el personaje Phil Dale, era la elección final de Andie como pareja. Sin embargo, dicho final fue sometido a votación por parte de los espectadores a los que se mostró la pelí

cula como prueba de evaluación. La inmensa mayoría señaló que preferían que Andie acabara con Blane. Añadido a esto, Molly Ringwald había estado enferma durante el rodaje del final, y John Hughes no estaba satisfecho con el resultado. Inicialmente estaba en contra de que Andie acabara con Blane, pero al ver la opinión de los espectadores de la prueba, el estudio se lo impuso. Como respuesta, Hughes realizaría una película con la misma temática, “Una Maravilla con Clase”, en la que el protagonista acababa con quien había sido su amiga verdadera desde el principio, y no con la chica popular. Sin embargo, en dicha película, Ringwald se negó a participar, lo que acabó la relación de trabajo entre ambos, que nunca volverían a colaborar en más proyectos.
Al volver a rodar el final, en el que Andie acababa con Blane, hubo que volver a llamar a los actores. Andrew McCarthy ya se había afeitado la cabeza para un papel de teatro, con lo que tuvo que utilizar una peluca, que se puede apreciar en el final definitivo. La canción del primer final era “Goddess of Love”, interpretada por An

dy McCluskey. Al cambiar el final, hubo que escribir otra canción, pues esta no encajaba con el nuevo. La nueva canción fue “If You Leave” que adquirió gran popularidad.
La película fue un éxito de crítica y taquilla, llegando a recaudar casi cuarenta millones y medio de dólares en taquilla.

NOTA PERSONAL
En más de una ocasión he señalado que las películas para adolescentes de la década de 1980, le dan mil vueltas a las actuales. John Hughes era un genio a la hora de escribir o realizar estas películas, y nadie ha sabido captar la inquietud de un adolescente como él. En esta ocasión tenemos una película que también me encantó, aunque debo admitir que mi percepción del final ha cambiado con el paso de los años. Siendo un adolescente, me encantaba la idea de que Andie acabara con el chico rico, logrando sus sueños. Sin embargo, al volver a ver la película como un adulto, este final dejó de gustarme. Me hubiera gustado que el personaje de Andie acabara con Duckie, el cual no solo tiene más encanto que el soso de Blane, sino que además es el personaje que siempre la apoya y permanece a

su lado, aun cuando están enfadados. Sin los adolescentes que vieron la película no han logrado cambiar de opinión, la mayoría no lo han hecho, con el paso de los años, esto debe ser interpretado como algo preocupante. Blane no solo es un sosaina, sino que además es un cobarde, con determinadas torpezas, como cuando le pregunta a la chica si quiere que la lleve a casa para cambiarse, cuando esta ya lo ha hecho. Independientemente de esto, la película sigue siendo genial, los diálogos están bien elaborados, y se combinan serios problemas como el clasismo, o la depresión del padre de la protagonista, con el romanticismo implícito.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Andie Walsh es una adolescente en su último año de instituto, perteneciente a la clase trabajadora, que ha sufrido un flechazo por Blane McDonough, uno de los chicos ricos y populares del colegio. Andie vive con su padre en paro, Jack. El mejor amigo de Andie es Phil Dale, conocido como Du

ckie, y que esta enamorado de la joven, aunque lo disimula con su actitud bromista. Andie también sufre el constante acoso de otros estudiantes ricos como su compañera de clase Benny, y el arrogante Steff, amigo de Blane, que le tiene rencor por ser la única chica del instituto que le ha rechazado. Andie trabaja en una tienda de música en Chinatown llamada TRAX, que es regentada por su más antigua amiga y mentora Iona. En dicha tienda aparece Blane, estableciendo un primer contacto con la joven. Andie ha decidido no asistir al baile del instituto, pero Iona le aconseja que asista aun cuando no tiene una cita.
Al día siguiente, Andie recibe un mensaje en el ordenador de la biblioteca del instituto y comienza a chatear para sorprenderse al descubrir que se trata de Blane, dando un siguiente para conocerla. Decidido, Blane se aventura a la zona de los marginados del colegio, y le pide a una cita a Andie que acepta encantada. Steff ha observado esto, y se enfrenta a Blane por haber hablado con lo que considera un bicho raro

del colegio, pero Blane expresa que la encuentra muy interesante. La noche de la cita, Andie espera a Blane en TRAX, pero este llega tarde. Duckie aparece para encontrar a Andie disgustada al pensar que la han plantado. Sin embargo, cuando Blane aparece, esto provoca una discusión entre Andie y Duckie, que intenta convencerla de que el joven rico solo le hará daño. Tras la discusión, Duckie se va disgustado, Andie sale en su cita.
Blane sugiere que acudan a una fiesta organizada por Steff, alegando que la joven debe darle una oportunidad a sus amigos, sin embargo esta la tratan con desprecio, incluyendo a Steff y su chica Benny, que están borrachos. La pareja abandona la fiesta, y Andie sugiere que acudan al local al que suele ir con sus amigos. Allí se encuentran con Iona y Duckie, que se muestra hostil hacia Blane, y besa a Iona con la intención de provocar los celos de Andie. La pareja abandona el local, y Andie se ofrece para llevarla a casa, ante lo que Andie confiesa que no quiere que vea donde vive. Blane le asegura que sus sentimientos son sinceros, y le pide que le acompañe al baile, ante lo cual Andie no solo acepta, sino que term

ina por besar al joven. Andie le explica a su padre lo ocurrido y sus dudas, ante lo que el padre le anima a arriesgarse, pues si ambos se gustan, entonces debe arriesgarse.
Al día siguiente, Andie visita a Iona en su apartamento, y le explica que terminara por acudir al baile. Iona se alegra por su amiga y comparte sus gratos recuerdos de cuando acudió a su baile de instituto. Por su parte, Blane vuelve a sentirse presionado por Steff que considera su nueva relación una mala idea. Sin embargo, Blane sigue viéndose con Andie. Sin embargo, la presión termina por hacer efecto en Blane, que comienza a distanciarse de Andie, y deja de responder a sus llamadas. El padre de Andie sorprende a la muchacha con un vestido rosa. Andie le pregunta como ha podido permitírselo, y descubre que su padre no acudió a una entrevista de trabajo. Ambos acaban por discutir, y Jack se ve obligado a aceptar su resentimiento hacia la madre de Andie, que abandonó a ambos. Padre e hija se reconcilian, ante lo que Jack decide darle un nuevo giro a su vida.
En el colegio, Andie se enfrenta a Bla

ne que le presenta con la escusa de que ya había invitado a otra chica, pero se le había olvidado. Andie le acusa de ser un mentiroso, y de avergonzarse de ser visto con ella por sus amigos. Andie se marcha, mientras Blane protesta alegando que no tiene nada que ver con ella, y que no lo entiende. Tanto Steff como Duckie presencian la discusión. Steff vuelve a criticar a Andie ante un deprimido Blane, y cuando el último se marcha, Duckie se enzarza en una pelea con Steff, hasta que son separados por profesores. Duckie se marcha arrancando la bandera del baile.
Andie vista a Iona, para descubrir que esta ha encontrado la felicidad con un chico de clase alta. Inspirada por su amiga, y para mostrar que no se ha venido abajo decide acudir al baile sola. Combinando el vestido que le regaló su padre y el de Iona, Andie confecciona un nuevo vestido rosa con el que acudir al baile. Al ver el resultado, Jack la felicita y le muestra su apoyo ante la decisión de la joven de acudir sola.
Al llegar al baile, Andie esta a punto de

echarse atrás, pero justo en ese momento se encuentra con Duckie, que también se ha vestido para acudir al baile, y para apoyarla. Ambos se cogen de las manos, y entran en el baile. Allí Steff se burla de la pareja, y es ese momento en el que Blane se percata de que Steff esta resentido porque Andie la rechazó, y el joven arrogante esta acostumbrado a obtener todo lo que desea. Blane rompe su amistad con Steff, y se dirige a Andie y Duckie, estrechando la mano del último. También le hace ver a Andie que la quiere y que siempre había creído en ella, pero que el problema era que no creía en él mismo. Blane se marcha, y Duckie admite que Blane no es como el resto, pidiéndole a Andie que corra tras él. Al quedarse solo, una joven le pide a Duckie que sea su pareja de baile, y este acepta sorprendido. En el aparcamiento, Andie detiene a Blane y ambos se besan.

ESCENA
Esta es una recopilación de escenas de la película con la canción “If You Leave” de fondo, del grupo “Orchestral Manoeuvres in the Dark”.

TITULO ORIGINAL
Star Wars: Clone Wars
DIRECTOR
Genndy Tartakovsky
CREADORES
Genndy Tartakovsky, Henry Gilroy
PRODUCCION
George Lucas, Claudia Katz, Rick McCallum, Brian A Miller, Catherine Winder
REPARTO ORIGINAL (VOCES)
Mat Lucas (Anakin Skywalker), James Arnold Taylor (Obi-Wan Kenobi), Tom Kane (Maestro Yoda), Grey DeLisle (Padmé Amidala, Asajj Ventress, Shaak Ti), Anthony Daniels (C-3PO), Corey Burton (Conde Dooku, San Hill), John DiMaggio (General Grievous), Nick Jameson (Canciller Palpatine, Darth Sidious), Andre Sogliuzzo (Capitán Typho), Daran Norriss (Ki-Adi-Mundi, Durge), Kevin Michael Richardson (K’Kruhk), Cree Summer (Luminara Unduli), Tatyana Yassukovich (Barriss Offee), Richard McGonagle (Kit Fisto, General Grievous), Fred Tatasciore (Qui-Gon Jinn), Frankie Ryan Manriquez (Joven Anakin Skywalker)
FECHA DE ESTRENO Y FINAL
Del 7 de Noviembre de 2003 al 25 de Marzo de 2005
CANAL DE EMISION
Cartoon Network
COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL
Paul Dinletir, James L Venable
NÚMERO DE EPISODIOS
TEMPORADA 1: 10 episodios
TEMPORADA 2: 10 episodios

TEMPORADA 3: 5 episodios
Un total de 25 episodios. Los veinte primeros duran tres minutos cada uno, los cinco últimos duran doce minutos cada uno.

CURIOSIDADES
La serie se diseño para narrar las denominadas “Guerras Clon” entre la Republica Galáctica bajo el liderazgo del Canciller Palpatine, y la Confederación de Sistemas Independientes bajo el liderazgo del Conde Dooku. Cronológicamente, la serie tiene lugar durante los tres años que transcurren desde “El Ataque de los Clones” y el principio de “La Venganza de los Sith”. La serie fue producida por los Estudios Cartoon Network en asociación con Lucasfilm Ltd. Se mostraron en Internet y en el canal Cartoon Network en la forma de veinticinco episodios que se mostraron entre 2003 y 2005. Primero se emitían en televisión, y al día siguiente ya estaban disponibles para ser descargados en Internet. Tres añ

os después de su conclusión se estrenaría una nueva serie titulada “Star Wars: The Clone Wars”, con una considerablemente mejorada animación 3D CGI, que mostraría eventos que tenían lugar entre la segunda y tercera temporada de la serie que hoy analizamos.
Anthony Daniels es el único actor que repite su papel en las películas mostradas en ambas trilogías, otorgando su voz al personaje de C-3PO. La mayoría del resto del reparto fue extraída de actores que habían otorgado sus voces a distintos personajes de diferentes videojuegos de la segunda trilogía, es decir, los tres primeros episodios. Durante la tercera temporada de la serie, la mayor parte de la acción tiene lugar en el Planeta Nelvaan. Esto fue decidido como guiño a los Estudios Nelvana, compañía responsable por las series de animación “Droids” y “Ewoks” que fueron emitidas durante la década de 1980, así como por la secuencia animada de “The Star Wars Holiday Special” emitida en 1978. Igualmente, la especie que reside en el Planeta Nelvaan tiene el aspecto de los personajes parecidos a perros que aparecían en la película de los mismos estudios titulada “Rock & Rule”.

Siendo producida por Genndy Tartakovsky, y utiliza una animación similar a la empleada en la serie estrenada en 2001, “Samurái Jack”. Tartakovsky explicó que decidió otorgar a C-3PO de más movilidad en la serie, así como de unos ojos expresivos como homenaje a los animadores y estilo de animación de “Nelvana”, que habían hecho lo mismo en la mencionada serie “Droids”. Se pueden apreciar referencias a otras series de ciencia ficción. Un ejemplo se puede apreciar en la aparición de un Cylon, de la serie “Battlestar Galáctica”, entre la población del Planeta Coruscant. En misma escena se puede apreciar un “lanudo” que aparece en la ya mencionada serie “Samurái Jack”. El cinturón de Kit Fisto tiene la forma de dos peces unidos de una forma similar al símbolo de Tao, que aparece en la filosofía china. En el Planeta Nelvaan, Anakin tiene una visión donde se puede apreciar como una serie dibujos toman la forma de la máscara de Darth Vader dando a entender el futuro inevitable. En esa misma escena se pueden apreciar los gritos de Padmé Amidala.

El personaje de Durge fue diseñado específicamente para la serie, y creado por el departamento de arte del Rancho Skywalker, estudio que se encargó de desarrollar los conceptos de las películas. Existen similitudes entre la tercera temporada de la serie y una novela titulada “El Laberinto del Mal”, que también narra eventos que preceden a la película “La Venganza de los Sith”.
La serie logró hacerse con el Premio Emmy al Mejor Programa de Animación en el año de 2005. Fue muy bien recibida por la crítica, y algunos críticos señalaban que era incluso mejor que los dos primeros episodios de la segunda trilogía.

NOTA PERSONAL
Supongo que sería absurdo negar que la calidad de esta serie sobre las guerras clones sea inferior a la que le ha seguido, esto es una evidencia. Aun así, debo admitir que

esta serie me encantó y que le encuentro un encanto especial, del que carece la nueva. Quizás al ser de una duración limitada, las historias estaban más concentradas e incluían narrativas mucho más interesantes. El problema que surge cuando estiras mucho una serie, es que a menudo te encuentras con episodios poco interesantes, y las tramas fascinantes quedan limitadas a los primeros y últimos capítulos. Sin embargo, esto no quiere decir que la segunda serie sea mala, simplemente quiero acentuar mis elogios en esta.
Incluso con una animación más simple, tiene grandes momentos. Se nos muestra como se crea un sable de luz, como Anakin es nombrado Caballero Jedi y la precipitada razón que lleva a esto. También tenemos escenas que sirven de premonición el desastre que se avecina, y personajes que aparecen por primera vez, como la formidable Asajj Ventress. Podemos observar algún guiño a la trilogía original, como la batalla entre Anakin y Ventress, que tiene lugar en Yavin IV, lugar donde la rebelión esta establecida en la

primera película de la saga, “La Guerra de las Galaxias”.
Finalmente señalaré que me encantó la tercera temporada, que enlaza a la perfección con los eventos de “La Venganza de los Sith”, mostrándonos el plan del ataque sobre Coruscant, y como el General Grievous consigue capturar al Canciller Palpatine derrotando a sus protectores Jedi. Es en términos generales una serie entretenida, informativa, y que va directamente al grano, siendo por lo tanto elogiable.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)
PRIMERA TEMPORADA: Han pasado tres meses desde la Batalla de Geonosis, el Conde Dooku ha conseguido reclutar más planetas para el movimiento separatista. Junto al Canciller Palpatine, el Consejo Jedi decide realizar un ataque sobre el Planeta Muunilist, hogar del Clan Bancario, cuyo líder es San Hill. Palpatine sugiere que Anakin Skywalker lidere el ataque, pero Obi-Wan Kenobi señala que su padawan aun no esta preparado. A pesar d

e esto, Kenobi decide darle una oportunidad a su aprendiz, y se decide realizar un doble ataque en el planeta. Obi-Wan liderara el ataque en la superficie del planeta, mientras Anakin liderara el ataque en el espacio sobre el planeta. Antes de partir, Anakin se despide de su esposa secreta, la Senadora Padmé Amidala.
Mientras tanto, el Conde Dooku se encuentra en el proceso de seleccionar un nuevo asesino. Tras observar a varios contrabandistas en la arena de un planeta, Dooku observa como una mujer llamada Asajj Ventress hace uso de la fuerza para destruir al resto de los contrabandistas. Ventress proclama ser una Sith ante Dooku, que se ríe de su atrevimiento derrotándola con suma facilidad. La asesina despierta para ser sometida a un entrenamiento por parte de Dooku, que le presenta a su amo Darth Sidious. Tras un duro entrenamiento, Ventress recibe la misión de asesinar a Anakin Skywalker, y parte hacia Muunilist para cumplir su misión.
Mientras tanto, las tropas de Kenobi llegan a la superficie de Muunilist para iniciar su ataque sobre el Clan Bancario. El líder del clan, San Hill, e

ncarga al hábil contrabandista Durge que lidere a los droides para defender el planeta. Mientras tanto, en el Planeta Mon Calamari, el Maestro Jedi Kit Fisto y sus tropas protegen al consejo del planeta, pertenecientes a la Republica del ejército de la Liga de Aislamiento Quarren. Los guerreros Mon Calamari se unen al ejército de la Republica para poner fin al ataque, cabalgando sobre gigantes Keelkanas, lo que permite una victoria de la Republica.
En el Planeta Muunilist, el General Kenobi y sus tropas se enfrentan a Durge, al que Kenobi parte en dos con su sable láser. Tras partir hacia el cuartel del Consejo Bancario, Durge muestra sus habilidades de regeneración reiniciando la persecución. El General Kenobi llega al Cuartel del Clan Bancario, pero Durge contrataca en ese momento. Sin embargo, Kenobi consigue destruirle definitivamente. Mientras tanto, Anakin lidera el ataque sobre el espacio del planeta, demostrando sus capacidades, y consiguiendo la victoria de sus tropas. El General Kenobi consigue capturar a San Hill.
SEGUNDA TEMPORADA: Asajj Ventress llega al Planeta Muunilist

, donde ataca a Anakin como provocación para que la siga. El joven padawan persigue a la asesina por la superficie del planeta ante un estupefacto Obi-Wan, que le ordena a su aprendiz que se detenga. Sin embargo, Anakin desobedece, saltando al hiperespacio para perseguir a la asesina Ventress.
Los Separatistas atacan el Planeta Dantooine con enormes tanques que provocan seísmos. El joven Paxi Sylo es un granjero que observa la llegada del Maestro Mace Windu que se enfrenta a las tropas Separatistas. Durante la batalla, Mace Windu pierde su sable láser, y se ve obligado a hacer uso de sus habilidades Jedi para detener a un batallón de droides de combate mano a mano. Tras localizar su espada, Windu consigue infiltrarse en el tanque de seísmos, destruyéndolo desde su interior con éxito. Tras la batalla, el joven Paxi Sylo le ofrece al Maestro de Jedi un trago de su cantimplora, y tras beber, Mace Windu parte.
En el sagrado Templo Jedi del Planeta Ilum, la J

edi Luminara Unduli se encuentra completando el entrenamiento de su padawan Barriss Offe, que consigue utilizar un cristal con éxito para crear su propia espada láser. Justo en ese momento, ambas son atacadas en el Templo por un escuadrón de Droides Camaleón. El Maestro Yoda siente el conflicto a bordo de una nave de la Senadora Amidala. Yoda persuade al Capitán Typho para la nave tome un desvío de su ruta actual, y así poder rescatar a las Jedi del Templo. Padmé accede a tomar el desvío, y la nave llega al Planeta Ilum. Allí, Yoda se enfrenta a los Droides Camaleón, logrando derrotar a un escuadró y llegar al Templo. Inquieta por la tardanza de Yoda, Padmé acude en su busca acompañada por C-3PO y R2-D2, y los tres son atacados por Droides Camaleón. Utilizando a 3PO como cebo, Padmé consigue destruir a los Droides. Justo entonces aparece el Maestro Yoda junto a Luminara Unduli y Barriss Offe, a las que ha rescatado. Sin embargo, Yoda lamenta la destrucción del Templo, y descubre que fue ordenada por el Conde Dooku.
Mientras tanto, Anakin ha perseguido a Asajj Ventress hasta el Planeta Yavin

IV, a donde también llega una tropa de clones para ayudarle. Ventress consigue acabar con los clones sin dificultad, y conduce a Anakin hasta los antiguos Templos Massassi, habitados hace tiempo por Exar Kun, un Jedi caído que estableció la presencia del lado oscuro en el planeta. Combatiendo en un duelo de espadas, Anakin esta a punto de ceder al lado oscuro para derrotar a Ventress que cae al vacío.
Tras la victoria sobre el Clan Bancario, Anakin se reúne con Obi-Wan en Muunilist. Los Jedi reciben noticias de un nuevo General Droide Separatista que esta acabando con varios Jedi en el Planeta Hypori. Allí, los Caballeros Jedi Ki-Adi Mundi, Shaak Ti, Aayla Secura, K’Krunhk, Tarr Seirr y Sha’A Gi se enfrentan a un nuevo enemigo, el General Grievous. Este ha sido entrenado en el uso de las espadas láser, y acorrala a los Jedi. El Maestro Yoda siente la creciente oscuridad de los Sith.
TERCERA TEMPORADA: El Comandante Cody y sus tropas de clones acuden al rescate de los Jedi acorralados por el General

Grievous, y consiguen rescatar A Ki-Adi Mundi, Aayla Secura y Shaak Ti, logrando escapar, el resto de los Jedi han sido asesinados por el General Grievous. Sintiéndose superados, el Consejo Jedi debate sobre concederle a Anakin el rango de Caballero Jedi, sin que se presente a las pruebas. A pesar de la diferencia de opiniones, y varias dudas, el Consejo decide otorgarle el rango de Caballero Jedi. Por su parte, Anakin y Padmé comienzan a sentir la presión de ocultar su matrimonio, y contemplan el nuevo chasis de oro de C-3PO. Convocado por el Consejo, Anakin es nombrado Caballero Jedi, y Padmé se entera de la noticia, permitiendo que a partir de ese momento utilice a R2-D2.
El General Kenobi y el Comandante Skywalker son enviados a destruir un generador de escudo en el Planeta Bomis Korri IV. Como parte de su plan final, Darth Sidious traslada el conflicto al bode exterior para atraer allí al ejército de la Republica. Tras lograrlo, fuerzas separatistas inician un ataque sobre Coruscant. Mientras tanto, Kenobi y Skywalker son enviados al Planeta Nelvaan con la falsa pista de que Grievous puede estar allí. En el pl

aneta interrumpen el rito de iniciación de un joven, y descubren que algo ha invadido su país capturando a los hombres guerreros. La tribu decide que Anakin debe pasar la Prueba del Fuego. Para ello, Anakin debe encontrar a los guerreros de la tribu. El joven Jedi localiza un laboratorio oculto donde la Tecno Unión esta realizando experimentos con los guerreros Nelvaan, para convertirlos en ciborgs de guerra. Rodeado por los guerreros mutados, Anakin recibe la ayuda de uno de ellos, y destruye el cristal que proporciona poder al laboratorio. Sin embargo, Anakin se muestra inquieto por unas visiones sufridas en una caverna, que indicaban como sería dominado por el mal.
En Coruscant, el General Grievous consigue capturar al Canciller Palpatine, mientras Separatistas y Republica se enfrentan en la atmosfera del planeta. Tras recibir una comunicación del Consejo Jedi, Obi-Wan Kenobi y Anakin Skywalker parten para ayudar en la batalla, e intentar rescatar al Canciller.

ESCENA
En el Planeta Nelvaan, Anakin entra en una cueva donde sufre una visión. Pinturas en una pared forman la máscara de Darth Vader, mientras se oyen los gritos de Padmé.

FECHA DE ESTRENO
21 de Junio de 2006
TITULO ORIGINAL
Superman Returns
DIRECTOR
Bryan Singer
PRODUCTORES
Bryan Singer, Gilbert Adler, Jon Peters
GUION
Michael Dougherty, Dan Harris
REPARTO
Brandon Routh (Clark Kent, Kal-El, Superman), Kate Bosworth (Lois Lane), Kevin Spacey (Lex Luthor), James Marsden (Richard White), Parker Posey (Kitty Kowalski), Marlon Brando (Jor-El), Tristan Lake Leabu (Jason), Frank Langella (Perry White), Sam Huntington (Jimmy Olsen), Eva Marie Saint (Martha Kent), Noel Neill (Gertrude Vanderworth), Kal Penn (Stanford), David Fabrizio (Brutus), Ian Roberts (Riley), Vincent Stone (Grant), Jack Larson (Bo), Stephan Bender (Clark Kent a los 15 años)
CINEMATOGRAFÍA
Newton Thomas Sigel
BANDA SONORA
John Ottman, John Williams
DISTRIBUIDA POR:
Warner Bros. Pictures
DURACIÓN
154 minutos
PRECEDIDA POR:
Superman IV: En Busca de la Paz

JOR-EL: “Aunque hayas sido creado como un ser humano, no eres uno de ellos. Pueden ser grandes personas Kal-El, lo desean. Solo les falta la luz que les muestre el camino. Por esa razón principalmente, por su capacidad de hacer el bien, les he enviado a mi único hijo.”

CURIOSIDADES
Bryan Singer creó la historia de Superman regresando a la Tierra tras haber estado cinco años ausente cuando se encontraba rodando “X-Men 2” en el año 2003. Presentó esta idea a Lauren Shuler Donner y su marido Richard Donner, que había dirigido “Superman” en 1978, y estese mostró a favor de la idea. En marzo de 2004, la Warner Bross estaba comenzando la preproducción de “Superman: Flyby”, que se pretendía estrenar en junio de 2006. McG había firmado para dirigirla con un guion creado por JJ Abrams, pero abandonó el proyecto en junio de 2004. Ese mismo mes, la Warner Bros contactó con Singer para tomar

su idea titulada “Superman Returns”, justo cuando el director se preparaba para partir de vacaciones a Hawái con los guionistas de “X-Men 2”. En Hawái, Singer se unió a estos para definir el tratamiento de la película. En julio de 2004, Singer firmó para dirigir y desarrollar “Superman Returns”.
Sin ser un fan de los cómics, Singer se había impresionado con la película de Donner en 1978, la cual citó como una influencia definitiva en el desarrollo de esta que sería la quinta entrega de la franquicia. Su compromiso con el proyecto le obligó a abandonar el de “X-Men: La Decisión Final”. La película fue financiada al cincuenta por ciento por Warner Bros y Legendary Pictures. Para febrero de 2005, Dougherty y Harris habían escrito seis borradores del guion. Las primeras versiones hacían referencias a los atentados del once de septiembre, pero estas fueron eliminadas. En términos de continuidad, se eliminaron las historias de la tercera y cuarta película.
El rodaje de la película requirió el contratar a miles de tr

abajadores locales, lo que generó cien millones de dólares para la economía local. Las escenas de Smallville se rodaron en Tamworth, mientras que el Museo Australiano fue utilizado para las escenas en el Museo de Historia Natural de Metrópolis. La película fue rodada utilizando la cámara digital Génesis de Panavisión. El diseñador de producción Guy Hendrix Dyas fue influenciado por el Inmueble de la Johnson Wax de Frank Lloyd Wright para diseñar el edificio del Daily Planet. Se crearon un total de mil cuatrocientas tomas de efectos visuales. El guion requería una escena en la que Superman salvaba a un Boeing 777 en un campo de baseball, que precisó de imágenes creadas por ordenador al ser imposible reunir al suficiente número de extras para todas las tomas. Una segunda unidad del equipo viajó al estadio Dodger para fotografiar elementos que formaran parte de las imágenes de la escena. Utilizando escenas de la primera película de Superman, del año 1978, como referencia, se recreó a Marlon Brando con imágenes generadas por ordenador para que volviera a aparecer en el

papel de Jor-El. Los créditos del comienzo se presentaron con el estilo de la primera película, acompañados de su banda sonora original. John Ottman realizó composiciones que se añadieron a dicha Banda Sonora original de John Williams.
La película contó con un presupuesto de doscientos nueve millones de dólares, y logró recaudar trescientos noventa millones de dólares. Del mencionado presupuesto se emplearon cuarenta y cinco millones y medio de dólares en promocionar la película, comenzando en el Comic-Con Internacional de San Diego. Singer y los guionistas tuvieron la idea de publicar una serie limitada de cuatro cómics que servía como precuela de la película. Durante la producción, se crearon una serie de diarios de video que fueron subidas a Internet, mostrando el trabajo detrás de algunas de las escenas. Tras esto se comenzaron a mostrar trailers. DC Comics publicó una adaptación en comic de la película, y Marv Wolfman escr

ibió la novela del film. Electronic Arts se encargó de desarrollar un video juego basado tanto en la película como en los cómics.
Existieron varios intentos de crear una continuación en la que se pretendía utilizar a villanos como Brainiac y Bizarro, utilizando el continente arrojado al espacio como conexión. Sin embargo, a pesar de haber conseguido beneficios con “Superman Returns”, estos eran menos de los que se habían esperado. De esta forma, la segunda parte se fue posponiendo hasta que fue desechada.

