MIS PELICULAS Y SERIES

FECHA DE ESTRENO

26 de Junio de 2014

TITULO ORIGINAL

Dawn of the Planet of the Apes

DIRECTOR

Matt Reeves

PRODUCTORES

Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver

GUION
Mark Bomback, Rick Jaffa, Amanda Silver

REPARTO

Andy Serkis (César), Jason Clarke (Malcolm), Gary Oldman (Dreyfus), Keri Russell (Ellie), Toby Kebbell (Koba), Kodi-Smit McPhee (Alexander), Kirk Acevedo (Carver), Nick Thurston (Ojos Azules), Terry Notary (Rocket), Karin Konoval (Maurice), Judy Greer (Cornelia), Jon Eyez (Foster), Enrique Murciano (Kemp), Larramie Doc Shaw (Ash), Lee Ross (Grey), Keir O’Donnell (Finney), Kevin Rankin (McVeigh), Jocko Sims (Werner), Al Vicente (Manone)

CINEMATOGRAFÍA

Michael Seresin

BANDA SONORA

Michael Giacchino

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
130 minutos

PRECEDIDA POR:

El Origen del Planeta de los Simios

ELLIE: “Los simios no tuvieron la culpa.”

CARVER: “¿Y quién coño tuvo la culpa? Era la gripe de los simios.”

ELLIE: “Fue un virus creado por científicos en un laboratorio. Los simios eran cobayas, no tenían ni voz ni voto.”

CARVER: “Ahórrate el buen rollo jipioso. ¿Insinúas que no se revuelven las tripas cuando los ves? ¿No tenías una hija pequeña?”

OJOS AZULES: “Lo siento mucho, por todo.”

CÉSAR: “No, yo tengo la culpa.”

OJOS AZULES: “Pero Koba te traicionó.”

CÉSAR: “Yo decidí confiar en él porque es simio. Siempre pienso que simio es mejor que humano. Ahora veo cuánto nos parecemos.”

CURIOSIDADES

Tras el estreno de “El Origen del Planeta de los Simios” en 2011, el director Rupert Wyatt mencionó la posibilidad de nuevas secuelas. Esto se debía a que el final de la película dejaba ciertas preguntas por responder, siendo el film el principio de la historia. El guionista y productor Rick Jaffa también señaló el hecho de que la película contenía ciertas pistas acerca de esas posibles secuelas. Su intención era la de crear una plataforma y plantar ciertas semillas que pudieran ser aprovechadas en el futuro. DE hecho, señaló que la película mostraba una versión de la nave del film original de 1968, como una clara pista sobre una posible secuela. Durante una entrevista, Wyatt declaró su deseo de que futuras secuelas pudieran evolucionar a la hora de narrar una historia que pudiera conectar con la película original de 1968. También deseaba que la siguiente película tuviera lugar ocho años después de la trama de “El Origen del Planeta de los Simios”, para poder mostrar toda una nueva generación de simios y explorar la dinámica de la relación entre los personajes de César y Koba.

En Noviembre de 2011 se anunció que Andy Serkis había sido el primero en cerrar un trato para una secuela de la película, interpretando de nuevo al líder de los simios, César, por una importante suma de dinero. En mayo de 2012, Rick Jaffa y Amanda Silver contrataron a Scott Burns para que revisara un posible guion para la secuela. Al final del mismo mes, “20th Century Fox” anunció que la secuela se titularía “El Amanecer del Planeta de los Simios”. Durante Septiembre de 2012, se extendió el rumor de que el director Rupert Wyatt se estaba planteando abandonar el proyecto de la secuela debido a que la fecha escogida para el estreno, no le permitiría acabarlo de forma adecuada. Dicho rumor fue confirmado cuando en Octubre se decidió que Matt Reeves le sustituiría en el proyecto. Ese mismo mes, Mark Bomback fue contratado para revisar de nuevo el guion.

En diciembre, James Franco especuló que no participaría en la secuela debido a que Wyatt no estaba ya involucrado en el proyecto.

De hecho, señaló que desde la partida de Wyatt, nadie había contactado con él en relación a la película. Más adelante, Matt Reeves revelaría que James Franco aparecería en un cameo en la película. Freida Pinto, quien había interpretado a la primatóloga Caroline Aranha, confirmó que no formaría parte del reparto de la secuela. En abril 2014, se le preguntó al productor sobre el destino de los personajes interpretados por Franco y Pinto; y declaró que ambos habrían estado entre las primeras víctimas del virus del film. En febrero de 2013, Gary Oldman, Jason Clarke y Kodi Smit-McPhee fueron contratados para interpretar a los protagonistas de la secuela, cuya trama estaba establecida diez años después de los eventos mostrados en “El Origen del Planeta de los Simios”. En Marzo se contrató a Keri Russell, y Judy Greer fie escogida para interpretar a Cornelia, la chimpancé pareja de César. Toby Kebbell, Enrique Murciano y Kirk Acevedo se unieron al reparto durante el rodaje de la película. En Mayo de 2013, Jocko Sims fue contratado para el papel secundario del operativo militar Werner.

Al igual que en la película anterior, los efectos visuales de “El Amanecer del Planeta de los Simios” fueron creados por Weta Digital. Además de crear a los simios, la compañía tuvo que crear otros animales digitales como una manada de alces, un oso grizzly, y algunos caballos adicionales. Los alces fueron crearon mediante el uso de fotogramas claves de animación y con la ayuda del software MASSIVE. El oso fue creado mediante el uso de animación de fotogramas clave, al igual que los caballos que añadieron motion capture.

NOTA PERSONAL

La segunda película del relanzamiento de la franquicia no defraudó en absoluto, llegando a superar en muchos aspectos a su predecesora. Es cierto que me hubiera gustado ver el declive de la civilización humana, pero a pesar de esto la premisa de la película es considerablemente buena, saltando diez años adelante.

Tenemos un elenco de personajes humanos nuevos, los cuales se dividen entre aquellos que han aprendido de la soberbia y las consecuencias de sus actos, y los que no han aprendido nada. Debo reconocer que Gary Oldman destaca como el atormentado Dreyfus, que acaba sumido en el odio. Una vez más, los simios están desarrollados a la perfección, superando a la anterior película en escenas de mayor dificultad. Cuando los simios cabalgan y la imagen es creíble, uno se da cuenta de que el equipo de efectos visuales ha realizado una labor formidable.

Uno de los aspectos más interesantes de este relanzamiento de la franquicia, es que la guerra es inevitable debido a los simios y no a los humanos. El mayor responsable es el chimpancé Koba, cuya ira e incapaz de dejar atrás el pasado le conduce a tomar una serie de decisiones que bien pueden condenar a su especie. Ahora bien, me parece justo señalar que Koba no procede de un pasado tan confortable como César.

Toda la escena del ataque de los simios sobre la torre de los humanos en San Francisco es formidable. El duelo final entre César y Koba es igualmente impresionante. Todo esto se incrementa ante la mencionada dificultad de crear simios convincentes. Pero lo más elogiable son determinadas escenas como Cornelia teniendo a su hijo, y la familia en torno a ella, César y Ojos Azules reconciliándose, o Maurice forjando amistad con el joven humano Alexander. Cuando esas escenas, capturando movimiento y siendo creadas mediante ordenadores, conmueven de esa forma, uno se percata del éxito de un proyecto. Esta nueva fase de la franquicia no deja de superarse.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Diez años después de la pandemia mundial provocada por el mortal Virus ALZ-113, también conocida como Gripe de los Simios, toda la civilización humana ha quedado destruida.

El noventa y nueve por ciento de la población humana ha fallecido debido a la pandemia; mientras que los simios con inteligencia incrementada mediante la genética se han reproducido y han construido una civilización propia. Cerca de las ruinas de la ciudad que una vez fue San Francisco, César es el líder de una colonia establecida en los Bosques Muir. Durante una expedición por el bosque, el hijo de César, llamado Ojos Azules, y su amigo Ash se encuentran con un hombre llamado Carver. Éste se asusta al verlos y dispara de forma automática sobre Ash, hiriéndolo. Los acompañantes de Carver, liderados por un hombre llamado Malcolm, llegan al lugar mientras Ojos Azules llama al resto de los simios. César en persona se presenta en el lugar e impide una confrontación, ordenando a Malcolm que se lleve a los humanos y que no vuelvan por los bosques. Malcolm y sus acompañantes regresan a su pequeña comunidad de supervivientes en San Francisco, ya genéticamente inmunes al virus. Dicha comunidad reside en una torre dentro de la antigua ciudad.

Mientras tanto, el chimpancé Koba sigue mostrando un odio acérrimo hacia los humanos debido a los experimentos y maltratos a los que fue expuesto. Koba consigue convencer a la comunidad de simios de que si no dan una muestra de poder a los humanos, éstos se convertirán en un peligro mayor. César decide liderar a un ejército de simios, los cuales ya montan a caballo, ante la torre de los humanos. Una vez allí anuncia que los simios no desean la guerra, pero que defenderán su colonia si es necesario. También exige que los humanos permanezcan en su territorio, y así los simios permanecerán en el suyo. Los humanos se quedan impresionados al ver que los simios tienen la capacidad de hablar.

Malcolm convence a Dreyfus, líder de la colonia, para que le conceda tiempo para reconciliarse con los simios. Dreyfus es irascible y está dispuesto a atacar, pues la colonia necesita atravesar el bosque para llegar a una presa hidroeléctrica. Si logran activarla, esta proporcionaría energía a la ciudad. A pesar de la decisión, Dreyfus decide no confiar en los simios, y arma a varios supervivientes a los que establece en una armería abandonada.

Malcolm acude a la colonia de los simios, donde es llevado ante César. Tras una tensa discusión, César concede permiso para que un pequeño grupo de humanos liderados por Malcolm acceda a la presa hidroeléctrica, siempre que no vayan armados. Sin embargo, Carver desobedece y lleva un arma con el que amenaza a los hijos de César. Carver es desarmado y César decide expulsar al grupo de la presa tras lo sucedido. Malcolm y su esposa Ellie intentan razonar con César, descubriendo que su pareja Cornelia ha caído enferma tras dar a luz a su segundo hijo Milo. Ellie convence a César para que le permita tratar a Cornelia, a quien consigue salvar.

Debido a esto, César permite que el grupo regrese a la presa, excepto Carver que debe permanecer en su coche. Durante el resto del trabajo, Ellie, Malcolm, y el hijo de éste último, Alexander, logran conectar de forma positiva con la comunidad de simios. Mientras tanto, el agresivo y enfurecido Koba descubre la armería y se enfrenta a César, acusándole de querer más a los humanos que a los simios.

César y Koba se enfrentan en combate, y César logra derrotarle estando a punto de matarle. Sin embargo, César enuncia su filosofía de que un simio no matara a otro simio y decide perdonar a Koba, quien finge sumisión. Sin embargo, Koba se siente humillado y más enfurecido que nunca. Regresa a la armería de los humanos, donde asesina a dos guardias y roba un rifle de asalto. De regreso a la colonia de los simios, encuentra a Carver esperando en su coche, y también acaba con su vida.

Al mismo tiempo, la presa hidrológica es reparada con ayuda de los simios, y la energía eléctrica de San Francisco es restaurada. César invita a Malcolm, Ellie y Alexander a su colonia para celebrar su éxito. Durante la celebración, Koba dispara sobre la colonia sin que nadie lo vea. César recibe un disparo cayendo desde lo alto de un árbol, y el pánico se extiende por toda la colonia. Koba aparece ante los simios para asumir el liderazgo, alegando que quien ha disparado es un humano, y que los simios deben acabar con la amenaza de los humanos de una vez por todas.

El orangután Maurice ayuda a Malcolm, Ellie y Alexander a escapar de la colonia, antes de que algo les suceda. Koba lidera a un ejército hasta la armería, donde los simios se equipan con armas para dirigirse después hasta la torre de San Francisco. Allí se enfrentan a los humanos en combate, y a pesar de sufrir varias bajas, los simios logran entrar en el edificio utilizando un tanque. Mientras los simios aprisionan a los humanos, Dreyfus escapa al túnel de metro que se encuentra bajo la torre. Koba le ordena a Ash que mate a un grupo de humanos desarmados. Cuando Ash se niega a hacerlo, Koba decide matarle y encarcela a los simios que todavía son leales a César.

Durante el ataque, Malcolm, Ellie y Alexander encuentran a César todavía vivo y herido en el hombro. El grupo transporta a César a una casa a las afueras de San Francisco, que resulta ser la casa donde César se crío con los Rodman. César les explica que fue Koba quien le disparó, percatándose de que los simios pueden ser tan corruptos y violentos como los humanos.

Malcolm se dirige a la ciudad en busca de suministros médicos para César y se encuentra con Ojos Azules, a quien Koba había manipulado para unirse a su causa. Sin embargo, Ojos Azules ha comenzado a dudar de Koba después de que éste matara a Ash, y decide acompañar a Malcolm. Una vez en la casa, Ojos Azules se percata de su error y se reconcilia con su padre. Tras esto, Ojos Azules acude a la torre, donde libera a los simios encarcelados que todavía son leales a su padre. Por su parte, Malcolm encuentra a Dreyfus en el metro, quien le informa que ha logrado contactar con supervivientes en una base militar en el norte. Éstos se encuentran de camino para ayudarles a luchar contra los simios.

En lo alto de la torre, César revela haber sobrevivido así como la traición de Koba. Ambos se enfrentan en combate, y durante la lucha Dreyfus detona cargas de C-4 en la base de la torre. Esto provoca la muerte del propio Dreyfus, quien termina siendo aplastado por los escombros. A pesar del colapso de la torre, César logra derrotar a Koba, quien queda colgando de un borde de la torre. Koba apela a que un simio no matara a otro simio, pero César declara que Koba ya no es un simio y le deja caer a su muerte. Malcolm se reúne con César y le informa de la inminente llegada de los refuerzos militares de los humanos. César es consciente de que los humanos nunca perdonaran a los simios por la guerra que Koba empezó, y le recomienda a Malcolm que parta a lugar seguro con su familia. César también se declara amigo de Malcolm por todo lo que ha hecho. Malcolm parte con su familia, mientras César permanece junto a todos los simios, aguardando la guerra que tendrá lugar.

ESCENA

César lidera a los simios, llevándolos ante los humanos para establecer normas de convivencia, asegurando no desear la guerra.

FECHA DE ESTRENO

3 de Noviembre de 1987

TITULO ORIGINAL

The Running Man

DIRECTOR

Paul Michael Glaser

PRODUCTORES

George Linder, Tim Zinnemann

GUION
Steven E. de Souza

Basado en la novela de Stephen King

REPARTO

Arnold Schwarzenegger (Ben Richards), María Conchita Alonso (Amber Mendez), Richard Dawson (Damon Killian), Yaphet Kotto (William Laughlin), Marvin J. Mcintyre (Harold Weiss), Mick Fleetwood (Mic), Toru Tanaka (Profesor Subcero), Gus Rethwisch (Eddie "Buzzsaw" Bitowsk), Jesse Venture (Capitán Libertad), Jim Brown (Fireball), Erland Van Lidth De Jeude (Dinamo), Dweezil Zappa (Stevie), Kurt Fuller (Tony), Rodger Bumpass (Phil), Sven-Ole Thorsen (Sven)

CINEMATOGRAFÍA

Thomas Del Ruth

BANDA SONORA

Harold Faltermeyer

DISTRIBUIDA POR:

TriStar Pictures

DURACIÓN
101 minutos

DAMON KILLIAN: “Tiene la oportunidad de ganar muchos premios. Sabe que todavía tenemos dos grandes cazadores. ¿Verdad? Dynamo y Fireball. ¿Quién será el próximo asesino?”

ANCIANA AGNES: “Pues, es muy difícil.”

DAMON KILLIAN: “Vamos, inténtelo Agnes. ¿Quién será?”

ANCIANA AGNES: “Está bien. Creo que el próximo asesinato lo va a cometer Ben Richards.”

DAMON KILLIAN: “Tranquilos.Agnes, Richards es un corredor. Tiene que elegir a un cazador.”

ANCIANA AGNES: “Puedo escoger a quien quiera, y escojo a Ben Richards. Ese hijo de puta está hecho un cabrón.”

DAMON KILLIAN: “Esto es televisión, solo eso. Aquí funcionamos por índices de audiencia. Durante cincuenta años les hemos dicho que tienen que comer, que beber y que ponerse. Por el amor de Dios, Ben, ¿no lo comprendes? A los americanos les encanta la televisión, destetan a los niños con ella. Escucha, les encantan los concursos, adoran la lucha, los deportes y la violencia. ¿Y qué es lo que hacemos? Les damos lo que ellos quieren. Somos el número uno, eso es lo único que cuenta. Créeme yo llevo en esto treinta años.”

BEN RICHARDS: “Los mismos que llevo yo fuera del mundo del espectáculo. Pero aprendo rápido. Voy a dar al público lo que creo que quiere.”

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela “El Fugitivo” de 1982, escrita por Stephen King aunque publicada bajo el seudónimo de Richard Bachman. La trama tiene lugar en una distopía de los Estados Unidos entre los años 2017 y 2019, abordando un programa de televisión en el que criminales condenados deben escapar de manos de asesinos profesionales. Rob Cohen se encargó de comprar los derechos de la novela, sin saber entonces que Bachman era en realidad un seudónimo de Stephen King. Tras esto, y antes de que el director definitivo fuera Paul Michael Glaser, Cohen llegó a contratar hasta cuatro directores distintos en su intento de llevar a cabo la película.

El primero fue George P. Cosmatos, ya que había impresionado a Cohen con su trabajo en “Rambo: Acorralado” (1985).

Sin embargo, Cosmatos declaró que deseaba que la acción de la película tuviera lugar en un centro comercial, por lo que Cohen lo despidió al pensar que dicha decisión de dirección era inaceptable. Tras esto, Cohen le ofreció el proyecto al director alemán Carl Schenkel, debido a su trabajo en la película “Vacío” (1984). Sin embargo, Schenkel rechazó el proyecto al considerarlo de demasiada envergadura y no sentirse cómodo con ello. Cohen procedió entonces a contratar a Ferdinand Fairfax, por su trabajo en “Los Piratas de las Islas Salvajes” (1983). Desafortunadamente, Fairfax imitó a Cosmatos en su intento de llevar el guion en otra dirección contraria al gusto de Cohen, por lo que también fue despedido. El cuatro director en ser contratado fue Andrew Davis por su trabajo en “Código de Silencio” (1985). Davis llegó a iniciar el proyecto comenzando el proceso de producción. En tan solo ocho días de producción ya llevaba cuatro días de retraso y había gastado ocho millones de dólares por encima del presupuesto.

Dichos problemas provocaron que Cohen le despidiera y contratara al director definitivo, “Paul Michael Glaser”, con quien había trabajado en la primera temporada de “Corrupción en Miami” (1984).

Arnold Schwarzenegger consideraba a Paul Michael Glaser una pésima elección para la dirección del film, precisamente por su historial televisivo y el carecer de experiencia alguna como director. Pensaba que Glaser rodaba la película como si fuera una serie de televisión, perdiendo todos los temas importantes del guion. Sospechaba que al haber sido contratado en el último minuto, Glaser no había tenido tiempo de investigar el futuro que debía mostrar en la película, algo que Schwarzenegger había visto hacer a James Cameron en “Terminator” (1984) de forma meticulosa. Sin embargo, Schwarzenegger no puso toda la culpa en Glaser, consciente de que en el mundo televisivo las cosas se hacían de forma diferente. La directora de casting Jackie Burch, hermana del productor Rob Cohen, fue quien tuvo la idea de otorgar el papel de Damon Killian a Richard Dawson, ya famoso por presentar concursos famosos en la vida real.

Muchas personas que habían trabajado con él en el concurso “Family Feud” (1976), mencionaron que Dawson era muy parecido al personaje de Damon Killian en su trato con sus empleados. Otra curiosidad es que el traje que llevan los corredores contiene un log de “Adidas” en la cadera. Las escenas de los helicópteros atacando fueron extraídas de la película “King Kong” (1976).