NOTA PERSONAL
Nunca he entendido la aversión por gran parte del público hacia esta película, que me pareció excepcional. Sin poder ser comparado con Christopher Reeve, Brandon Routh me pareció muy convincente, la historia eficiente, y los efectos especiales formidables reforzando la ya creada noción cinematográfica de que “un hombre podía volar”. Lo único que lamenté es que se volviera a utilizar a Lex Luthor, que ya va sien

do bastante repetitivo en las historias del héroe, que cuenta con una excepcional galería de Supervillanos. La ausencia de Superman reforzaba algo ignorado por las anteriores películas, la sensación de soledad del héroe; y la idea de introducir al personaje de su hijo me pareció excepcional. En términos generales me pareció una película excepcional, que no ha sido debidamente valorada por una parte del público que equivocadamente sigue pensando que las historias de superhéroes son solo para niños. Esta película me marcó en el que consideró el año más difícil de mi vida, ayudándome a despegar de nuevo, como los héroes cuyas aventuras siempre he seguido.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
En una mansión, una anciana millonaria llamada Gertrude Vanderworth esta a punto de fallecer. Agradecida por la compañía que le ha otorgado tras salir de prisión y en

parte enamorada de él, se casa con Lex Luthor, que se convierte en heredero de toda su fortuna, a pesar de los intentos por parte de la familia de la anciana por detenerle. Luthor parte en compañía de su aliada Kitty Kowalski, que ha residido en la mansión como doncella. Al mismo tiempo en Smallville, Martha Kent contempla como una nave se estrella cerca de su casa. A bordo regresa Clark Kent, más conocido como Superman, tras su viaje Kriptón, planeta que encontró completamente destruido.
En su nuevo y heredado yate, Luthor parte rumbo al ártico. Su intención es la de regresar a la Fortaleza de la Soledad, morada abandonada por Superman durante su ausencia. Una vez allí, Luthor logra conectar una consola que le pone en contacto con la proyección holográfica de Jor-El, y logra saber todo acerca de los cristales de la Fortaleza y el conocimiento que contienen. En Smallville, Clark se recupera y recorre su antigua granja recordando su niñez y como fue conociendo sus poderes. También c

omprueba que en su ausencia el mundo se ha sumido en el caos. Tras eso, Clark regresa a Metrópolis, donde recupera su trabajo en el Daily Planet. Allí es recibido por Jimmy Olsen y Perry White. También descubre que Lois Lane se hizo con el Premio Pulitzer gracias a un articulo titulado “Porque el Mundo no Necesita a Superman”. Lois también ha tenido un hijo y sale con el sobrino de Perry White, Richard White, con quien esta comprometida. Lois Lane se encuentra cubriendo el lanzamiento de un transbordador especial cargado por un Boeing 777.
Luthor regresa a su nueva mansión con un cristal de la Fortaleza de la Soledad, decidido a hacerse con tecnología kriptoniana, y enriquecerse con esta. Tomando un minúsculo fragmento del cristal, Luthor observa como este crea una montaña en el sótano de la mansión, provocando un apagón temporal en toda la ciudad de Metrópolis. Esta reacción también provoca el apagón momentáneo del Boeing en el que viaja Lois. Al intentar desacoplar el transbordador, la maniobra no funciona, y el transbordador despega a t

oda velocidad arrastrando al Boeing con todos los periodistas a bordo. Clark se transforma en Superman y acude al transbordador logrando desanclarlo del avión. Sin embargo, el Boeing ha quedado dañado y comienza a descender sin control. Superman vuela tras el, logrando detenerlo a punto de que este se estrelle contra un campo de baseball llenó de espectadores, depositándolo en el campo. Tras asegurarse de que los pasajeros siguen bien y rencontrarse con Lois, Superman parte ante todo el campo de baseball que aclama su esperado regreso.
Perry White encarga inmediatamente a todos sus reporteros que consigan la historia tras el regreso de Superman. Sin embargo, Lois se muestra más interesada por el apagón, pero Perry la considera una noticia menor. Mientras tanto, Clark conoce a Jason, el hijo de Lois, quien parece un niño asmático y frágil. También se encuentra con Lois, y conoce a Richard. Por otro lado, el regreso de Superman preocupa a Luth

or, que ve la posibilidad de que sus planes no puedan llevarse a cabo. Alterado por los eventos, Clark vuela hasta la casa de Lois, observando la familia que ha construido, y sintiéndose fuera de lugar comienza a detener diferentes crímenes de Metrópolis. En ese momento, Luthor se encuentra robando el único fragmento de kriptonita localizado en un meteorito localizado en el Museo de Metrópolis, para lo cual coloca a Kitty en un coche sin frenos, de manera que Superman este entretenido salvando a su ayudante.
En el Daily Planet, Lois sube a la azotea para fumar, momento en el Clark se presenta ante ella como Superman, para concederle una entrevista sobre los motivos de su ausencia durante cinco años, más concreto su viaje a Kriptón. Juntos vuelan por Metrópolis, pero Lois se siente herida por haber partido sin despedirse, y haber abandonado a la humanidad, y mantiene que ahora el mundo no necesita un salvador. Superman le hace ver que no deja de escuchar a gente que suplica por un salvador. Lois escribe su artículo, ante lo que Perry s

e muestra encantado. Por su parte, Superman visita la Fortaleza de la Soledad y se percata que han robado sus cristales.
Sin embargo, Lois sigue queriendo investigar el apagón. Al averiguar el origen del mismo, se dirige a la mansión de Luthor antes de asistir a la ceremonia de su recogida del Premio Pulitzer, donde ella y su hijo Jason son capturados por Luthor, que lleva a ambos en su yate para culminar su plan. Este consiste en utilizar un torpedo con el cristal y la kriptonita para crear un continente, cuyo surgimiento dejara más de la mitad de los Estados Unidos bajo el agua. De esta forma, el mundo le suplicará y pagará lo que sea para habitar en su nuevo continente, formado parcialmente con kriptonita y protegido con tecnología avanzada. Mientras Jason toca el piano con uno de los matones de Luthor, Lois logra enviar un fax con sus coordenadas al Daily Planet, pero es descubierta. Para protegerla, y en un momento de ansiedad, Jason arroja el piano contra el matón, demostrando ser el hijo de Su

perman. Ambos son encerrados en un camarote.
Luthor dispara su torpedo, y un nuevo continente comienza a alzarse. Las coordenadas de Lois llegan al Daily Planet, y Richard decide acudir al lugar en su hidroavión, pero Clark se transforma en Superman para llegar antes. De camino observa una fisura que se dirige a Metrópolis, provocada por el nuevo continente que se eleva. Superman se ve obligado a regresar a Metrópolis para impedir su inminente destrucción. Mientras tanto Luthor, Kitty y sus hombres parten el helicóptero, y el nuevo continente se alza atravesando al yate, donde Lois y Jason continúan, que comienza a hundirse. Richard llega para rescatarles, pero los tres quedan atrapados hundiéndose en el océano.
Tras solventar varias crisis por todo Metrópolis, Superman regresa a tiempo de rescatar a los tres, y llevarlos al hidroavión de Richard. Cuando este ha despegado, Superman se dirige al nuevo continente para enfrentarse a Luthor. Sin embargo, al estar compuesto por kriptonita, el continente debilita a Superman, que es acu

chillado por Luthor con un fragmento de kriptonita que queda en su interior, y arrojado al mar. En el hidroavión, Lois convence a Richard para que regresen a ayudar a Superman, al saber que este esta expuesto a kriptonita. Richard, Lois y Jason llegan a tiempo de salvarle del mar, y Lois arranca el fragmento de kriptonita de su costado.
Parcialmente recuperado, Superman vuela por encima de las nubes para absorber energía solar, tras lo que se sumerge el océano abriendo una brecha en el continente para alzarlo desde su base. El continente comienza a elevarse, lo que fuerza a Luthor y Kitty a escapar en su helicóptero mientras sus matones perecen. Antes de elevarse, una arrepentida Kitty arroja el resto de los cristales al fondo del mar. Con un gran esfuerzo, Superman eleva el continente al espacio donde lo abandona. Sin embargo, el esfuerzo provoca que el héroe se estrelle quedando sumido en coma.
Superman es llevado a un hospital, donde se le extraen más fragmentos de kriptonita, tras lo que los médicos no pueden realizar

operación alguna. Lois acude al hospital en compañía de Jason. Lois susurra un secreto al oído de Superman, tras lo que abandona el hospital. Afuera entre la multitud se encuentra también Martha Kent. Por su parte, Luthor y Kitty han quedado atrapados en una isla desierta, debido a que el helicóptero ya no tiene gasolina.
Superman despierta recuperado y acude a casa de Lois a visitar a Jason, al saber ya que se trata de su hijo, y le recita las palabras que Jor-El le dedico. Lois se encuentra escribiendo un nuevo artículo titulado “Porque el Mundo Necesita a Superman”, y se encuentra con él. Superman le asegura que ha vuelto para quedarse tras lo que vuela hacia la órbita del planeta, observando su hogar desde el espacio.

ESCENA
Superman pone a salvo el transbordador espacial, y evita que el avión en que viaja Lois Lane se estrelle, en una de mis escenas favoritas del film.

FECHA DE ESTRENO
18 de Diciembre de 1969
TITULO ORIGINAL
On Her Majesty’s Secret Service
DIRECTOR
Peter R Hunt
PRODUCTORES
Harry Saltzman, Albert R Broccoli
GUION
Richard Maibaum
Basado en la novela de Ian Fleming
REPARTO
George Lazenby (James Bond, Agente 007), Diana Rigg (Tracy di Vicenzo), Telly Savalas (Ernst Stavro Blofeld), Gabrielle Ferzetti (Marc-Ange Draco), Ilse Steppat (Irma Bunt), Bernard Lee (M), Lois Maxwell (Señorita Moneypenny), George Baker (Sir Hilary Bray), Yuri Borienko (Grunther), Bernard Horsfall (Shaun Campbell), Desmond Llewelyn (Q), Virgina North (Olympia), Julie Ege (Helen), Catherine von Schell (Nancy)
CINEMATOGRAFÍA
Michael Reed
BANDA SONORA
John Barry
DISTRIBUIDA POR:
United Artists
DURACIÓN
140 minutos
PRECEDIDA POR:
Solo se Vive Dos Veces
SUCEDIDA POR:
Diamantes Para la Eternidad

TRACY DI VICENZO: “¿Por qué insiste usted en rescatarme Señor Bond?”
JAMES BOND: “Se esta convirtiendo en un habito, ¿verdad Teresa?”
TRACY DI VICENZO: “Teresa fue una santa, yo me llamo Tracy.”
JAMES BOND: “Bien Tracy, la próxima vez no se arriesgue y plántese en el cinco.”
TRACY DI VICENZO: “La gente que quiere seguir viviendo no se arriesga.”
JAMES BOND: “Siga viviendo. Al menos esta noche.”
TRACY DI VICENZO: “Suite 423. Espero que valga la pena… socio.”

CURIOSIDADES
Cuando Sean Connery decidió abandonar el papel de James Bond, tras “Solo se Vive Dos Veces”, Eon Productions decidió escoger a un actor y modelo desconocido llamado George Lazenby para interpretar al agente secreto. Durante el rodaje de la película, Lazenby decidió que esa sería la única vez que interpretaría a James Bond.
Esta fue la única película de James Bond

dirigida por Peter R Hunt, que había trabajado como encargado del montaje y director de la segunda unidad en las anteriores películas de la saga. Junto a los productores Albert R Broccoli y Harry Saltzman, Hunt decidió crear una película más realista, que siguiera la trama de la novela de una manera más fiel. Se rodó en Suiza, Inglaterra y Portugal desde octubre de 1968 hasta mayo de 1969. A pesar de que la película no recaudó tanto dinero como sus predecesoras, siguió siendo una de las más rentables en el año de su estreno. La reacción de la crítica fue variada, pero la reputación de la película se incrementó con el paso del tiempo.
La novela en la que se basaba la película fue la primera en publicarse después de que la saga cinematográfica comenzara. De hecho fue la primera novela en la que Bond hacia uso de gadgets, como guiño a las películas. También fue la primera novela en mencionar que Bond procedía de Escocia. Originalmente, Broccoli y Saltzman tenían la intención de que esta película fuera la siguiente a “James Bond Contra Goldfinger”, con

lo que en aquel entonces Richard Maibaum comenzó a trabajar en el guion. Sin embargo se optó por “Operación Trueno” al haber logrado finalizar con la perpetua lucha sobre los derechos de esa novela entre Fleming y Kevin McClory. Se decidió entonces que “007 al Servicio Secreto de su Majestad sería la siguiente, pero hubo problemas con el rodaje en Suiza, que experimentó un inusualmente cálido invierno, que no proporcionó la nieve suficiente. Debido a esto, la película se pospuso, y se optó por continuar con “Solo se Vive Dos Veces”. Entre la dimisión de Sean Connery al comienzo del rodaje de esta película y estrenó, Saltzman deseaba adaptar “El Hombre de la Pistola de Oro”, y otorgar el papel de Bond a Roger Moore. Sin embargo, la inestabilidad política en Camboya, lugar escogido para el rodaje probó ser una dificultad, que se volvió imposible cuando Roger Moore firmó para la serie de televisión “El Santo”. De eta forma, se optó por rodar la película que analizamos hoy después de “Solo se Vive Dos Veces”.
En esta ocasión, y contrariamente a lo suce

dido en la novela, se optó por abandonar el uso de gadgets, y concentrarse más en la trama, tal y como había ocurrido en “Desde Rusia con Amor”. Peter Hunt le solicitó a Simon Raven que escribiera el dialogo entre Tracy y Blofeld en Pico Gloria, pues deseaba que mostrara el nivel intelectual de ambos personajes. Una de las adiciones de Raven fue el que Tracy citara a James Elroy Flecker. Al escribir el guion, los productores indicaron su deseo de que la adaptación se aproximara todo lo posible al libro. Prácticamente todo lo que se narraba en la novela, apareció en la película como consecuencia de este esfuerzo. De hecho, Hunt siempre aparecía en el rodaje con una copia de la novela para guiarse.
Sin embargo, esta atención prestada a una adaptación excelente, provocó varios errores en la continuidad de la saga. El más notable de todos era que Blofeld no reconocía a Bond cuando este aparecía en Pico de Gloria haciéndose pasar por Sir Hilary Bray. Esto se debía a que en la anterior película, “Solo se Vive Dos Veces”, ambos se habí

an visto las caras. Para evitar esto, en el guion original se había optado porque James Bond se sometiera a cirugía plástica para ocultarse de sus enemigos. De esta forma no sería reconocido al infiltrarse en la base de Blofeld, y los espectadores tendrían más facilidad al recibir al nuevo actor. Sin embargo, esta idea se eliminó para ignorar deliberadamente el cambio de actor. Para que los espectadores no olvidaran que se trataba del mismo James Bond, aunque interpretado por un nuevo actor, se incluyeron varias referencias a las anteriores películas, algunas como bromas. Entre ellas se incluyó una escena en la que Bond rompía la denominada cuarta pared, señalando que “esto no le había ocurrido al otro” directamente a la cámara. Otro momento consistía en James Bond observando varios objetos y gadgets de las anteriores películas en su despacho.
Curiosamente, la banda sonora de esta película ha sido considerada por muchos como la mejor de toda la saga. Fue compuesta y dirigida por John Barry, para el que esta

era la quinta película de James Bond en la colaboraba. Barry decidió utilizar más instrumentos eléctricos, y un sonido más agresivo en la música, para incrementar determinados momentos.
El personaje de Irma Bunt no volvió a aparecer en toda la saga, siendo la única villana que no encontró un final trágico. Esto se debió a que la actriz Ilse Steppat falleció tras el estreno de la película. Otro de los aspectos populares de la película fue la boda de James Bond, y su trágico final, rompiendo con los característicos finales de la saga, en los que el agente secreto siempre conseguía a la chica ante los ojos atónitos de las autoridades, con un toque que provocaba que el final tuviera un toque de comedía.
Sean Connery regresaría en la siguiente película “Diamantes Para la Eternidad”, siendo esta su definitiva última aparición. A pesar de que el actor regresó para “Nunca Digas Nunca Jamás”, esta película no se incluyó en el cannon, al ser un remake de “Operación Trueno”. George Lazenby cumplió su palabra, y no volvió a interpretar a 0

07, siendo el único actor que lo ha hecho solo una vez.

NOTA PERSONAL
Las primeras películas de James Bond que vi en el cine fueron las de Roger Moore, pero después de esto, la película de hoy fue la primera que alquilé. Aun cuando muchos fans de la saga se han mostrado críticos, esta película se encuentra entre mis favoritas, y siempre he considerado que George Lazenby defendió muy bien el papel. Creo que la película contiene algunos de los grandes momentos de toda la saga, como la famosa boda de Bond, y su trágico final.
Por señalar algo, lo único que no me gustó fue la ausencia de gadgets, algo que siempre me ha gustado durante de la saga. Pero esto es lo único, Blofeld como villano es excepcional, su ayudante Irma Bunt es perfecta como malvada segunda al mando, y recuerda un poco al personaje de Rosa Klebb en “Desde Rusia con Amor”. Toda la trama en la clínica con las atractivas Ángeles de la Muerte añade un t

oque gracioso a la película, que a su vez esta dotada de un rimo trepidante con persecuciones, peligros, y una gran dosis de romanticismo. Todo esto culmina en un final apoteósico, que considero el mejor de toda la saga. La verdad es que toda la película me parece excepcional, y afortunadamente la crítica ha terminado por aceptar este hecho con el paso del tiempo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
James Bond se encuentra en Portugal, donde evita que una bella joven se suicide en la playa. Sin embargo, el agente se ve obligado a luchar contra unos hombres que les han seguido, y para cuando la lucha ha terminado, la mujer ha desaparecido. Bond se encuentra de nuevo con la joven en un casino, donde la ayuda en una jugada en la ruleta en la que se encuentra sin dinero. El agente descubre que la joven es la Condesa Tracy di Vicenzo, y ambos terminan por pasar la noche juntos, después de que Bond se enfrenta de nuevo a unos matones. A la mañana siguiente, Tracy se ha marchado mient

ras Bond es capturado por los matones de la noche anterior, que llevan ante el jefe del sindicato del crimen europeo conocido como Unión Corsa, Marc-Ange Draco. Este es además el padre de Tracy, y le explica a Bond el problemático pasado de la joven. Deseoso de que su hija encuentre la felicidad, Draco le ofrece a Bond una fortuna a cambio de se case con Tracy. Bond se niega, pero accede a seguir cortejando a Tracy, a cambio de que Draco revele el paradero de Ernst Stavro Blofeld, jefe de Espectra.
De regreso en el Reino Unido, M retira a Bond del caso Blofeld, ya que en dos años no ha logrado encontrarle. Enojado, Bond le redacta una carta de dimisión a Moneypenny, que en realidad escribe una solicitud de permiso por dos semanas que es aceptada. Bond asiste a la fiesta de cumpleaños de Draco en Portugal, donde se rencuentra con Tracy. Draco le confía a Bond de la posibilidad de una relación entre Blofeld y un abogado llamado Gumbold, que reside en la ciudad de Berna, en Suiza. Bond y Tracy comienzan una relación durante la estancia de este en Po

rtugal, que se afianza seriamente. En Berna, Bond investiga en el despacho de Gumbold, y descubre que Blofeld se esta escribiendo con Sir Hilary Bray, genealogista del Colegio de Armas de Londres. Su intención es reclamar el titulo de Conde Balthazar de Bleuchamp. Bon utiliza esta información para convencer a M de que le devuelva el caso.
Bond visita a Bray que le permite que se haga pasar por él, para reunirse con Blofeld, que ha establecido un instituto de investigación clínica en el Pico Gloria, en los Alpes Suizos. Allí, Bond se presenta como Bray y es recogido por la asistente de Blofeld, Irma Bunt. Allí conoce a diez atractivas mujeres, que son las pacientes de Blofeld, las cuales quedan prendadas ante su visitante. Tras cenar con las jóvenes, Blofeld recibe a Bond mostrando documentos que en teoría demuestran su derecho al titulo de Conde. También le explica que ha desarrollado novedosos tratamientos para distintas alergias. Durante la noche, Bond escapa de su habitación para reunirse con la paciente Ruby, manteniendo relaciones c

on ella. A medianoche, Bond observa como Ruby es sometida a un estado de trance mediante luces en la habitación, y una grabación. De regreso a su habitación, Bond tiene otro encuentro sexual con otra paciente que le ha estado esperando.
Al día siguiente, Bond intenta convencer a Blofeld de la necesidad de abandonar Suiza para seguir las investigaciones que le confirmaran como Conde. En necesidad requiere que Blofeld abandone el país para que el Servicio Secreto Británico pueda arrestarlo. Durante la noche, Bond visita a Ruby, pero se encuentra con Irma Bunt, y es capturado. Blofeld ha descubierto que se trata de James Bond, y le revela la pretensión de amenazar al mundo con una guerra bacteriológica, con su virus Omega, que provoca la esterilidad. Las diez pacientes son sus “Ángeles de la Muerte”, a las que les esta lavando el cerebro para que distribuyan el virus por todo el mundo.
Bond logra escapar y observa como los

Ángeles de la Muerte reciben una última terapia hipnótica, en la que se les entrega el virus que han de distribuir cuando reciban la orden. Tras esto, Bond escapa de la clínica esquiando montaña abajo, perseguido por los hombres de Blofeld. Con dificultad, Bond llega al pueblo de Lauterbrunnen, donde sigue siendo perseguido. Allí se encuentra con Tracy que le ayuda a escapar del pueblo en su coche. Irma les persigue en otro coche con varios hombres de Blofeld. La persecución se adentra en una cercana carrera de coches, durante la cual Bond y Tracy consiguen despistar a sus perseguidores.
Una repentina tormenta de nieve obliga a Bond y Tracy a refugiarse en un granero cercano. La pareja pasa la noche allí, y Bond declara su amor hacia Tracy, proponiéndole matrimonio, y Tracy acepta. A la mañana siguiente, la pareja continúa su huida esquiando, de nuevo perseguidos por los hombres de Blofeld. Este provoca una avalancha que deja a Bond sepultando, tras lo cual captura a Tracy. Dando a Bond por muerto, Blofeld y sus hombres se retiran, pero este ha sobrevivido.

De regreso en Londres, M y Bond descubren que Blofeld ya ha puesto condiciones para no iniciar su guerra bacteriológica. Desea amnistía por sus crímenes pasados y ser reconocido como Conde de Bleuchamp. Bond insiste que la guerra se puede evitar destruyendo el centro de control, pero M le prohíbe organizar una operación de rescate para Tracy. Bond desobedece, y con la ayuda de Draco y sus fuerzas ataca la base de Blofeld. Durante el ataque, Bond consigue localizar a Tracy, qua derrotado a un hombre de Blofeld, y esta es puesta a salvo. Bond consigue fotografías de los Ángeles de la Muerte, y se enfrenta a Blofeld, persiguiéndole en bobsled. Mientras tanto, Draco y sus hombres destruyen todo el complejo de Pico Gloria. Durante la persecución, Blofeld termina chocando contra un árbol, que daña seriamente su cuello.
Bond y Tracy se casan en Portugal, y parten en su coche. La pareja se detiene en carretera, pues Bond desea retirar las flores que decoran el coche. Justo en ese momento Blofeld e Irma disparan a la pareja desde otro coche, escapando después. Un policía llega al lugar, pero es demasiado tarde, Bond descubre que su nueva esposa ha fallecido.

ESCENA
Este es un tráiler elaborado por el usuario “Claalc”, que resume la película a través de sus mejores escenas.

FECHA DE ESTRENO
13 de Diciembre de 1985
TITULO ORIGINAL
Legend
DIRECTOR
Ridley Scott
PRODUCTORES
Tim Hampton, Arnon Milchan
GUION
William Hjortsberg
REPARTO
Tom Cruise (Jack), Mia Sara (Princesa Lily), Tim Curry (Señor de las Tinieblas), David Bennent (Honeythorn Gump), Alice Playten (Blix, voz de Gump), Billy Barty (Screwball), Cork Hubbert (Brown Tom), Peter O’Farrell (Pox), Kiran Shah (Blunder), Annabelle Lanyon (Oona), Robert Picardo (Meg Mucklebones), Tina Martin (Mell), Ian Longmur (Cocinero demonio), Mike Crane (Cocinero demonio), Liz Gilbert (Vestido negro danzante), Eddie Powell (Guardia momificado)
CINEMATOGRAFÍA
Alex Thomson
BANDA SONORA
Jerry Goldsmith, Tangerine Dream
DISTRIBUIDA POR:
Universal Pictures
DURACIÓN

95 minutos

SEÑOR DE LA OSCURIDAD: “Quieta. Te agradan mis regalos. ¿No te gusta ese vestido?”
PRINCESA LILY: “No.”
SEÑOR DE LA OSCURIDAD: “¿Así hablas de tu traje nupcial? Al fin he encontrado mi compañera, y tú lo sabes.”
PRINCESA LILY: “Jamás.”
SEÑOR DE LA OSCURIDAD: “Debajo de la piel somos ya un solo ser. ¿No fue el pecado el que atacó al unicornio? Ahora la semilla maligna de lo que hiciste esta germinando en tu interior.”
PRINCESA LILY: “No. Mientes. Me repugnas, no eres más que un animal.”
SEÑOR DE LA OSCURIDAD: “Todos somos animales señora. El último unicornio morirá esta noche, según vaya saliendo sangre, el sol se ocultará para siempre, y jamás habrá otro amanecer. Señora, yo necesito el solaz de las sombras, y la oscuridad de la noche. La luz es mi destructora.”

CURIOSIDADES

Mientras rodaba “Los Duelistas” en Francia, Ridley Scott tuvo la inspiración para realizar esta película, cuando el proyecto de “Tristán e Isolda” se vino abajo. Sin embargo, consideró que la idea se convertiría en una película artística que atraería a una audiencia limitada, por lo que decidió embarcarse en el proyecto de “Alien”, y su trabajo de pre producción para “Dune”, otro proyecto que no llevaría a cabo, y caería en manos de David Lynch. Frustrado, volvió a la idea de rodar una historia mitológica o cuento de hadas. Para inspirarse, leyó todos los cuentos clásicos, incluyendo los de los Hermanos Grimm. Desde ahí, tuvo la idea de una historia acerca de un joven ermitaño que se transformaba en héroe al luchar al Señor de la Oscuridad, para rescatar a una hermosa princesa y rescatarla de una maldición invernal.
Scott deseaba que “Legend” tuviera un guion original, porque sentía que era más fácil diseñar una historia para encajar el estilo cinematográfico, que flexionar el estilo de una historia establecida. De casualidad, descubrió varios libr

os escritos por William Hjortsberg, y que además había escrito varios guiones para algunas películas de bajo presupuesto que nunca se habían llevado a cabo. Scott le preguntó si estaba interesado en escribir un cuento de hadas, y tuvo la suerte de descubrir que ya había escrito algunos, por lo que accedió. La primera idea fue realizar un cuento de hadas clásico, pero al analizar este tipo de historias se percató de que eran demasiado cortas, o demasiado complejas. Los dos establecieron lazos con “La Bella y la Bestia” de Jean Cocteau. En enero de 1981, justo antes de comenzar el rodaje de “Blade Runner”, Scott y Hjortsberg pasaron cinco semanas trabajando en el borrador de una historia a la que inicialmente llamaron “La Leyenda de la Oscuridad”. En un principio, Scott solo tenía la noción original de alguien que perseguía a un unicornio. De ahí se llegó a la idea de una búsqueda que debía incluir al unicornio, y elementos como una armadura mágica y una espada. Hjortsberg sugirió someter al mundo de la historia a una oscuridad invernal. Scott también deseaba mostrar pocos aspectos del mundo exterior, y e

stablecieron la narración en una pequeña casa de campo. Inicialmente, la búsqueda era mucho más extensa, y eventualmente tuvo que ser reducida substancialmente. Scott deseaba evitar demasiadas tramas secundarias que se apartaran del argumento principal, buscando un ritmo más contemporáneo en lugar de caer en un formato excesivamente clásico. Para cuando Scott había completado “Blade Runner”, Hjortsberg tenía un guion demasiado largo, demasiado caro y poco práctico en términos generales. Lo examinaron, eliminando grandes secciones que eran secundarias. Juntos llegaron a realizar quince revisiones del guion en total.
El estilo que Scott había concebido para la película estaba influenciado por la animación de Disney, a quien llegó a proponer el proyecto. Sin embargo, la compañía se sintió intimidada por el tono oscuro del film, cuando en aquel entonces se enfocaban en material dirigido para toda la familia. Scott tomó la referencia visual de películas como “Blancanieves y los Siete Enanitos”, “Fantasía” y “Pinocho”. Scott colaboró con Arthur Lea, consejero visual qu

e diseñó a varios personajes y entornos. A pesar de esto, Scott terminó por remplazarle por Assheton Gorton, un diseñador de producción que había deseado adquirir para “Blade Runner” y “Alien”. También consultó con el experto en efectos especiales Richard Edlund, porque no deseaba limitar a personajes principales al número de actores pequeños que pudieran actuar. Llegó a considerar a Mickey Rooney para uno de los personajes principales, pero lo descartó ya que no parecía lo suficientemente bajo junto a Tom Cruise. Edlund tuvo la idea de rodar en 70 mm, tomando el negativo para reducir a los actores al tamaño requerido, pero esto resultaba demasiado caro, por lo que Scott tuvo que buscar un reparto de actores pequeños. Universal Pictures accedió a financiar y distribuir “Legend” con un presupuesto de veinticuatro millones y medio de dólares.
Excepto Tom Cruise y Mia Sara, todos los actores necesitaban que se les aplicara extenso maquillaje, lo que requería varias horas. Se aplicaban entre ocho y doce piezas de prótesis en la cara de cada uno de los actores, amoldada

s a sus rostros para que sus músculos faciales pudieran moverlas. Los efectos del Señor de la Oscuridad fueron los más complicados, y el proceso llevaba hasta cinco horas y media de duración. Para el maquillaje, Scott contactó con Rob Bottin, diseñador del maquillaje de “Aullidos” para que trabajara en los de “Blade Runner”, pero este estaba comprometido con los de “La Cosa”. Cuando terminó dicho trabajo, Scott contactó con él para que trabajara en los de “Legend”. Al leer el guion, Bottin lo vio como una gran oportunidad para crear personajes que eran esenciales en una película.
La primera versión de la película duraba 125 minutos, que se redujeron a 113. Tras mostrarla a una selección de actores se redujeron otros veinte minutos. Scott señaló que las versiones más largas funcionaban mejor con la audiencia europea que con la americana. La película fue un desastre en taquilla, recaudando solo la mitad del presupuesto utilizado.

NOTA PERSONAL
La verdad es que esta es una de las

muchas ocasiones en las que una película que fracasa en taquilla, se convierte en una de mis favoritas, aunque el tiempo ha sido más generoso con ella. Ridley Scott realizó una espectacular fusión de diferentes elementos de los cuentos de hadas, que resultó en un resultado elegante a la par que fascinante. Igualmente formidable me pareció el uso de los diálogos en verso por parte de algunos personajes, y los efectos formidables me parecen mucho más logrados que los que podemos contemplar a día de hoy con los populares efectos por ordenador. El Señor de la Oscuridad me parece de un logró inigualable como villano de una película de fantasía.
Los actores son geniales en todo momento, e incluso me pareció que Tom Cruise lograba otorgar a su personaje esa mezcla de inocencia, valor y encanto, lo que contribuía a la credibilidad de un personaje que ha residido en el bosque toda su vida. Excepcional, y muy por encima de los demás, la labor de Mia Sara. Su e

volución es tan creíble, que empuja al espectador a dudar sobre si realmente ha sido seducida por el Señor de la Oscuridad o no.
En conjunto me parece una de las películas de fantasía más logradas que he visto, y mucho más teniendo en cuenta que procede de la década de 1980. De hecho, y a pesar de su fracaso en taquilla, la película ha logrado convertirse en objeto de culto.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Hace mucho tiempo, en un mundo de unicornios, hadas, trasgos y demonios, el Señor de la Oscuridad lamentaba su aislamiento, exiliado en la oscuridad debido a su incapacidad de caminar bajo el sol. Al sentir la presencia de dos unicornios que guardan el poder de la luz, le ordena a su trasgo sirviente Blix que los encuentre y destruya. Solo debe regresar con sus cuernos, lo que creará una oscuridad perpetua, y asegurara que el sol no vuelva a salir.
La Princesa Lily tiene una personalidad traviesa, y disfruta adentrándose en el bosque para averiguar sus secretos con la ayuda de Jack, un joven que reside en lo

s bosques. Enamorado de Lily, Jack decide darle una sorpresa llevándola a contemplar los dos últimos unicornios. Lily comete la imprudencia de tocar a uno de ellos, momento en el que Blix le dispara un dardo envenenado. Los unicornios huyen asustados, mientras que Jack considera que esto se debe a la intromisión de Lily. Sin embargo, la Princesa consigue calmarle enseñándole su anillo. Al lanzarlo a un estanque declara que quien lo encuentre se convertirá en su marido. Jack se sumerge en busca del anillo, mientras los Trasgos localizan al unicornio envenado, y Blix corta su cuerno acabando con su vida. Esto provoca que un clima invernal asole el mundo, y el lago donde Jack se encuentra sumergido se congela. Para cuando consigue atravesar el hielo, Lily ha desaparecido y el bosque esta cubierto de hielo y nieve.
Lily se aproxima a una cabaña donde reside una campesina amiga suya, para encontrar con que la mujer ha quedado congelada también. Los Trasgos llegan a la cabaña, y Lily escondida les

escucha explicar como su inocencia y belleza sirvieron de cebo para los unicornios. Aterrada por lo que ha provocado, se decide intentar buscar un remedio a la catástrofe que asola su mundo.
Jack se encuentra con un Elfo llamado Gump, un hada llamada Oona, y dos enanos llamados Tom y Cabezón. Gump se enfurece al descubrir que Jack permitió que Lily tocara a un unicornio, y le somete a un acertijo para que este se gane su perdón. Jack supera la prueba, y es perdonado, aunque todo el grupo sigue pensando que Lily es la responsable del caos que se ha desatado. Juntos encuentran al unicornio envenenado y su pareja, dejando a Tom para custodiar al último vivo de su especie. Gump decide que Jack debe convertirse en el campeón que ha de salvar al mundo, y le acompañan a conseguir una armadura, escudo y espada.
Lily encuentra a Tom y los unicornios, y solicita su perdón por el desastre causado, asegurando que hará lo que sea necesario para salvar el mundo. Sin embargo, los Trasgos regresan para atacarles

, dejando a Tom inconsciente, y llevándose al unicornio y a Lily como prisioneros. Mientras tanto, Jack se hace con sus armas, y descubre que el hada Oona tiene la capacidad de adoptar tamaño humano. Oona le pide que mantenga esto en secreto. El grupo regresa con Tom, que explica lo que ha sucedido, por lo que deciden adentrarse en la fortaleza del Señor de la Oscuridad para salvar al unicornio y a Lily.
De camino atraviesan una ciénaga, donde son atacados por un monstruo llamado Meg. Esta pretende devorar a Jack, que lo evita seduciéndola para luego matarla con su espada. El grupo llega a la Fortaleza del Señor de la Oscuridad, pero son capturados en una celda por un cocinero demoníaco. Jack rompe su promesa y revela que Oona puede salir de la celda, adoptar forma humana, y conseguir la llave que les liberará. Esto irrita al hada que se ha enamorado de Jack. Accede a liberarlos a cambio de un beso de Jack, pero este no es capaz debido a su amor por Lily. A pesar de esto, Oona se muestra c

omprensiva y les libera.
Mientras tanto, el Señor de la Oscuridad se ha quedado prendado de Lily debido a su inocencia, y comienza a seducirla con joyas, y un vestido danzante que posee a la Princesa. Tras esto se revela a Lily, que se muestra aterrada ante su presencia, aunque poco a poco se va mostrando más segura. El Señor de las Tinieblas le explica que sacrificara al último unicornio esa noche, y que tras esto, el sol no volverá a salir en el mundo. Jack y los demás han escuchado esto tras la puerta de la sala en la Lily se encontraba con el Señor de las Tinieblas, y Jack decide que han de llevar la luz del sol hasta el lugar para acabar con él. Mientras tanto, Lily accede a ser la pareja del Señor de la Oscuridad a cambio de que permita que sea ella la que acabe con el unicornio.
El grupo de Jack dispone una serie de escudos para que reflejen la luz del sol hasta la sala de sacrificios, y acuden hasta allí. Cabezón debe colocar el último escudo en el exterior pero se queda dormido. En la sala de s

acrificios, Jack contempla horrorizado como Lily se dispone a matar al unicornio, pero decide confiar en ella. Lily ha estado fingiendo, y con su espada libera al unicornio, mientras Jack se bate en duelo contra el Señor de la Oscuridad. Oona acude a despertar a Cabezón, y el último escudo es colocado. La luz entra en la sala de sacrificios, acabando con el Señor de la Oscuridad, que queda exiliado en su dimensión.
Lily ha quedado hechizada, para romper en hechizo, Jack recupera su anillo del lago, se lo pone y la besa. Lily se despierta, y el mundo recupera la luz. Jack y sus amigos se despiden de Jack y Lily, aunque en el fondo se sigue escuchando la risa del Señor Oscuridad, que nunca podrá ser destruido del todo.