El final de la novela es mucho más oscuro que en la película. Richards captura a una mujer llamada Amelia Williams y logra llegar hasta el aeropuerto de Derry. Allí secuestra un avión tomando a un rehén. Al igual que en la película, Richards recibe la oferta de convertirse en jefe de los cazadores del programa a manos del propio Killian. Sin embargo, Richards acepta la oferta en la novela. Más adelante, recibe la noticia de que tanto su esposa como su hija habían sido asesinadas antes de que participara en el concurso de “El Corredor”. Estas noticias provocan que se replantee la oferta. Al sentir que ya no tiene nada que perder, Richards se enfrenta a la tripulación del avión recibiendo una herida mortal en el proceso.

Tras liberar a Williams con un paracaídas, Richards decide estrellar el avión contra el edificio del concurso en Nueva York, matando a Killian y todos los que se encuentran dentro. La trama acerca de cómo personas se ven obligadas a luchar a muerte en una especie de concurso sería utilizada de nuevo en la trilogía de “Los Juegos del Hambre” veinticinco años más tarde. También una trama parecida en la película japonesa “Battle Royale” (2000).

NOTA PERSONAL

Soy un gran fan de “Los Juegos del Hambre”, sin embargo siempre me he encontrado con sorpresas de otros fans, cuando he mantenido que la idea no era tan original como podían pensar. “Perseguido” es la prueba evidente de ello. Ambas historias tienen lugar en un futuro, 2017 era el futuro en 1987, dictatorial y su trama gira en torno a concursos en los que los participantes deben luchar a muerte. Evidentemente existen diferencias, pero la premisa me ha parecido la misma. En el caso de ésta película que nos ocupa hoy, hay que elogiar lo avanzada que era para su época, al igual que la novela en la que se basaba.

Bien parece un ejercicio de premonición sobre como las masas acabaran dominadas por los medios de comunicación. A día de hoy, sin a los extremos de la trama del film, bien se puede decir que hay cierto realismo en dicha predicción. Mayormente, creo que la película realiza una enorme crítica hacia el espectador, y como éste puede ser manipulado apelando a sus instintos más básicos.

Al margen de esta crítica a través de la trama, la película funciona como una historia de acción muy entretenida. Los diseños de los cazadores, al más estilo de gladiadores, me parecieron formidables. Sin embargo, debo admitir que el personaje de Damon Killian, magistralmente interpretado por Richard Dawson, se lleva la palma logrando eclipsar al mismísimo Schwarzenegger. Me parece uno de los mejores villanos de la ciencia ficción, pues es muy identificable con personajes actuales. La verdad es que “Perseguido” figura entre mis películas favoritas, por combinar acción y crítica social de una forma simple y sin pretensiones.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 2017, tras un colapso económico a nivel mundial, la sociedad americana se ha convertido en un estado policial totalitario, censurando toda actividad cultural. El gobierno de los Estados Unidos apacigua a las masas al emitir concursos televisivos, donde los criminales condenados luchan por sus vidas. Uno de esos concursos es “El Corredor”, al estilo de los juegos de gladiadores. En programa es presentado por el despiadado Damon Killian, y los criminales son denominados corredores que deben escapar de los cazadores, mercenarios armados. La lucha tiene lugar en una amplia arena, una sección de la ciudad, y en caso de que el corredor escape de una muerte segura, recibirá un perdón oficial del estado.

Dos años más tarde, Ben Richards trabaja como policía y piloto de helicóptero, siendo enviado a controlar una huelga por el derecho a los alimentos en California. Richards recibe la orden de masacrar a los civiles de la huelga, pero se niega a llevarla a cabo.

Tras ser retenido, la masacre de los civiles tiene lugar y el inocente Richards es culpado de la misma y condenado a un campo de trabajos forzosos. Tras lograr escapar, Richards busca refugio en el apartamento de su hermano, pero lo encuentra ocupado por una mujer llamada Amber Mendez, que trabaja como compositora para la cadena ICS que emite “El Corredor”. Ben interroga a Amber sobre el paradero de su hermano, y ella le explica que ha sido llevado a ser “reeducado”. Ben decide llevarse a Amber como rehén, usando sus tarjetas para viajar a Hawái, convertido ya en un estado separado. Sin embargo, Amber logra alertar a las autoridades en el aeropuerto, provocando que Richards sea capturado.

El presentador de “El Corredor”, Killian, se ha interesado mucho porque Ben Richards participe en su concurso, y logra que sea enviado al edificio de la cadena. Killian intenta convencerle para que participe en el concurso, amenazándole con hacer que William Laughlin y Harold Weiss, miembros de la resistencia que Richards había conocido, participen en su lugar al haber sido capturados.

Muy a su pesar, Ben decide participar en el concurso. Llegada la noche del concurso, Killian presenta a Ben como concursante voluntario, pero también revela que Laughlin y Weiss van a participar junto a él a pesar de todo. Mientras tanto, Amber presencia en las noticias que la historia de cómo Richards fue capturado en el aeropuerto es falsa, y comienza a sospechar de la veracidad de los medios de comunicación. Infiltrándose en secciones prohibidas de la ICS, Amber descubre la verdad acerca de la masacre por la que Richards fue culpado. Sin embargo, no tarda en ser capturada.

Los juegos de “El Corredor” comienzan. Richards, Laughlin y Weiss son atacados por el primer cazador, Subzero. Sin embargo, los tres cooperan contra el cazador y Richards logra acabar con su vida. Esto supone la primera vez que un cazador muere en el concurso. Tras este suceso, Killian decide enviar también a Amber a la arena del concurso, donde logra encontrar a Richards y sus compañeros.

Los corredores deciden separarse en parejas, cada una de las cuales se enfrenta a un cazador diferente. El cazador Buzzsaw hiere mortalmente a Laughlin, pero también acaba por morir a manos de Richards. Weiss y Amber localizan un enlace del satélite con la cadena y descubren sus códigos de acceso. Sin embargo, el cazador Dynamo les descubre y acaba con Weiss electrocutándole. Los gritos de Amber consiguen que Richards llegue al lugar. Richards y Amber escapan y Dynamo les persigue en su coche. El coche termina por volcar dejando a Dynamo atrapado en su interior. Richards se niega a matar a un oponente indefenso ante todos los espectadores del programa.

Richards y Amber localizan a Laughlin, quien antes de morir les revela que la resistencia tiene una base oculta en la zona de la arena. Mientras tanto en la ICS, Killian es testigo de cómo la popularidad de Richards ha estado creciendo durante el programa, ya que los espectadores ya han comenzado a apostar por su éxito en lugar de por los cazadores.

Killian contacta con Richards fuera de cámaras y le ofrece un trabajo como cazador, pero se encuentra con una tajante negativa. Killian decide enviar al siguiente cazador, Fireball, tras Richards y Amber. Fireball les persigue a través de una fábrica abandonada. Allí, Amber descubre los cadáveres de tres participantes de “El Corredor” que supuestamente habían logrado ganar el concurso y escapar, haciéndose con su libertad. De esta forma, descubren que sus victorias fueron un montaje para que la gente pensara que existía alguna oportunidad de ganar. Fireball localiza a Amber, pero Richards la rescata y acaba con el cazador.

Sin más opciones, un enfurecido Killian recluta a un cazador retirado, el Capitán Victoria, pero éste se niega a participar. Debido a esto, la cadena crea dobles digitales del Capitán Victoria, Richards y Amber, y los utiliza para falsificar la muerte de los dos corredores. En la zona de los juegos, Richards y Amber son capturados por miembros de la resistencia y llevados a su base secreta.

Allí descubren que sus muertes han sido falseadas y utilizan los códigos para que los rebeldes accedan a la sala de control de la ICS. De esta forma, logran emitir metraje que prueba la inocencia de Richards y que también revela lo que realmente ocurrió con los supuestos ganadores del concurso. Tras esto, Richards logra llegar al estudio, sorprendiendo a los espectadores que ya le habían visto perecer durante la emisión. Mientras tanto, Amber vuelve a enfrentarse a Dynamo logrando acabar con su vida. Killian es abandonado por sus admiradores al haber perdido toda credibilidad, y le implora a Richards que entienda como es el mundo de la televisión. Richards decide darle a la audiencia lo que quiere y acaba con la vida de Killian, enviándole en una capsula sin control a la zona de juego, donde se estrella. Mientras los espectadores celebran la muerte de Killian, Richards y Amber se besan y abandonan el estudio.

ESCENA

Me encanta la primera confrontación de Richards y Amber contra Dynamo, y la reacción de la audiencia al no obtener lo que quiere.

FECHA DE ESTRENO

21 de Junio de 1991

TITULO ORIGINAL

The Rocketeer

DIRECTOR

Joe Johnston

PRODUCTORES

Charles Gordon, Lawrence Gordon, Lloyd Levin

GUION
Danny Bilson, Paul De Meo

Basado en el personaje creado por Dave Stevens

REPARTO

Billy Campbell (Cliff Secord / Rocketeer), Jennifer Connelly (Jenny Blake), Alan Arkin (A. “Peevy” Peabody), Timothy Dalton (Neville Sinclair), Terry O’Quinn (Howard Hughes), Ed Lauter (Fitch), James Handy (Wooly Wolinski), Paul Sorvino (Eddie Valentine), Jon Polito (Otis Bigelow), William Sanderson (Skeets), Margo Martindale (Millie), John Lavachielli (Rusty), Clint Howard (Mark), Rick Overton (Patrón del South Seas), Max Grodénchik (Wilmer), Tiny Ron Taylor (Lothar)

CINEMATOGRAFÍA

Hiro Narita

BANDA SONORA

James Horner

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Pictures

DURACIÓN
108 minutos

CLIFF SECORD: “Jenny, prepárate para una sorpresa. Yo soy Rocketeer.”

JENNY BLAKE: “¿Rocke qué?”

CLIFF SECORD: “¡Venga mujer! ¿No has leído los periódicos?

JENNY BLAKE: “No, he estado muy ocupada.”

HOWARD HUGHES: “Tengo que saberlo. ¿Qué se siente al tener un cohete a la espalda y volar a esa velocidad?”

CLIFF SECORD: “Es lo más cerca que llegaré a estar del cielo, Señor Hughes. Bueno, puede que no.”

CURIOSIDADES

El personaje de cómic Rocketeer fue creado por el guionista y dibujante Dave Stevens en 1982. Stevens consideró de forma inmediata que el personaje sería el protagonista ideal para una adaptación cinematográfica. Steve Miner compró los derechos del personaje para una película en 1983 de manos del propio Stevens.