ESCENA
Siempre me ha encantado la escena en la que el vestido negro seduce a Lily. La música era distinta en la edición americana que en la europea, y esta no es la que había escuchado cuando vi la película, pero ahí queda.

FECHA DE ESTRENO
26 de Julio de 1951
TITULO ORIGINAL
Alice in Wonderland
DIRECTORES
Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske
PRODUCTOR
Walt Disney
GUION
Winston Hibler, Ted Sears, Bill Peet, Erdman Penner, Joe Rinaldi, Milt Banta, William Cottrell, Dick Kelsey, Joe Grant, Dick Huemer, Del Connell, Tom Oreb, John Walbridge
Basado en las novelas de Lewis Carroll
REPARTO (VOCES)
Kathryn Beaumont (Alicia), Ed Wynn (Sombrerero Loco), Jerry Colonna (Liebre de Marzo), Richard Haydn (Oruga Azul), Sterling Holloway (Gato de Cheshire), Verna Felton (Reina de Corazones), J Pat O’Malley (Tweedledum y Tweedledee, Morsa, Carpintero, Mamá Ostra), Bill Thompson (Conejo Blanco, Pat el Dodo), Heather Angel (Mathilda, tía de Alicia), Joseph Kearns (Picaporte), Larry Grey (Lagarto Bill, Carta pintora), Queenie Leonard (Pájaro en árbol, Flor), Dink Trout (Rey de Corazones), Doris Lloyd (La Rosa), Jimmy MacDonald (Ratón), The Mellomen (Cartas pintoras)
CINEMATOGRAFÍA
Inaplicable
BANDA SONORA
Oliver Wallace
DISTRIBUIDA POR:
RKO Radio Pictures
DURACIÓN
75 minutos
CLASICO ANTERIOR
Cenicienta
CLASICO SIGUIENTE
Peter Pan

ALICIA: “¿Tonterías? Eso, tonterías Diana. Si yo hiciera mi mundo todo sería un disparate, porque todo sería lo que no es y entonces al revés, lo que es no sería, y lo que no podría ser si sería. ¿Entiendes?”

SOBRERERO LOCO: “Bien sabido es que tienes tú un cumpleaños.”
LIEBRE: “Imagínate, uno solamente al año.”
SOBRERERO LOCO: “Pero te quedan trescientos sesenta y cuatro días de no cumpleaños.”
LIEBRE: “Precisamente son los que celebramos aquí.”
ALICIA: “Entonces también es mi no cumpleaños hoy.”
LIEBRE: “¿De veras?”
SOBRERERO LOCO: “Ay, que pequeño es el mundo.”

REINA DE CORAZONES: “¡Que le corten la cabeza!”

CURIOSIDADES
Se trata del décimo tercer clásico animado de Disney. Walt Disney había sentido una gran fascinación hacia las novelas de Lewis Carroll, “Alicia en el País de las Maravillas” y “Alicia a través del Espejo, desde el año 1923, cuando Disney tenía solo veintiún años, e intentaba hacerse un nombre como director en Kansas. Allí se dedicó a producir una serie de cortos de dibujos animados para intentar buscar la dirección apropiada, pues el primero le había supuesto perdidas. El último de estos cortos de animación fue “Alicia en el País de las Maravillas”, en el año 1923, en el que la actriz Virginia Davis interactuaba con personajes animados, en el papel de Alicia. El corto no tuvo éxito, y Disney abandonó Kansas para hacerse un nombre en Hollywood. Tras meses de dificultad, Disney se hizo socio de su hermano para crear el Estudio Disney Brothers, y rescataron la idea de realizar cor

tos animados. El distribuidor independiente Winkler consideró que el corto de Alicia del año 1923 tenía potencial, y aceptó distribuir una serie de comedias de Alicia para los hermanos Disney. Disney recuperó a su equipo de Kansas, y desde 1924 a 1926, produjeron cincuenta comedias cortas de Alicia, cuyo éxito fue significativo para el de su próxima creación, el Ratón Mickey.
Cuando la compañía comenzó a considerar el realizar una película completa de animación, la primera idea fue realizar “Alicia en el País de las Maravillas”, combinando animación con acción real. En 1933, se realizó una prueba con Mary Pickford Como Alicia. Sin embargo, el proyecto se estancó cuando Paramount estrenó su película “Alicia en el País de las Maravillas”, de acción real, en el año 1933. Debido a esto, Disney se embarcó en su primer clásico animado “Blancanieves y los Siete Enanitos”. Se intentó retomar el proyecto pero la producción de “Pinocho”, “Fantasía”, “Dumbo” y “Bambi” se interpusieron, así como la Segunda Guerra Mundial, que les obligó a realizar las denom

inadas películas paquete de inferior calidad. Tras la guerra, en 1945, Disney propuso retomar el proyecto con la idea de utilizar a Ginger Rogers como protagonista, y utilizando las mismas técnicas de combinación de “Los Tres Caballeros”. Finalmente, se descartó esto, y se decidió que la película fuera animada en su totalidad, basando su dirección artística en las famosas ilustraciones de Sir John Tenniel. Aunque esta idea comenzó a realizarse, también se descartó. Disney volvió a la idea de utilizar una actriz real, considerando a Luanna Patten.
A finales de la década de 1940, se volvió a retomar el proyecto. En esta ocasión se decidió enfocarlo en comedia, música y mero espectáculo, en lugar de ser excesivamente fiel a los libros. Finalmente, en 1951, Disney estrenó “Alicia en el País de las Maravillas”, dieciocho años después de considerar diferentes ideas para el proyecto, y casi treinta años después de realizar su primera comedia de Alicia. La versión final de Disney de “Alicia en el País de las Maravillas” siguió las tradiciones de películas como “Fantasía” y

“Los Tres Caballeros, en lo relativo a la idea de que lo visual y la música fueran la fuente principal fuente de entretenimiento, al contrario del clásico anterior “Cenicienta”. En lugar de producir una lectura animada de los libros de Carroll, Disney puso énfasis en la falta de seriedad y la fantasía del denominado País de las Maravillas, utilizando la prosa de Carroll al comienzo, pero no al final.
Otra elección se tomó en lo relativo al aspecto de la película. En lugar de reproducir fielmente las famosas ilustraciones de Sir John Tenniel, se utilizó un planteamiento más linear y menos complicado en lo relativo al diseño de los personajes. Mary Blair se encargó de diseñar los fondos, y lo hizo otorgando al País de las Maravillas con un aspecto modernista, creando un mundo que fuera reconocible al mismo tiempo que irreal. De hecho, el uso del color por parte de Blair se convirtió en uno de los aspectos más característicos y notables de la película.
En un esfuerzo por mantener algunos d

e los versos imaginativos de Carroll, Disney contrató a varios compositores de nivel para que se encargaran de las canciones. Estas debían ser construidas alrededor de dichos versos. Se compusieron más de treinta canciones basadas en los versos de Carroll, y muchas lograron aparecer en la película, aunque solo fuera brevemente. De hecho, este es el clásico animado de Disney con el mayor número de canciones de todos. Sin embargo, como muchas apenas duraban meros segundos, este hecho ha sido a menudo ignorado. Originalmente, al principio de la película Alicia iba a cantar la canción titulada “Beyond the Laughing Sky”. Sin embargo, esta fue una de las muchas canciones descartadas por los productores. A pesar de esto, se conservó la canción y cambio la letra para que esta se convirtiera en la del siguiente clásico, Peter Pan, pasando a ser titulada “The Second Star to the Right”.
Las decisiones creativas fueron recibidas con gran criticismo por parte de los fans de Lewis Carroll, que consideraron que Disney

había americanizado un gran clásico de la literatura inglesa. Esto no sorprendió a Disney, que alegó la película no iba dirigida a la crítica sino a toda la familia. Sin embargo, la película funcionó de manera discreta en taquilla, y fue la única de esta nueva dorada de Disney que no fue restrenada en cines. Disney señaló que el problema podría ser el personaje de Alicia, al cual no había dotado de suficiente carisma.
La película fue nominada al Oscar por Mejor Banda Sonora, pero lo perdió contra “Un Americano en París”.

NOTA PERSONAL
Quizás pueda ser considerada la película más perturbadora de todos los clásicos, aunque esto no evita que al mismo tiempo sea un clásico que siempre me ha fascinado. A pesar de haber mitigado parte de la “oscuridad” que se puede percibir en los libros. Los cambios en la adaptación nunca me han molestado, pues me p

arecen bastante comprensibles. Hay historias como el cuento de la Morsa y el Carpintero, que pueden resultar algo inquietantes. Pero al mismo tiempo, la película contiene grandes dosis de humor en las que considero algunas de las mejores escenas de todos los clásicos animados de Disney. Estas incluyen la fiesta de “no cumpleaños”, el partido de croquet con la Reina de Corazones, o el propio juicio de Alicia al final, que me parece hilarante. A esto añado el personaje del Rey, que me parece desternillante, sobre todo como contraposición a la propia Reina de Corazones.
Lo curioso es que Alicia es el único personaje carente de interés. En los libros funciona, porque el lector ve a los habitantes del País de las Maravillas a través de sus ojos. En la película estos se muestran de manera directa, y da la sensación que el personaje de Alicia no es tan imaginativo. Son los personajes que habitan en el mundo imaginario los que realmente son fascinantes por su lógica locura, y por un diseño que siempre he considerado excepcional, incluyendo a los extraños híbridos animales del bosque. La Reina de

Corazones me ha parecido siempre una villana excepcional, pues mientras tiene un aspecto aterrador, este se combina con algunos de los mejores momentos de humor.
En definitiva, entiendo que se trata de una película inusual dentro del elenco de los clásicos animados de Disney, aunque esto no ha impedido que me fascine siempre que la veo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
A la orilla de un tranquilo río inglés, una niña llamada Alicia se siente aburrida ante las lecciones de historia impartidas por su hermana mayor. Cuando su hermana la reprende por no prestar atención, Alicia le explica a su gato como desearía vivir en mundo de maravillas carentes de sentido. En ese momento, un Conejo Blanco parlante aparece mirando su reloj, y asegurando que llega tarde a un evento desconocido. Alicia le sigue hasta una madriguera, donde cae por un agujero, para terminar en una sala, donde ve al Conejo desaparecer tras una diminuta puerta. El Picaporte de la puerta le explica a Alicia

que es demasiado grande para pasar por la puerta. Tras llorar de frustración por comer de una galleta que la convierte en gigante, Alicia logra disminuir su tamaño al beber de una botella, Alicia logra pasar por la boca del Picaporte llegando a una orilla, donde conoce a un extraño Dodo animando a varios animales antropomorfos para que bailen para poder secarse.
Alicia se adentra en el País Maravilloso, y en el bosque conoce a los gemelos Tweedledee y Tweedledum. Estos le narran el cuento de “La Morsa y el Carpintero”, en el que esta pareja engañó a unas incautas ostras para que les siguieran, terminando por ser devoradas. Tras esto, Alicia llega a la casa del Conejo, donde este la confunde con su asistenta, y le pide localice sus guantes, pues sigue preocupado por llegar tarde. Buscándolos, Alicia come una galleta que la convierte en gigante, quedando atascada en la casa. El Conejo pide la ayuda del Dodo y el lagarto Bill para sacarla, pero ambos la consideran un monstruo y deciden quemarla con la casa. Alicia logra escapar al comer una zanahoria,

quedando reducida al tamaño de un insecto. A través del césped, se encuentra con unas rosas, que tras cantar para ella la expulsan al confundirla con una mala hierba. Tras esto, Alicia se encuentra con un Gusano Azul, el cual le señala un hongo, cuyos lados opuestos aumentan o disminuyen el tamaño. Alicia recupera su tamaño, tras lo cual decide conservar un par de trozos de cada lado, en caso de que pueda volver a necesitarlos.
Alicia conoce al Gato Cheshire que la anima a visitar al Sombrerero Loco y la Liebre, que están celebrando su peculiar fiesta de “no cumpleaños”. La demente pareja le explica a Alicia que celebran los días del año que no son cumpleaños, pues tiene más sentido que celebrar solo un día del año. Alicia declara que también es su “no cumpleaños”, y durante la consecuente celebración aparece el Conejo Blanco. Sin embargo, el Sombrerero Loco y la Liebre terminan por destrozar su reloj y expulsarle. Corriendo tras él, Alicia termina perdiéndose, y decide volver a casa, pero no logra encontrar el camino. El Gato C

heshire aparece de nuevo y le aconseja que visite a la Reina de Corazones para solicitar ayuda.
Alicia llega al jardín del palacio, donde encuentra a varias cartas, que son parte del ejército de la Reina, pintando las rosas blancas de carmín, color que la Reina había encargado. La Reina llega al lugar acompañada del diminuto Rey, y ordena que decapiten a los soldados que no plantaron las rosas que deseaba. Alicia se percata de lo irascible y peligrosa que es la Reina, con lo que decide contentarla compitiendo en un partido de croquet que utiliza a flamencos y erizos como artilugios. El Gato Cheshire vuelve a aparecer enojando a la Reina haciéndola caer, de lo cual Alicia es culpada.
La Reina esta a punto de pedir su cabeza, pero el Rey la convence para que celebre un juicio, que resulta ser todo un absurdo, y que culmina irritando todavía más al Reina, que exige que le corten la cabeza a Alicia. La joven recuerda que aún posee los hongos en sus bolsillos, pero sin recordar cual sirve para aumentar de tam

año, y cual para reducirlo, decide consumir ambos. Alicia se convierte en gigante, tras lo que procede a insultar a la Reina, sin embargo, al haber consumido ambos hongos, pronto recupera su tamaño y se ve obligada a escapar, cuando la Reina solicita su cabeza. El País de la Maravilla se convierte en una espesa niebla, mientras sus habitantes persiguen a Alicia.
Alicia llega hasta la puerta con Picaporte a través de esta niebla, aun perseguida, y al mirar a través de su boca se ve a si misma durmiendo en el mundo real. Al darse cuenta de que esta soñando, Alicia se obliga a despertar, con ayuda de su hermana, que se ha percatado que se ha dormido durante la lección. Tras despertar, Alicia parte en compañía de su hermana para tomar el té.

ESCENA
Mi parte favorita de la película siempre ha sido el juicio carente de sentido alguno.

FECHA DE ESTRENO
6 de Abril de 1984
TITULO ORIGINAL
Die unendliche Geschichte
DIRECTOR
Wolfgang Petersen
PRODUCTORES
Bernd Eichinger, Dieter Geissler
GUION
Wolfgang Petersen, Herman Weigel
Basado en la novela de Michael Ende
REPARTO
Barret Oliver (Bastian Bux), Noah Hathaway (Atreyu), Tami Stronach (Emperatriz Infantil, Oraculo del Sur), Alan Oppenheimer (Voces del Comepiedras, Fújur, Gmork y el narrador), Thomas Hill (Señor Koreander), Deep Roy (Teeny Weeny), Tilo Prückner (Genio Nocturno), Moses Gunn (Cairon), Sydney Bromley (Énguivuck), Patricia Hayes (Urgl), Gerald McRaney (Señor Bux), Darryl Cooksey (Matón), Drum Garrett (Matón), Nicholas Gilbert (Matón)
CINEMATOGRAFÍA
Jost Vacano
BANDA SONORA
Klaus Doldinger
DISTRIBUIDA POR:
Neue Constantin Film
DURACIÓN
102 minutos

GMORK: “Pequeño necio. ¿Qué sabes tú del País de Fantasía? Es el mundo de la fantasía humana. Cada parte de su Reino, cada criatura suya no es más que un trozo de los sueños y esperanzas de la humanidad. Por lo tanto, no tiene fronteras.”
ATREYU: “¿Por qué se esta muriendo Fantasía entonces?”
GMORK: “Porque los hombres han empezado a perder sus esperanzas y a olvidar sus sueños. Por eso La Nada avanza cada día más.”
ATREYU: “¿Qué es La Nada?”
GMORK: “El vacío que queda. Como una ciega desesperación que destruye este mundo. Yo lo odio, y por eso ayudo a La Nada.”
ATREYU: “¿Por qué?
GMORK: “Porque las personas que no tienen ninguna esperanza son fáciles de dominar; y quien tiene el dominio, tiene el poder.”

CURIOSIDADES
Esta adaptación del famoso libro de Michael Ende solo cubre su primera mitad. La mayor parte de la película fue rodada en Alemania,

excepto las escenas del actor Barret Oliver, que fueron rodadas en Vancouver, Canadá. De hecho fue la película alemana de mayor presupuesto de su tiempo. A pesar de esto, Michael Ende consideró que la adaptación se desviaba en exceso su libro, por lo que solicitó que se interrumpiera la producción o se le cambiara el titulo. Los productores se negaron, por lo que Michael Ende les denunció, aunque terminó por perder el caso.
La banda sonora de la película fue compuesta por Klaus Doldinger, del grupo de jazz alemán conocido como “Passport”. La canción principal del film, del mismo titulo, fue compuesta por Giorgo Moroder con letra de Keith Forsey. Fue interpretada por Limahl, cantante del grupo Kajagoogoo, y Beth Anderson. La canción fue un gran éxito del año 1984.
Debido a que la película solo cubría la primera mitad de la primera mitad de la novela, algunas de las tramas, y algunos de los personajes fueron modificados o eliminados. La película comienza presentando los problemas de Bastian con su padre y sus compañeros de colegio, mientras

la novela muestra a Bastian escondiéndose en la librería de Koreander. Mientras la novela mostraba como el padre de Bastian se había hundido en la desesperación al perder a su esposa, en la película se optó por que fuera Bastian quien se había hundido por la perdida de su madre, mientras su padre intentaba que se enfrentara a sus responsabilidades, y en general a la realidad. Varios personajes del Reino de Fantasía fueron eliminados, como el Fuego Fatuo o el metamorfo Ygramul, debido a la dificultad de crearlos con los efectos especiales de la época. Aunque el Oráculo del Sur no tenía presencia física en la novela, en la película se mostró en la forma de las Esfinges que componían la primera puerta, cambiando su color por el azul. La tercera puerta para llegar al Oráculo, fue eliminada de la película.
Un cambio significativo fue el como la manera en la que Atreyu conoce al dragón Fújur. En la novela, Atreyu le rescataba de una g

igantesca tela de araña creada por Ygramul, mientras que en la película es Fújur quien rescata a Atreyu cuando este esta a punto de hundirse en los Pantanos de la Tristeza, y de un ataque por parte de Gmork. Al final de la película, es La Nada quien separa a Atreyu de Fújur, mientras en la novela, esto se debía a cuatro gigantes del viento. El encuentro de Atreyu con Gmork también difiere, ya que en la novela el lobo gigante esta encadenado a una pared, y no a punto de fallecer tal y como ocurre en el film.
En la película se muestra a La nada como una formación inmensa de nubes de tormenta, y según Gmork esta ha sido creada debido a que los humanos han perdido sus esperanzas y sueños, lo que provoca la destrucción de Fantasía. En la novela, La Nada no solo destruye Fantasía, sino que se aproxima a la gente que ha perdido la fe y se han rendido, lo que provoca que salten a su interior para convertirse en mentiras humanas, de acuerdo a Gmork.
El final fue alterado ya que de la mitad

de la novela se saltó directamente a su final. En la novela, Atreyu devuelve el Auryn a la Emperatriz Infantil, tras lo cual visita al Anciano de la Montaña Errante obligándole a leer su crónica, que narra toda “La Historia Interminable” que Bastian ha leído, que incluye los eventos sobre como Bastian se hizo con el libro, hasta que Bastian le otorga el nuevo nombre a la Emperatriz llegando a Fantasía. En la película, es la Emperatriz la que le ruega a Bastian directamente que le conceda su nombre, y finaliza con Bastian y Fújur atemorizando a los matones del colegio, que le han hecho la vida imposible.
Los aspectos físicos de los personajes también fueron cambiados. La novela describe a Bastian como a un niño con sobrepeso, mientras Atreyu tiene el cabello azul y la piel de color verde. En la película, Bastian es un niño de aspecto común, mientras Atreyu tiene la piel bronceada y el cabello oscuro. Inicialmente se intentó pintar la piel del actor Noah Hathaway de color verde, pero se abandonó la idea ya que no quedaba natu

ral en la pantalla. El caballo Artax tiene la capacidad de hablar en la novela, lo que se eliminó en la película simplemente porque era inviable.
La película fue un fracaso de taquilla en los Estados Unidos. Con un presupuesto de veintisiete millones de dólares solo fue capaz de recaudar veinte. Sin embargo, la película funcionó excepcionalmente a nivel internacional recaudando alrededor de cien mil dólares en taquilla. Cuando se lanzó a la venta en video, también se convirtió en una de las películas más vendidas.

NOTA PERSONAL
Debo empezar reconociendo que cuando vi la película en el cine, a la edad de once años, no había leído el libro. Señalo esto pues la entonces polémica alrededor sobre lo mal adaptada que había sido la película no me pudo afectar. Debido a esto, la película me encantó y se convirtió de las favoritas de mi infancia. Un año más tarde leí el libro y entendí la decepción que había provocado la película, pero esta me siguió encantando. Me encanta el mensaje

sobre como la falta de capacidad de soñar puede ser el gran mal de la humanidad, y como el acabar con ese niño que llevamos puede contribuir a esto.
En ese sentido Bastian es para nosotros lo mismo que Atreyu para él, un vínculo del espectador hacia ese Reino de Fantasía, capacidad de imaginar, y de vez en cuando negarse a poner los pies en el suelo. La trama de la clásica búsqueda funciona a la perfección, y los efectos me parecen elogiables para lo medios de la época en la que se realizó. También vi, años más tardes, las dos continuaciones de la película, aunque estas ya me parecieron bastante lamentables. No puedo acabar sin mencionar la excepcional banda sonora, la cual complementa la aventura de forma sobresaliente. En definitiva, es para mí una gran película de fantasía, convertida ya en todo un clásico, a pesar de ser una pobre adaptación.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Tras la reciente muerte de su madre, el muchacho llamado Bastian Bux se ha sumergido cada vez en su mundo de le

ctura, descuidando sus responsabilidades en el colegio. Su padre le aconseja que mantenga los pies en el mundo real, antes de un día escolar. Bastian se dirige al colegio, pero se encuentra con tres compañeros que se dedican a abusar de él, y lo arrojan al cubo de basura. Bastian se oculta en la librería del Señor Koreander, que se queda impresionado al ver que el muchacho es aficionado a la lectura. Bastian le pregunta acerca del libro que esta leyendo, y Koreander le advierte de que no es un libro seguro para un niño. Mientras el librero atiende una llamada telefónica, Bastian se va con el libro, dejando una nota en la que le asegura que se lo devolverá. Al llegar tarde al colegio, Bastian descubre que hay examen de matemáticas, por lo que se refugia en el ático del colegio, y comienza a leer el libro, titulado “La Historia Interminable”.
El libro narra como el reino de Fantasía se ve amenazado por una fuerza llamada “La Nada”, un vacío de oscuridad que lo esta devorando todo. Un gigante, de la raza de los Comepiedras, se encuentra con un Genio Nocturno y un Diminutense, para descubrir que todos

han sido enviados de sus tierras con la misma misión. Deben pedir consejo a la Emperatriz de Infantil, que gobierna desde la Torre de Marfil, en el corazón del Reino de Fantasía. Al llegar a la Torre, mensajeros de todas las regiones son recibidos por el Consejero de la Emperatriz Infantil, Cairon. Este ya es consciente de que La Nada amenaza al Reino, y revela que la Emperatriz Infantil se esta muriendo, sin que se sepa la causa o el remedio, aunque hay una relación con La Nada. También explica que han convocado a un guerrero de las Gentes de la Llanura llamado Atreyu, el único que puede desafiar a La Nada y buscar un remedio para su enfermedad. Atreyu llega a la Torre de Marfil, y todos se sorprenden, incluido el lector Bastian, al ver que se trata de un niño. Cairon alega que los motivos de la Emperatriz no siempre son fáciles de entender. Le encomienda que busque el remedio de la enfermedad, solo y abandonando sus armas. Atreyu acepta y recibe el medallón mágico de la Emperatriz, el Auryn, para que le guíe y proteja. Bastian se percata de que el mismo medallón esta en la cubierta del libro.
M

ientras Atreyu parte en su búsqueda, cabalgando en su caballo Artax, La Nada recluta a una bestia en forma de lobo llamado Gmork, para que acabe con el muchacho. La búsqueda de Atreyu le lleva a los Pantanos de la Tristeza, donde debe localizar a la vieja Morla, el ser más sabio de Fantasía. Los Pantanos tienen la fuerza de infundir tristeza, y aquel que sucumbe se hunde en ellos para siempre. Artax cae presa de los Pantanos, hundiéndose ante un desolado Atreyu. Este localiza a Morla, un ser parecido a una monstruosa tortuga. Bastian grita, y se extraña al ver que Morla y Atreyu le han escuchado. Morla revela no saber que le ocurre a la Emperatriz, pero le indica a Atreyu que el Oráculo del Sur lo sabe, aunque se encuentra a diez mil millas de distancia. En ese momento, suena la campana del colegio. Bastian comprueba como se queda vacío, y decide volver al ático para seguir con su lectura, mientras comienza una tormenta, y un lobo disecado le asusta.
Gmork llega al pantano, donde Atreyu comienza a caer presa de su tristeza. Antes de que Gmork le atrape, Atreyu es rescatado por un Dragón de la Suerte llamado Fújur. Al

recobrarse, Atreyu descubre que esta al lado del Oráculo del Sur. Fújur le envía a una pareja de gnomos llamados Énguivuck y Urgl. Énguivuck le explica que para llegar al Oráculo del Sur, Atreyu debe pasar por dos puertas. La primera es un par de esfinges que detectan el miedo de quien pasa a través de ellas, cuando esto es así sus ojos se abren acabando con su vida. Atreyu atraviesa la puerta, pero al ver el cadáver de un caballero que intentó pasar se asusta. Sin embargo, Atreyu logra cruzar antes de que las esfinges acaben con él. Atreyu se encuentra con la segunda puerta, un espejo mágico, donde debe enfrenarse a su verdadera esencia, lo que provoca que le gente huya aterrada. Atreyu llega al espejo, y al verse en ella, ve a Bastian. Este asustado arroja el libro percatándose de que algo raro esta ocurriendo, pero decide volver a la lectura.
Esto provoca que Atreyu logre atravesar la puerta y se encuentre con el Oráculo del Sur. Este le revela que la Emperatriz Infantil necesita un nuevo nombre que debe ser otorgado por un niño humano de la Tierra. Atreyu debe hal

larlo más allá de las fronteras de Fantasía. Bastian lamenta que no le hayan pedido un nombre, pues su madre sabía uno maravilloso. Atreyu parte a lomos del dragón volador Fújur, pero ambos son alcanzados por La Nada. Atreyu cae de lomos de Fújur, perdiendo el Auryn. Al despertar en Tierra firme, se encuentra con Gmork, atrapado por una avalancha. Este revela que Fantasía se basa en las esperanzas y sueños de la humanidad, y que La Nada es su apatía, cinismo y rechazo de las fantasías de la niñez, por lo que esta acabando con el Reino. Tras esto, Gmork descubre que el muchacho es Atreyu, y le ataca, aunque el joven guerrero consigue acabar con el monstruo. Fújur localiza el Auryn en el fondo del mar, y rescata a Atreyu justo cuando La Nada comienza a consumir todo el área.
Al despertar a lomos de Fújur, Atreyu comprueba que solo quedan fragmentos de Fantasía, pero con la guía del Auryn localizan la Torre de Marfil, que todavía sigue en pie. Allí, la Emperatriz Infantil le comunica al sorprendido Atreyu que ha cumplido con su misión, trayendo al niño humano que ha seguido sus aventuras. Bastian se da cuenta de que están hablando de él, y la Emperatriz señala que ya tiene

su nuevo nombre, y que solo necesita decirlo en voz alta. La Nada comienza a destruir la Torre de Marfil acabando con Atreyu. La Emperatriz le suplica Bastian que grite su nombre. Bastian se asoma a la ventana del ático, y en medio de la tormenta grita: Hija de la Luna.
Frente a la Emperatriz, Bastian descubre que solo queda un grano de Fantasía, y que para reconstruirla necesita pedir tantos deseos como quiera, cuantos más sean, más grande será Fantasía. Bastian desea volar a lomos de Fújur, y al hacerlo, todo el reino y sus habitantes, incluidos Atreyu y Artax, vuelven a la vida. Como siguiente deseo, Bastian persigue a los matones del colegio a lomos de Fújur, obligándoles a ocultarse en el cubo de la basura. Un narrador revela, que Bastian pidió muchos deseos y tuvo muchas aventuras, pero esta es otra historia…

ESCENA
Confrontación entre Atreyu y Gmork, en el que el héroe descubre el origen de Fantasía, y de La Nada que esta acabando con el Reino.

FECHA DE ESTRENO
17 de Diciembre de 1982
TITULO ORIGINAL
Tootsie
DIRECTOR
Sydney Pollack
PRODUCTORES
Charles Evans, Sydney Pollack, Dick Richards, Ronald L Schwary
GUION
Murray Schisgal, Barry Levinson, Elaine May, Robert Garland
REPARTO
Dustin Hoffman (Michael Dorsay / Dorothy Michaels), Jessica Lange (Julie Nichols), Teri Garr (Sandy Lester), Dabney Coleman (Ron Carlisle), Charles Durning (Leslie Nichols), Bill Murray (Jeff Slater), Sydney Pollack (George Fields), George Gaynes (John van Horn), Geena Davis (April Page), Doris Belack (Rita Marshall), Lynne Thigpen (Jo), Ellen Foley (Jacqui), Peter Gatto (Rick), Ronald L Schwary (Phil Weintraub), Debra Mooney (Señora Mallory), Estelle Getty (Mujer de edad media)
CINEMATOGRAFÍA
Owen Roizman
BANDA SONORA
Dave Grusin
DISTRIBUIDA POR:
Columbia Pictures
DURACIÓN
116 minutos

DOROTHY MICHAELS: “¿Por qué no sirvo Señor Carlisle?”
RON CARLISLE: “Pues, la verdad es que quiero darle mucha importancia al papel, y estoy buscando un físico femenino muy especifico.”
DOROTHY MICHAELS: “Señor Carlisle, soy actriz, soy una actriz de carácter, y puedo interpretar este papel tal y como usted lo desee.”
RON CARLISLE: “Encanto, estoy seguro de que eres una excelente actriz, pero resultas demasiado amable y sensible. No eres amenazadora.”
DOROTHY MICHAELS: “¿No soy lo bastante amenazadora? Quíteme las manos de encima, o le voy a sacar los huevos por la boca. ¿Resulta bastante amenazadora?”
RON CARLISLE: “No esta mal.”
DOROTHY MICHAELS: “Sí, y ya se lo que ustedes pretenden. Quieren una burda caricatura de la mujer para demostrar una afirmación idiota, que el poder hace viriles a las mujeres, o que las mujeres con carácter son feas. Es una vergüenza para cualquier mujer que la obliguen a hacer eso, o incluso que lo consientan, y la incluyo a usted querida. Señorita Marshall… es una vergüenza. ¡Macho asqueroso!”
RITA MARSHALL: “Señorita Michaels, espere un momento. ¿Hablaba usted en serio o estaba interpretando el papel.”
DOROTHY MICHAELS: “¿Qué he de responder para que me den otra oportunidad?”
RITA MARSHALL: “Bien contestado. Acompáñeme.”