Sin embargo, se desvió demasiado del concepto original del personaje, por lo que Stevens volvió a recuperar los derechos cinematográficos de Rocketeer. En 1985, Stevens entregó los derechos a los guionistas Danny Bilson y Paul De Meo, debido a que le gustaban sus ideas para convertir a Rocketeer en un tributo a los seriales de la década de 1930, con el dialogo y la atmosfera adecuada. Otros candidatos previos a los derechos habían tratado al personaje de forma contemporánea, algo que Dave Stevens no apreciaba.

Stevens, Bilson y De Meo se plantearon que la película fuera de bajo presupuesto, se rodada en blanco y negro, y fuera financiada por inversores independientes. Su plan era que la película fuera todo un homenaje a los seriales cinematográficos de “Commando Cody”, haciendo uso de actores mayoritariamente asociados con dicho personaje. Sin embargo, ese mismo año los tres abordaron a William Dear para que dirigiera y colaborara en la creación del guion, abandonando la idea de un film de bajo presupuesto.

El trió conservó la trama principal del cómic intacta, pero la expandieron para incluir el marco de Hollywood y una batalla final contra un Zepelín Nazi. También modificaron al personaje de la novia de Cliff para evitar comparaciones con el personaje de Bettie Page, en el cual Steven se había inspirado. De esta forma, cambiaron el nombre de Betty por el de Jenny, y su profesión como modelo de desnudos por el de actriz extra de Hollywood. Este cambio también permitió que la película fuera más indicada para un público más joven. Fue William Dear quien decidió transformar el final, que originalmente tenía lugar en un submarino, por el de un Zepelín.

Los cuatro procedieron a presentar el proyecto a varios estudios en el año 1986, pero éste fue rechazado. Con el paso del tiempo, los Estudios Walt Disney decidieron aceptar el proyecto al considerar que tenía el potencial de generar merchandising para numerosos juguetes. De esta forma se planeó producir “Rocketeer” a través del estudio Touchstone Pictures. Stevens, Bilson, De Meo y Dear firmaron un contrato que permitiría la creación de una trilogía de películas “Rocketeer”.

Sin embargo, Jeffrey Katzenberg realizó cambios para que fuera estrenada a través de Walt Disney Pictures. Fue entonces cuando se realizaron cambios en el guion, como el del personaje de Betty, para que la película fuera asequible al público más joven y se pudieran crear juguetes. Inicialmente, el estudio deseaba establecer la trama en el presente, al sentir la preocupación de que una película de época no llamaría la atención de la mayor parte de los espectadores. Sin embargo, Bilson y De Meo argumentaron que el éxito de Indiana Jones probaba que los espectadores apreciarían una aventura establecida en la década de 1930, y el estudio terminó por acceder.

Bilson y De Meo procedieron a entregar un tratamiento de siete páginas, pero el estudio procedió a reescribir el guion una y otra vez. Durante cinco años, el estudio despidió y volvió a contratar a Bilson y De Meo un total de tres veces. Ambos definieron como frustrantes las constantes interferencias del estudio sobre el guion.

Una de las revisiones más importante durante esos fue la de hacer que la relación entre Cliff y Jenny fuera más creíble, evitando clichés que convirtieran a la joven en la típica damisela en apuros. Los numerosos retrasos del proyecto obligaron a Dear a abandonar la dirección de la película. Joe Johnston, fan del cómic, ofreció sus servicios de forma inmediata para dirigir la película, al descubrir que Disney poseía los derechos cinematográficos. Johnston fue contratado de forma inmediata y la producción comenzó a principios de 1990. Tras la tercera y más grande revisión del guion a manos de Bilson y De Meo, Disney dio luz verde al proyecto.

El personaje del villano Neville Sinclair se inspiró en la estrella cinematográfica Errol Flynn, más específicamente en la imagen popularizada del actor procedente de la biografía escrita por Charles Higham sin autorización. En la dicha biografía, Charles Higham había asegurado que el famoso actor era, entre otras cosas, un espía Nazi.

El personaje de Neville Sinclair en la película es una estrella de cine conocida por su trabajo en papeles de espadachín, y un espía Nazi. Debido a que la biografía de Higham sobre Errol Flynn no había sido refutada hasta finales de la década de 1980, la imagen de Flynn como posible Nazi había permanecido en el proceso de escribir y revisar el guion. La que sí fue una caracterización real fue la del personaje real de Howard Hughes. Con un presupuesto de cuarenta millones de dólares, la película recaudó un total de cuarenta y seis. Con un beneficio tan escaso, la película fue una decepción en taquilla. Fuera de los Estados Unidos y Canadá, la película fue estrenada a través Touchstone Pictures, en lugar de Walt Disney Pictures, para intentar atraer al espectador adolescente que no había logrado atraer en Estados Unidos. Otro problema fue la asunción por parte de la gente que la tildó de película para niños. Debido a esto, se cambió el poster promocional de estilo Art Deco, por otro que mostraba al reparto incluyendo al entonces popular Timothy Dalton, que en aquel entonces interpretaba a Timothy Dalton.

Sin embargo, la película tampoco logró funcionar en el Reino Unido.

NOTA PERSONAL

No pude ver esta película hasta que salió en alquiler, así que me perdí el estreno cinematográfico. La verdad es que me parece una buena obra de época, precedente a la que sería una imparable fiebre sobre el mundo de los superhéroes, aunque el Batman de Burton ya se hubiera estrenado dos años antes. La verdad es que nunca he leído ningún cómic de Rocketeer, con lo cual no puedo apreciar los cambios para hacer el film más asequible a los más jóvenes. Sin embargo, la película me pareció entretenida y dotada de buenos efectos considerando las limitaciones de presupuesto, y las de hacer que hombre volador fuera creíble en aquel entonces. Billy Campbell reúne las cualidades necesarias para ser un buen héroe apuesto; pero la verdad es que me quedo con la siempre genial Jennifer Connelly y el villano interpretado de forma excelente por Timothy Dalton.

La película no tiene mayor pretensión que la de ofrecer una aventura entretenida, aunque reconozco que con más medios podría haber sido mucho más espectacular. Considerando todos los problemas de producción a los que la película se enfrentó, me parece que el resultado es bastante bueno. Personalmente, sigo disfrutando cada vez que la veo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 1938 de Los Ángeles, dos gánsters de la banda de Eddie Valentine han robado una mochila cohete de manos de Howard Hughes. Mientras escapan, acaban por atravesar una pista aérea en la que ocultan la mochila cohete. Los criminales son perseguidos por los federales en un tiroteo, el cual provoca un accidente de los gánsters contra un avión que está siendo puesto a prueba. Un gánster fallece en el accidente, mientras que el otro es capturado por los federales. El piloto del avión, Cliff Secord, consigue salvarse pero su avión queda destruido. Cliff y su amigo y mecanico Peevy planeaban usar el avión para ganar un campeonato, por lo que quedan arruinados y deben limitarse a realizar exhibiciones aéreas.

El ejército contacta con Howard Hughes para indagar sobre la posibilidad de crear otra mochila cohete, denominada X-3, la cual creen que ha quedado destruida. Hughes comunica que no es posible ya que solo existía el prototipo, y crearla de manera efectiva ya había provocado la muerte de dos trabajadores al intentar probarla.

Eddie Valentine contacta con el actor Neville Sinclair, quien había contratado a los gánsters para robar la mochila cohete. Sinclair se muestra enfurecido porque no han logrado hacerse con la mochila cohete; y Valentine accede a intentar recuperarlo a cambio de que le pague el triple de lo acordado. Neville también contacta con su monstruoso secuaz Lothar, para que acuda al hospital a interrogar a gánster herido en la persecución. Lothar descubre que la mochila cohete esta oculta en el hangar de Peevy y Cliff, y tras descubrir esto acaba con la vida del gánster. Mientras tanto, Cliff y Peevy encuentran la mochila cohete y la ponen a prueba con una estatua, percatándose de que dota a quien la lleve puesta de la capacidad de volar, sin resultar herido.

Después de la prueba, Cliff acude a recoger a su novia Jenny Blake, una muchacha que aspira a ser actriz, y es una gran admiradora de Neville Sinclair. Sin embargo, Jenny se enfada al descubrir que Cliff ha tenido un accidente en el aeródromo, y darse cuenta de que todos lo sabían menos ella.

Al día siguiente, Cliff visita a Jenny en el estudio donde trabaja como extra en una película de Sinclair. Allí se disculpa y le cuenta el descubrimiento de la mochila cohete. Neville Sinclair escucha accidentalmente la conversación, por lo que decide invitar a Jenny a cenar ofreciéndole un papel más importante en la película. El incidente provoca que Cliff llegue tarde a una exhibición aérea, por lo que un piloto retirado llamado Malcolm decide ocupar su lugar para que no pierda en trabajo. El avión de Malcolm comienza a fallar, por lo que Cliff decide utilizar la mochila cohete junto a un casco diseñado por Peevy. Tras rescatar a Malcolm, Cliff se convierte en una sensación mediática como el anónimo héroe Rocketeer. Entre los espectadores se encuentran Valentine y sus hombres.

Sinclair también lee las noticias sobre el rescate y se enfurece; y Howard Hugues reconoce inmediatamente el X-3.

Por la noche, el Señor Bigelow, jefe de Cliff y Peevy, es asesinado por Lothar después de proporcionar la dirección de Peevy. Lothar ataca a Peevy en su casa y Cliff llega para ayudarle. El FBI encuentra el cuerpo de Bigelow y los agentes acuden a casa de Peevy. Allí comienza un tiroteo del cual Lothar logra escapar con unos planos esquemáticos del X-3 creados por Peevy. Cliff y Peevy también logran escapar con el X-3. Mientras tanto, Jenny acude a cenar con Neville Sinclair. Cliff y Peevy deciden llamar al FBI desde el café local de unos amigos, pero pronto se ven rodeados por gánsters de Valentine. Dispuestos a torturar a Peevy para descubrir el paradero de Cliff, se detienen al ver el nombre del joven junto al de Jenny en la pared, junto al número de teléfono de la joven. Al llamar, descubren que Jenny se encuentra cenando con Sinclair. Un gánster parte al local, mientras Cliff y el resto logran derrotar a los gánsters.