CURIOSIDADES
Dustin Hoffman preparó su papel como Dorothy haciéndose pasar como la tía Dorothy de su hija en una tarde de padres en el colegio. Su actuación fue tan convincente, que llegó a convencer a los profesores presentes, que nunca tuvieron la mínima sospecha. Hoffman también vio repetidas veces la película “La Cage Aux Folles” para prepararse para el papel. Aunque el titulo inicial de la película era “Would I Lie to You?” (¿Te mentiría yo?), Dustin Hoffman sugirió el titulo “Tootsie”. Tootsie era el nombre del perro de

su madre, y pasó a ser el titulo oficial. Originalmente, Dustin Hoffman tuvo la idea de realizar esta película mientras trabajaba en la película “Kramer vs. Kramer”. Sentía que en dicha película su personaje que ser tanto padre como madre, por lo que empezó a considerar el interpretar a un hombre y una mujer. Tras varios guiones, varios escritores y algunos directores, el resultado fue “Tootsie”. El conocido actor travesti Holly Woodlawn fue contratado por los productores para que entrenara al actor Dustin Hoffman en su papel como Dorothy Michaels, para que aprendiera técnicas en el arte de ser un hombre actuando como una mujer en la película. Al final de dicho entrenamiento, el equipo de rodaje solo comunicaba malas noticias a Hoffman cuando estaba caracterizado de mujer, asegurando que era mucho más simpático como mujer. Inicialmente, el personaje de Dorothy no hablaba con acento sureño, pero practicando, Dustin Hoffman descubrió que su voz entraba mejor en el tono de una mujer al utilizar dicho acento. Mery Streep, que había trabajado con él en “Kramer vs. Kramer” también le ayudó a logra

r una voz convincente, así como de Blance DuBois. Los pechos falsos utilizados por Hoffman costaron 175 dólares cada uno.
A cambio de seguir trabajando en la película, Dustin Hoffman exigió que Sydney Pollack interpretara al personaje de su agente. Pollack se negó hasta que el agente de Hoffman, Michael Ovitz, intervino, y Pollack reconsideró la idea. Más adelante accedió a interpretar el papel. Las escenas entre los personajes de Hoffman y Pollack fueron diseñadas para reflejar lo que ocurría entre ambos detrás de las cámaras cuando discutían. De hecho, las discusiones entre Hoffman y Pollack eran tan intensas que nunca volvieron a trabajar en una película juntos. A pesar de varios intentos de resolver conflictos para trabajar juntos en “Rain Man”, al final Pollack rechazó dirigir esta película, lo que llevó a que Barry Levinson fuera contratado en su lugar. Durante la secuencia inicial de créditos, Sydney Pollack también cedió la voz de un director de teatro, el cual no se veía, diciéndole las frases a Michael Dorsey: “Buscamos a alguien mayor”, “Buscamos a alguien más joven”, y “Buscamos a otra persona”.

Bill Murray accedió a que se omitiera su nombre de los créditos iniciales para que los espectadores no pensaran que tenían ante ellos otra película del estilo Bill Murray, como “Los Incorregibles Albóndigas” o “El Club de los Chalados”. Todos los diálogos de Murray en la película fueron improvisados. La película marcó el debut cinematográfico de Geena Davis y Christine Ebersole.
Inicialmente, el cinematógrafo Owen Roizman esta en contra de que el personaje de Dorothy llevara gafas, ya que el reflejo de las lentes dificultaba el trabajo del equipo de luz. Tras varias pruebas, se decidió que la naturaleza reflectora de las gafas otorgaba una dimensión aduladora al personaje. La prominente nariz de Hoffman lo era menos, y las gafas hacían que su personalidad fuera más femenina, creando una separación más notoria entre el género de los personajes de Dorothy y Michael. Las gafas se conservaron, pero se llegó a un compromiso usando una técnica anti-reflectora desarrollada por Robert Gottschalk, cabeza de Panavisión. Esta consistía en un espray para cubrir las lentes, mejorando la transmis

ión de la luz.
La canción principal de la película fue “It Might Be You”, interpretada Stephen Bishop, y compuesta por Dave Grusin, Marilyn y Alan Bergman. La canción fue todo un éxito en las listas de ventas. La película recibió diez nominaciones a los Oscar: Mejor Película, Mejor Actor, dos nominaciones a Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guion Original, Mejor Canción Original, Mejor Sonido, Mejor Cinematografía, y Mejor Montaje. De todas estas nominaciones, solo Jessica Lange se hizo con el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto.

NOTA PERSONAL
La verdad es que poco puedo decir de esta maravilla del cine. Lo que parece una simple comedia sobre un hombre que se traviste como mujer para trabajar, esconde un serio análisis sobre aquellas cosas que pueden unir a los hombres y las mujeres, y como en ocasiones meterse en la piel de otra persona puede ayudarnos a comprenderla. Con

esto no quiero pasar sin elogiar lo hilarante que resulta esta comedia que solo puedo tildar de extraordinariamente inteligente. No cabe duda que la película rompió moldes en la década de 1980, expandiendo una idea que se había analizado en “Con Faldas y a lo Loco”, pero que fue expandida para analizar más profundamente la guerra entre sexos.
Dustin Hoffman realiza una labor extraordinaria, obligándonos a acompañarle en su viaje personal como un personaje machista y egocéntrico, para acabar, a través de su experiencia como mujer, comprendiendo al sexo opuesto. Esto le ayuda a resolver sus propios fracasos emocionales y evolucionar como persona. Dicho viaje funciona gracias a las sobresalientes interpretaciones del resto del reparto, unos guiones ingeniosos, y una banda sonora conmovedora, capaz de emocionar a cualquiera. Todo un clásico que no me canso de ver.

HISTORIA (esta sección contiene

detalles de la trama y el argumento)
Michael Dorsey es un actor respetado, aunque extremadamente perfeccionista. Debido a esto, nadie quiere contratarle en la industria porque resulta ser una persona con la que es extremadamente difícil trabajar. Su agente, George Fields, opina que la obsesión de Michael hacia el detalle, y su reputación dificultosa han provocado que Michael sea despedido de un anuncio de tomate en la televisión, porque la idea de que un tomate se sentara le parecía ilógica. Tras varios meses sin trabajo, Michael se entera de un puesto en la telenovela “Southwest General”, a través de su amiga y estudiante a actriz Sandy Lester, que se ha presentado al papel de la administradora del hospital, pero no lo ha conseguido.
Desesperado ante la imposibilidad de obtener in trabajo, Michael se viste y maquilla de mujer, haciéndose pasar por una mujer, para presentarse a la prueba. El actor desea poder recaudar el suficiente dinero, ocho mil dólares, para poder producir una obra de teatro escrita por su compañero de apartamento, Jeff Slater, titulada “Regres

o al Canal del Amor”. Al presentarse a las pruebas, como Dorothy Michaels, los productores se sienten reacios a contratarla, considerando que es demasiado dulce para el papel exigente de la administradora del hospital. Sin embargo, Michael transforma a Dorothy en una mujer implacable en un momento, lo que convence a una de las productoras.
Michael convierte a Dorothy en una mujer implacable durante los rodajes, a menudo saltándose el guion, y desobedeciendo las indicaciones de su director Ron Carlisle. Una tarde en la que se encuentra visitando a Sandy, la estudiante le descubre medio desnudo, y que el actor se estaba probando su ropa para buscar ideas para nuevos vestidos para Dorothy. Sin saber que excusa poner, Michael profesa su amor por Sandy, y ambos mantienen relaciones sexuales, a pesar de los problemas de autoestima de la joven. Michael llega a la conclusión de que Sandy es demasiado frágil emocionalmente para lidiar con el hecho de que ha conseguido su papel haciéndose pasar por mujer, especialmente cuando Sandy muestra su rencor y desprecio hacia Dorothy por haberlo conseguido. Por ello,

Michael le oculta que es Dorothy Michaels. Michael solo comparte su doble identidad con Jeff, y con su agente, se queda anonadado ante el logro del actor.
Las cosas se complican, cuando Michael comienza a sentirse atraído hacia su compañera de reparto, Julie Nichols, una madre soltera que se encuentra involucrada en una relación completamente inestable con el director Ron Carlisle. Julie y Dorothy se hacen grandes amigas, y la actriz le confiesa como le encantaría que un hombre se dirigiera a alguien para conquistarla. Michael, como él mismo, se encuentra en una fiesta con Julie, e intenta conquistarla de acuerdo con lo que la actriz le había contado, pero solo obtiene una bebida arrojada a su cara.
Durante los rodajes, Michael comienza a comprender las frustraciones de ser una mujer, mientras el personaje de Dorothy se hace extremadamente popular entre los fans de la telenovela, con lo que Michael consigue siempre imponer los cambios que cree necesario en la serie. Uno de los actores, el anciano

John Van Horn comienza a intentar conquistar a Dorothy repetidamente, ante la frustración de Michael. John llega a seguir a Dorothy a su apartamento, pero desiste de sus avances al confundir a Jeff como su pareja. Por su parte, Sandy se frustra ante los constantes plantones de Michael, y al ver a Dorothy entrar en su apartamento, considera que existe algo entre ambos. Dorothy también conoce a Les, el padre viudo de Julie, que también comienza a sentirse atraído hacia Dorothy.
Julie sigue los consejos de Dorothy rompiendo su relación con Ron. Agradecida, Julie invita a Dorothy a pasar el fin de semana con su padre y su hijo en su casa de campo. Durante el fin de semana, Michael se enamora perdidamente de Julie, pero desafortunadamente lo mismo le ha pasado a Les con Dorothy. Tras el fin de semana, Michael intenta besar a Julie sin pararse a pensar que esta caracterizado como Dorothy. Julie se queda sorprendida y le explica a Dorothy que aunque le cae muy bien, no puede existir una relación entre ambas. Como consecuencia de esto, las dos amigas comienzan a d

istanciarse.
Las cosas se complican más cuando Les le propone matrimonio a Dorothy, y Julie le exige que le explique su lesbianismo para no romper su corazón. Finalmente, la gota que colma el vaso llega, cuando los productores de la serie deciden extender el contrato de Dorothy durante un año más. Michael se ve desesperado, y sin saber como resolver una situación que se le ha escapado de su control. La solución llega un día en el que la grabación del episodio se ha borrado, y el reparto se ve obligado a interpretarlo en directo. Michael decide improvisar y cambiar radicalmente el dialogo del episodio. Michael se quita la peluca ante la cámara, revelando ser en realidad el hermano gemelo de su personaje, que se había hecho pasar por ella para vengarse. Sandy, Les y Jeff, que se encontraban viendo el episodio en sus casas tienen reacciones de sorpresa a diferentes escalas. La productora que contrató a Dorothy expresa que ahora lo comprende todo, así como John asegura entender porque sus avances fueron rechazados. Sin embargo, Julie se siente tan traicionada que abofetea a Michael.

Michael visita a Les en un bar para devolverle el anillo de compromiso y disculparse, asegurando que nunca pretendió hacer daño alguno ni a él ni Julie. También le confiesa que esta enamorado de Julie, algo que Les parece ser capaz de comprender. Más adelante, Michael espera a Julie fuera del estudio. Julie le confiesa que echa de menos a Dorothy, y Michael le explica que Dorothy sigue con él, que es parte de él. También le explica que fue el mejor hombre con ella como mujer, de lo que había sido nunca con una mujer como hombre. También le hace ver que lo peor ya ha pasado, y que ambos ya se habían convertido en grandes amigos. Julie le perdona y ambos caminan juntos mientras la joven le pide prestado un vestido de Dorothy, y Michael expresa dudas, preocupado por que se lo estropee.

ESCENA
Aquí dejo una recopilación de escenas con la formidable canción principal de la película “It Might Be You”.

TITULO ORIGINAL
アルプスの少女ハイジ (Arupusu no Shōjo Haiji)
DIRECTOR
Isao Takahata
CREADORES
Hisao Okawa, Mamoru Sasaki, Yoshiaki Yoshida
Basado en la novela de Johanna Spyri
PRODUCCION
Nippon Animation
REPARTO ORIGINAL
Kazuko Sugiyama (Heidi), Kohei Miyauchi (Abuelo de Heidi), Noriko Ohara (Pedro), Rihoko Yoshida (Clara Sessemann), Miyoko Asō (Señorita Rottenmeier), Taimei Suzuki (Señor Sessemann), Natsuko Kawaji (Abuela de Clara), Taeko Nakanishi (Tía Dete), Akiko Tsuboi (Brígida), Miyako Shima (Abuela de Pedro), Kaneta Kimotsuki (Sebastian), Noriko Tsukase (Tinette), Toshiko Sawada (Narradora)
FECHA DE ESTRENO Y FINAL
Del 6 de Enero de 1974 al 29 de Diciembre de 1974
CANAL DE EMISION
Fuji TV
COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL
Takeo Watanabe
NÚMERO DE EPISODIOS
52 episodios de alrededor de veintidós minutos cada uno

CURIOSIDADES
Se trata de una serie anime japonesa basada en el libro de la escritora suiza Johanna Spyri, y esta considerada por la mayoría de la crítica como la mejor adaptación del libro. La serie pertenece al genero Kodomo, que indica que esta dirigida al público infantil. Fue producida por la japonesa Zuiyo Eizo, que más adelante se convertiría en Nippon Animation, y consta de un total de cincuenta y dos episodios que se emitieron durante todo el año de 1974,

desde enero a diciembre.
Fue la primera serie de animación japonesa en llegar a España, en el año 1975, siendo emitida por el primer canal de Televisión Española, y logró alcanzar un éxito sin precedentes, atrayendo no solo al público infantil, sino también al adulto. Heidi tuvo varias adaptaciones al cine de las cuales la más popular ha sido la protagonizada por Shirley Temple en 1937. En lo relativo a los cómics en España sobre el personaje, se continuaron publicando números que continuaban la historia de manera “no oficial”, asó como revelaban aspectos del pasado tanto del Viejo de los Alpes, como de la Señorita Rottenmeier.
El éxito de la serie fue tal que se derivó en un merchandising sin precedentes, como los álbumes de cromos de los yogures Clesa, y Ediciones Fher, muñecos de plástico, cómics, casetes que narraban la historia con la voz de los actores de doblaje, o una baraja de cartas. La música también se convirtió en un gran éxito infant

il, en particular la canción “Abuelito, Dime Tú”, interpretada por Cristina Camargo, aunque en España fue las actrices Sélica Torcal y Marisa Marco fueron quienes doblaron al personaje. Se lanzo un casete en su momento con la canción principal junto a otras tituladas “Copo de Nueve y Yo”, “En la Tarde”, “Canción de Cuna”, “Pedro y Yo”, y la también popular “Oye” que era interpretada en los créditos finales. En Japón la serie arrasó, y adía de hoy sigue generando merchandising de todo tipo. Existe en Suiza un área denominada “Heidiland” que se ha convertido en popular entre el turismo japonés en especial. La comuna suiza Mainfeld es el centro de “Heidiland”; uno de los pueblos, antiguamente llamado Oberrofels, fue renombrado como “Heidiforf”.
En la secuencia musical de presentación de la serie, Heidi aparece bailando con su amigo Pedro. Al fondo se ve a un grupo de aldeanos que portan una bandera amarrilla con el dibujo de una cabra negra. Dicha bandera pertenece al cantón de Schaffh

ausen, localizado al norte de Suiza en la frontera con Alemania. Esto parece ser un error por parte del anime, ya que según el libro, la historia tiene lugar en el Cantón de los Grisones, frontera con Austria y Liechtenstein, cuya bandera incluye una cabra, aunque con un diseño completamente diferente.
A día de hoy, se describe la imposibilidad de un niño para adaptarse a la vida urbana, procediendo de una vida rural, como “Síndrome de Heidi”. Este también describe los problemas mentales derivados de una vida claustrofóbica en los niños, que carecen de actividades al aire libre, ya sea en parques o lugares similares.

NOTA PERSONAL
Todo un drama de mi niñez, eso sí, con un feliz final, que arrasó como una de las primeras series dibujos animados de la infancia de mi generación. No nos podíamos im

aginar que llegarían otros dramas mucho más intensos como “Marco”, o como “El Perro de Flandes”, siendo esta última mucho más dramática por su ya clásico final que nos edulcoraron. Y es que los dibujos animados de mi infancia eran mucho más serios, dentro de su estilo infantil, que las bazofias que tragan los niños de hoy, que son excesivamente ñoñas.
Heidi aportaba una serie de valores que no han desaparecido a día de hoy, y hacen que la serie siga funcionando cuando se muestra a las nuevas generaciones. Se refleja la importancia de la naturaleza en la niñez, y el como las grandes urbes tienen la capacidad de corromper una niñez necesaria. Heidi muestra una personalidad que agradece las cosas más simples que muchos niños dan por sentados. El personaje del abuelo muestra el puente entre esa niñez y una sociedad basada en cotilleos, egoísmo e ignorancia de lo que es verdaderamente absurdo. Aunque el personaje consigue desarrollarse para encontrar un punto medio, al percatarse de que su nieta tendrá que ser adulta algún día, llegando a permitirle que vaya a

la escuela, o comenzando a relacionarse con la gente del pueblo. Por supuesto, tenemos a Clara, cuyo sometimiento a la urbe la ha dejado impedida, y demuestra esa necesidad del contacto con la naturaleza que la reconstituye. Pedro simboliza el valor de la amistad, mientras la ya clásica Señorita Rottenmeier lo excesivamente peligroso de una rigidez absoluta.
Todos estos valores hacen de esta serie un clásico ya convertido en inmortal, en la historia de la televisión infantil.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)
Adelaida, más conocida como Heidi, es una niña de cinco años cuyos padres fallecieron cuatro años atrás. Desde entonces ha sido criada por su tía Dete, que también ha contado con ayuda procedente de distintas casas. Finalmente, Dete obtiene un trabajo en la ciudad de Frankfurt, lo que le imposibilita seguir cuidando a la niña. Dete decide llevar a Heidi a vivir con su abuelo en los Alpes Suizos, considerando que ha llegado la hora de que el anciano asuma responsabilidad por la niña. El abuelo es conocid

o popularmente como el viejo de los Alpes, y mantiene la reputación de ser una persona huraña y antisociable con los habitantes del pueblo de Dörfli. Los rumores dicen que en su juventud mató un hombre, y que desde entonces vive una vida solitaria en la montaña, acompañado de su perro Niebla.
Heidi y Dete llegan a Dörfli, donde los habitantes del pueblo quedan espantados ante la idea de que la niña vaya a vivir con el viejo de los Alpes. Sin embargo, Heidi queda rápidamente fascinada por el lugar, los paisajes y la montaña. De camino a la montaña conoce a un muchacho llamado Pedro, el cabrero local. Dete entrega a Heidi al Abuelo, que reacciona ante la mujer con gritos e improperios echándole y exigiéndole que no vuelva más. A pesar de esto, la naturaleza vivaracha de Heidi, pronto consigue ganarse el corazón del Abuelo, que queda impresionado ante la facilidad de la niña para adaptarse a la vida en la montaña, y lo agradecida que esta ante cosas tan simples como una cama de heno, o

un taburete nuevo.
Heidi y Pedro no tardan en hacerse buenos amigos, y ambos comienzan a pasar los días en la cumbre de las montañas cuidando a las cabras del pueblo. Allí, Heidi queda cautivada con sus paisajes y curiosidades como el gavilán, las dormilonas o el Señor de las Cumbres. Heidi comienza a mostrar un gran amor hacia la naturaleza, cuidando también de un pájaro herido al que llama Pichí. Heidi ayuda a que el pájaro se recupere, y aprende sus costumbres viéndose forzada a aceptar su marcha con la inminente llegada del invierno. Antes de su llegada, Heidi aprende a trabajar como cabrera, hacer queso, los peligros de la naturaleza como las tormentas, la niebla y los temporales ventosos; y el Abuelo desarrolla un mayor cariño hacia la niña.
Ante la llegada del invierno, las excursiones a la cumbre de la montaña dejan de tener lugar, y las visitas de Pedro son menos frecuentes. Heidi conoce a la madre y la abuela ciega de Pedro, a las que decide visitar a menudo conmovida por la ceguera de la anciana. Heidi convence a su abuelo para que repare la casa desta

rtalada de la familia de Pedro, y esta se percata de como la influencia de Heidi a comenzado a cambiar al viejo, a pesar de que este todavía mantiene una actitud arisca hacia cualquiera que no sea Heidi o el propio Pedro.
Con la llegada de la primavera, Heidi y Pedro vuelven a las cumbres de las montañas con las cabras, y logran salvar a la cabra Copito de Nieve de ser sacrificado por su dueño. De nuevo llega el invierno, y tras este, el cura del pueblo intenta obligar al abuelo para que comience a enviar a Heidi a la escuela, pero el viejo se niega en redondo. Heidi ya tiene ocho años, y no sabe leer o escribir. Justo entonces regresa la tía Dete, tres años después de que dejara a Heidi con su abuelo. Dete le comunica al abuelo que ha encontrado una casa en la que Heidi puede ejercer de compañía de una niña de doce años, que no es capaz de andar, llamada Clara. Esta es hija del Señor Sessemann, uno de los hombres más ricos de Frankfurt. Dete amenaza al viejo de los Alpes con llevar el caso a los tribunales, amenazando con revelar aspectos

de “su oscuro pasado”. Engañando a Heidi, se la lleva a Frankfurt ante la desolación de todos sus amigos.
Dete deja a Heidi en la mansión de los Sessemann, donde la niña conoce a la severa ama de llaves, la Señorita Rottenmeier. Esta desarrolla un inmediato desagrado ante la vivaracha personalidad de Heidi. Sin embargo, Heidi se hace pronto muy buena amiga de Clara. Heidi también hace un amigo del mayordomo Sebastian, aunque la doncella Tinette también muestra su desagrado hacia la niña. Heidi desespera constantemente a la Señorita Rottenmeier con sus travesuras como recoger ratones del desván, o llenar la casa de gatos. Por su parte, Heidi se siente desolada al echar de menos su vida en la montaña, incapaz de adaptarse a la vida en la ciudad. Ni siquiera es capaz de atisbar las montañas desde el campanario más alto de la ciudad.
Incapaz de adaptarse, Heidi intenta escapar a las montañas, pero es localizada por la Señorita Rottenmeier, que la lleva de regreso a la mansión. El padre de Clara, el Señor de Sessemann, visita a su hija. La Señorita Rottenmeier intenta con

vencerle para que se deshaga de Heidi, pero el Señor Sessemann pronto se percata de la bondad de la niña, y del bien que su compañía le hace a Clara, con lo que decide que la niña se quedará. A la semana de la partida del Señor Sessemann, llega a la mansión la abuela de Clara. La abuela resulta ser una anciana jovial, aficionada a los juegos, y que en poco tiempo devuelve la felicidad a la casa, tomándole un gran cariño a Heidi, y dándose cuenta del bien que la niña le esta haciendo a Clara. La abuela celebra varias actividades con las niñas, como llevarlas de excursión al bosque. Sin embargo, pasado un tiempo, la abuela Sessemann debe regresar a sus obligaciones en su casa, lo cual deja devastada a Heidi, que observa como las cosas vuelven a la normalidad anterior en la casa.
Cuando Rottenmeier se percata de la tristeza que le provoca a Clara la posibilidad de que Heidi escape a las montañas, se lo hace saber a Heidi, prohibiéndole que vuelva a hablar o mencionar su vida en las montañas a Clara. Esto sum

e a Heidi en una profunda depresión, notablemente mayor a la inicial. Es entonces, cuando el servicio de la Mansión Sessemann comienza a atisbar lo que creen es un fantasma. El Señor Sessemann regresa ante la crisis y, junto al doctor de la familia, descubre que el fantasma no es otro que Heidi, que debido a su depresión se ha convertido en sonámbula mientras sueña con las montañas. El Doctor recomienda que la niña regresé a las Montañas, antes de que enferme de verdad, el Señor Sesseman accede, prometiéndole a Clara que podrá ir a visitar a la niña la próxima primavera.
Sebastian lleva a Heidi de regreso a los Alpes, donde Heidi se rencuentra con la abuela de pedro, y Brígida. Tras esto llega a la cabaña de su abuelo, donde ambos tienen un emotivo rencuentro. Heidi también se reúne con su amigo Pedro, y ambos regresan a las praderas de las cumbres con las cabras, mientras el Viejo de los Alpes se vuelve más afable con los habitantes del pueblo. El Abuelo cambia de opinión, y decide que Heidi acuda a la escuela. Para ello, se traslada a una casa abandonada, que restaura, en el

pueblo durante todo el invierno, y también inicia a Pedro en el oficio de la carpintería. Pedro demuestra talento, llegando a construir su propio trineo, con el que gana un torneo local.
Tras el final del invierno, el Señor Sessemann envía al médico de Clara a las montañas para que decida si la niña inválida puede acudir. El doctor accede pensando que la estancia en las montañas le puede hacer mucho bien a Clara. Clara acude, aunque lamentablemente en compañía de la Señorita Rottenmeier, que no logra adaptarse a la naturaleza que detesta. Mientras la Señorita Rottenmeier permanece en la casa de invierno, Clara se instala en la cabaña junto al Abuelo y Heidi. Clara también conoce a Pedro, y pronto se queda encantada con la vida en las montañas. Inicialmente, Pedro se siente celoso de Clara, debido a que Heidi escoge pasar la mayor parte del tiempo con ello. Sin embargo, termina cogiendo a la niña, llegando a llevarla a cuestas hasta las praderas para que les acompañe, y construyendo una “silla-mochila” para cargar con ella. Esto ayuda a Clara a percatarse de lo pendientes que

han de estar todos de ella, y los sacrificios que realizan para ayudarla.
Eventualmente, la abuela de Clara llega a las montañas, y la Señorita Rottenmeier es enviada de regreso a Frankfurt. Durante la estancia de la abuela, Clara se pone de pie cuando una vaca se dirige hacia ella, y la abuela comienza a sospechar que puede volver a camina. El abuelo opina lo mismo, y la abuela parte para que este, junto a Heidi y Pedro le ayuden. Durante los siguientes días Clara conoce y lee para la abuela de Pedro, para la cual lee, sintiéndose útil por primera vez. Eventualmente, Clara es capaz de ponerse de pie y caminar un poco. Cuando su padre y abuela llegan para buscarla, les sorprende caminando hacia ellos. Clara parte de las Montañas, prometiendo volver para visitar a Heidi y Pedro el verano siguiente.

ESCENA
Aquí dejo el que sin duda es para mí el momento más emotivo de la serie, al principio del último capitulo. Clara le demuestra a su padre y abuela que es capaz de andar.

FECHA DE ESTRENO
9 de Marzo de 1994
TITULO ORIGINAL
Four Weddings and a Funeral
DIRECTOR
Mike Newell
PRODUCTORES
Duncan Kenworthy, Tim Bevan, Eric Fellner, Richard Curtis
GUION
Richard Curtis
REPARTO
Hugh Grant (Charles), Andie MacDowell (Carrie), James Fleet (Tom), Simon Callow (Gareth), John Hannah (Matthew), Kristin Scott Thomas (Fiona), David Bower (David), Charlotte Coleman (Scarlett), Timothy Walker (Angus), Sara Crowe (Laura), Rowan Atkinson (Padre Gerald), David Haig (Bernard), Sophie Thompson (Lydia), Corin Redgrave (Sir Hamish Banks), Anna Chancellor (Henrietta / Cara de Pato), Susanna Hamnet (Deirdre)
CINEMATOGRAFÍA
Michael Coulter
BANDA SONORA
Richard Rodney Bennett
DISTRIBUIDA POR:
Gramercy Pictures, Rank Film Distributors
DURACIÓN
117 minutos

CHARLES: “Siento, como siempre, un respeto pavoroso por todo aquel que realiza un compromiso como el que Angus y Laura han sellado hoy. Yo no sería capaz de hacerlo, y creo que es maravilloso que ellos si hayan sido capaces.”

GARETH: “Tengo una nueva teoría sobre el matrimonio. Dos personas se enamoran, viven juntas, y entonces, de repente un día, se les acaba la conversación. Por completo, no tienen absolutamente nada que decirse el uno al otro, así es, pánico. Entonces de repente, se le ocurre al tipo, que hay una forma de salir del callejón.”
CHARLES: “¿Cuál es?”
GARETH: “Le pide a ella que se case con él.”
CHARLES: “Brillante, brillante.”
GARETH: “De repente tienen tema de conversación para el resto de su vida.”
CHARLES: “Así que según tú, el matrimonio es la solución para acabar con la falta de conversación.”
GARETH: “Oh, sí, sí, es el rompehielos definitivo.”
CHARLES: “Es una buena teoría Gareth.”
MATTHEW: “Bueno también existe otro argumento, pero este tiene algo que ver con el verdadero amor.”

CURIOSIDADES
Richard Curtis obtuvo la idea para la película al revisar viejos diarios y percatarse de que había asistido a setenta y dos bodas en diez años. Se trata de la primera de varias películas escritas por el guionista Richard Curtis, en las que aparece Hugh Grant. La película fue un éxito inesperado, convirtiéndose en la película británica de mayor recaudación en aquel momento, superando una taquilla de doscientos cuarenta y cinco millones de dólares, llegando a recibir una nominación a los Oscar como Mejor Película. Esto resultó remarcable considerando que la película contó con un presupuesto limitado de cuatro millones de dólares, superando a “Un Pez Llamado Wanda”. Fue la primera película británica en ganar un Cesar, el equivalente francés del Oscar.
Hugh Grant no fue el candidato inicial

para interpretar al protagonista de la película, inicialmente se consideró a Alan Rickman para el papel. Durante el casting, Hugh Grant hizo sonar una grabación de su discurso como padrino de la boda de su hermano. Mientras se rodaba la película, Hugh Grant llegó a dudar de la calidad de la misma. El actor que interpreta al hermano de Charles, David Bower, es sordo en la vida real, por lo que Hugh Grant tuvo que aprender el lenguaje de los signos para sus escenas con el actor. El papel de Carrie fue ofrecido a Melanie Griffith y Brooke Shield, pero ambas actrices lo rechazaron. Andie MacDowell renunció a su salario por aparecer en la película, tomando porcentajes de la recaudación en su lugar. Logró ganar dos millones de dólares gracias al éxito de la película, mientras Hugh Grant cobró cien mil dólares por la misma.
Originalmente se planeó que la película se rodara dos años antes, pero dicho rodaje se retrasó. Cuando el proyecto recibió luz verde, Po

lygram redujo considerablemente el presupuesto de la película. El rodaje duró un total de treinta y cinco días. El poema que Matthew lee en el funeral es el de “Funeral Blues” por WH Auden. En una escena eliminada descubrimos a Charles, Matthew y Fiona como compañeros de universidad, donde Gareth presentaba una conferencia. La banda sonora de la película también fue un éxito de ventas, recopilando canciones románticas consideradas ya como clásicos, así como la canción principal “Love is All Around”.

NOTA PERSONAL
Sin duda una de mis películas favoritas, de hecho me extraña no haberla reseñado anteriormente. Recuerdo perfectamente la primera vez que la vi, era un estudiante universitario en su segundo curso, y la alquilé en el videoclub al que solía acudir. La vi con mi compañero de apartamento Corbett, y ambos pasamos una noche comiendo pizza y desternillándonos de la risa ante esta genial comedia.
Evidentemente existen much

os aspectos profundos en la película, siempre recubiertos con ese genial toque de humor británico. Curiosamente lo primero que llamó mi atención fue la solidez de ese grupo de amigos cuyos vaivenes observamos en el film. En aquel entonces observé este mensaje como uno entusiasta, que muestra la perduración de la amistad a través del tiempo. Ahora como adulto, lo observó con nostalgia, habiéndome percatado de como la vida tiende a llevar a diferentes amigos por distintos caminos, pero con la alegría de ver como otros aparecen, y algunos persisten en nuestra compañía. Luego tenemos, por supuesto, un claro mensaje acerca del pavor al compromiso, y el como dicho temor nos puede llevar a perder aquello que puede hacernos verdaderamente felices. Al mismo tiempo se nos muestra la tristeza de la perdida en diferentes variantes, ya sea sentimental o por fallecimiento. Evidentemente, el momento más trágico de la película es la muerte de Gareth y su funeral, con una interpretación magistral de John Han

nah, como su pareja. Pero también me llamó la atención el personaje de Fiona, aparentemente fría, que revela que siempre ha estado enamorada de Charles, a pesar de no haber sido correspondida. Y es que la película esta llena de detalles magistrales, acompañados de diálogos igualmente elogiables. Formidable la boda realizada por el personaje de Rowan Atkinson. En resumidas cuentas me parece una película simplemente excepcional.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Charles es un joven que reside con su amiga Scarlett. Una mañana se despierta para descubrir que llega tarde a una boda en la que debe ejercer como padrino del novio. Charles parte a la boda en compañía de su pandilla de amigos compuesta por su hermano sordomudo David, la arrogante Fiona y su patoso hermano Tom, y la pareja homosexual compuesta por el alegre y extravagante Gareth y su pareja Matthew. La boda es l

a de una pareja de amigos, Angus y Laura. Charles descubre que ha olvidado los anillos, y recibe los estrafalarios anillos de Fiona y Scarlett para salir del paso. Durante la recepción de la boda, Charles conoce a una joven americana llamada Carrie, hacia la que se siente atraído de inmediato. Una joven llamada Serena se siente fascinada y atraída hacia el hermano sordomudo de Charles, David. Durante su discurso como padrino, Charles expresa su admiración hacia un compromiso que el no sería capaz de adoptar. Durante la boda, un hombre llamado Bernard inicia relaciones con la dama honor Lydia. A pesar de tener una habitación reservada en el hostal “El Pato Mareado”, Tom invita a la pandilla a pasar la noche en un castillo que tiene en la cercanía, siendo su familia una de las más ricas del Reino Unido. Antes de partir, Charles se despide de Carrie para descubrir que ella se hospeda en “El Pato Mareado”. De camino al castillo, Charles decide jugárselo todo y acudir a “El Pato Mareado”. Allí se encuentra con Carrie, y ambos acaban juntos en la cama. A la mañana sigui

ente, Carrie le pregunta cuando deben anunciar su compromiso ahora que se han acostado juntos. Charles reacciona con pavor hasta que se percata de que puede ser una broma. Carrie regresa a America antes de señalar que ambos han perdido una gran oportunidad.
Meses después, Bernard y Lydia celebran su boda, a la que toda la pandilla esta invitada de nuevo, con Tom como padrino. Esta es la primera boda celebrada por el Padre Gerald, que comete un error tras otro para diversión de muchos, y sequedad de otros. Durante la recepción, Charles se rencuentra con Carrie que también ha sido invitada. Charles se muestra ilusionado y encantado, hasta que esta le presenta a su prometido, Sir Hamish Banks, un político rico y esnob procedente de Escocia. Deprimido, Charles se encuentra en una situación aún peor, al haber sido colocado en una mesa con una serie de antiguas novias, que cuentan historias embarazosas sobre su inhabilidad para ser discreto. Más tarde se encuentra con otra antigua novia, con la que tuvo una dificultosa relación, llamada Henrietta, y conoci

da por sus amigos como “Cara de Pato”. Por su parte, Serena se presenta ante David tras haber iniciado a aprender el lenguaje de los signos. A pesar de sus errores, David comparte la atracción, y la dedicación de la joven para aprender el idioma de los signos. El flechazo surge y ambos bailan juntos. Charles observa como Hamish y Carrie parten en un taxi, y tras esto queda atrapado en el baño de un dormitorio donde la pareja de recién casados mantienen relaciones. Tras abandonar la habitación de manera extraña, Charles se enfrenta de nuevo a Henrietta, que le echa en cara su habito de “monogamia serial”, señalándole que tiene miedo de que alguien se le acerque. Tras esto, Charles se encuentra con Carrie, ya que solo Hamish había partido en taxi. Esta le pide que le acompañe a su hotel, y ambos terminan por acostarse juntos una vez más.
Unos meses más tarde, Charles recibe una invitación a la boda de Carrie en Escocia, así como su lista de boda. Mientras acude a observar qu

e regalo puede comprarle, Charles se encuentra de nuevo con Carrie, y termina ayudándola a seleccionar su vestido de novia. Tras esto, ambos comparten un café, durante el cual Charles descubre que Carrie mantuvo relaciones sexuales con treinta y tres hombres, de los cuales él es el treinta y dos, descrito como “encantador”. Carrie acompaña a Charles a encontrarse con David, al cual invita a la boda deseando tener más amigos por su parte en la boda. Antes de marcharse con David, Charles intenta declarar sus sentimientos hacia Carrie, pero se atasca y echa atrás en el último momento.
Llega el día de la boda de Carrie y Hamish en un castillo escoces, y Charles acude deprimido ante la perspectiva del matrimonio. Durante la recepción, Gareth ordena a la pandilla que busque parejas potenciales, ya que desea acudir a la boda de un ser querido para variar. Tom fracasa en su intento de conquistar a la que resulta ser la esposa del sacerdote, mientras Scarlett conoce a un atractivo americano llamado Chester. Mientra

s Charles observa como Carrie y Hamish bailan juntos, Fiona deduce la atracción de Charles hacia la novia. Cuando Charles le pregunta por qué no se ha casado, ella confiesa que ha estado enamorada de Charles desde que se conocieron años atrás. Charles queda sorprendido, y le ofrece su apoyo, aunque no puede devolverle los mismos sentimientos. Durante la celebración, Gareth sufre un ataque al corazón y fallece. Charles va en busca de su pareja Matthew, que se encontraba en otro lugar escuchando los discursos de la recién casada pareja.
Llega el funeral de Gareth, durante el cual su pareja, Matthew, recita el poema “Funeral Blues” de WH Auden, para conmemorar su relación con Gareth. Al funeral acude Carrie sin la compañía de su recién esposo. Tras el funeral, Charles y Tom dan un paseo durante el cual discuten la posibilidad de encontrar el amor verdadero, percatándose de que aunque Gareth y Matthew eran solteros, habían sido una pareja “casada” desde siempre. Tom señala que no espera experimentar un flechazo, sino encontrar a alguien que no

sienta desagrado hacia él, y que ambos puedan aprender a ser felices.
Diez meses más tarde, llega el momento de celebrar la boda de Charles, que ha decidido casarse con Henrietta. Scarlett se rencuentra con Chester, mientras Tom sufre un flechazo inmediato hacia su prima lejana, con la que se rencuentra, Deirdre. Sin embargo, momentos antes de la ceremonia, Carrie llega a la iglesia, donde Charles descubre que ella y Hamish se han separado. Esto provoca una crisis de confianza en Charles, ante su padrino, que no es otro que Matthew. David llega para ofrecerle tres alternativas: o sigue adelante con la boda, o la suspende, y revela no habérsele ocurrido ninguna tercera razón. La boda comienza a celebrarse, y cuando el sacerdote pregunta si alguien conoce algún impedimento, David solicita que Charles traduzca lo que va a comunicar mediante el lenguaje de signos. Charles traduce las sospechas de David sobre las dudas del novio, el cual cree que esta enamorado de otra mujer. El vicario le exige que confirme o niegue esto, ante lo cual Charles afirma estar enamorado de otra mujer. Henrietta le propina un sonoro

puñetazo a Charles, y la boda es suspendida.
La pandilla se reúne con Charles en su casa para apoyarle, ante lo que Tom declara que si no estaba seguro, aún en ese momento, entonces ha tomado la decisión correcta. Carrie llama a la puerta de Charles para disculparse, señalando que no debería haber acudido a la iglesia. Sin embargo, Charles le señala que mientras se encontraba en el altar, se percató por primera vez en su vida de que la persona a la que amaba no estaba al lado suyo en el altar, pero que sí es la persona que tiene en ese momento en frente. Antes de entrar en la casa, Charles le pregunta si sería capaz de concebir una vida juntos sin la necesidad de contraer matrimonio, y Carrie acepta la proposición. La pareja se besa bajo la lluvia.
En una secuencia de imágenes se muestra como Henrietta se casa con un miembro de la guardia, Scarlett se casa con Chester, David con Serena, Tom con su prima lejana Deirdre, Matthew con otro hombre apuesto, Fiona con el Príncipe Charles, y finalmente se muestra a Charles y Carrie en compañía de su hijo.

ESCENA
Serie de escenas de la película acompañadas por su canción principal, “Love is All Around”.

FECHA DE ESTRENO

29 de Abril de 2009

TITULO ORIGINAL

X-Men Origins: Wolverine

DIRECTOR

Gavin Hood

PRODUCTOR

Hugh Jackman, Lauren Shuler Donner, Ralph Winter, John Palermo

GUION
David Benioff, Skip Woods

REPARTO

Hugh Jackman (James Howlett / Logan / Lobezno), Liev Schreiber (Victor Creed), Danny Huston (William Stryker), Lynn Collins (Kayla Silverfox), Taylor Kitsch (Remy LeBeau / Gambito), will.i.am (John Wraith), Kevin Durand (Fred J Dukes / La Mole), Dominic Monaghan (Chris Bradley), Daniel Henney (Agente Zero), Ryan Reynolds (Wade Wilson / Masacre), Tim Pocock (Scott Summers), Max Cullen (Travis Hudson), Julia Blake (Heather Hudson), Peter O’Brien (John Howlett), Aaron Jeffery (Thomas Logan), Alice Parkinson (Elizabeth Howlett), Tahyna Tozzi (Emma), Troye Sivan (Joven James Howlett), Michael James Olsen (Joven Victor Creed)

CINEMATOGRAFÍA

Donald McAlpine

BANDA SONORA

Harry Gregson-Williams

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
107 minutos

PRECEDIDA POR:

X-Men: La Decisión Final

SUCEDIDA POR:

X-Men: Primera Generación

KAYLA SILVERFOX: “¿Por qué esta tan sola la Luna?”

JAMES HOWLETT: “¿Por qué?”

KAYLA SILVERFOX: “Porque tuvo un amante.”

JAMES HOWLETT: “¿Cuentas eso a los niños?”

KAYLA SILVERFOX: “No. Se llamaba Kuekuatsheu, y vivían en el mundo de los espíritus.”

JAMES HOWLETT: “¿Es una historia real?”

KAYLA SILVERFOX: “Aja, y cada noche recorrían el cielo los dos juntos. Pero uno de los otros espíritus tuvo celos, y quería a la Luna para él solo. Así que dijo a Kuekuatsheu que la Luna había pedido flores. Le dijo que bajara a nuestro mundo a cogerle rosas silvestres. Pero Kuekuatsheu no sabía que al abandonar el mundo de los espíritus, no se puede volver. Y cada noche mira hacia el cielo y ve allí la Luna, y aúlla su nombre. Pero no podrá volver a tocarla.”

JAMES HOWLETT: “Vaya. Kukuchu esta jodido.”

KAYLA SILVERFOX: “Kuekuatsheu. Significa Lobezno.”

CURIOSIDADES

El proyecto de escribir el guion recayó de un fan de comic-books llamado David Benioff, el cual llevaba tres años detrás del mismo, y que terminó por comenzar a escribir el guion en octubre de 2004. Para prepararse, volvió a leer la historia “Arma-X” escrita por Barry Windsor-Smith, así como la serie limitada de “Lobezno” creada en 1982 por Chris Claremont y Frank Miller, la cual era su historia favorita. También tomó como inspiración la serie limitada de 2001 “Origen”, la cual narraba la vida de Lobezno en sus jóvenes años. Hugh Jackman colaboró en el guion, deseoso de que este fuera una pieza más centrada en su personaje, al contrario de lo sucedido en las películas previas de la franquicia “X-Men”. Skip Woods, que se había encargado de escribir “Hitman” para la Fox, fue contratado para revisar y rescribir el guion de Benioff. Este último había marcado una línea más oscura y brutal para la historia, aunque aceptaba que dicha línea sería decidida por los productores y el director.

Para el personaje de Masacre, se había desarrollado un proyecto de película independiente por Reynolds y David S Goyer para New Line Cinema en 2003, pero dicho proyecto se vino abajo cuando decidieron concentrarse en “Blade: Trinidad”. Benioff incluyó al personaje en el guion con su habitual sentido del humor, pero se desvió de algunas de sus características. Similarmente, Gambito era un personaje al que se había intentado incluir en las anteriores películas de los X-Men. Jackman estaba interesado en incluirlo debido a que era un personaje descontrolado como el de Lobezno, y la relación entre ambos debía ser parecida a la que había tenido con el de Piros en la trilogía original. David Ayer contribuyó al guion, y Benioff terminó su borrador en octubre de 2006, mientras Jackman declaró que habría que esperar un año más para el rodaje, ya que tenía que rodar “Australia” durante 2007. Antes de que comenzara la Huelga del Gremio de Guionistas en 2007 y 2008, James Vanderbitt y Scott Silver fueron contratados para rescribir el guion en el último minuto.

Se anunció a Gavin Hood como director del proyecto en julio de 2007, y se marcó 2008 como año de estreno. Previamente, los directores de la trilogía, Bryan Singer y Brett Ratner se habían mostrado interesados en regresar a la franquicia, y tanto Alexandre Aja como Len Wiseman también deseaban el trabajo. Zack Snyder rechazó el trabajo debido a que estaba involucrado para dirigir “Watchmen”. Jackman observó un paralelismo entre su personaje y el protagonista de la anterior película de Hood, “Tsotsi”. Hood explicó que, aunque no era un gran fan de los cómics, se había percatado de que el encanto de Lobezno era que en cierta manera despreciaba su naturaleza, y estaba inmerso en una guerra personal con esta. El director describió los temas de la película como basados en el conflicto entre la naturaleza salvaje de Lobezno, y sus cualidades humanas nobles. Finalmente se fijó 2009 como el año de estreno.

Hood y la Fox discutieron sobre temas como el que Lobezno sufriera Trastorno por Estrés Postraumático como veterano del ejército, ya que la compañía temía que los espectadores no estarían interesados por estos temas de tanto peso. Hubo que mediar para llegar a punto medio entre ambas posturas. Gavin Hood añadió dos añadidos tras los créditos finales de la película. En una se muestra a Logan bebiendo en un bar japonés, alegando que lo hace para recordar en lugar de para olvidar. Otro muestra a Masacre entre las ruinas de la Torre de Refrigeración, su cuerpo decapitado buscando su cabeza entre los escombros. Al encontrarla, los ojos de Masacre se abren. Originalmente esta no era la única película de “Orígenes” planificada, de hecho había otro proyecto para Magneto que no llegó a ver la luz.

NOTA PERSONAL

Después de la decepción que me había provocado “X-Men: La Decisión Final”, esta película me pareció sobresaliente. Siendo un fan de los cómics, se muy bien que existen puristas que encontraran defectos a estas adaptaciones cinematográficas. A mi me parece una postura absurda de gente empeñada en demostrar lo “mucho que saben” de este mundo de los cómics. Personalmente, creo que esta película sobre el origen de Lobezno tomó varios aspectos muy importantes de diferentes cómics, y supo combinarlos con acierto, evidentemente tomándose algunas licencias, que desde mi punto de vista también funcionan.

Uno de los aciertos de la película fue incluir un buen número de personajes de los cómics, pero en esta ocasión todas estás apariciones encajan de manera eficiente en la trama, algo que no pasaba en la tercera parte de la trilogía. Evidentemente, me encantó la aparición de Gambito, y la adaptación que hicieron del personaje de Masacre, genialmente interpretado por Reynolds.

Jackman es el Lobezno perfecto, si bien le falta algo de pelo corporal y le sobra algo de estatura. Pero lo que consigue con creces es otorgarle esa personalidad tan peculiar del personaje, sobre todo mostrando el conflicto entre el animal y la persona. A pesar de su atracción hacia Jean Grey en la trilogía anterior, es en esta película donde vemos a Lobezno mostrando su lado más romántico, combinando con esa actitud de chico duro. También es la única película en la que podemos ver un periodo de su vida que bien puede ser considerado como feliz. Convertir a Dientes de Sable me pareció una buena idea, y funciona con el guion otorgando ese aspecto de conflicto familiar que contribuye al drama que se va construyendo a lo largo de la trama.

La película bien puede ser considerada una precuela, y encaja a la perfección con los eventos de la trilogía original. Los efectos están más que logrados, y la trama esta repleta de escenas de acción muy logradas, que contribuyen a entretener al espectador y dejarlo pendiente de la pantalla. Criticada por muchos fans, a mi me pareció una excelente película sobre el personaje de Lobezno.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En 1845, un joven llamado James Howlett que vive en Canadá, es testigo de como su padre es asesinado por el empleado de la familia Thomas Logan. El trauma activa los poderes mutantes del chico, y de sus manos surgen garras de hueso, con las que asesina a Thomas. Antes de fallecer, Thomas le revela que él es su verdadero padre. James escapa al bosque en compañía del hijo de Thomas, Victor Creed, que es su medio hermano. Durante el siguiente siglo ganan experiencia como soldados, luchando en la Guerra Civil Americana, ambas Guerras Mundiales, y la Guerra de Vietnam. En el año 1973, Victor intenta violar a una pueblerina local, pero es detenido tras asesinar a un superior. James defiende a su hermano, y ambos son condenados a ser ejecutados por un pelotón, pero sobreviven. El Comandante William Stryker le recluta en su nuevo Equipo-X, un grupo de mutantes compuesto por el tirador Agente Zero, el espadachín Wade Wilson, el teletransportador John Wraith, el invulnerable Fred Dukes, y el electropata Chris Bradley. James y Victor se unen al equipo, pero durante una misión en busca de un meteorito, James decide dimitir debido al desprecio por la vida humana que el equipo demuestra.

Seis años más tarde, James ha adoptado el nombre de Logan, y reside en Canadá en compañía de su novia, Kayla Silverfox. El ya Coronel Stryker localiza a Logan para advertirle de que alguien esta asesinando a miembros del Equipo-X, y que Wilson y Bradley ya están muertos. Poco después, Victor, el cual ha asesinado a Bradley, acaba con la vida de Kayla y derrota a Logan en combate. Stryker le ofrece a Logan una manera de derrotar a Víctor. Logan es sometido a una operación para fusionar un metal indestructible sacado del meteorito que adquirió, adamantium, con sus huesos. Antes de la operación, Logan recibe nuevas chapas en las que hace inscribir el nombre de Lobezno, basándose en una leyenda que Kayla le había contado. Cuando el proceso es completado, Stryker ordena que le borren la memoria, pero Logan lo escucha y consigue escapar de la instalación. Protegido por los granjeros Hudson, Logan es testigo de como el Agente Zero les asesina con el propósito de capturarle para Stryker. Logan consigue escapar acabando con la vida del Agente Zero.

Logan acude a Wraith en busca de ayuda, y este le señala que Dukes, el cual se ha convertido en un obeso, sabe donde puede encontrar a Victor. Dukes explica que Stryker y Victor trabajan juntos. Stryker ha establecido un laboratorio para experimentar con mutantes en un lugar conocido como la Isla, y Victor captura los mutantes para dichos experimentos. Mientras tanto, Victor captura a Scott Summers (en un futuro conocido como Cíclope), para Stryker. Dukes dirige a Logan a Nueva Orleans, donde un mutante conocido como Gambito puede decirle como llegar a la Isla, pues escapó de esta. Sin embargo, cuando Logan localiza a Gambito y se lo pregunta, este interpreta que ha sido enviado para capturarle, y surge una lucha entre ambos. Fuera del local, Logan encuentra a Victor, que acaba de asesinar a Wraith, pero cuando intenta acabar con él, Gambito reaparece para proseguir la lucha, dándole a Victor la oportunidad de escapar. Logan derrota a Gambito, y este decide llevarle a la Isla al ver que no trabaja para Stryker. Por su parte, el General Munson intenta cancelar el proyecto de Stryker al descubrir que este mantiene congelado a su hijo mutante, y que esta demasiado involucrado emocionalmente con el proyecto. Stryker le asesina.

Logan llega a la Isla para descubrir que Kayla sigue con vida y que ha conspirado con Stryker, para conseguir la liberación de su hermana mutante Emma. Logan abandona el lugar, mientras Victor llega exigiendo el proceso de adamantium por sus servicios, pero Stryker se niega alegando que no sobrevivirá al proceso. Victor intenta asesinar a Kayla, pero al oír sus gritos, Logan regresa y se enfrenta a Victor al que esta a punto de matar. Mientras tanto, Stryker activa a Arma XI, un asesino mutante con las habilidades de varios mutantes arraigadas al cuerpo de Wade Wilson, el cual ha sido denominado como Masacre.

Kayla se disculpa ante Logan explicando que sus sentimientos eran reales, y ambos colaboran para liberar a los jóvenes mutantes capturados en la Isla. Masacre se presenta ante ellos enfrentándose a Logan, mientras Kayla lleva a los chicos a unos túneles que les sacaran del complejo, regresando para ayudar a Logan, aunque ha sido herida mortalmente. Los chicos son guiados telepáticamente por el Profesor Charles Xavier, que les ofrece protección en su escuela.

Logan atrae a Masacre a lo alto de una de las torres de refrigeración de la instalación. Allí, Masacre esta a punto de acabar con la vida de Logan, hasta que Victor decide ayudar a su hermano. Tras una batalla en la que Masacre hace uso de varios poderes, Logan consigue decapitarle. La cabeza de Masacre cae disparando rayos ópticos que provocan el hundimiento de la torre. Victor aprovecha el caos para escapar, mientras Logan recibe varios disparos de Stryker con balas de adamantium, que le dejan inconsciente.

Kayla utiliza sus poderes de persuasión para que Stryker deje atrás su arma y se aleje caminando hasta que le sangren los pies, tras lo cual Kayla fallece por sus heridas. Logan se recupera habiendo perdido todos sus recuerdos, y Gambito le ayuda a abandonar el lugar mientras las autoridades se acercan. Al partir, Logan pasa al lado del cadáver de Kayla, a la cual no reconoce. A pesar de que Gambito propone que permanezcan juntos, Logan decide seguir su vida en solitario. Stryker es localizado con los pies sangrando por el ejército.

ESCENA
A falta de escenas en “youtube”, aquí dejo el tráiler de la película en castellano.

FECHA DE ESTRENO

5 de Febrero de 1953

TITULO ORIGINAL

Peter Pan

DIRECTOR

Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske

PRODUCTOR

Walt Disney

GUION
Milt Banta, William Cottrell, Winston Hibler, Bill Peet, Erdman Penner, Joe Rinaldi, Ted Sears, Ralph Wright

Basado en la obra de James Matthew Barrie

REPARTO (VOCES)

Bobby Driscoll (Peter Pan), Margaret Kerry (Campanilla), Kathryn Beaumont (Wendy Darling), Paul Collins (John Darling), Tommy Luske (Michael Darling), Hans Conried (George Darling), Heather Angel (Mary Darling), Hans Conried (Capitán Garfio), Bill Thompson (Señor Smee), Corinne Orr (Tigrilla), Robert Ellis (Niño Perdido), Jeffrey Silver (Niño Perdido), Stuffy Singer (Niño Perdido), June Foray (Sirena, Squaw), Connie Hilton (Sirena), Margaret Kerry (Sirena), Karen Kester (Sirena), Candy Candido (Jefe Indio), Tom Conway (Narrador)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Oliver Wallace

DISTRIBUIDA POR:

RKO Radio Pictures

DURACIÓN
76 minutos

CLASICO ANTERIOR

Alicia en el País de las Maravillas

CLASICO SIGUIENTE

La Dama y el Vagabundo

PETER PAN: “¿Dónde estas Campanilla? Óyeme. ¡Campanilla! ¿Me oyes? ¿Estás bien? ¿Wendy, los niños? Sí, pero tengo que salvarte a ti primero. ¡Espérame, espérame! ¡No te mueras! ¿Qué no lo sabes Campanilla? Yo te quiero a ti más que a nada en este mundo.”

GEORGE DARLING: “Tengo idea de haber visto ese barco alguna vez. Cuando era niño, hace mucho tiempo.”

MARY DARLING: “George, querido.”

WENDY DARLING: “Papá.”

CURIOSIDADES

Se trata del décimo cuarto clásico de Disney. “Peter Pan” era una de las historias favoritas de Walt Disney, y en 1935 tenía la intención de que se convirtiera en su segundo clásico después de “Blancanieves y los Siete Enanitos”. Sin embargo, fue incapaz de conseguir los derechos de la obra hasta cuatro años más tarde, después de que lograra llegar a un acuerdo con “Great Ormont Street Hospital” en Londres, al cual Barrie había cedido los derechos de la obra. El estudio comenzó el desarrollo de la historia y los personajes a finales de la década de 1930, y continuó en dicho trabajo a principios de la década de los cuarenta, y se decidió que sería el cuarto clásico después de “Blancanieves”, “Bambi” y “Pinocho”. Sin embargo este orden cambió, y “Bambi” se retraso debido a dificultades técnicas, convirtiéndose en el quinto clásico, mientras que “Pinocho” se convirtió en el segundo.

Durante ese tiempo, Disney exploró muchas posibilidades de como la historia debía ser interpretada. En la versión más temprana, la película comenzaba explicando el origen de Peter Pan. Sin embargo, el veinte de mayo de 1940, durante una reunión, Disney declaró que se debía entraren en la historia directamente, cuando Peter Pan entra en la Mansión Darling para atrapar su sombra, ya que el origen de Peter Pan era una historia completamente diferente. Disney también exploró la posibilidad de que la película comenzara en la Tierra de Nunca Jamás, y que Peter Pan viajara a la casa de Wendy para secuestrarla como madre de los Niños Perdidos. Eventualmente, Disney decidió que la historia del secuestro era demasiado oscura, y decidió regresar a la obra original en la que Peter partía en busca de su sombra, y Wendy mostraba su deseo de visitar Nunca Jamás. La escena atravesó muchas alteraciones.

Por ejemplo, en una versión, era la Señora Darling la que encontraba la sombra de Peter, y se la mostraba a su marido, tal y como ocurre en la obra original. En otra versión de la película, el perro Nana acudía a Nunca Jamás con Peter Pan y los niños, y la historia se mostraba a través de sus ojos. En otra interpretación de la historia, John Darling era dejado atrás al ser considerado demasiado serio, práctico y aburrido. La película también incluía una escena en la que Wendy, Peter y los niños disfrutaban de una cena imaginaria. En un momento determinado, había una escena en el escondite de Peter, donde Campanilla resultaba humillada, y enojada le comunicaba deliberadamente al Capitán Garfio la localización del escondite de Peter. Sin embargo, Disney consideró que esta iba en contra del personaje de Campanilla, y decidió cambiar la escena a la que mostraba como era capturada y engañada o persuadida para señalar la localización del escondite a Garfio.

Existe un momento en la obra de Barrie, en la que el Capitán Garfio colocaba veneno en la medicina de Peter, y Campanilla le salvaba bebiéndolo, para ser revivida por el aplauso de la audiencia en el teatro. Tras un largo debate, Disney descartó la escena, temeroso de que fuera algo complicado de lograr a través de una película. En otras versiones de la película, existían más escenas que incluían a los Piratas y las Sirenas, pero terminaron por ser cortadas para mantener el ritmo de la trama. La película también tenía escenas de tono más oscuro, como la muerte del Capitán Garfio a manos del cocodrilo, o la familia Darling lamentando la perdida de sus hijos, o Pan y los niños encontrando un tesoro de los piratas lleno de trampas, y que fueron eliminadas.

El siete de diciembre de 1941, los Estados Unidos se unieron a la Segunda Guerra Mundial después del ataque sobre Pearl Harbor. Debido a esto, el estudio recibió la misión de realizar sus películas de propaganda, y el proyecto de “Peter Pan”, junto a otros varios, fue retrasado. Cuando la guerra finalizó en 1945, el estudio se encontraba e deuda y realizó sus “películas de cortos” para sostenerse. No fue hasta 1947, que el estudio comenzó a recuperarse, y a producción de “Peter Pan” comenzó, a pesar de que Roy O Disney consideraba que no sería un éxito de taquilla.

Rumores han afirmado que el diseño de Campanilla estaba basado en Marilyn Monroe, pero en realidad fue basado en su modelo escogido, Margaret Kerry. Esta posó para tomas de referencia, que fueron utilizadas por el animador de Campanilla, Marc Davis, y su equipo, cuando dibujaron al personaje. Kerry también otorgó su voz a la sirena pelirroja en la película.

Al igual que Kerry, Bobby Driscoll, que proporcionaba la voz de Peter Pan, sirvió como modelo para varias tomas cortas. Las escenas de vuelo de Peter, fueron provistas por la bailarina y coreógrafa Roland Dupree. En una entrevista declaró que solo tenía que extender los brazos y pretender que volaba para las escenas que lo requerían. En contraste a la técnica del rotoscopio, los animadores no se limitaron a trazar las tomas rodadas de acción real, considerando que esto haría que la animación poco natural. Los animadores usaron las tomas como guía para estudiar el movimiento humano. Milt Kahl, supervisor de animación de Peter Pan y los niños Darling, aseguró que no había nada más difícil que animar que un personaje flotando en el aire. La película fue un bombazo en taquilla.

NOTA PERSONAL

La obra de Peter Pan ha sido sin dudas una de mis favoritas desde que era un niño. La historia del niño que no quería crecer, y que dio lugar al termino “Síndrome de Peter Pan” que determina la inmadurez en psicología, siempre me ha fascinado. Evidentemente existen determinados cambios sobre la obra, pero a pesar de esto, este clásico de Disney siempre me ha parecido una gran adaptación. Captura perfectamente ese espíritu de los sueños que tenemos en la infancia, mezclados entre aventuras, romances, y amistad; y al mismo tiempo, nos recuerda lo inevitable de la necesidad de aceptar que esto quedará atrás con el tiempo. Por otro lado tenemos la presentación de uno de los personajes más emblemáticos de Disney, Campanilla, que se convertiría en todo un símbolo del estudio. Si se debe señalar alguna falta, quizá deba ser una serie de canciones que no destacaron tanto como en otros clásicos. El País de Nunca Jamás me parece bien mostrado, y sus habitantes igual de fascinantes.

Formidables las escenas relacionadas con el campamento de los Indios. El Capitán Garfio es sencillamente genial, así como su asistente Smee, y de hecho es uno de los escasos villanos Disney que no recibe un final fatal en su película.

Quizás soy un niño en el fondo, pero todavía disfruto viendo esta película, imaginando como vuelo gracias mis pensamientos alegres, y por supuesto… ¡yo sí creo en las Hadas!

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

La historia comienza en Londres, en el barrio Bloomsbury, donde las preparaciones de George y Mary Darling para acudir a una fiesta son interrumpidas por sus hijos jugando en el ático. Su hija mayor, Wendy, se encuentra allí narrando la historia de Peter Pan a sus hermanos menores, John y Michael, los cuales están interpretando la lucha entre su héroe infantil y el Capitán Garfio.

Su padre, harto de estas historias que según su opinión impiden que sus hijos maduren de forma práctica, se enfada declarando que Wendy ya es demasiado mayor para compartir el dormitorio con ellos, y que ha llegado el momento de que tenga su propia habitación. Tras esto, se lleva al perro de los niños a su caseta fuera de la casa, y la pareja parte hacia su fiesta.

Esa misma noche, Peter Pan llega a la habitación de los niños en busca de su sombra que se ha escapado. Tras localizarla, despierta accidentalmente a Wendy, que se ofrece para coserle su sombra. Al descubrir, que sus padres han decidido que Wendy debe crecer, Peter Pan le ofrece acudir a Nunca Jamás, donde reside, invitación que extiende a sus dos hermanos. Campanilla, el hada amiga de Peter, rocía a los niños con polvo de hadas, y cuando estos se concentran en pensamientos felices, aprenden a volar, acompañado a Peter Pan volando a través de Londres para llegar al País de Nunca Jamás tras torcer a la segunda estrella a la derecha.

Una vez allí, el grupo observa el barco de los piratas al servicio del Capitán Garfio, el cual es alertado por su asistente el Señor Smee de la presencia de Peter Pan. Garfio dispara su cañón hacia las nubes donde se encuentran los niños, intentando vengarse de Peter, responsable de que perdiera su mano, la cual fue devorada por un cocodrilo que le acosa a menudo. Mientras Peter se enfrenta a Garfio, los niños son guiados a su escondite por Campanilla. Sin embargo, esta ha desarrollado celos hacia Wendy, y se adelanta para informar a los Niños Perdidos de que Peter ha ordenado que abatan al Pájaro Wendy. Los Niños Perdidos disparan sobre Wendy, que se precipita al suelo, pero Peter regresa, tras haber humillado de nuevo a Garfio, a tiempo de salvarla. Como castigo, Peter decide exiliar a Campanilla durante una semana. Tras conocer a los Niños Perdidos, John y Michael deciden acompañarles para participar en juego habitual en Nunca Jamás, la caza de los indios locales.

El grupo es capturado, pero para sorpresa de los Niños Perdidos, el Jefe de la tribu decide mantenerles capturados, al culparles de la desaparición de su hija Tigrilla. Lo que todos ignoran, es que el Capitán Garfio es el responsable del secuestro de Tigrilla, la cual desea utilizar para descubrir el escondite de Peter Pan. Mientras tanto, Peter Pan ha llevado a Wendy a la Laguna de las Sirenas. Estas se muestran ariscas y celosas hacia Wendy, pero escapan ante la proximidad del Capitán Garfio.

El pirata, en compañía de Smee, se encuentra en un bote llevando a Tigrilla hacia la Roca Calavera, seguidos por el cocodrilo. Allí, Tigrilla se niega a revelar el escondite de Peter Pan, y es dejada atada hasta que la marea suba. Peter rescata a Tigrilla, derrotando de nuevo a Garfio, que se ve obligado a escapar perseguido de nuevo por el cocodrilo. Peter lleva a Tigrilla de regreso a casa, y los niños son liberados, participando en la celebración de la tribu.