Cliff decide partir para salvar a Jenny usando la mochila cohete, pero una bala ha perforado el cohete creando una fuga, y Peevy lo tapa con un simple chicle. Cliff llega al club y le confiesa a Jenny que es Rocketeer, pidiéndole que abandone el lugar. Los gánsters y Lothar también llegan al lugar, donde se enfrentan a Rocketeer que logra escapar. Sin embargo, Jenny es capturada por Sinclair. En su mansión, Jenny escapa brevemente y encuentra una sala secreta en la que descubre que Sinclair es un Nazi. Mientras tanto, Cliff esconde el X-3 y acude al bar, donde es arrestado por el FBI. Los agentes le llevan ante Howard Hugues, quien está acompañado por Peevy. Hugues revela que los Nazis desean el X-3 como parte de un plan para invadir toda Europa y los Estados Unidos. Cliff se percata de que Sinclair es el contacto Nazi, pero no es tomado en serio. Necesitando rescatar a Jenny, se niega a entregar el X-3 y logra escapar.

Cliff acude al encuentro de Sinclair, donde le revela a Valentine que ha estado trabajando para un agente Nazi. En contra de los Nazis, Valentine y sus gánsters se vuelven contra Sinclair.

Sin embargo, éste convoca a varios soldados Nazis ocultos, y todos contemplan la llegada del Zepelín Luxemburgo, con la misión de llevarse a Sinclair. Los agentes del FBI llegan en ese momento, enfrentándose a los Nazis con la ayuda de los gánsters de Valentine. Sinclair logra subir a bordo del Zepelín llevándose a Jenny como rehén. Cliff se hace con un revólver y vuela tras el Zepelín. Llegando a lo alto del Zepelín, Cliff se enfrenta a Lothar al que arroja a su muerte. Cliff se enfrenta a Sinclair y le entrega el X-3, retirando primero el chicle que cubría la fuga de combustible. Ambos se enfrentan en una pelea, hasta que Sinclair logra ponerse el X-3. Sin embargo, al partir volando el cohete explota acabando con la vida de Sinclair. El Zepelín comienza a explotar, pero Peevy y Howard rescatan a Cliff y Jenny con un Autogiro y una escala. Lothar, que había sobrevivido, fallece en la explosión.

Al día siguiente, Howard Hugues visita a Cliff, al que le regala un nuevo avión. Jenny también tiene un regalo para Peevy, devolviéndole los diseños del X-3, que había recuperado en la casa de Sinclair. Reconciliados, Cliff y Jenny se besan mientras Peevy decide que es capaz de construir una versión mejor del X-3.

ESCENA

Rocketeer en su primera aparición para rescatar a Malcolm.

FECHA DE ESTRENO

27 de Junio de 1987

TITULO ORIGINAL

The Living Daylights

DIRECTOR

John Glen

PRODUCTORES

Albert R. Broccoli, Michael G. Wilson

GUION
Richard Maibaum, Michael G. Wilson

REPARTO

Timothy Dalton (James Bond), Maryan d’Abo (Kara Milovy), Joe Don Baker (Brad Whitaker), John Rhys-Davies (General Leonid Pushkin), Art Malik (Kamran Shah), Jeroen Krabbé (General Georgi Koskov), Andreas Wisniewski (Necros), Thomas Wheatley (Saunders), Robert Brown (M), Desmond Llewelyn (Q), Geoffrey Keen (Frederick Gray), Caroline Bliss (Señorita Moneypenny), John Terry (Felix Leiter), Walter Gotell (General Gogol), Virginia Hey (Rubavitch), Julie T. Wallace (Rosika Miklos),

CINEMATOGRAFÍA

Alec Mills

BANDA SONORA

John Barry

DISTRIBUIDA POR:

United International Pictures

DURACIÓN
131 minutos

PRECEDIDA POR:

Panorama Para Matar

SUCEDIDA POR:

Licencia Para Matar

SAUNDERS: “No pienso dejar que esto quede así 007. Informaré a M que falló deliberadamente. Sus órdenes eran matar a aquel tirador.”

JAMES BOND: “Al diablo las órdenes. Yo solo mato a profesionales. Aquella chica no sabía ni sostener el arma. Adelante, cuéntele lo que quiera. Si me despide se lo agradeceré.”

KAMRAN SHAH: “Espera, no son rusos.”

JAMES BOND: “¿Qué hacen?”

KAMRAN SHAH: “Ya saben que no son rusos, ahora no os mataran.”

KARA MILOVY: “¿Ahora no? ¿Y luego?”

JAMES BOND: “Tranquila, te dejarán para el harén.”

CURIOSIDADES

Se trata de la décimo quinta película en la franquicia del Agente 007. Inicialmente, se propuso que la película fuera una precuela a las anteriores películas, idea que resurgiría con el relanzamiento de la franquicia en el año 2006.

En otoño de 1985, tras la decepción de taquilla y crítica provocada por “Panorama Para Matar”, se comenzó a trabajar en varios guiones para el siguiente film. La idea era que Roger Moore ya no interpretaría a James Bond. En parte se debía a que ya tendría cincuenta y nueve años, y por otro lado a que el actor ya no tenía deseo de seguir en el papel tras doce años y siete películas. Se inició una cuidadosa búsqueda para escoger un nuevo actor para que interpretara a James Bond. Entre los numerosos actores que se presentaron a las pruebas de 1986, se encontraban Sam Neill de Nueva Zelanda, el irlandés Pierce Brosnan y el galés Timothy Dalton. El coproductor Michael G. Wilson, el director John Glen, Dana y Barbara Broccoli quedaron muy impresionados por la prueba de Sam Neill, y mostraron interés en utilizarle. Sin embargo, el productor Albert Broccoli no estaba convencido en absoluto. Tras tres días de pruebas de cámaras, los productores decidieron ofrecerle el papel a Pierce Brosnan. En aquel entonces, el actor tenía un contrato para la serie de televisión “Remington Steele” (1982-1987).

Sin embargo, la serie había sido cancelada por la cadena NBC debido a un descenso de audiencia. Cuando se anunció que Brosnan interpretaría a James Bond se desencadenó un nuevo interés en la serie, lo que provocó que la NBC extendiera el contrato de Brosnan un total de sesenta días para crear una nueva temporada. Esta acción por parte de la NBC provocó repercusiones drásticas, y un enojado Albert Broccoli retirara la oferta a Brosnan, asegurando que no deseaba que el personaje de James Bond se viera asociado con una serie de televisión contemporánea. Esto también provocó una decaída en el interés en “Remington Steele”, y solo cinco episodios de la temporada adicional fueron rodados antes de que la serie fuera cancelada. Broccoli se limitó a declarar que “Remington Steele no sería James Bond”.

Dana Broccoli procedió a sugerir a Timothy Dalton para el papel. Sin embargo, Albert Broccoli tenía serias dudas, debido que Dalton había declarado públicamente tener poco interés en el papel. Al final y debido a la insistencia de su esposa, accedió a reunirse con el actor.

Sin embargo, Dalton se disponía a rodar la película “Brenda Starr” (1989), por lo que no iba a estar disponible. Una vez hubo finalizado el rodaje de “Brenda Starr”, el papel de Bond le fue ofrecido de nuevo a Dalton, y el actor pudo aceptarlo. Durante un tiempo, los productores contaron de forma no oficial con Dalton, ya que todavía no había firmado contrato alguno. Un director de casting persuadió al actor británico Robert Bathurst para que se presentara candidato para el papel de Bond. Bathurst declaró que su absurda prueba solo había sido un ejercicio de coacción, pues los productores deseaban convencer a Dalton para que aceptara el papel dándole a entender que seguían realizando pruebas de selección. La actriz inglesa Maryam d’Abo, quien había trabajado como modelo, recibió el papel de la chelista checoslovaca Kara Milovy. En el año 1984, d’Abo ya se había presentado a las pruebas para el papel de Pola Ivanova en “Panorama Para Matar”. Debido a esto, fue la propia Barbara Broccoli quien decidió incluir a d’Abo en las pruebas para el papel de Kara Milovy, y la actriz logró hacerse con el papel en esa ocasión.

Inicialmente, el general de la KGB al que Koskov iba a traicionar era el General Gogol. Sin embargo, el actor Walter Gotell estaba demasiado enfermo para poder abordar un papel protagonista, y el personaje de Leonid Pushkin sustituyó al de Gogol. Sin embargo, el personaje del General Gogol tuvo una breve aparición al final de la película, habiendo sido transferido al servicio diplomático soviético. De hecho, esta fue la última aparición del personaje del General Gogol en la franquicia. La canción “The Living Daylights” de la película fue interpretada por el grupo noruego A-Ha, muy famoso en la década de 1980. Al vocalista Morten Harket se le ofreció un pequeño papel como uno de los secuaces del villano del film. Sin embargo, el actor rechazó el papel debido a falta de tiempo y a que el deseo de darle el papel se debía más a su popularidad de aquel entonces, que a su capacidad de actuar.

NOTA PERSONAL

Debo comenzar admitiendo que de todos los actores que interpretaron a James Bond, Timothy Dalton siempre ha sido el que menos me ha convencido. Al mismo tiempo, es justo admitir que tuvo un difícil papel reemplazando al genial Roger Moore. Con esto no quiero decir que la película sea mala, sino que no está a la altura de muchas de sus predecesoras. Uno de los fallos más grandes radica en el antagonista, que en ocasiones se me antoja hasta ridículo. El plan a desbaratar tampoco resulta tan amenazante como en otras historias anteriores. Sin embargo, hay otros aspectos que sí funcionan en concordancia con anteriores films. Las clásicas escenas de persecuciones funcionan bastante bien, y me alegró volver a ver el clásico coche “Ashton Martin V8” en una de esas acciones. Al otro extremo, el descenso de montaña a bordo de la funda del chelo también me pareció bastante logrado.

Si bien el personaje antagonista de Koskov no me dejó nada impresionado, el del asesino Necros si me pareció bastante efectivo.