Al descubrir que Campanilla ha sido desterrada, Garfio envía a Smee para capturarla. Una vez logrado esto, Garfio apela a los celos de Campanilla, prometiendo secuestrar a Wendy y no tocar a Peter Pan si el hada le revela la localización de su escondite. Una vez Campanilla revela el escondite, Garfio la deja encerrada en un candil, y se dispone a acabar con Peter. Los niños han regresado al escondite, donde Wendy anuncia que deben regresar a Londres, y los Niños Perdidos deciden acompañarla, dejando a Peter atrás. Al salir del escondite, son capturados por Garfio, que deja atrás una bomba, dentro de un regalo, que hace pasar como procedente de Garfio.

Campanilla logra escapar, y llega a tiempo para alejar la bomba de Peter, que explota. Peter logra rescatar a Campanilla de los escombros de la explosión, y se dirigen a rescatar a los niños de los Piratas. Estos se han negado a convertirse en piratas, y Wendy es obligada a caminar por la pasarela del barco. Peter llega a tiempo para rescatarla, y libera a los niños que se enfrentan a los piratas. Peter Pan se enfrenta al Capitán Garfio en un duelo, logrando derrotar al pirata, que una vez más se ve obligado a escapar con el cocodrilo persiguiéndole.

Campanilla rocía el barco con polvo de hadas, y Peter Pan lleva a Wendy, John y Michael de regreso a Londres. Los Niños Perdidos deciden regresar al País de Nunca Jamás. Los padres de los niños regresan a casa para encontrar a los niños, que proceden a explicarles las aventuras que han tenido. Al mirar por la ventana, George Darling observa el barco volando rumbo al País de Nunca Jamás. El señor Darling decide cambiar su decisión de hacer que Wendy ocupe una habitación separada de sus hermanos, y reconoce el barco como una imagen de su propia niñez.

ESCENA

Con toda seguridad la escena más clásica de la película, los niños acompañan a Peter Pan sobrevolando la ciudad de Londres.

TITULO ORIGINAL

グレートマジンガー (Gurēto Majingā)

DIRECTOR

Tetsuo Imazawa, Masayuki Akechi, Nobuo Onuki, Takeshi Tamiya, Tomoharu Katsumata, Yasuo Yamayoshi

CREADORES

Go Nagai

PRODUCCION

Toei Animation

REPARTO ORIGINAL (VOCES)

JeiichiNoda (Tetsuya Tsurugi), Yumi Nakatani (Jun Hono), Hidekatsu Shibata (Kenzo Kabuto), Hiroshi Otake (Boss), Kazuko Sawada (Shiro Kabuto), Osamy Kato (Duque Gorgón), Kenichi Ogata (General Negro), Jôji Yanami (Profesor Yumi), Kousei Tomita (Nuke), Isamu Tanonaka (Mucha), Hiroya Ishimaru (Koji Kabuto), Minori Matsushima ( Sayaka Yumi), Kousei Tomita (Gran Mariscal del Infierno)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 8 de Septiembre de 1974 al 28 de Septiembre de 1975

CANAL DE EMISION

Fuji TV

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Ichirô Mizuki, Michiaki Watanabe

NÚMERO DE EPISODIOS

56 Episodios de veintidós minutos de duración aproximada cada uno

PRECEDIDA POR:

Mazinger Z

SUCEDIDA POR:

Grendizer

CURIOSIDADES

Laserie esta basada en un Manga creado por el popular artista Go Nagai, y que servía de continuación directa a su anterior obra “Mazinger Z”. La serie se estrenó en 1974, una semana después de que finalizará su serie predecesora. Mientras que “Mazinger Z” duró un total de noventa y dos episodios, “Gran Mazinger” solo duro cincuenta y seis. Aunque la serie gozó de gran popularidad, esta no alcanzó la de su serie predecesora.

Mientras la serie presentaba personajes nuevos, que habían sido presentados en el capítulo final de “Mazinger Z”. Tetsuya se convertía en héroe principal pilotando al Gran Mazinger, y tenía como compañera a Jun Hono, personaje nuevo, que pilotaba a “Venus A”, la equivalente a la anterior “Afrodita A”, y posterior “Diana A”, de Sayaka Yumi. El personaje de Shiro Kabuto permanecía en el elenco, para descubrir más adelante que Kenzo Kabuto no es otro que su padre. Shiro también obtiene un robot de tamaño mediano al que denomina “Robot Junior”, pero cuyas habilidades son más bien limitadas para el combate.

Entre el elenco repite el trio de Boss, Nuka y Mucha, pilotando el robot “Boss Borot”, que sirve como elemento cómico, tal y como ocurría en la serie predecesora, durante su segunda mitad. Al final de la serie regresaban los personajes de Koji Kabuto y Sayaka Yumi para pilotar sus respectivos robots y ayudar a los héroes principales de esta serie en su último asalto contra los Mikene.

En el campo de los villanos, la serie presento un elenco muy numeroso de enemigos, mientras que la serie anterior tenía un elenco mucho más limitado. La serie por fin exploraba la cultura Mikene, cuyos robots y restos había localizado el Doctor Infierno en “Mazinger Z”. Repetían de la serie anterior el Duque Gorgón y el General Negro, sirviendo al Emperador de las Tinieblas, cuya forma era revelada como una masa de fuego enorme. El resto de la milicia Mikene estaba dividida con el Ministro Argos al cargo de la inteligencia, y los Siete Generales de Mikene, cada uno al cargo de un tipo especifico de bestias mecánicas.

La idea era que los espíritus de los Mikene habían sido fusionados en bestias mecánicas para sobrevivir. Sin embargo, la serie mostraba algunos de esos espíritus, que atrapados dentro de bestias mecánicas, se negaban a servir al Emperador de las Tinieblas. Con un elenco de villanos tan elevado, las bajas comenzaron alrededor de la mitad de la serie, y se introdujo a la Marquesa Janus para sustituir al fallecido Gorgón. Un nuevo sustituto se busco para remplazar la perdida del General Negro, el Gran Mariscal del Infierno. Este no era otro que el Doctor Infierno, salvado en el último momento por el Emperador de la Oscuridad, y fusionado con un robot, todo esto sin explicación alguna. En algunos doblajes de la serie se omitió esto, dando a entender que el Mariscal era el hermano gemelo del Doctor Infierno en busca de venganza, aunque esta no era la realidad. Unade las curiosidades de la película es que el destino del Emperador delas Tinieblas nunca fue revelado, de hecho se da por sentado que este ha sobrevivido. Todos sus generales fallecen al final de la serie, pero el Emperador parece sobrevivir, sin llegar a enfrentarse de manera directa a sus enemigos en momento alguno.

La franquicia no finalizó con esta serie. Fue continuada por la serie Grendizer protagonizada por el héroe conocido como Duque Fleed, que es asistido por Koji Kabuto, el cual regresa pilotando su propio platillo volante como su asistente. Dicha serie duraría setenta y cuatro episodios.

NOTA PERSONAL

La verdad es que para ser un gran fan de Mazinger Z, héroe de mi niñez, desconocía muchos aspectos de la franquicia hasta hace unos años. Después de poder la serie de Mazinger completa, ya que durante mi niñez apenas se emitieron un tercio de los episodios, procedí a ver la segunda serie “Gran Mazinger”. Evidentemente disfruté de ella como un niño, aunque debo reconocer que encontré muchas lagunas en la trama de la historia, que a veces considero fue finalizada con extrema prisa. Sin embargo hay aspectos que me gustaron mucho, comenzando por la presentación de los nuevos robots de combate.

El Gran Mazinger solo tiene aspectos de similitudes de apariencia con su antecesor, pero sus armas incluyen una nueva variedad de instrumentos que me encantaron, como el gran bumerang, o la espada Mazinger, por citar algunos. Por otro lado tenemos a Venus A, que aunque repite el aspecto machista de la saga, siendo el robot femenino que siempre acaba derrotado, posee armamento mucho más avanzado que su antecesora, incluyendo la habilidad de volar. Los personajes, o héroes, son huérfanos cuya constante lucha interna es el averiguar si pertenecen a la sociedad por la que luchan.

Jun muestra el conflicto racial, siendo hija de un hombre negro y una mujer japonesa, y en particular tiene un capítulo en el que se explora dicha sensación de aislamiento. Por parte de Tetsuya, me encantó como se exploraba su frustración como huérfano, en particular cuando Koji Kabuto regresa y se rencuentra con su padre, lo que despierta los celos del héroe.

Sin embargo, en el campo de los villanos me sentí bastante decepcionado. Me pareció que se presentaba a demasiados, y que debido a esto, no estaban desarrollados de manera suficientemente profunda. Esto me pareció una lástima ya que el diseño de muchos de ellos era fascinante. Tampoco se explora lo suficiente sobre el origen de los Mikene, ni sobre la reaparición del Doctor Infierno como el Gran Mariscal del Infierno.

Losúltimos capítulos parecen querer acabar con la trama con toda velocidad, y se olvidaron completamente de mostrarnos el destino del Emperador de las Tinieblas, líder de todo el ataque Mikene. Al mismo tiempo, me hubiera gustado conocer su origen, ya que evidentemente el Emperador no era Mikene. Las bestias mecánicas me parecieron igualmente simplistas, y no recuerdo en particular a ninguna, algo que no me había ocurrido en la serie predecesora, en la que recuerdo determinadas bestias mecánicas a la perfección.

A pesar de estos fallos, la serie me gustó, y creo logra combinar aspectos más oscuros que su predecesora, combinados con momentos hilarantes provistos con las figuras cómicas de la serie, en especial las intervenciones del genial robot de chatarra de Boss. Me gustó en particular los diez últimos capítulos que marcan el regreso de Koji y Sayaka, y la cooperación de ambos con los nuevos héroes en su lucha final contra los Mikene.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

Koji Kabuto y Sayaka Yumi han partido hacia américa para iniciar sus estudios, pero la amenaza Mikene se cierne sobre la Tierra, sustituyendo a la amenaza del fallecido Doctor Infierno. La protección del planeta es organizada por el Profesor Kenzo Kabuto, padre de Koji y Shiro, que había sido dado por muerto, pero que ha sobrevivido en la forma de un ciborg. Kenzo es el creador del Gran Mazinger, que utiliza una mejorada versión de la Aleación-Z.

Dicho robot es pilotado por el huérfano Tetsuya Tsurugi, que ha sido criado por Kenzo. Shiro también ha quedado atrás, aunque no sabe que Kenzo es su padre, y esta residiendo con el resto de los héroes en la nueva Fortaleza de la Ciencia, una base capaz de sumergirse en el mar en caso de amenazas, y con una gran dotación defensiva. En la Fortaleza reside también otra huérfana llamada Jun Hono, también criada por Kenzo, que obtiene su propio robot, Venus-A. En una playa cercana se encuentran Boss, Nuke y Mucha, que han quedado atrás para ayudar en la lucha con su robot Boss Borot. El grupo se ha instalado en una instalación pesquera abandonada.

Los Mikenecomienzan sus ataques sobre la Tierra muy organizados estructuralmente. Si líder es el Emperador de las Tinieblas, cuyo segundo al mando es el General Negro, el cual tiene la misión de liderar los siete ejércitos de Mikene. El Ministro Argos esta encargado de la división de inteligencia, y a menudo rivaliza con el General Negro en el intento de conquistar el planeta. Su subalterno es el Duque Gorgón, quien había sido aliado del fallecido Doctor Infierno.

Las Bestias Mecánicas de Mikene son seres vivos, ciudadanos de la antigua Grecia que han sobrevivido gracias a la cibernética, en sus nuevos cuerpos de brutos mecánicos, pero con consciencia de quienes eran, y la capacidad de hablar y razonar. Están divididos en siete ejércitos con sus respectivos líderes. El General Rigarn lidera los robots en forma de bestias, es cuadrúpedo, y tiene un gran desprecio hacia el Duque Gorgón. El General Bildara lidera a las bestias mecánicas en forma de ave. El General Draco lidera a las bestias mecánicas en forma de reptil. El General Julio César lidera las bestias mecánicas en forma humana. El General Angoras lidera las bestias mecánicas en forma de criaturas marinas. El General Insecto lidera las bestias mecánicas en forma de insecto. Finalmente el General Gardias lidera las bestias mecánicas en forma de fantasmas o espíritus.Tras una serie de ataques iniciales, los Mikene logran ubicar la localización de la Fortaleza de la Ciencia, hacia donde dirigen sus ataques, aunque son derrotados una y otra vez por el Gran Mazinger, Venus-A y Boss Borot.

La rivalidad entre los Generales, e incapacidad de controlarlos por parte del General Negro, frustra constantemente al Señor de las Tinieblas. Durante los repetidos ataques sobre la Fortaleza de la Ciencia, Shiro se hace muy amigo de una niña pequeña llamada Aruna, mientras Jun debe aprender a aceptarse a si misma como hija huérfana de una mujer japonesa y un hombre negro, por lo que siempre ha sido discriminada.

El Emperador de las Tinieblas ordena la construcción de una base de misiles en una isla volcánica, y esta se lleva a cabo con éxito gracias a las distracciones proporcionadas por las bestias de Mikene. A pesar de esto, el Duque Gorgón, asignado como líder de la base, fallece tras el combate. Para liderar la Base de Misiles llega la Marquesa Janus, que puede adoptar forma humana, o bien como una hermosa mujer, o como un terrorífico monstruo. La Marquesa Janus lidera el grupo Catros, compuesto de soldados con apariencia felina. En sus primeros ataques, la Marquesa consigue dañar seriamente al Gran Mazinger y herir a Tetsuya.

Shiro recibe su propio robot, llamado Robot Junior. Este es de tamaño más pequeño, y la única arma que posee son bates de baseball que salen propulsados de sus hombros. Shiro se acopla al robot, en forma de jugador de baseball, con su casco, que es el planeador del mismo. Venus-A también es mejorada con la capacidad de volar gracias a unas alas de acoplamiento.

Las batallas siguen teniendo lugar, y el General Negro, harto de tanta derrota decide realizar una confrontación personal contra el Gran Mazinger y la Fortaleza de la Ciencia, la cual deja seriamente dañada. El Gran Mazinger se enfrenta en un duelo personal contra el General Negro, logrando acabar con su vida. Los siguientes ataques sobre la Fortaleza de la Ciencia se llevan a cabo por el Ministro Argos y los Siete Generales de Mikene, pero la falta de un liderazgo efectivo provoca una derrota tras otra. Esto inspira al Emperador de las Tinieblas a adquirir un nuevo comandante que sea su mano derecha.

Entra en escena el Mariscal del Infierno, el cual no es otro que el mismísimo Doctor Infierno, cuya vida fue salvada por el Emperador de las Tinieblas, que le fusiona con un nuevo cuerpo robótico para que lidere a sus huestes. En sucesivas batallas las cosas se complican para los héroes, y en una ocasión, el Doctor Kenzo Kabuto se ve obligado a utilizar al Gran Mazinger. En una de sus victorias, el Gran Mazinger, con la ayuda de Venus-A, Boss Robot y Robot Junior, consigue destruir la base en la Isla Volcánica de Misiles. En otra ocasión, Tetsuya se ve obligado a utilizar al Mazinger-Z. Los planes del Mariscal continúan fracasando en un intento de enviar un agente con la apariencia de Sayaka Yumi.Pasado un tiempo, Koji Kabuto y Sayaka Yumi regresan a Japón. Koji se une a la batalla con el Mazinger-Z, aunque inicialmente Tetsuya se siente resentido ante la reunión familiar de Koji con su padre. Ambos aprenden a cooperar, y el Ministro Argos es destruido.

En la batalla final contra la Fortaleza de la Ciencia, el Doctor Kenzo Kabuto recibe el apoyo logístico del Doctor Yumi. Sin embargo, durante el ataque el Doctor Kenzo Kabuto fallece para salvar la vida de los residentes de la Fortaleza, ante unos desolados Koji y Shiro que habían recuperado a su padre. Mazinger Z logra destruir a los Siete Generales de Mikene. Finalmente ataca la estación donde se encuentran el Gran Mariscal del Infierno y la Marquesa Janus. El Gran Mazinger, Venus-A y Diana A acuden a ayudar y entre los cuatro destruyen la fortaleza con el Gran Mariscal y la Marquesa Janus. Esto significa el final de la guerra, aunque no se explica que ha sido del Emperador de las Tinieblas. Todos los robots de los héroes se exponen en un Museo como símbolos de la paz, y Koji Kabuto se sumerge de nuevo en la investigación de Platillos Volantes.

ESCENA

Uno de los grandes momentos de la serie. Mazinger Z regresa pilotado por Koji Kabuto para ayudar al Gran Mazinger y la Fortaleza de la Ciencia contra los Mikene.

FECHA DE ESTRENO

7 de Junio de 1984

TITULO ORIGINAL

Ghostbusters

DIRECTOR

Ivan Reitman

PRODUCTOR

Ivan Reitman

GUION
Dan Aykroy, Harold Ramis

REPARTO

Bill Murray (Doctor Peter Venkman), Dan Aykroyd (Doctor Raymond Stantz), Sigourney Weaver (Dana Barrett), Harold Ramis (Doctor Egon Spengler), Ernie Hudson (Winston Zeddemore), Rick Moranis (Louis Tully), Annie Potts (Janine Melnitz), William Atherton (Walter Peck), David Margulies (Alcalde Lenny), Slavitza Jovan (Gozer), Paddi Edwards (Voz de Gozer), Jordan Charney (Dean Yager), Alice Drummond (Bibliotecaria), Timothy Carhart (Violinista), Tom McDermott (Arzobispo), Kathryn Janssen (Señora Van Hoffman), Paul Trafas (Ted Fleming), Cheryl Bichenfield (Annette Fleming)

CINEMATOGRAFÍA

László Kovács

BANDA SONORA

Elmer Bernstein

DISTRIBUIDA POR:

Columbia Pictures

DURACIÓN
105 minutos
SUCEDIDA POR:

Cazafantasmas 2

ZUUL EN EL CUERPO DE DANA: “¿Deseas este cuerpo?”

PETER VENKMAN: “¿Es una pregunta trampa? Veo que las rosas han hecho su efecto.”

ZUUL EN EL CUERPO DE DANA: “Poséeme ahora, subcriatura.”

PETER VENKMAN: “Últimamente hablamos muy poco. Tranquila, tengo una regla, no poseer nunca a personas poseídas. Es más una norma que una regla fija. ¿Sabes?”

ZUUL EN EL CUERPO DE DANA: “Te quiero dentro de mi.”

PETER VENKMAN: “Adelante. No, no puedo, ahora hay por lo menos dos personas ahí dentro. Estaríamos un poco apretados.”

CURIOSIDADES

El concepto de la película fue inspirado por la propia fascinación de Aykroyd con el mundo paranormal, y se concibió como un vehículo para si mismo y su amigo John Belushi, compañero en el famoso programa “Saturday Night Live”.

La historia original, escrita por Aykroyd, era muy diferente a la que se rodó. En la versión inicial el grupo viajaba a través del espacio y otras dimensiones para combatir contra fantasmas gigantes, entre los cuales se encontraba el muñeco gigante que aparece en la versión final del film. Otra diferencia era que los Cazafantasmas llevan uniformes parecidos a los de los equipos SWAT, y utilizaban varitas mágicas en lugar de armas de protones para luchar contras los fantasmas. También utilizaban cascos con visores transparentes.

Aykroyd presentó su historia al director y productor Ivan Reitman, que básicamente se cargó la idea original, pero al mismo tiempo fue capaz vio el potencial económico detrás del primer borrador de Aykroyd. Siguiendo el consejo de Reitman, la historia recibió una puesta a punto, eventualmente desarrollando el guion final, sobre el cual Aykroyd y Harold Ramis lidiaron durante tres semanas en un bunker en la Isla de Martha’s Vineyard.

Inicialmente escribieron el guion con papeles escritos específicamente para Belushi, Eddie Murphy, y John Candy. Sin embargo, Belushi falleció durante la creación del guion, y ni Murphy ni Candy aceptaron sus papeles en la película. Debido a esto, Aykroyd y Ramis realizaron varios cambios, puliendo su guion enfocado en la ciencia ficción para conseguir un borrador final.

Como añadido al concepto básico de Aykroyd, y la habilidad de Ramis para mezclar elementos fantásticos con un fondo realístico, la película se benefició de la actuación de Bill Murray, dotada de improvisaciones parciales, cuando este aceptó el papel que había sido diseñado para Belushi como el Doctor Peter Venkman. Cuando se realizó una muestra de prueba de la película, la mitad de los efectos de los fantasmas aún no había sido completada por el equipo de producción.

A pesar de esto, la respuesta de los espectadores seleccionados fue entusiasta, y los elementos de los fantasmas fueron completados a tiempo del estreno oficial poco tiempo después. El personaje de Louis Tully había sido concebido originalmente como un hombre conservador vestido en un traje de negocios, para ser interpretado por John Candy. Pero cuando Candy no pudo aceptar el papel debido a otros compromisos, el papel recayó en Rick Moranis, que interpretó el papel de Louis como si este fuera un pardillo. El antagonista Gozer iba a aparecer originalmente el la forma de Ivo Shandor como un esbelto, sin nada especial e interpretado por Paul Reubens, pero el papel terminó siendo interpretado por la modelo yugoslava Slavitza Jovan. La voz demoníaca de Gozer fue proporcionada por Paddi Edwards, debido a que Murray señaló que esta sonaba extraña con el acento eslavo de Joan.

Finalmente, la película fue estrenada en 1339 cines, y logró recaudar más de trece millones y medio de dólares en su fin de semana de estreno, y veintitrés millones durante su primera semana, lo cual fue todo un record para el estudio por aquel entonces. Tras siete semanas como número uno de taquilla, la película pasó a ser la segunda tras el estreno de “Purple Rain”, y ya había logrado recaudar alrededor de ciento cuarenta y dos millones y medio de dólares, quedando en segundo lugar como éxito de taquilla ese año, siendo la primera “Indiana Jones y el Templo Maldito”. Sin embargo, el éxito de “Los Cazafantasmas” perduró durante siete semanas más llegando a recaudar hasta doscientos veintinueve millones de dólares, algo que solo fue superado por “Superdetective en Hollywood”. En aquel entonces, estas cifras situaron la película en el top diez de éxitos de taquilla de todos los tiempos.

La película fue estrenada de nuevo en 1985, logrando recaudar un beneficio total de alrededor de doscientos treinta y ocho millones y medio de dólares, logrando superar finalmente a “Superdetective en Hollywood”, convirtiendo al film en el mayor éxito de comedia de la década de 1980.

La película logró disfrutar de una secuela estrenada en 1989, así como de dos series de animación: “Los Auténticos Cazafantasmas” que se emitió desde 1986 a 1991, y “Cazafantasmas al Extremo” emitida en 1997, disfrutando solamente de una temporada. El tema principal de la película compartió su titulo, y fue interpretada por Ray Parker Jr. La canción fue todo un éxito convirtiéndose en número uno durante tres semanas, logrando que la mima fuera nominada al Oscar Para Mejor Canción Original. El video musical fue número uno en la MTV, fue dirigido por Ivan Reitman, con la actriz Cindy Harrell como protagonista.

Otras estrellas realizaron apariciones esporádicas en el video como Chevy Chase, Irene Cara, John Candy, Ollie E Brown, Melissa Gilbert, Jeffrey Tambor, George Wendt, Al Franken, Danny DeVito, Carly Simon, Peter Falk, Lori Singer y Teri Garr.

NOTA PERSONAL

Toda una genialidad de película que me dejó completamente impactado en mi adolescencia. La historia me parecía original, los fantasmas extremadamente logrados para los medios de la época, y todo esto estaba combinado con un excelente sentido del humor que hacían de esta película una de las más completas que he podido ver. La verdad es que me sorprendió, sobre todo porque por lo general siempre he considerado a Bill Murray como extremadamente cargante en la mayoría de sus actuaciones. Sin embargo, me pareció que lograba dar ese toque de humor que encajaba a la perfección con la trama de la película.

Su papel esta perfectamente complementado por la siempre genial Sigourney Weaver, así como por el resto del reparto. Formidables Rick Moranis y Janine Melnitz, que consiguen otorgar al film de otro nivel de comedía aún más hilarante.

Los diálogos son igualmente geniales, y a pesar de cierta terminología científica consigue explicar muy bien los distintos aspectos de la trama, así como el origen del antagonista Gozer y el modo en el que va llegando a nuestra dimensión. Los efectos de los distintos fantasmas son igualmente elogiables, y no hay palabras para describir la interpretación de Sigourney Weaver cuando su personaje es poseído por Gozer. Como conclusión final solo me queda señalar que probablemente es una de las mejores películas que pude ver como adolescente en la década de 1980, y todavía a día de hoy no me canso de ella.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En una biblioteca de la Ciudad de Nueva York, una bibliotecaria huye tras sufrir efectos paranormales entre las estanterías. La película pasa a presentarnos al Doctor Peter Venkman, un parasicólogo que estudia sin éxito las capacidades mentales de sus sujetos. Su compañero el Doctor Ray Stantz se presenta en ese momento para comunicarle lo sucedido en la biblioteca. Ambos se reúnen allí con el Doctor Egon Spengler, para intentar determinar que ha podido ocurrir. Los tres doctores son atacados por un fantasma, y salen huyendo de la biblioteca. De regreso a su universidad, los tres descubren que han sido despedidos después su subvención haya sido cancelada. Es entonces cuando Peter decide que deben establecer su propio negocio para seguir sus investigaciones.

Los tres adquieren una abandonada estación de bomberos, para crear un negocio como exterminadores de fantasmas el cual denominan “Cazafantasmas”. En otro lugar de Nueva York la atractiva Dana Barrett, perpetuamente acosada por su vecino pardillo Louis Tully, sufre experiencias paranormales en su apartamento, debido a un ser demoníaco llamado Zuul, que aparece en su nevera.

Mientras tanto, los tres amigos establecen su negocio con Janine Melnitz como una excéntrica secretaria, pero sin cliente alguno. Dana visita a los Cazafantasmas explicándoles su caso. Peter acompaña a Dana a su apartamento, pero no encuentra nada anormal, ni siquiera en su nevera. Las cosas empeoran cuando Peter declara haberse enamorado de Dana, y este le pide que se vaya de su apartamento. Esa misma noche, los Cazafantasmas reciben una llamada del Hotel Sedgewick, donde también se están dando sucesos paranormales.

Los tres acuden al hotel con su equipo, cuya fuente de poder es un pequeño generador nuclear que llevan en la espalda. El equipo localiza un fantasma verde, al que siguen hasta una sala de baile. Utilizando sus armas, reciben el aviso por parte de Egon que no deben cruzar sus rayos, ya que la inversión protónica producida sería fatal. Tras producir serios destrozos, consiguen capturar al fantasma, al cual trasladan a una unidad de contención en su base.

Las actividades paranormales se incrementan en la Ciudad de Nueva York, lo que provoca que la popularidad de los Cazafantasmas se incremente. Tras cazar varios fantasmas, los tres hombres se ven desbordados, y contratan a un cuarto miembro del equipo llamado Winston Zeddemore. Peter vuelve a encontrarse con Dana para informarle que Zuul era un semidiós adorado en el año seis mil antes de Cristo por los hititas, los mesopotámicos y los sumerios.

Zuul era el sirviente favorito de Gozer, un dios sumerio de la destrucción. Agradecida, Dana accede a cenar con Peter. Walter Peck, representante de la Agencia Para la Protección del Medio Ambiente, visita las instalaciones de los Cazafantasmas. Walter esta preocupado del impacto de la tecnología de los Cazafantasmas en el medio ambiente, pero Peter le niega el acceso a su unidad de contención. Mientras tanto, Dana vuelve a sufrir efectos paranormales en su apartamento, y termina siendo poseída por el espíritu de Zuul, el cual se denomina como la Guardiana de la Puerta. Por otro lado, la fiesta de Louis es interrumpida por el demonio Vinz Clortho, también denominado como Maestro de las Llaves, el cual le posee también. Peter visita en ese momento a Dana, que solo le recibe cuando finge ser el Maestro de los Llaves. De esta forma, Peter descubre que ambos demonios se están preparando para la llegada de Gozer. El poseído Louis es llevado por la policía hasta la base de los Cazafantasmas, donde es analizado por Egon.

Al mismo tiempo, Peter llama a Egon, y ambos se percatan de que están junto a los dos demonios que ayudaran a la llegada de Gozer. Peter parte a la base dejando a Dana sedada en su apartamento.

Las cosas se complican cuando Walter regresa a la base con una orden para analizar y apagar la unidad de contención. La unidad es apagada, lo que libera a todos los fantasmas capturados, que provocan el caos sobre la Ciudad de Nueva York. Durante el caos, Louis consigue escapar, mientras que los Cazafantasmas son arrestados. En la cárcel el equipo descubre que la estructura del edificio de Dana funciona como posible portal interdimensional, ya que el arquitecto, Ivo Shandor, era un fanático que dirigía un culto de adoradores de Gozer.

Mientras tanto, el poseído Louis re reúne con la poseída Dana para preparar la llegada de Gozer. Ante el caos de la ciudad, el Alcalde decide liberar a los Cazafantasmas para que acaben con la amenaza. Sin embargo, el equipo llega demasiado tarde, y ya transformados en demonios, Dana y Louis abren un portal a través del cual aparece Gozer en la forma de una atractiva mujer. El equipo ataca y Gozer desaparece para anunciar que regresara como el Destructor, con la forma que cualquiera los cuatro elija.Todos intentan no imaginar en nadie, pero Ray intenta pensar en algo inofensivo, el muñequito que anuncia los Marshmallows. Gozer adopta dicha forma en tamaño gigante, que comienza a asolar la ciudad. Egon tiene la idea de cruzar los rayos de energía para destruir el portal de entrada de Gozer. El plan funciona enviando a Gozer de regreso a su dimensión, y sellando el portal entre ambos mundos, lo que destruye al muñequito gigante de los Marshmallows en una enorme explosión.

De entre los restos carbonizados de Zuul y Vinz Clortho, surgen Dana y Louis libres de sus posesiones. Junto a los cuatro fantasmas, ambos abandonan el edificio ante los vítores de los agradecidos ciudadanos de Nueva York, que celebran como sus héroes han salvado la ciudad. Ante ellos, Peter y Dana se besan.

ESCENA

Genial escena en la que los Cazafantasmas se enfrentan a Gozer, y son vapuleados cuando este descubre que Ray no es un dios.

FECHA DE ESTRENO

26 de Noviembre de 1986

TITULO ORIGINAL

Star Trek IV: The Voyage Home

DIRECTOR

Leonard Nimoy

PRODUCTOR

Harve Bennett

GUION
Steve Meerson, Peter Krikes, Nicholas Meyer, Harve Bennett, Leonard Nimoy

REPARTO

William Shatner (James Tiberius Kirk), Leonard Nimoy (Spock), DeForest Kelley (Leonard McCoy), James Doohan (Montgomery Scott), George Takei (Hikaru Sulu), Walter Koenig (Pavel Chekov), Nichelle Nichols (Uhura), Jane Wyatt (Amanda Grayson), Catherine Hicks (Gillian Taylor), Mark Lenard (Sarek), Robin Curtis (Saavik), Robert Ellenstein (Presidente de la Federación), John Schuck (Embajador Klingon), Brock Peters (Almirante Cartwirght), Grace Lee Whitney (Comandante Rand), Majel Barrett (Comandante Chapel)

CINEMATOGRAFÍA

Donald Peterman

BANDA SONORA

Leonard Rosenman

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
119 minutos

PRECEDIDA POR:

Star Trek III: En Busca de Spock

SUCEDIDA POR:

Star Trek V: La Última Frontera

SPOCK: “Cazar a una especie hasta extinguirla no es lógico.”

GILLIAN TAYLOR: “¿Quién ha dicho que la raza humana sea lógica?”

SAREK: “¿Tienes algún recado para tu madre?”

SPOCK: “Sí, dile que me siento muy bien.”

CURIOSIDADES

Antes de que la tercera entrega de la saga, “En Busca de Spock”, fuera estrenada, su director Leonard Nimoy recibió la petición para que se encargara de dirigir la cuarta entrega. Para esta cuarta parte, Nimoy recibió plena libertad, algo de lo que había carecido en la tercera parte. En contraste al espíritu dramático de sus predecesoras, Nimoy y el productor Harve Bennett decidieron crear una película que hiciera más uso de la comedia, sin la presencia de un villano.

Debido a que William Shatner no estaba dispuesto a regresar, Nimoy y Bennett pasaron ocho meses considerando crear una precuela, concepto desarrollado por Ralph Winter, que se basaba en los personajes durante su tiempo en la flota estelar. Finalmente Shatner aceptó participar tras recibir un incremento en su paga. Tanto Nimoy y Shatner cobraron dos millones y medio de dólares por la película, una cantidad menor a sus exigencias originales. Aun así, el incremento de salario para el reparto provocó que Paramount creara la nueva seria “Star Trek: La Nueva Generación” hiciera uso de actores poco caros, y en general bastante desconocidos. A pesar de las dudas de Shatner, Nimoy y Bennett se decantaron por una historia de viaje temporal, en la que tripulación debía viajar desde su era a nuestro presente, para buscar la solución a un problema que amenazaba el Planeta Tierra.

Consideraron amenazas como la de una enfermedad cuya cura había sido destruida con la desaparición de los bosques tropicales. Sin embargo, el mostrar a miles de personas muriendo de dicha enfermedad se enfrentaba a la idea de crear un film con toques de comedia. Leonard Nimoy leyó un libro sobre animales extinguidos, y concibió la historia que eventualmente fue aprobada. Nimoy se decantó sobre la idea de usar Ballenas Grises tras hablar con un amigo, y el canto de las ballenas pareció otorgar misterio a la historia, y el tamaño de los animales aportaba dificultades para que la misión se desarrollara.

Nimoy acudió al guionista Daniel Petrie Junior, de “Superdetective en Hollywood”, para que creara el guion, lo que atrajo el interés del actor Eddie Murphy por aparecer en la película. Tanto Nimoy como Murphy consideraron que la presencia del último podía atraer a gente no aficionada a Star Trek debido a su creciente popularidad, pero también podía desencadenar en que el film adoptara un estilo ridículo.

Steve Meerson y Peter Krikes fueron contratados para escribir un guion en el que Murphy interpretaba a un profesor de Universidad que creía en los extraterrestres y disfrutaba escuchando cantos de ballena. A Murphy no le gustó la idea, ya que deseaba interpretar a un extraterrestre u oficial de la Flota Estelar, por la que optó por realizar la película “El Chico de Oro”. Su personaje fue combinado con el de una bióloga marina para convertirse en Gillian Taylor.

Paramount se mostró en contra del guion, por lo que el cabeza de producción Dawn Steele le pidió ayuda a Nicholas Meyer, de “La Ira de Khan”, para que rescribiera el guion. Meyer no leyó el guion original, considerándolo innecesario ya que no le había gustado al estudio. Bennett escribió el principio de la historia hasta el viaje atrás en el tiempo, tras lo cual Meyer escribió la parte de la historia que se desarrollaba en pasado, mientras Bennett regresaba para encargarse del final del film.

Después de doce días, Meyer y Bennett combinaron las distintas porciones. En aquella versión, Gillian Taylor permanecía en el pasado jurando intentar evitar la extinción de las Ballenas Grises, a pesar de la paradoja que esto provocaría. Meyer prefería este final ya que según él enviaba el mensaje de la importancia de que la gente de nuestra era tomara responsabilidad por la ecología para evitar problemas en el futuro. También desea evitar la fantasía de que dicha extinción podría solucionarse mediante un viaje en el tiempo, cuando la necesidad era en el presente. Sin embargo, se optó por evitar la paradoja. Meyer y Bennet eliminaron la idea de Krikes y Meerson de mostrar al Ave de Presa Klingon volando sobre la Super Bowl, y la idea de que Saavik se había quedado en Vulcano debido a que estaba embarazada de Spock.

Nimoy declaró que Meyer había logrado otorgar al guion de humor y relevancia social, mientras la película carecía de muertes, torpedos de fotones o el villano clásico.

Una vez el guion fue completado, se le mostró a Shatner, que ofreció su aportación para otros cambios. La versión final fue del agrado de Paramount. La película gozó de un gran éxito de taquilla. Con un presupuesto de veintiún millones de dólares, logró recaudar ciento treinta y tres millones.

NOTA PERSONAL

Junto a la primera película, esta es sin duda mi favorita. Me encantó la temática, y ese toque de comedia que la diferencia del resto de las películas. Todos los diálogos y situaciones de la tripulación en 1986 son francamente geniales. Hay escenas como la de Scotty utilizando el ordenador, o el interrogatorio que sufre Chekov, entre otras, que son formidables, y arrancan la carcajada. Ni que decir que el intento de Spock por hacer uso de las “metáforas floridas” de la época es hilarante.

De hecho Spock realiza un viaje excepcional para volver encontrarse con su lado humano, logrando al final de la película encontrar esa apreciación por la amistad. Y es que desde mi punto de vista, la tripulación de la serie original siempre ha tenido esa conexión de amistad, que las series que vinieron más tarde no lograron igualar.

Por otro lado tenemos la lección ecológica que es sencillamente excepcional. ¿Qué consecuencias pueden tener nuestros actos presentes en el futuro? La película responde a esta pregunta de una forma original. En este caso la extinción de las ballenas puede suponer el final de nuestro planeta en el futuro. Cuando vi la película me percaté de lo mucho que tiene que evolucionar nuestra sociedad, algo que todavía esta patente a día de hoy.

Todo esto se fusiona en una película divertida, cargada de aventuras, y con un mensaje inteligente, que la convierten en uno de los mejores trabajos de la franquicia.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 2286, una sonda espacial en forma de cilindro gigantesco se mueve a través del espacio y en dirección a la Tierra. En su camino envía una serie de señales indescifrables, y al encontrarse con varias naves estelares las deja a la deriva y sin energía. Al llegar a la Tierra, deja también su estación espacial sin energía, y en orbita al planeta comienza a generar tormentas devastadoras, cuando nadie responde a su indescifrable mensaje. Mientras esto ocurre, el Presidente de la Flota Estelar se encuentra reunido con un Embajador Klingon que acusa al Almirante Kirk de ser un terrorista, y de haber intentado utilizar el Proyecto Génesis para acabar con el Imperio Klingon, por lo que exige que se lo entreguen. Sarek llega en ese momento para defender a Kirk, y recordarle al embajador todo lo que los Klingon hicieron, incluyendo la muerte del hijo de Kirk.

El Presidente decide que Kirk será juzgado en la Tierra, por sus repetidas infracciones contra la Flota Mensaje.

Sarek queda atrapado en la Tierra debido a las tormentas y falta de energía provocadas por la Sonda Espacial. El Presidente se ve obligado a enviar un mensaje de socorro, advirtiendo a toda nave que no se aproxime a la Tierra, que se encuentra en grave peligro.

En el Planeta Vulcano, Spock se ha recuperado de su reciente resurrección, pero no logra conectar con su lado humano. Kirk reúne a la tripulación, ya que todos han decidido enfrentarse al consejo de la Flota Estelar, y aceptar su castigo. Siguiendo los consejos de su madre humana, Spock decide acompañarles también. Por su parte, la Teniente Saavik escoge permanecer en Vulcano. A bordo de la Nave de Presa Klingon, la tripulación parte a la Tierra, cuando reciben el mensaje de alerta de la Flota Estelar.

Spock escucha la señal de sonda, y al descubrir que va dirigida al océano, determina que la señal es idéntica al canto de las Ballenas Grises, especie que ya se ha extinguido. También determina que la Sonda no dejara de provocar el caos hasta recibir una respuesta. Kirk decide realizar un viaje en el tiempo, con la intención de conseguir una ballena y regresar con ella para poder proporcionar una respuesta a la Sonda. A bordo de la nave Klingon, la tripulación gira alrededor del sol, consiguiendo llegar al año 1986.

Allí, Spock determina que pueden ser detectados por tecnología de la época, con lo que activan el sistema de ocultación de la nave, y aterrizan en el Parque Golden Gate de San Francisco, donde han determinado la localización de dos Ballenas Grises. Sin embargo, la tripulación se enfrenta a varios problemas. Los cristales de dilithium de la nave se han agotado, y necesitan construir un tanque a bordo de la nave para transportar a las ballenas.

Kirk vendé sus gafas antiguas, del siglo dieciocho, para conseguir dinero, y asigna una misión distinta para grupos de la tripulación. Scotty y McCoy deben conseguir construir aluminio transparente para el tanque que contendrá a las ballenas. Sulu localiza un helicóptero para transportar el tanque hasta la nave, mientras Uhura y Chekov deben buscar un método para recargar los cristales de Dilithium.

Kirk y Spock acuden al Instituto de Cetáceos de Susalito, donde se encuentran dos ballenas llamadas George y Gracie en cautividad, bajo el cuidado de la Doctora Gillian Taylor. Spock se sumerge en la piscina de las ballenas para comunicarse con estas, que acceden a ayudarles, y también descubre que Gracie esta embarazada. Gillian se enfada con la pareja, pero al mismo tiempo se siente intrigada. Cuando Kirk le revela que proceden del futuro, y que quieren llevar a las ballenas allí, Gillian no se lo cree. A pesar de esto le revela que las Ballenas serán puestas en libertad al día siguiente por falta de fondos para mantenerlas, pero no le entrega los códigos de rastreo que les implantaran.

Scotty y McCoy visitan una fabrica donde intercambian la formula de aluminio transparente por los materiales necesarios para crear el tanque de las Ballenas, mientras Sulu consigue hacerse con un helicóptero para transportarlo. Por su parte, Uhura y Chekov localizan un Portaviones que funciona mediante energía nuclear, y que curiosamente se llama Enterprise. Ambos logran absorber la energía del portaviones, pero son localizados. Mientras Uhura logra ser transportada a tiempo con la energía, Chekov es detenido y confundido por un espía ruso. En un intento de escapar sufre una caída y es llevado a un hospital, donde no se espera que sobreviva.

Gillian regresa al Instituto, donde descubre que las ballenas han sido puestas en libertad sin que ella pudiera despedirse. La mujer acude al parque donde es transportada a bordo de la nave, descubriendo que Kirk decía la verdad, con lo que decide darle los códigos de rastreo, pero insiste en regresar al futuro con ellos. Con la energía de la nave restaurada, Gillian ayuda a Kirk y McCoy a rescatar a Chekov del hospital, y este se recupera gracias al Doctor.

A bordo de la nave, la tripulación localiza a las Ballenas justo cuando un barco ballenero intenta acabar con ellas. La nave se muestra ante el barco, que huye aterrado, y las ballenas son transportadas con éxito a bordo de la nave. La tripulación parte con éxito al futuro, donde pierden la energía al llegar a la Tierra, estrellándose en la bahía de San Francisco. Kirk logra liberar a las Ballenas, que se comunican con la Sonda, lo que provoca que la Sonda se retire, y la climatología y energía de la Tierra se restablezcan.

Una vez la crisis ha concluido, la tripulación se enfrenta a su esperado juicio. Por haber salvado el planeta, todos los cargos son desestimados, excepto el de desobediencia a un oficial superior, que solo afecta a Kirk. Por ello, es rebajado de Almirante a Capitán, lo cual resulta ser bueno, ya que podrá volver a ponerse al mando de una nave estelar. Por otro lado, la aventura ha ayudado a Spock a recuperar su lado humano, y así se lo hace saber a su padre Sarek, para que se lo comunique a su madre. Por su parte, Gillian es asignada a una nave científica.

La tripulación se lleva una sorpresa al ver que su nueva nave es un nuevo Enterprise, el USS Enterprise NCC-1701-A, y a bordo parten en una nueva aventura.

ESCENA

La tripulación examina el mensaje de la Sonda Espacial, y Spock deduce que este va dirigido a las Ballenas Grises, especie extinguida en la Tierra.

TITULO ORIGINAL

フランダースの犬"Furandâsu no inu"

DIRECTOR

Yoshio Kuroda

CREADORES

Takaji Matsudo, Junzô Nakajima

Basado en la novela de Maria Louise Ramé

PRODUCCION

Nippon Animation

REPARTO ORIGINAL (VOCES)

Michie Kita (Nello), Reiko Katsura (Aroa), Hirô Oyokawa (Jehan), Kuriko Komamura (Georg), Masako Sugaya (Paul), Taeko Nakanishi (Elena Esteban), Tamio Oki (Señor Esteban), Iemasa Kayumi (Buhonero), Yasuo Muramatsu (Señor Hanse), Sumiko Shirakawa (Andre Hanse), Reiko Takefuji (Narradora)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 5 de Enero de 1975 al 28 de Diciembre de 1975

CANAL DE EMISION

Fuji TV

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Takeo Watanabe

NÚMERO DE EPISODIOS

52 episodios de aproximadamente veintidós minutos cada uno

CURIOSIDADES

Se trata de una de las series Anime de la década de 1970, basada en la novela de Maria Louise Rame, la cual utilizaba el pseudónimo de Ouida. Para su creación, los animadores realizaron una intensa investigación sobre el Flandes del siglo diecinueve. Los edificios que se muestran a lo largo de la serie fueron inspirados por los que se muestran el en museo al aire libre de Bokrijk.

Aunque se realizaron algunos cambios de la historia original, se prestó un cuidado para que la línea fundamental de eventos fuera fiel al trabajo. De hecho, esta serie esta considerada como la mejor adaptación de la novela, entre las que se encuentran películas, y otra serie en la que se cambio el diseño de los personajes. Se realizó también una película de dibujos animados, basada en esta serie que analizamos aquí, con le mismo diseño de personajes, pero con una animación mejorada.

En España la se estrenó en el año 1978, emitiéndose los domingos por la tarde. Solo se emitieron veintiséis de los cincuenta y dos capítulos, que fueron doblados en Barcelona. La serie no gozó de la fama de otras como “Heidi” o “Marco”, por lo que la emisión fue trasladada a la segunda cadena, los viernes por la tarde. Esto dificultó que amasara una audiencia fiel, y tras la emisión de la primera mitad de los episodios, se abandonó la idea de emitir la segunda mitad.

El merchandising fue prácticamente inexistente, a excepción de unos cómics publicados por Bruguera, de los que solo que publicaron cuatro. También existió la clásica baraja de cartas de Fournier. Ni si quiera se lanzó la clásica casete con el tema de la serie, que por otro lado no fue traducido al español. De esta forma, la serie finalizaba con la partida de Aroa para estudiar en Inglaterra.

Tuvieron que pasar casi dos décadas para que la serie fuera emitida al completo por las cadenas privadas. El doblaje fue realizado de nuevo, y se cambiaron los nombres de los personajes. Nello se convirtió en Nicolás, mientras que Aroa recibió el de Marte. El resto de los personajes también cambiaron sus nombres, recibiendo sus correspondientes en castellano.

El mayor cambio fue realizado en el último capitulo. Al final de la serie, tanto Nello como su perro Patrash fallecen congelados por el frío, un final que se consideró excesivamente dramático para los niños.

Por ello se dobló a la narradora explicando que Nello se había quedado dormido, y que estaba soñando con ángeles que le llevaban volando por el cielo. También se explicaba que al despertar sería encontrado por sus amigos, iría a vivir con su tío Miguel, mientras que el Señor Esteban se encargaría de pagar sus estudios, gracias a lo cual terminaría convirtiéndose en un famoso artista. Nada más lejos que la realidad, en la que Nello fallecía junto a su perro, y era llevado al cielo por pequeños ángeles.

NOTA PERSONAL

Quienes consideren que “Heidi” o “Marco” eran dramones de la época, no pueden estar más equivocados. Y es que por lo menos estas series gozaban de un final feliz. Cuando yo era un niño me fascinaba “El Perro de Flandes” por dos motivos: envidiaba su amistad con su perro, así como su habilidad para dibujar, talento del que nunca he gozado.

Sin embargo, la serie nos narraba las desgracias de Nello, una detrás de otra, para al final no obtener recompensa alguna por su sufrimiento, ya que el niño y su perro terminaban por morir.

Evidentemente la serie posee una crítica de lo más destructiva contra los efectos del clasismo, pero claro, esto puede ser obviado por un niño. Y es que la serie muestra a un niño pobre, de lo más trabajador, y encima buena persona que no desanima en ningún momento a pesar de las desgracias que le toca vivir. En cuanto a los clásicos villanos, tenemos tres de distinto origen. El Buhonero o Cacharrero representa la crueldad, y la serie no se corta al mostrarnos como continuamente maltrata y propina latigazos al pobre Patrash, lo curioso, es que cuando el personaje desaparece, no recibe su merecido. El segundo es el Señor Esteban, que representa el clasismo, despreciando a Nello por su pobreza, intentando que no sea amigo de su hija Aroa.

Aunque el personaje se percata de su error, esto llega demasiado tarde. Probablemente con él es donde radica la mayor lección moral de la historia. El tercero es el Señor Hansen, que representa la mezquindad, es pelota y rastrero, y sin ser una persona adinerada, desprecia igualmente a Nello.

Otra crítica se construye alrededor del deseo de Nello de ser artista, algo considerado como una perdida de tiempo por muchos, lo que impide que el muchacho desarrolle todo su talento. Añadido a esto, el muchacho pierde a su abuelo, es distanciado de su amiga, acusado de incendiar un molino, a pesar de lo que no ceja de ser fiel a su honradez.

Si bien la serie esta cargada de lecciones, resulta excesivo para un niño el ver que dicha honradez no otorga beneficio alguno más que la muerte. Y sin embargo, sin ser de mis series favoritas de la infancia, la recuerdo con considerable cariño.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

Nello es un niño que reside en la aldea de Blacken, cerca de la ciudad belga de Amberes, en compañía de su abuelo Jehan. La madre de Nello falleció cuando este tenía pocos años, y el joven ayuda a su abuelo en el reparto de la leche, ya que ambos llevan una vida muy pobre. La mejor amiga de Nello es una niña llamada Aroa, hija de la familia adinerada de la zona. Aunque su madre es una mujer bondadosa, su padre, el Señor Esteban, es bastante irascible, y se muestra constantemente en contra de que su hija sea amiga de un niño padre.

Durante una visita a Amberes, Nello conoce la catedral de la ciudad, y se queda impresionado con el cuadro que se encuentra expuesto en la nave central. Esto despierta el interés del niño en el arte, y pronto comienza a desarrollar su talento como dibujante. Nello también se hace buen amigo de dos hermanos llamados Georg y Paul.

Otro de los aspectos de Nello, es que es un amante de los animales, jugando a menudo con el pato Negrito, que pertenece a su vecina la Señora Noulette. Dicho amor a los animales se manifiesta cuando conoce a un perro llamado Patrash, maltratado por su dueño, el Buhonero, que le obliga a arrastrar de su carro de mercancías, sin alimentarle como es debido, y propinándole latigazos cuando el animal esta agotado.

Llegado un día, Patrash no puede soportar más los castigos del Buhonero y se desploma agotado. Su malvado dueño decide deshacerse del perro arrojándolo cerca del río. Por suerte, Nello logra encontrar a Patrash y con el consentimiento de su abuelo decide llevarle a casa. Allí se encarga de cuidar al perro, que ha estado a punto de fallecer por agotamiento, y Patrash consigue recuperarse.

Patrash no solo se recupera, sino que pronto se presenta voluntario para tirar del carro, y así ayudar al abuelo y Nello a repartir la leche.

Sin embargo, cuando el Buhonero descubre al perro en la ciudad, se decide a recuperarlo a toda costa. Para evitarlo, Jehan se ofrece para comprar el perro a plazos, a pesar de sus dificultades económicas. El abuelo debe pagar el alquiler de su casa al miserable Señor Hanse, un hombre mezquino siempre dispuesto a intentar agradar al padre de Aroa, y que siente un gran desprecio hacia Nello, al que siempre intenta culpar de sus propios errores. Su hijo André es mejor persona, y poco a poco se va haciendo amigo de Nello.

Nello va desarrollando su talento para el dibujo, Marta le regala un antiguo libro de cuentas de su padre para que comience a dibujar en papel. Esto genera un problema cuando el Señor Esteban necesita el libro, aunque una vez hace uso de este, permite que su hija se lo regale a Nello. Eventualmente, Nello ahorra dinero para comprarse su propio cuaderno de dibujo, y va desarrollando su talento.

El Buhonero regresa a la ciudad, y al no encontrar a Jehan, considera que no va entregarle el pago, por Patrash, y se lleva al perro cuando este esta solo casa. Un desesperado Nello intenta buscarle, y durante esa búsqueda pierde uno de sus zuecos. Patrash lo localiza, y consigue sacar fuerzas para romper la correa del Buhonero, escapando y reuniéndose de nuevo con su amigo.

Aroa recibe una visita de su tía y prima, las cuales residen en Inglaterra. El Señor Esteban queda impresionado por la educación de su sobrina, y decide que Marta debe ser enviada a Inglaterra para recibir la misma educación. Aroa no recibe esta noticia con gusto, y su padre decide retrasar el viaje. Llegada la fiesta de cumpleaños de Marta, Nello no tiene dinero para un buen regalo, y le consigue unas flores, algo que Aroa recibe con más ilusión que sus regalos. Aroa corresponde a Nello, regalando una de sus dos esferas de cristal que le fueron regaladas por su tía.

Nello va mejorando con sus dibujos, y le regala un retrato a Marta. Sin embargo, el Señor Hanse sigue malmetiendo, culpando a Nello de todos sus errores, lo que lleva al Señor Esteban a prohibir que el muchacho vea a Aroa. La niña se escapa de casa, y el Señor Hansen culpa a Nello. Sin embargo el joven ayuda a la Señora Esteban a localizar a Marta. Finalmente, la joven comprende que debe obtener una buena educación, y accede a partir a Inglaterra. Nello esta a punto de no llegar a despedirse, de nuevo debido al mezquino Señor Hanse.

Nello se queda solo y desolado, aunque Marta no tarda en escribir a Nello, enviándole tizas de colores como regalo. La llegada del invierno dificulta el reparto de la leche, y el abuelo de Nello enferma. Nello no duda de encargarse de todo el trabajo, mientras la Señora Noulette ayuda a Jensen, y le regala una cena de navidad a la familia. Nello conoce a una bondadosa dama que perdió a su hijo, y que lleva al joven a visitar el Museo de Arte de Amberes.

También le informa que la catedral alberga dos cuadros más, pero el joven descubre que necesita pagar una moneda de plata para verlos. La dama decide invitar a Nello a verlos, pero el joven no llega a tiempo a la cita, debido a dificultades con el trabajo, y la dama parte de viaje.

Cuando el leñador local se tuerce el tobillo, Nello se decide a ayudarle y consigue cortar el roble que había dejado a medias, y que es necesario para que el Señor Esteban repare su molino. Sin embargo, la Señora Noulette empeora de su reúma, y decide mudarse con su hija, regalándole su pato a Nello antes de partir.

Por fin llegan noticias del regreso de Aroa a la aldea, sin embargo, el motivo es que la niña ha enfermado debido a su creciente melancolía. Al regresar, y poder volver a ver a Nello, la niña se recupera con celeridad, algo que el Doctor achaca a la presencia de Nello, recomendándole al Señor Esteban que no vuelva a enviar a la niña a Inglaterra.

Aroa comienza a acudir a la escuela en Amberes, mientras que Nello descubre un concurso de dibujo, con un premio de doscientos francos, y se decide a intentar ganarlo. Sin embargo, necesita un marco para presentar su dibujo. Jensen comienza a trabajar más tiempo vendiendo verduras en Amberes para poder regalarle uno. Nello descubre esto mediante el Señor Esteban, que le reprende indicándole que la pintura no es un futuro viable. Sin embargo, Jensen decide que todo niño merece un sueño, y consigue regalarle el marco que necesitaba.

A pesar de esto, el esfuerzo provoca que Jensen enferme, y Nello se tenga que encargar de todo su trabajo. Las cosas se complican cuando un nuevo vecino se instala en la casa de la Señora Noulette, y se ofrece a distribuir la leche de la aldea gratis, a cambio de precios rebajados en las verduras que piensa vender. Georg y Paul ayudan a Nello a conseguir un trabajo en el puerto descargando mercancía, y el abuelo se conmueve por su dedicación.

El día del cumpleaños de Aroa, Jensen fallece, y Nello lleva el cuerpo de su abuelo para ser enterrado. Aroa acude al cementerio, donde ambos niños lloran la perdida de Jensen. Las cosas se complican todavía más cuando molino del Señor Esteban se incendia, y Nello se convierte en el principal sospechoso. Nello pierde su trabajo debido a que el Señor Hanse vuelve a los habitantes de la aldea en su contra. Por otro lado, Georg abandona la ciudad para comenzar su trabajo como aprendiz de herrero, y Nello le regala al desconsolado Paul su pata Blacky.

Nello realiza un retrato de su abuelo, y lo presenta al concurso, sin embargo no consigue ganarlo quedando en segundo lugar. Esto sucede el día de Navidad, y deja al muchacho devastado. Por su parte, el Señor Esteban pierde una enorme suma de dinero, lo que puede significar su ruina, y sale a buscarlo. Nello y Patrash encuentran el dinero y se lo llevan a Aroa y su madre. Nello, sin casa, ni trabajo, ni sueños, parte en medio de una ventisca, dejando al desfallecido Patrash atrás, ya que es consciente de que no tiene los medios para mantenerlo.

La Señora Noulette llega para visitar a Nello, y el Señor Esteban regresa a casa, para encontrar su dinero. Arrepentido por su trato hacia Nello, jura pagar sus estudios si lo encuentran. También se descubre que el molino ardió debido a su falta de mantenimiento, más concretamente por culpa de la negligencia de Hansen. También llega uno de los jueces del concurso, que señala que Nello tiene el potencial de convertirse en el segundo Rubens. Todos comienzan la búsqueda del niño. Patrash parte en busca de Nello, al que encuentra en la Catedral observando finalmente los dos cuadros que no pudo ver. Sin embargo es demasiado tarde, Nello y Patrash fallecen congelados ante el cuadro de la Virgen María. Pequeños Ángeles aparecen en la Catedral, para llevar a Nello y Patrash al cielo.

ESCENA

Es de mala calidad, pero es la única escena de la serie que he podido encontrar con el doblaje original. Nello rescata al maltratado Patrash.

FECHA DE ESTRENO

22 de Junio de 1955

TITULO ORIGINAL

Lady and the Tramp

DIRECTORES

Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske

PRODUCTOR

Walt Disney

GUION
Joe Grant

Basado en la historia corta de Ward Greene

REPARTO (VOCES)

Barbara Luddy (Reina), Larry Roberts (Golfo), Lee Millar (Jim Dear, Agente de la Perrera), Peggy Lee (Darlin, Si, Am, Peg), Bill Thompson (Jock, Joe, Bulldog, Dachsie, Policía), Bill Baucon (Tristón), George Givot (Tony), Verna Felton (Tía Sara), Stan Freberg (Castor), Alan Reed (Boris), Thurl Ravenscroft (Caimán), Dallas McKennon (Toughy, Pedro, Profesor, Hiena), The Mellomen (Coro de Perros)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Oliver Wallace

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Distribution

DURACIÓN
75 minutos

CLASICO ANTERIOR

Peter Pan

CLASICO SIGUIENTE

La Bella Durmiente

GOLFO: “Vamos bombón, abre los ojos.”

REINA: “¿Qué abra los ojos?”

GOLFO: “Una vida perruna puede ser mucho mejor. Te lo mostraré. Mira allí abajo y dime que ves.”

REINA: “Bueno, veo casas muy bonitas, con jardines y vallas.”

GOLFO: “Exacto, una vida con cadenas. Mira de nuevo bombón. Hay un gran pedazo de mundo ahí abajo, sin vallas que lo delimiten, donde dos perros pueden vivir aventuras y emociones. Y más allá de esas colinas, quien sabe cuantas experiencias maravillosas. Y todo es nuestro para disfrutarlo, todo nuestro.”

REINA: “Eso suena maravilloso.”

GOLFO: “¿Pero?”

REINA: “Pero quien cuidará al bebé.”

GOLFO: “Tu ganas. Vamos, te llevaré a casa.”

CURIOSIDADES

Se trata del decimo quinto clásico animado de Disney. En el año 1937, el creador de historias de Disney, Joe Grant, tuvo una idea inspirada en las travesuras de su Springer Spaniel Inglés Dama, y el como fue dejada de lado por el nuevo hijo de Joe.

Se dirigió a Walt Disney con bocetos de Dama, y Disney los disfrutó, otorgando una comisión a Grant para que comenzara el desarrollo de una historia para una película animada que sería titulada “Dama”. Desde el final de la década de 1930 hasta el principio de la de 1940, Joe Grant y otros artistas trabajaron en la historia, adoptando una variedad de ideas, pero a Disney no le gustó ninguna, en su mayor parte debido a que consideraba el personaje de Dama como excesivamente dulce, y no había suficiente acción.

A mediados de la década de 1940, Disney leyó una historia corta escrita por Ward Greene, titulada “Happy Dan, the Whistling Dog”, en el “Cosmopolitan Magazine”. Consideró que la historia de Grant mejoraría si Dama se enamoraba de un perro cínico como el que aparecía en la historia de Greene, y se hizo con sus derechos.

Durante el desarrolló de la historia, se consideraron varios nombres para el perro, incluyendo los de Homer, Rags, y Bozo, hasta que se consideró que el mejor era Golfo. Inicialmente se consideró que Golfo no era aceptable debido a las connotaciones sexuales del nombre, pero a Walt Disney le gustó, con lo que fue considerado seguro.

El resultado final de la película fue algo distinto de lo que se había planeador. En principio, Reina solo tenía un perro vecino llamado Hubert, que acabó remplazado por la pareja de Jock y Triste. Tía Sara era la tradicional y autoritaria suegra. Sin embargo, en la versión final se la suavizó como una metomentodo, y aunque era antagonista de Reina, sus intenciones no eran malas. Los gatos se llamaban inicialmente Nip y Tuck, aunque se optó por un juego de palabras, llamándolos Si y Am. Originalmente, los dueños de Reina se iban a llamar Jim y Elizabeth Brown, pero se cambiaron los nombres para resaltar el punto de vista de Reina. Para mantener la perspectiva de un perro, los rostros de Darling y Jim apenas se mostraban, idea que se sacó de los dibujos animados de Tom y Jerry.

También la rata cambió, ya que en un principio era un personaje cómico en distintos bocetos, pero al final se convirtió en un personaje aterrador, para añadir tensión dramática a la historia. También se eliminó un triangulo amoroso entre Reina, Golfo y un Borzoi llamado Boris.

En junio de 1943 la historia se había completado, pero los artistas no pudieron seguir con el proyecto debido a que el estudio se vio obligado a producir películas educativas y de propaganda, debido a la Segunda Guerra Mundial. Una vez finalizada la guerra, se pudo retomar el proyecto.

La secuencia inicial de la película, en la Darling abre su regalo en Navidad, y encuentra a Reina dentro, se basó en un incidente en el que Walt Disney le regaló un cachorro a su esposa Lily, dentro de una caja de sombreros. En 1949, Grant abandonó el estudio, pero el resto del equipo siguió usando sus bocetos e historia original, para culminar el proyecto. Una historia solida comenzó a formarse en 1953, basada en la historia de Grant y el cuento corto de Greene.

Más adelante, Greene escribió una novela basada en la película que se publicó dos años antes de que se estrenara el film. Esto se debió a que Walt Disney se lo había pedido, para que los espectadores estuvieran familiarizados con la historia. Grant no recibió crédito por su trabajo, algo que el director de animación Eric Goldberg quiso rectificar en la edición especial del DVD, explicando el papel de Grant en la película.

Tal y como habían hecho con los ciervos en “Bambi”, los animadores estudiaron a muchos perros de distintas razas para capturar sus movimientos y personalidades. Aunque la secuencia de la cena de espagueti es probablemente la más conocida, Walt Disney estuvo a punto de cortarla, considerando que no era romántica, y que los perros resultarían ridículos comiendo espagueti. El animador Frank Thomas estaba en contra de esa decisión, y se encargó de animar toda la escena. Walt quedó impresionado con su trabajo, y con como había dotado la escena de gran romanticismo, por lo que se animó a incluirla. Originalmente, la artista encargada de los fondos fue Mary Blair, que realizó algunos bocetos para la película.

Sin embargo, abandonó el estudio para convertirse en ilustradora de libros para niños en 1953, y Claude Coats se encargó de continuar con la tarea. Coats diseñó el interior de la casa de Jim y Darling, y se aseguró de mantener una perspectiva baja, para mantener la visión de un perro. Eyvind Earle, que sería el director de “La Bella Durmiente”, contribuyó de manera clave a la finalización de la película.

Disney decidió animar la película en Cinemascope, convirtiendo “La Dama y el Vagabundo” en la primera película realizada en este proceso. Esta innovación presentó problemas adicionales para los animadores. La expansión del espacio otorgaba más realismo, pero pocos planos de aproximación. También hizo difícil que un único personaje dominara la pantalla, por lo que los grupos tenían que dispersarse para impedir que la pantalla pareciera escasa. Los animadores tuvieron que recordar que debían mover a los personajes a través de un fondo, en lugar de que el fondo pasara detrás de ellos. A pesar de esto, los animadores superaron los obstáculos.