A pesar de esto, los villanos siguen pareciéndome el punto flaco de la película con diferencia. Ni siquiera el traficante de armas Whitaker está a la altura. De hecho, el villano sale de sus aprietos con un mero arresto, mientras que solo tenemos dos grandes duelos de Bond contra Necros y Whitaker respectivamente. El segundo me pareció bastante ridículo, pero la lucha entre Bond y Necros en el avión me pareció de las pocas cosas efectivas en ese sentido. Es curioso que la crítica elogiara ese lado oscuro del personaje de James Bond a manos de Dalton, cuando fue tan dura con “Panorama Para Matar”, que a mí me pareció bastante más efectiva. Sin embargo, como toda película de James Bond, la trama y la acción no caen nunca en el aburrimiento, y logran mantenerte enganchado y atento. Sin embargo, ésta dista de ser una de mis películas favoritas en la franquicia.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Los Agentes 002, 004 y 007 son enviados a Gibraltar en una misión de entrenamiento para infiltrarse en una estación de radar. Un falso agente asesina a 004 y es perseguido por James Bond, que le hace caer en su camión por un acantilado acabando con su vida. Poco después, Bond es enviado a Bratislava, Checoslovaquia, para ayudar a escapar al General Georgi Koskov que ha decidido desertar de la KGB. Durante la misión, Bond descubre a un tirador de la KGB que resulta ser una mujer chelista. En lugar de matarla, decide desarmarla de un disparo desobedeciendo órdenes. Tras esto, Bond decide enviar a Koskov en una capsula a través del oleoducto transiberiano hasta Austria. De esta forma, el ex agente de la KGB logra abandonar Checoslovaquia y es enviado al Reino Unido en un jet.

En una reunión posterior del MI6, Koskov informa que el General Leonid Pushkin, líder de la KGB, ha reactivado el programa Smiert Spionam, diseñado para dar muerte a espías extranjeros, para que las distintas agencias se eliminen las unas a las otras.

Pushkin partirá para Tánger a una Convención de Comercio Norteafricano como tapadera. Sin embargo, un asesino llamado Necros se infiltra en la base del MI6 logrando capturar a Koskov y llevándolo de regreso a Moscú. Bond también está en la lista de Pushkin, razón por el que el asesino de 004 le atacó, por lo que el agente logra convencer a M para que le envíe a Tánger en busca de Pushkin. Allí, Bond debe matar a Pushkin para evitar que el asesinato de más agentes provoque tensiones entre la Unión Soviética y el Oeste. La Señorita Moneypenny identifica a la chelista como Kara Milovy y se lo comunica a Bond.

Antes llevar a cabo su misión, Bond regresa Bratislava tras la pista de Kara, que es retenida por un grupo de la KGB que se la lleva en coche. Bond examina el rifle dentro del estuche del chelo, y descubre que las balas estaban vacías. Bond se reúne con Kara una vez es liberada y descubre que es la amante de Koskov, que fingió su propia defección. Bond finge ser amigo de Koskov y la convence para que le acompañe hasta Viena, en teoría para reencontrarse con Koskov.

Bond y Kara escapan de Bratislava perseguidos por la KGB, logrando atravesar la frontera de Austria gracias a su equipado coche y al chelo verdadero de Kara. Mientras tanto, el General Pushkin se reúne con el traficante de armas Brad Whitaker en Tánger, donde le informa que la KGB va a cancelar una compra de armas prepara previamente por Koskov y Whitaker. El traficante se reúne con Koskov y Necro, quien en realidad trabaja con él, y es notificado de que todo se ha preparado para que Bond considere a Pushkin una amenaza y acaba con él.

En Viena, Bond se reúne con su aliado Saunders del MI6 y le comunica haber descubierto que la defección de Koskov es falsa y de estar fingiendo amistad con él para obtener información de Kara. Saunders se reúne con Bond en el Parque Prater y le comunica haber descubierto varios intercambios de negocios entre Whitaker y Koskov. Sin embargo, Necros acaba con la vida de Saunders inmediatamente después dejando el mensaje “Smiert Spionam” en un globo.

Bond y Kara parten para Tánger, donde el primero localiza a Pushkin a quien espera en su habitación. Sin embargo, Pushkin niega haber dado las órdenes parara reactivar el programa “Smiert Spionam”, revelando también que Koskov es buscado por malversación de fondos del estado. Al percatarse de que ambos han sido engañados, Bond y Pushkin deciden aliarse. Para descubrir los planes de Koskov, Bond finge asesinar a Pushkin con su ayuda. Tras esto, Bond es llevado por dos mujeres ante Felix Leiter, agente de la CIA, al que informa de todo lo ocurrido.

Mientras tanto, Kara contacta con Koskov, quien le explica que Bond es un agente de la KGB y le convence de que le drogue para que pueda ser capturado. Koskov, Necros, Kara y Bond prisionero vuelan a una base aérea soviética en Afganistán. Kara se percata de que Bond no es el enemigo, y que impidió que ella disparara en Bratislava. Ambos descubren que en el avión llevan varios diamantes de contrabando.

Una vez allí, Koskov traiciona a Kara acusándola de desertora y la aprisiona junto a Bond. Ambos logran escapar y en el proceso liberan también a Kamran Shah, líder de la Muyahidín local, resistencia Afgana. Bond y Kara son acogidos por los Muyahidín liderados por Kamran Shah. Al día siguiente, Bond descubre que Koskov está traficando con diamantes y opio para hacerse con beneficios para comprar armas a Whitaker que puedan ser utilizadas contra los británicos y los afganos.

Con ayuda de la Muyahidín, Bond coloca una bomba en el avión que contiene el cargamento de opio, pero es descubierto y queda atrapado dentro. Mientras tanto, los hombres de Kamran Shah atacan la base soviética, y durante la batalla Kara coge un Jeep logrando llegar hasta el avión donde se encuentra James, antes de que despegue. Cuando James se dispone a desactivar la bomba, descubre que Necros también ha logrado subir a bordo del avión. Tras una lucha entre ambos, Bond consigue que Necros caiga a su muerte desde el avión y logra desactivar la bomba a tiempo.

Desde el avión, Bond observa como Shah y sus hombres están siendo perseguidos por soviéticos. Bond vuelve a conectar la bomba y la arroja a un puente, que explota permitiendo que Shah y sus hombres se hagan con la victoria escapando de los rusos. Tras esto, el avión pierde el combustible y Bond y Kara logran escapar a ras de suelo, enganchando varios paracaídas al jeep.

Con ayuda de Felix Leiter, Bond se infiltra en la mansión de Whitaker en Tánger, donde se enfrenta al traficante acabando con su vida a pesar de que Whitaker hace uso de parte de su armamento avanzado. Al mismo tiempo, Pushkin entra en la mansión con sus soldados, poniendo a Koskov bajo arresto y llevándole de regreso a Moscú. Sin embargo, Pushkin deja marchar a Kara como gesto de buena voluntad. Tiempo después, Kara actúa como chelista solo en Londres. Allí es presentada al ahora diplomático General Gogol y recibe la visita de Kamran Shah y sus hombres. De regreso a su camerino, Kara se encuentra con Bond esperándola.

ESCENA

Éste es un tráiler elaborado por el usuario “Claalc”, que resume la película a través de sus mejores escenas.

FECHA DE ESTRENO

12 de Junio de 1999

TITULO ORIGINAL

Tarzan

DIRECTORES

Kevin Lima, Chris Buck

PRODUCTOR

Bonnie Arnold

GUION
Tab Murphy, Bob Tzudiker, Noni White

Basado en la novela de Edgar Rice Burroughs

REPARTO (VOCES)

Tony Goldwyn (Tarzán), Minnie Driver (Jane Porter), Glenn Close (Kala), Lance Henriksen (Kerchak), Brian Blessed (Clayton), Nigel Hawthorne (Profesor Arquímedes Porter), Rosie O’Donnell (Terk), Wayne Knight (Tantor), Erik von Detten (Flynt), Jason Marsden (Mungo), Patti Deutsch (Madre de Tantor), Bob Bergen (Snipes), Alex D. Liz (Joven Tarzán), Taylor Dempsey (Joven Tantor)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Mark Mancina

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Pictures Distribution

DURACIÓN
88 minutos

CLASICO ANTERIOR:

Mulan

CLASICO SIGUIENTE:

Fantasía 2000

KERCHAK: “Escuchadme, hay que evitar a los extraños. No los busquéis ni dejéis que os vean.”

TARZÁN: “No quieren hacernos daño Kerchak.”

KERCHAK: “Eso yo no lo sé, Tarzán.”

TARZÁN: “Pero yo sí, y estuve con ellos.”

KERCHAK: “Tú estarás dispuesto a correr riesgos, pero yo no.”

TARZÁN: “¿Por qué es una amenaza cualquiera que no sea como tú?”

KERCHAK: “Protege a esta familia y aléjate de ellos.”

KALA: “Tarzán, por una vez, haz caso a Kerchak”

TARZÁN: “¿Por qué no me dijiste que había criaturas como yo?”

TARZÁN: “¿Éste soy yo? Y éste mi padre, y mí, mí…”

KALA: “Ahora ya lo sabes. Tarzán, solo quiero que seas feliz, decidas lo que decidas.”

TARZÁN: “Vaya a donde vaya, tú siempre serás mi madre.”

KALA: “Y tú siempre estarás en mi corazón.”

CURIOSIDADES

Se trata del trigésimo séptimo clásico animado de Disney. “Tarzán” de Disney fue la primera versión animada cinematográfica del personaje, aunque sí había existido una serie televisiva de dibujos animados. Thomas Schumacher, Presidente de “Feature Animation”, se mostró sorprendido al descubrir que no hubieran existido intentos previos de crear una película de dibujos animados. Estaba convencido de que mediante la animación, el personaje de Tarzán podría conectar con los animales de una manera mucho más profunda que en películas de acción real.

Tras su trabajo en la película “Goofy e Hijo” (1994), Kevin Lima recibió la oferta de dirigir “Tarzán” de manos del presidente del estudio, Jeffrey Katzenberg. Éste deseaba que la animación tuviera lugar en un estudio de animación televisiva establecida en Canadá, algo que Lima se sentía reacio a ello debido a las complejidades de la animación requerida sobrepasaban a los inexpertos miembros del estudio.

Tras la dimisión de Katzenberg de la Compañía Walt Disney, Michael Eisner volvió a contactar con Lima acerca del film, explicando que sería producido a través de una división de “Feature Animation”. Lima aceptó y procedió a leer la novela original de Burroughs, de donde sacó la inspiración de dos manos en contacto palma contra palma. La imagen se convirtió en un importante símbolo de las relaciones entre los personajes en la película, así como en una metáfora de la búsqueda de Tarzán de su propia identidad. Dicho contacto de las manos mostraba la diferencia entre Tarzán y los gorilas, así como su similitud que compartía con Jane. Tras pasar dos meses estudiando la novela, Lima contactó con su amigo Chris Buck, que acababa de finalizar su trabajo como supervisor de la animación de “Pocahontas”, para que dirigiera junto a él. Inicialmente escéptico acerca del proyecto, Buck aceptó al escuchar las ideas de su amigo en relación al proyecto. Una vez Disney hubo obtenido los derechos cinematográficos de la novela, en abril de 1995, se anunció oficialmente que Lima y Buck dirigirían la película ya en embarcadas en etapas preliminares.

Tab Murphy, que había finalizado su trabajo como guionista en “El Jorobado de Notre Dame”, se sintió atraído por el tema del hombre contra la naturaleza en “Tarzán”. Comenzó a escribir un borrador sobre la historia, sugiriendo que en el tercer acto el personaje partiera hacia Inglaterra como el libro. Sin embargo, los directores consideraban que la idea era incompatible con el tema central de lo que definía a una familia. Para mantener a Tarzán en la selva, se reestructuró el tercer acto para dar peso a un villano y buscar una forma de poner en peligro a los gorilas. Esto se alejó de la novela de Burroughs, y se creó al villano Clayton para que sirviera de guía al Profesor Porter y su hija Jane. El gorila Kerchak también cambio en relación a la novela, siendo quien asesinaba a los padres de Tarzán, para convertirse en el protector obsesivo de la manada.

En enero de 1997, Bob Tzudiker y Noni White fueron contratados para revisar el guion y añadir toques de humor que mantuvieran un equilibrio con el peso emocional del film.

Uno de los retos a los que los guionistas se enfrentaron fue sobre como mostrar a Tarzán aprendiendo la verdad acerca de su pasado. De esta forma decidieron que tras establecer primer contacto con seres humanos, Tarzán sería llevado por Kala al hogar de sus padres en la selva. La idea era que el personaje descubriera que era adoptado. Para explorar ese sentimiento en esa escena, el productor Bonnie Arnold hizo que varios padres adoptivos conversaran con el equipo creativo al mando del guion. Otro tema de la novela era el del racismo, y se optó por no abordarlo en la película mediante la exclusión de todo personaje africano. Evidentemente, se cambió también el final ya que en la novela Jane se casa con un primo de Tarzán, al reconocer que la pasión que había sentido por él era pasajera.

Brendan Fraser se presentó a dos pruebas para otorgar su voz a Tarzán, justo antes de que se hiciera con el papel protagonista en “George de la Jungla”.

Tony Goldwyn se presentó también a las pruebas, haciéndose con el papel por su excelente sentido animal y su increíble capacidad de imitar los sonidos de los babuinos. Phil Collins se encargó de componer e interpretar las canciones de la película, y se optó por que los personajes no interpretaran las canciones al considerar que quedaría ridículo. La película se hizo con el Oscar a la Mejor Canción Original por “You’ll Be in My Heart”.

NOTA PERSONAL

Voy a ser sincero al admitir que era muy escéptico cuando oí que Disney estaba llevando a cabo esta película. Soy un gran fan de la novela original y del personaje, y he devorado numerosas versiones cinematográficas y cómics sobre el personaje. También recordaba con mucho cariño la serie de dibujos animados de 1976. Ninguna de las versiones, ya sean cinematográficas o televisivas han conservado el argumento original de la novela al cien por cien; y tenía claro que la Disney no iba a ser la primera en hacerlo. Sin embargo, me llevé una muy grata sorpresa con la película.

La animación es la de las mejores de los Clásicos Animados, y en especial aprecié los detalles de la selva enmarcada con todo detalle. Tarzán está animado de una forma muy original y también lógica, considerando que se ha criado en pleno estado salvaje entre gorilas. Los animales también están muy logrados, y en el aspecto cómico creo que el elefante Tantor se lleva la palma con diferencia. La trama mantiene emotividad combinada con el buen humor, y la fascinación de Jane por el mundo salvaje está reflejada a la perfección. Clayton es un villano efectivo, si bien debo admitir que no es demasiado original. En cuanto el final feliz, es comprensible que se incluya en este tipo de películas, aunque debo admitir que me hubiera gustado ver a los personajes en Inglaterra. A pesar de esto, en entorno constante de la naturaleza se combina perfectamente con las fantásticas canciones de Phil Collins.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Durante la segunda mitad del siglo XIX, una pareja inglesa y su hijo recién nacido escapan de su barco en llamas. A bordo de un bote consiguen llegar a una inexplorada costa africana, cerca de la jungla. Allí construyen una casa en lo alto de un árbol con materiales de los restos del barco. En esa misma selva reside una de muchas manadas de gorilas. Kala es una hembra que queda devastada al perder a su cría, devorada por una hembra de leopardo llamada Sabor. Tiempo después, Kala escucha unos lloros y llega a la cabaña de los ingleses, la cuan encuentra prácticamente en ruinas. En la cabaña descubre los cadáveres de la pareja inglesa y huellas de Sabor mojadas en sangre, lo que indica que la hembra de leopardo ha matado a la pareja. Sin embargo, el bebé sigue con vida y Kala no tarda en cogerle cariño. Justo en ese momento, Kala es atacada por Sabor, aunque consigue escapar llevándose al bebé. Kala regresa con el bebé junto a su manada de gorilas. Su pareja Kerchak no se encuentra conforme con la presencia del bebé humano, asegurando que no reemplazará al que perdieron.

Sin embargo, Kala se mantiene firme y Kerchak termina por ceder, aunque negándose a aceptarlo como su hijo. Kala decide llamar al bebé Tarzán.

Durante su infancia, Tarzán se hace buen amigo de una joven hembra de gorila llamada Terk, pero sigue sin ser aceptado por Kerchak. Sin embargo, Tarzán no deja de sentirse marginado debido a su físico diferente. El resto de los jóvenes gorilas le ponen la prueba de conseguir un pelo de elefante para ser incluido, con la esperanza de que les deje en paz. Sin embargo, Tarzán decide intentarlo conociendo en el proceso a una cría de elefante llamada Tantor, que resulta ser algo paranoico. Al intentar conseguir el pelo de elefante, Tarzán provoca una estampida que pone en peligro a los gorilas. Kerchak no duda en culparle de haber estado a punto de provocar una tragedia, y declara que nunca le aceptará. Kala logra animarle y Tarzán se propone probar su valía ante Kerchak durante los siguientes años. Ya convertido en un joven adulto, Tarzán se enfrenta a Sabor cuando ésta ataca a su manada logrando herir a Kerchak.

Tras un duro combate, Tarzán logra acabar con Sabor con una rudimentaria lanza emitiendo un grito de victoria, y dando un paso en el proceso de ganarse el respeto de Kerchak.

Inmediatamente después se oyen disparos en la selva y Tarzán se acerca al lugar de origen para investigar. Allí se encuentra un grupo de exploradores ingleses en los que se encuentran el Profesor Porter, su hija Jane, y el guía cazador conocido como Clayton. El Profesor Porter y Jane desean estudiar a los gorilas, pero Jane termina por perderse y separarse del resto y es atacada por Mandriles. Tarzán rescata a la nerviosa joven, sintiéndose fascinado por ella y las similitudes entre ambos. Ambos logran presentarse gracias a la capacidad de Tarzán para imitar sonidos. Mientras tanto, Terk, Tantor y algunos jóvenes gorilas encuentran el campamento humano, que acaban arrasando mientras curiosean. Jane y Tarzán llegan al campamento en ese momento y la joven queda encantada ante su presencia. Sin embargo, Kerchak llega enfurecido y se lleva a todos los gorilas, obligando a Tarzán a irse con ellos.

Al poco tiempo, llegan el Profesor Porter y Clayton, a los que Jane explica todo lo ocurrido, incluyendo su encuentro con Tarzán.

Kerchak prohíbe a toda la manada que eviten contacto alguno con los humanos; pero Tarzán se enfurece al haber descubierto que hay criaturas como él, y que Kala se lo había ocultado. Tarzán vuelve al campamento humano donde conoce al Profesor Porter y a Clayton. El cazador desea utilizarle para localizar a los gorilas, los que en secreto desea capturar para llevar a Inglaterra. Sin embargo, el Profesor y Jane ponen todos sus esfuerzos para educar a Tarzán y enseñarle a hablar. A pesar de la prohibición de Kerchak, Tarzán continúa visitando el campamento humano y cada vez se va sintiendo más atraído hacia la joven Jane. Sin embargo, el barco que ha de recoger a los Porter llega por fin sin que hayan podido contactar con los gorilas. Jane le pide a Tarzán que les acompañe a Inglaterra; y Tarzán le pide a la joven que se quede. Clayton aprovecha la decepción de Tarzán para sugerir que si Jane pudiera ver gorilas, se quedaría.

Tarzán acepta ayudarla. Terk y Tantor distraen a Kerchak, mientras Tarzán aprovecha para llevar a Jane, el Profesor Porter y Clayton ante el resto de la manada. Aunque el Profesor y su hija se muestran encantados por la experiencia, Clayton marca la ubicación de la manada en un mapa. Sin embargo, Kerchak llega en ese momento y ataca a Clayton, obligando a Tarzán a retenerle mientras los Porter y el cazador escapan. Kerchak acusa a Tarzán de haberles traicionado, por lo que el joven se marcha.

Tras el suceso, Kala decide llevar a Tarzán a la cabaña en la que residían sus padres. Allí, Tarzán encuentra una fotografía de sus padres y él mismo siendo un bebé, descubriendo su verdadero pasado. Tarzán encuentra un traje que pertenecía a su padre, y se lo pone tomando la decisión de regresar a Inglaterra y despidiéndose de su madre. Tarzán embarca con los Porter, pero estos son traicionados y capturados por Clayton y la tripulación. Los Porter, Tarzán, el Capitán y dos marineros fieles son apresados en la bodega del barco para que no interfieran.

Sin embargo, Terk y Tantor acuden al rescate tras oír el grito de Tarzán y les libera. Mientras tanto, Clayton y sus secuaces atacan a la manada de gorilas capturando a varios, entre ellos Kala. Clayton está a punto de matar a Kerchak, pero Tarzán llega a tiempo de evitarlo y liberarle. Mientras los gorilas son liberados, Tarzán recibe una herida de bala a manos de Clayton que también dispara sobre Kerchak. Tarzán y Clayton luchan en lo alto de los árboles, hasta que el cazador queda atrapado entre las lianas y acaba ahorcándose de forma accidental.