Cuando la fecha de estreno, un nuevo problema se presentó, ya que no todos los cines tenían la capacidad de emitir en cinemascope. Al descubrir esto, Walt Disney preparó dos versiones del film, una en widescreen, y otra en Academy ratio.

NOTA PERSONAL

Probablemente una de las mejores películas animadas de Disney en su época dorada. Las mejorías en la calidad de la animación fueron sencillamente extraordinarias, y la historia que se nos narra es igualmente genial. Humanizar a animales es algo que Disney siempre ha logrado dominar, pero siempre he pensado que en esta ocasión se superaron con creces. Los perros están muy bien diseñados, hasta el punto de que cada raza esta dotada de una personalidad muy diferenciada. La película además logra presentar el tema del clasismo de un modo muy ameno para los espectadores infantiles, mostrando como las barreras sociales carecen de sentido, y como todos podemos aprender los unos de los otros.

La película esta cargada de escenas sencillamente geniales. Evidentemente tenemos la cena italiana, que es la escena más recordada de la película, pero hay otras muchas que a mi me parecieron geniales. La presentación de los gatos siameses, Si y Am, es sencillamente desternillante, con una canción que acompaña muy bien a la escena. También tenemos toda la escena que transcurre en la perrera.

Su comienzo, mostrando a los cachorros llorando en sus jaulas, es estremecedor, y consigue enviar un mensaje evidente acerca de la desconsideración del ser humano hacia los animales. Igualmente impactante es la escena en la que se llevan al alegre perro para ser sacrificado. La escena de la lucha de Golfo contra la rata es igualmente impactante.

Por otro lado tenemos personajes cómicos, cuyas personalidades no están exageradas, como es el caso de Jock y Triste. Desternillante la escena del Castor en el Zoo, cuando Reina es liberada de su bozal.

En términos generales tenemos una gran película de animación, que señalaba en comienzo de una serie de clásicos que desde mi punto de vista, son los mejores de Walt Disney.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

El día de Navidad de 1909, Jim Dear le regala a su esposa Darling un cachorro de Cocker Spaniel, al cual le ponen el nombre de Reina.

Reina disfruta en compañía de sus nuevos dueños, y se hace amiga de dos perros del barrio rico en el que reside, un Terrier llamado Jock y un Perro de San Humberto llamado Triste, que ha perdido el olfato. También les presenta con orgullo su nuevo collar, y nueva placa, ya que Reina ya ha alcanzado la madurez que lo exige. Mientras tanto, al otro lado de la vía del tren, vive un perro callejero conocido como Golfo el cual vive el día a día en libertad, pidiendo comida en un restaurante italiano llamado Tony’s, y protegiendo a otros perros callejeros de las garras del empleado de la perrera local.

Más adelante, Reina se entristece cuando la pareja comienza a ignorarla. Jock y Triste la visitan y le explican que ese cambio de actitud se debe a que la pareja esta esperando un hijo. Mientras Jock y Triste le explican a Reina lo que es un bebé, Golfo aparece en el barrio y procede a exponer su punto de vista más pesimista, que la llegada de bebé supondrá que Reina quedará relegada a un segundo plano. Jock y Triste expulsan a Golfo del jardín, pero este insiste que cuando el bebé llegué, el perro debe marcharse.

Eventualmente nace el bebé. Jim y Darling se lo presentan a Reina, que desarrolla un gran cariño hacia el niño. Poco después, la pareja parte de viaje dejando a la tía Sara para encargarse del bebé y de la casa. Sin embargo, a la tía Sara no le gustan los perros, por lo que se niega a permitir que Reina se acerque al bebé. Reina se ve enfrentada a los dos gatos siameses de tía Sara, Si y Am, que provocan varios destrozos de los cuales tía Sara culpa a Reina.

Sara lleva a Reina a una tienda donde le instalan un bozal, y aterrada Reina escapa, para acabar por ser perseguida por perros callejeros. Golfo aparece rescatando a Reina, y la lleva al Zoo de la ciudad para que un castor la libere del bozal. Una vez logrado esto, la lleva a cenar a Tony’s, donde la pareja comparte un plato de espagueti en una cena romántica. Tras un paseo, Reina comienza a enamorarse de Golfo.

Al día siguiente, Golfo accede a acompañar a Reina de vuelta a casa. Durante el camino, Golfo invita a Reina a perseguir gallinas, pero el dueño les expulsa a balazos. Durante la fuga, Reina es capturada por el perrero local, y llevada a la Perrera.

Allí, Reina es admirada por el resto de los perros, ya que lleva un collar con placa, con lo que no durara mucho en ese horrible lugar. Los perros revelan la incapacidad de Golfo para comprometerse, y enumeran sus sucesivas novias. Poco después, tía Sara llega para llevarse a Reina, a la que encadena a una caseta en el jardín.

Jock y Triste la visitan ofreciéndose como parejas para que vaya a vivir con ellos, aunque Reina rechaza la oferta amablemente. Cuando Golfo llega para disculparse, Reina le echa en cara su colección de novias, por lo que el perro se marcha.

Momentos después, cuando empieza a llover, Reina observa como una rata entra en la casa, con la intención de hacer daño al bebé. Reina ladra frenéticamente para avisar a tía Sara, pero esta la ignora. Al oír los ladridos, Golfo acude a la casa, en la que entra para acabar con la rata. Reina arranca la cadena y acude para ayudar a Golfo, que consigue acabar con la rata, volcando la cuna en el proceso, lo que despierta al bebé.

Cuando tía Sara acude en ayuda del bebé, encuentra a los dos perros a los que culpa del incidente. Encierra a Reina en el sótano, y llama a la perrera para que se lleven a Golfo.

Cuando se llevan a Golfo, llegan Jim y Darling. Al liberar a Reina, esa les lleva ante la rata.

Al darse cuenta del heroísmo de Golfo, Jock y Triste acuden al rescate de este. Triste demuestra no haber perdido el sentido del olfato, y localiza el carruaje de la perrera, interponiéndose en su camino para que vuelque. Jim, Darling y Reina llegan al lugar en un taxi, donde Triste a quedado herido al caer el carruaje sobre é, y Reina y Golfo se rencuentran.

Esas navidades, Golfo ya se ha convertido en parte de la familia de Reina, con su propio collar y placa. Tía Sara también se ha reconciliado con Reina, enviando una caja llena de galletas para perros. Golfo y Reina han tenido cuatro cachorros, tres de los cuales se parecen a reina, mientras el cuarto ha salido a Golfo. Jock y Triste, con la pata escayolada visitan a la nueva familia. Todos juntos celebran la Navidad.

ESCENA

Sin duda la escena más mítica de la película, la cena de Reina y Golfo, quienes disfrutan de un plato de espagueti, amenizado por la música de Tony y Joe.

FECHA DE ESTRENO

26 de Septiembre de 1986

TITULO ORIGINAL

“Crocodile” Dundee

DIRECTOR

Peter Faiman

PRODUCTOR

John Cornell

GUION
Paul Hogan, John Cornell, Ken Shadie

REPARTO

Paul Hogan (Michael J “Cocodrilo” Dundee), Linda Kozlowski (Sue Charlton), John Meillon (Walter Reilly), David Gulpilil (Neville Bell), Reginald VelJohnson (Gus), Steve Rackman (Donk), Gerry Skilton (Nugget), Terry Gill (Duffy), Peter Turnbull (Trevor), Christine Totos (Rosita), Graham Walker (Angelo), Mark Blum (Richard Mason), Michael Lombard (Sam Charlton), Caitlin Clarke (Simone), Alan Dunlea (Dingo), John Snyder (Chulo), Anne Carlisle (Gwendoline), Anne Francine (Fran), Paige Matthews (Chica en la fiesta), Paul Greco (Neoyorquino)

CINEMATOGRAFÍA

Russell

BANDA SONORA

Peter Best

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
104 minutos

SUCEDIDA POR:

Cocodrilo Dundee II

MICK DUNDEE: “¿Estas bien?”

SUE CHARLTON: “Siempre estoy bien cuando estoy contigo, Dundee. Que cursi suena eso. ¿Por qué me haces sentir como Jane en un cómic de Tarzán?”

SUE CHARLTON: “Dorothy esta bien ya, pero estuvo hecha polvo.”

MICK DUNDEE: “¿Qué le ha pasado?”

SUE CHARLTON: “Que encontró un buen loquero, un psiquiatra.”

MICK DUNDEE: “Siento haber hecho esa broma del manicomio. No sabía que estaba majara.”

SUE CHARLTON: “No es que este majara. La gente va a al psiquiatra a hablar de sus problemas. Necesita desahogarse, ya sabes ponerlo sobre el tapete.”

MICK DUNDEE: “¿No tiene amigos?”

SUE CHARLTON: “Tienes razón. Deberíamos tener más amigos. Supongo que no habrá psiquiatras en Walkabout Creel.”

MICK DUNDEE: “No, allí el que tiene un problema se lo cuenta a Wally, él se lo cuenta a todo el pueblo, lo pone sobre el tapete y se acabó el problema.”

CURIOSIDADES

El actor australiano Paul Hogan tuvo la idea original de la película mientras visitaba la ciudad de Nueva York. Durante dicho viaje se vio como un pez fuera del agua. Allí, se planteó lo que podía ocurrir si un aborigen australiano del territorio norte llegara la ciudad. De esta forma creó al personaje de Cocodrilo Dundee.

Declaró que existen muchos aspectos de Dundee con lo que cualquiera podía identificarse, aunque en realidad no tuvieran nada en común, simplemente por vivir en Sydney. De esta forma, el personaje fue creado como un mítico hombre criado por aborígenes, viviendo en la espesura donde estaba acostumbrado a tratar con animales salvajes, a vivir de la tierra, a cabalgar o incluso cortar arboles, mientras conserva una filosofía de vida relajada, simple y siempre cordial. Por otro lado, Hogan consideraba que muchos americanos tenían esa visión de los australianos, con lo que deseaba crear un héroe de esas características, manteniéndose en contra de la imagen de Ned Kelly como tal.

El presupuesto de la película fue incrementado a través de las concesiones de impuestos 10BA, a través de Inversiones Morgan. Paul Hogan hizo uso de sus colaboradores habituales de su programa de televisión como John Cornell, Peter Faiman y Ken Shadie. Se importó a la actriz americana para interpretar a la reportera Sue, aunque inicialmente se mostraron reticencias a aceptarla para el papel. Para la escena en la que Mick Dundee sometía al Búfalo, se utilizó uno de verdad, aunque fue necesario drogarlo para evitar peligro, y conseguir realismo.

Seis semanas del rodaje se pasaron en Jaja, un campo de minas de uranio en el Parque Nacional Kakadu, con una semana adicional en la que se rodó en Cloncurry. Seis semanas más de rodaje tuvieron lugar en la ciudad de Nueva York. El rodaje finalizó el once de octubre de 1985, tras lo cual se realizaron algunos cambios pequeños para la versión que había de ser estrenada en los Estados Unidos.

Curiosamente, las comillas en el titulo original alrededor de “Crocodile”, para evitar que la audiencia pensara que Dundee era realmente un cocodrilo.

Una vez la película fue completada, Hogan declaró la esperanza de que lograra recaudar millones de dólares por todo el mundo, y de que se convirtiera en la primera película adecuada de Australia, algo que consideraba no había ocurrido.

La película logró convertirse en un éxito de taquilla logrando recaudar casi cuarenta y ocho millones de dólares en Australia, y casi ciento setenta y cinco millones en Estados Unidos. De hecho se convirtió en la segunda película de mayor recaudación en taquilla de 1986, tanto en Estados Unidos, como para el estudio. La película de mayor éxito de taquilla en Estados Unidos ese año fue “Top Gun”.

NOTA PERSONAL

Fue una de las películas que vi en el cine durante mi adolescencia, y la verdad es que me encantó. He escogido la cita en la que Sue se describe como Jane rescatada por Tarzán por una razón concreta.

Y es que me pareció que la película me recordaba muchísimo al clásico de 1942, “Tarzán en Nueva York”. De hecho, muchos amigos señalaban la idea de la película como poco original, ya que la historia comparte esa idea del hombre aislado de la civilización, que de repente se ve sumergido en ella.

Si bien esa similitud es evidente, no estoy de acuerdo con ese tipo de crítica. Primeramente, porque en esta ocasión el personaje consigue adaptarse sin problemas a la mencionada civilización. También, porque dicho viaje sucedía en la era moderna, con lo que espectador podía sentirse más identificado con dicho cambio. Pero sobre todo, por el estilo de comedia que me pareció formidable, y dotó a la película de un gran número de escenas memorables. Siempre he defendido que una película puede adoptar ideas pasadas por accidente o elección, para crear una nueva con otra dirección argumental completamente adecuada.

Mick “Cocodrilo” Dundee me pareció un personaje excepcional. A pesar de sus bravuconadas, se le muestra como una persona carente de maldad.

Estando acostumbrado a lo sencillo y afable, es incapaz de pensar que resida la maldad en el prójimo. Siempre espera lo mejor de los demás, aunque en ocasiones descubra que esto no es asó. Quizás la película nos quiera hacer ver que la capacidad para ser feliz reside en esa sencillez, o punto de vista para observar lo que le rodea. Sin duda, esto es lo que acaba de conquistar al personaje de Sue y, para que negarlo, a los espectadores de la película. A pesar de encontrarse con personajes pintorescos, no cae en el error de juzgar a ninguno de ellos, simplemente muestra la más que comprensible sorpresa ante lo que lo rodea.

Pero también me pareció fascinante la primera mitad de la película, en la que el personaje se desenvuelve en la estepa Australiana. Esta parte de la película esta tan lograda, que el espectador es capaz de intuir la capacidad de un entorno para provocar un sentimiento de paz, y de como esa felicidad innata en Dundee reside en las cosas más sencillas, que en las grandes civilizaciones tendemos a dar por sentado.

Esta es sin duda una de mis películas favoritas en la década de 1980, y es que siempre he mantenido que las mejores películas proceden de esos diez años, en los que imperó una clara originalidad a la hora de crear y visualizar distintas historias. La película se convirtió en trilogía, pero debo decir que no me impresionaron demasiado las dos siguientes películas, que consideré mucho más pobres en respecto a su predecesora. Quizás hay ocasiones en las que estirar determinadas historias no resulta una idea demasiado efectiva. Pero en este caso en particular, esta primera película es sin duda efectiva.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Sue Charlton es una escritora que trabaja para el “Newsday”, y que esta prometida para casarse con su editor Richard Mason. Sue decide viajar a Walkabout Creek, una pequeña aldea en el territorio norte de Australia.

Allí pretende escribir un artículo sobre Mick Dundee, más conocido como Cocodrilo Dundee, que aparentemente ha perdido una pierna tras ser atacado por un cocodrilo de agua salada.

Sue es recibida en Walkabout Creek por Walter Reilly, socio de Dundee en una empresa de excursiones locales. La primera sorpresa de Sue es descubrir que Mick no ha perdido la pierna tras el ataque, que solo le dejó una gran cicatriz. Al conocerle, Sue considera que Mick no es tan legendario como se ha dado a entender, y queda poco impresionada por su comportamiento fanfarrón, propenso a las peleas y bastante narcisista.

Mick ejerce de guía de Sue en un viaje a través del Outback Australiano. Durante el viaje, Sue comienza a percatarse de las habilidades de Mick. Primero le observa realizar un control mental sobre un Búfalo de Agua que se interpone en el camino de su Jeep, y poco a poco de su capacidad para sobrevivir a través de las inhóspitas tierras.

Durante la primera noche la salva de una serpiente de la que se libra con sus propias manos, y le prepara comidas inusuales como iguana asada. Al pasar por una zona que se convertía en parte del río cercano tras sus crecidas, Mick le muestra los restos de la barca en la que fue atacado por el famoso cocodrilo. También le explica que los cocodrilos no disfrutan de carne fresca, y como el que le atacó solo le zarandeó con la intención de devorarle más tarde.

Siguiendo con su viaje, Sue le solicita a Mick que ahuyente a un grupo de turistas y cazadores furtivos matando canguros por diversión. Mick utiliza un canguro muerto, al que dota de un fusil para darles un gran susto, tras el cual todos salen huyendo. Tras esto, la pareja se encuentra con aborigen amigo de Mick, al que invita a visitar a su tribu. Sue les sigue para observar como Mick forma parte de una danza tribal con los aborígenes, pero Mick también se da cuenta de que Sue les ha observado, asegurando que siendo mujer y periodista, estaba seguro no podría contener su curiosidad.

En una conversación entre la pareja, Mick le asegura a Sue que no sería capaz de sobrevivir por si sola en la estepa, ante lo que la mujer, terriblemente ofendida, se decide a probar que esta equivocado, y parte por si sola. Sin embargo, al acercarse a beber a un río, es atacada salvajemente por un cocodrilo. Mick, que la ha estado siguiendo de cerca, llega a tiempo para salvarla, tras lo cual la consuela para que re recupere del shock.

Poco a poco, Sue comienza a sentirse atraída hacia Mick, sin ser consciente de que esto reciproco. Cuando son recogidos de su viaje por Walter, este le pregunta de forma jocosa a Mick si ha ocurrido algo entre ellos, pero es cortado tajantemente por su amigo, que ha comenzado a sentir algo por Sue. Sue decide continuar su historia en Nueva York, para lo que le ofrece a Mick que la acompañe a la ciudad. Mick duda inicialmente, pero Sue consigue que Walter le convenza, asegurando que puede ser bueno para su negocio mutuo de guías.

De esta forma, Mick viaja a Nueva York, haciendo uso de un avión por primera vez. Allí son recibidos por el chofer de la familia de Sue, Gus, que pronto hace buenas migas con Mick. Tras instalarse de forma estrafalaria en un lujoso hotel, Mick acude a cenar con Sue y su prometido Richard, que se muestra irrespetuoso hacia el australiano durante toda la velada. Mick responde noqueándolo de un puñetazo ante una sorprendida Sue. Tras esto, Mick se hace amigo de un taxista al que acompaña a tomar algo a un bar. Cuando Mick intenta ligar con una mujer, pronto descubre para su sorpresa de que se trata de una travesti.

Tras esto, Mick conoce a dos prostitutas, sin saber que lo son, noqueando a su chulo cuando este se dirige a ellas de forma despectiva. Curiosamente, Mick va encajando en Nueva York y haciendo amigos, llegando a noquear al ladrón de un bolso con una lata. Mick acude a una fiesta en compañía de Sue, la cual se sorprende al observar como este utiliza doscientos dólares en cocaína, para disolverlos en agua caliente, al pesar que su consumidor simplemente sufre de un taponamiento de la nariz.

Sue vuelve a observar esta escena con una actitud divertida, así como cuando contempla como Mick comprueba si una anciana excéntrica de aspecto masculino, es un hombre o una mujer. Tras un paseo por la noche, un navajero intenta atracar a la pareja, pero Mick le atemoriza con su enorme cuchillo. Tras este evento, Sue se rinde a sus sentimientos besando a Mick.

El padre de Sue, director del periódico, organiza una cena en casa a la que invita a Mick para conocerle. Durante la cena, Richard propone matrimonio a Sue públicamente, lo que deja a Mick deprimido. Este da una vuelta por Nueva York, para volver a encontrarse con el chulo al que había noqueado, que en esta ocasión le supera con ayuda de dos compinches. Afortunadamente, Gus llega al rescate, derrotando a los criminales, y noqueando al último con la insignia del coche, la cual tiene forma de bumerang, ante un sorprendido y agradecido Mick.

Al día siguiente, Mick abandona el hotel tras decidir viajar por los Estados Unidos, y se va a la estación de metro cercana. Al descubrir esto, Sue, que ha cancelado su compromiso con la aprobación de su padre, corre tras él. En la abarrotada estación, dos ciudadanos ejercen de mensajeros para hacerle saber a Mick que Sue no va a casarse con Richard, y que le quiere. Mick camina por encima de las cabezas de los ciudadanos para llegar hasta Sue. La pareja se abraza ante la celebración de todos los presentes en la estación.

ESCENA

Genial escena en las que un hombre intenta atracar a Sue y Mick con un cuchillo, que el héroe no considera tal, salvando la situación.

FECHA DE ESTRENO

30 de Junio de 1972

TITULO ORIGINAL

Conquest of the Planet of the Apes

DIRECTOR

John Lee Thompson

PRODUCTOR

Arthur P. Jacobs

GUION
Paul Dehn

REPARTO

Roddy McDowall (César), Don Murray (Gobernador Breck), Ricardo Montalban (Armando), Natalie Trundy (Lisa), Hari Rhodes (MacDonald), Severn Darden (Kolp), Lou Wagner (Busboy), John Randolph (Presidente de Comisión), Asa Maynor (Señora Riley), H.M. Wynant (Hoskyns), David Chow (Aldo), Buck Kartalian (Frank el gorila), John Dennis (Policía), Paul Comi (Policía), Gordon Jump (Subastador), Dick Spangler (Locutor), Joyce Haber (Zelda)

CINEMATOGRAFÍA

Bruce Surtees

BANDA SONORA

Tom Scott

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
88 minutos

PRECEDIDA POR:

Huida del Planeta de los Simios

SUCEDIDA POR:

La Conquista del Planeta de los Simios

GOBERNADOR BRECK: “César.”

CESAR: “Su siervo, su criatura, su animal.”

GOBERNADOR BRECK: “Pero si yo te vi morir.”

CESAR: “El rey ha muerto. ¡Larga vida al rey! Dígame Breck, antes de que usted muera. ¿En que nos diferenciamos de los perros y gatos que ustedes tenían en tanta estima? ¿Por qué de animales domésticos nos convirtieron en esclavos?”

GOBERNADOR BRECK: “Porque vuestra especie fue la de nuestros antepasados. El hombre desciende del mono, y todavía hay un mono en el interior de cada hombre. La bestia que debe ser condenada a la sumisión. El salvaje que tiene que ser encadenado, y tú eres la bestia César. Tú nos corrompes. Tú envenenas nuestras entrañas. Por eso, cuando te odiamos estamos odiando la parte mala de nosotros mismos.”

CURIOSIDADES

Se trata de la cuarta película de la saga, y la única que no fue calificada para todos lo públicos, así como la única estrenada sin una secuencia anterior al titulo. La razón fue que el comienzo fue considerado como demasiado violento, mostrando a policías en patrulla nocturna disparando sobre un simio que había escapado, para descubrir su cuerpo cubierto de moratones y cicatrices, que evidenciaban un abuso severo. En una escena de la película, que sobrevivió a los cortes, el Gobernador Breck y MacDonald se refieren a este incidente. Se eliminaron una serie de imágenes sangrientas, después de que la película fuera pre-estrenada para espectadores selectos. La escena eliminada del comienzo fue incluida en la novelización de la película, así como el cómic de la misma.

La mayor parte de la película fue rodada en la Universidad de California, campus Irvine, el cual fue diseñado por el arquitecto futurista William L Pereira y creado seis años antes del rodaje de la película. Una gran parte de la producción se centró alrededor del Complejo de Ciencias Sociales, diseñado por A.C. Martin & Asociados, y todavía en construcción durante el rodaje.

Los disfraces de mono que llevaban los simios eran disfraces desechados de la serie de televisión “Viaje al Fondo del Mar”, emitida entre 1964 y 1968. Las insignias de los hombres que trataban con los simios esclavizados, así como las computadoras y cabinas electrónicas, procedían de la serie de Irwin Allen, “El Túnel del Tiempo”, emitida entre 1966 y 1967. El complejo en el que los simios eran procesados y entrenados para convertirse en esclavos, era un decorado reformado de la oficina de Matthew y el Complejo de Control Tritón de la película de 1971, “La Ciudad Bajo el Agua. El trono de subastas de los Simios, del Gobernador Breck, había sido utilizado en la nave de Taylor de la primera película de la saga “El Planeta de los Simios.

La película marcó la primera aparición de la actriz Natalie Trundy disfrazada y caracterizada de simio. La actriz ya había aparecido en la anterior película, “Huida del Planeta de los Simios”. Zelda, la hembra de orangután, es la única hembra de simio que apareció en la saga del “Planeta de los Simios”, y la serie de televisión, que no era un chimpancé.

En la película, establecida en el año 1991, los simios son esclavizados después de que una nueva plaga acabara con todos los perros y gatos de la Tierra, una década antes de los eventos mostrados. En el año 1978, seis años después del estreno de la película, tuvo lugar una pandemia mundial denominada canine papillomavirus, desconocida hasta entonces, que acabó con miles de perros.

La segunda mitad de la escena final, en la que Lisa le suplica a César que muestre piedad y en la que este realiza su discurso sobre la igualdad, fue añadida después de que la película fuera completada. Esta es la razón por la cual la última toma solo muestra los ojos de César, y posee una calidad inferior, ya que dicha toma había sido extraída de una parte anterior de la película. Se trajo a Roddy McDowall para que leyera las líneas finales, editadas en dicho lugar.

Originalmente, la película tenía un final más oscuro, con los gorilas golpeando a Breck y otros supervivientes humanos hasta la muerte con sus rifles, carentes de toda piedad.

Gran parte de esta toma existen en ambos finales, pero en la versión final de los simios alzando sus rifles, fue emitida en reversa para que pareciera que los estaban bajando. Parte de los ataques de los simios fue eliminada de la película.

De las cinco películas de la saga original, esta fue la que contó con el presupuesto más reducido, contando con 1,7 millones de dólares. La película funcionó extraordinariamente en taquilla, logrando recaudar casi diez millones de dólares.

NOTA PERSONAL

Bueno, seguimos con una de mis sagas favoritas, y ante una película que nos mostraba el comienzo de lo que veríamos en la primera y clásica película. La historia seguía pareciéndome muy original, mostrando la evolución de ese bucle temporal. Siempre me ha parecido curioso, que el origen de la dominación de los simios se debiera al viaje al pasado de Cornelius y Zira, quienes se mostraban tan en contra de la esclavización de los humanos.

La verdad es que para contar con un presupuesto tan reducido, la película me pareció siempre muy lograda, haciendo uso de lo que entonces eran edificios modernos, arquitectónicamente hablando, para mostrar un futuro, ahora ya nuestro pasado 1991, bastante creíble. Toda la idea del procesamiento de los simios, y su sometimiento, pero pareció considerablemente estremecedora, logrando marcar una crítica evidente hacia la esclavitud y sus inevitables consecuencias.

La película también recupera ese sentido de la acción, que en la tercera parte se había perdido lamentable, aunque necesariamente. Por otra parte, el Gobernador Breck me pareció un villano muy bien desarrollado, tan sometido a su propia obsesión, que no se percataba del daño social que creaba sometiendo a los simios a la esclavitud. Ejemplos de esto es el descontento de la población, que ve amenazados sus puestos de trabajo, debido a que estos son cubiertos por los nuevos esclavos.

En general es una película muy entretenida, aunque yo hubiera preferido el final más pesimista, que verdaderamente refleja es bucle en el que los simios se acaban convirtiendo en aquello que tanto detestan, los propios humanos. El final que se escogió me pareció demasiado esperanzador, aunque tampoco dañe a una película muy lograda, y que comienza a darnos explicaciones concretas de como todo comenzó.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Diez años después de la muerte de Cornelius y Zira, en 1983, un extraño virus traído por un astronauta del espacio, ha exterminado a todos los perros y gatos de la Tierra, dejando a los humanos sin mascotas. Los humanos comenzaron a utilizar a los simios como mascotas, y al percatarse de su capacidad para aprender y adaptarse, comenzaron a entrenarles para realizar tareas domesticas. Siete años más tarde, en 1991, la cultura americana se había basado en la esclavitud de los simios.

Armando y César, un joven chimpancé que monta a caballo en el circo del primero, llegan a una ciudad del norte de américa para promocionar la llegada del circo distribuyendo panfletos. Armando le advierte a César que debe tener cuidado, ya que este es el hijo de Cornelius y Zira, Milo, también dotado con la capacidad de hablar. César debe fingir ser un simio normal, ya que si se descubre su origen, no dudarían en acabar con su vida. Durante su visita por la ciudad, observan como varios simios ocupan puestos de trabajo, y las duras disciplinas a las que les someten cuando no obedecen.

También observan como varios humanos se han concentrado en protesta por como han ido perdiendo sus puestos de trabajo, adquiridos por los esclavos simios. Al observar como un simio es golpeado y drogado, César grita insultando a los humanos, lo que llama la atención de la policía y los humanos allí congregados. Rápidamente, Armando asume la culpa, asegurando que ha sido él quien ha gritado.

La gente de alrededor niega esta afirmación, pero cuando el simio maltratado intenta escapar, Armando y César aprovechan la oportunidad para huir del lugar.

Ambos se ocultan bajo unas escaleras, donde Armando le explica a César que se entregará a las autoridades para explicar que su simio se ha escapado, hasta que las cosas se hayan calmado. También le ordena a César que se oculte en una jaula de orangutanes importados de Borneo, y que pase desapercibido. Al hacerlo, César termina siendo llevado al Centro de Entrenamiento de simios, donde comienza a ser entrenado. Consciente de los duros sistemas de entrenamiento, César se muestra dócil y dispuesto a seguir las instrucciones de los humanos. También conoce a una chimpancé llamada Lisa, hacia la cual se siente atraído, y es enviado para reproducirse con ella, al ser considerado un buen ejemplar.

Tras superar su periodo de entrenamiento, César es llevado a una subasta para ser vendido. El Gobernador Breck se muestra interesado por su docilidad y predisposición, por lo que decide adquirirlo.

Breck le lleva a su despacho donde permite que el chimpancé escoja un nombre al azar en un libro, y este selecciona el de César, fingiendo casualidad. Tras esto, César es asignado a trabajar en administración bajo el control del ayudante de Breck, MacDonald, que se muestra en contra del trato abusivo al que los simios son sometidos. Allí, César se rencuentra con Lisa.

Mientras tanto, Armando es interrogado por el Inspector Kolp, bajo las órdenes de Breck, quien sospecha que el chimpancé de Armando es en realidad Milo, el hijo de Cornelius y Zira. Armando es sometido a una maquina denominada Autentizador, que fuerza psicológicamente a la gente a decir la verdad. Armando se ve acorralado, y antes de someterse a la prueba, intenta escapar para terminar saltando por una ventana, muriendo en la caída. Al descubrir la muerte de su padre adoptivo, el único humano que le había querido, César pierde su fe en la raza humana y comienza a planear una rebelión.

En secreto, César comienza a enseñar al resto de los simios a rebelarse, a combatir, y hace que comiencen a acumular armas. Mientras tanto, Breck descubre, a través de Kolp, que el barco en el que César había llegado supuestamente procedía de Borneo, donde no hay chimpancés. Breck le ordena a MacDonald que traiga a César, y de camino este decide confiar en MacDonald hablando con él. MacDonald permite que César escape, pero este termina por ser capturado por los hombres de Breck. César es torturado, hasta que al final se ve forzado a hablar pidiendo clemencia.

Al oírle, Breck ordena que César sea ejecutado por electrocución. MacDonald sabotea la maquina para que emita una descarga por debajo de lo letal, gracias a lo que César sobrevive en secreto a la ejecución. Una vez Breck abandona el lugar, César ejecuta a su torturador y escapa.

Tras esto, César lidera una revuelta de los simios en el Centro de Adiestramiento.

Los simios comienzan el ataque usando las armas que han acumulado. Aunque muchos de los simios perecen, consiguen superar a las fuerzas de la policía. César y Lisa lideran un ataque en el interior del complejo, donde consiguen capturar a Breck, mientras MacDonald es perdonado. Breck declara su intención de acabar con los simios, pues representan la parte salvaje que los seres humanos aun tienen en su interior.

César sale al exterior con Breck como su prisionero, para descubrir que el resto de los simios han logrado tomar el complejo. MacDonald observa la situación fuera, justo cuando César entrega a Breck a los simios, que se preparan para ejecutarle. MacDonald explica su comprensión, pues el también desciende de una raza de esclavos, siendo afroamericano, y le suplica a César que se muestre por encima de los humanos, mostrando piedad. César le ignora declarando que la humanidad esta destinada a autodestruirse, y que los simios se alzaran sobre sus ruinas, con los humanos como esclavos.

Construirán sus ciudades, crearán sus religiones, ejércitos y dinastías dominando el mundo. César también señala que ese momento ha llegado. Los simios levantan sus rifles listos para golpear a Breck hasta la muerte, justo cuando Lisa se dirige a César diciendo “No”, y convirtiéndose en la primera simio capaz de hablar, a excepción de César.

César decide hacer caso a su amada, declarando que el momento de abandonar el odio ha llegado, y que los simios tienen la capacidad de mostrar humanidad, perdonando la vida de Breck. Tras esto declara que, esa noche, todos han sido testigos del nacimiento de “El Planeta de los Simios”, mientras todo el complejo arde en llamas.

ESCENA

A falta de una escena, aquí dejó el tráiler original de la película, aunque lamentablemente esta en ingles.

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