Kerchak muere de su herida, pero antes se disculpa ante Tarzán por no haberle aceptado y le nombra nuevo líder de la manada. Al día siguiente, el barco se prepara para zarpar aunque Tarzán ha tomado la decisión de permanecer en la selva para honrar la petición de Kerchak. El Profesor Porter anima a Jane a quedarse, percatándose de que se ha enamorado del joven. Jane decide quedarse en la selva, y el propio Profesor Porter decide quedarse también.

ESCENA

Me quedó con la canción “Hijo de Hombre”, mezclada con la evolución de Tarzán desde que es un niño hasta que se convierte en joven adulto.

FECHA DE ESTRENO

15 de Noviembre de 1985

TITULO ORIGINAL

Once Bitten

DIRECTOR

Howard Storm

PRODUCTORES

Frank Hildebrand, Dimitri Villard, Robert Wald

GUION
Dimitri Villard, David Hines, Jeffrey Hause, Jonathan Roberts

REPARTO

Lauren Hutton (Condesa), Jim Carrey (Mark Kendall), Karen Kopins (Robin Pierce), Cleavon Little (Sebastian), Thomas Ballatore (Jamie), Skip Lackey (Russ), Jeb Stuart Adams (Vampiro piloto), Joseph Brutsman (Vampiro confederado), Stuart Charno (Vampiro mozo), Robin Klein (Vampiresa hippy), Glen Mauro (Vampiro gemelo), Gary Mayuro (Vampiro gemelo), Richard Schaal (Señor Kendall), Peggy Pope (Señora Kendall), Anna Mathias (Daphne), Kate Zentall (Tanya), Laura Urstein (Darlene)

CINEMATOGRAFÍA

Adam Greenberg

BANDA SONORA

John Du Prez

DISTRIBUIDA POR:

The Samuel Goldwyn Company

DURACIÓN
94 minutos

CONDESA: “¿Te importaría mucho si hoy no salgo de casa? Estoy agotada. Tengo más de trescientos noventa años.”

SEBASTIAN: “Cuatrocientos, Condesa.”

CONDESA: “¿Qué más da? Soy tan vieja que ni siquiera recuerdo de que signo soy.”

SEBASTIAN: “Os sentiréis más segura cuando hayáis conseguido la segunda transfusión de Mark.”

CONDESA: “Antes la vida era más sencilla. Lo único que tenía que hacer para estar en forma era salir al campo y cazar uno o dos pastores.”

SEBASTIAN: “¿Recordáis la cara de terror de los campesinos cuando os abalanzabais sobre ellos?”

CONDESA: “Te enseñaré encantos que ni siquiera has imaginado en tus más calientes sueños de adolescente.”

ROBIN: “Mark no la quiere a usted porque usted es el mal y el diablo. Me quiere a mi porque soy buena, dulce y pura. ¡Así que jódase!”

CONDESA: “¡A por el chico virgen!

CURIOSIDADES

A la hora de elegir quien debía interpretar Mark Kendall y a la Condesa hubo varias opciones a tener en cuenta. El guionista Jeffrey Hause inició una campaña para que Michael J. Fox interpretara al personaje de Mark, pero el productor ejecutivo Samuel Goldwyn Jr estaba convencido de que Fox no sería capaz de defender un papel protagonista. Irónicamente, Michael J. Fox saltaría a la fama el mismo año de estreno de “Mordiscos Peligrosos” por la película “Regreso al Futuro”. De esta forma, esta película se convirtió en la séptima de un joven Jim Carrey, y la primera en la que obtuvo un papel protagonista. El papel de la Condesa fue escrito para Cassandra Peterson, quien era mejor conocida por su papel de Elvira, ejerciendo de anfitriona de una serie de películas de terror que presentaba. Morgan Fairchild también rechazó el papel de la Condesa, y se llegó a considerar abordar a Kathleen Turner, aunque nunca se llevó a cabo. De esta forma el papel terminó por recaer en Lauren Hutton.

Karen Kopins recibió el papel de Robin Pierce, novia del personaje de Carrey. Durante las emisiones de prueba a un público selecto, el personaje de Robin se hizo con gran popularidad gracias a la interpretación de Kopins. Debido a esto, se decidió modificar el poster de la película, que solo incluía a Carrey y Hutton, incluyendo también la imagen de la joven actriz. El nombre de Robin surgió de una chica con la que el guionista Jeffrey Hause había salido; y el nombre de Mark fue un tributo al sobrino del guionista David Hines, que había fallecido víctima de la leucemia. Durante la escena en la que los vampiros persiguen a los protagonistas, Robin tenía que golpear a uno de ellos. El golpe salió de forma excesivamente realista, y la joven actriz llegó a arrancarle un diente falso de cuajo al propinar el golpe.

“La Madonna”, un cuadro del siglo XIX pintado por el expresionista noruego Edvard Munch, sirvió de modelo para el cuadro de la Condesa que se puede ver en la película.

La idea inicial era mostrar el aspecto sórdido del estilo de vida de Hollywood en la película, con un diseño de producción inspirado en el arte de Munch. Sin embargo, el director Howard Storm decidió poner énfasis en las luces de neón características de la década de 1980. Siendo una película de Halloween, es curioso que terminara por estrenarse un mes después de dicha celebración, lo cual bien pudo ser un error estratégico. Para cuando la película fue distribuida en video, el guionista Jeffrey Hause había gastado todas sus ganancias iniciales, y se había visto obligado a aceptar un trabajo como dependiente de un videoclub. Una anécdota de Hause fue que escuchó a un cliente indicar que quien hubiera escrito “Mordiscos Peligrosos” no merecía trabajar en Hollywood. Enfurecido, Hause le replicó que su deseo se había hecho realidad. En la edición revisada de 1989 de “El Celuloide Oculto”, el autor Vito Russo arremetió contra David Hines por incluir el personaje de Sebastian. Esto se debía a que el personaje, un chofer y mayordomo, seguía los estereotipos gais que según él se debían evitar.

También criticó la escena de la ducha en el instituto, en la que los estudiantes huyen despavoridos al creer que Jamie y Russ son gais. Irónicamente, la escena estaba basada en una experiencia personal de Jeffrey Hause, y el mayordomo gay fue creado por Jonathan Roberts, contratado por el director para revisar el guion de Hause y Hines antes de que fuera finalmente aprobado.

La banda de música conocida como “3 Speed” se encargó de interpretar la canción principal del film, también titulada “Once Bitten”. Billy Steinberg y Tom Kelly ayudaron a componer la canción que se hizo bastante popular. Los miembros de la banda aparecían en varias escenas de la película pero todas ellas fueron eliminadas del montaje final de la misma.

La traducción verdadera del título sería “Una vez te Muerden”. La película fue retitulada en diferentes países. En Francia fue “La Seducción Tiene Dientes”, en Brasil “Se Busca Chico Virgen”, en Argentina “Yo Amo a un Vampiro”, en Hungría “Solo un Mordisco”, en Italia “Si te Muerdo Serás Mío”, y en Polonia “La Princesa del Beso”.

La película contó con un presupuesto de diez millones de dólares, y recaudó cuatro el primer fin de semana. A pesar del buen comienzo, solo terminó por recaudar lo invertido por lo que fue un fracaso en taquilla.

NOTA PERSONAL

Voy a comenzar siendo muy sincero… esta película es bastante mala. Sin embargo, debo reconocer que ésta es una de esas ocasiones en las que me he encontrado con una película mala que me ha encantado. El motivo principal es que la película es un absurdo de tales dimensiones, que se convierte en desternillante. La trama o resolución de la misma es lo de menos, es la sucesiva serie de divertidas escenas lo que la hace genial para mi humilde punto de vista. La película infla los estereotipos más característicos de la década de 1980, pero los exagera todos por igual sin hacer discriminación alguna. También debo admitir que Jim Carrey sorprende bastante, sobre todo porque todavía no era muy excéntrico en sus interpretaciones, algo remarcable considerando que la película es una comedia.

También debo destacar la escena de baile, en la que tanto Carrey como Kopins me sorprendieron mucho. Nunca he entendido esas ofensas que algunos sienten por el uso personajes clichés, como bien puede ser mayordomo gay Sebastian que me parece muy divertido. No veo nada en el personaje que pueda ofender, y menos todavía tratándose de una de esas extrañas visualizaciones que se podían observar en la mencionada década.

Por su puesto, más allá de los vampiros, la trama cubre el eterno problema del adolescente que no ha sido capaz de perder su virginidad. Los personajes de Russ y Jamie, que bien podrían ser definidos como clichés heterosexuales, son hilarantes y cuentan con algunas escenas memorables, particularmente la de la ducha. Lauren Hutton es una gran vampiresa, derrochando sensualidad en todo momento y combinándola con momentos divertidos. El sinsentido de la trama, como vampiresas que muerden muslos, necesitan vírgenes, es igualmente divertido y arranca carcajadas con facilidad.

Me encantó la idea de lo difícil que tiene que ser una vampiresa en la década de 1980, debido a la escasez de vírgenes. Sería incluso peor en la época actual. Karen Kopins es probablemente quien más destaca, probablemente porque inicialmente parece el único personaje “normal” en medio de tantos personajes excéntricos. Pero al final resulta evidente que no es una cuestión de interpretaciones, sino de defender de forma aceptable un guion lleno de giros divertidos. A día de hoy sigo defendiendo esas películas tan malas en términos técnicos, pero que siguen entreteniendo y divirtiéndonos como el primer día que las vimos.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

La vampiresa conocida solamente como la Condesa ya tiene cuatrocientos años, y es atendida por su fiel sirviente Sebastian. La Condesa debe beber la sangre virgen de un hombre joven tres veces antes de la víspera de todos los santos, para mantener su inmortalidad, belleza y juventud.

Sin embargo, no es tan fácil encontrar sangre de un hombre virgen en la década de 1980, mucho menos en una ciudad como Los Ángeles. Sus jóvenes vampiros y vampiresas regresan a la mansión de la Condesa para comunicar que no han tenido éxito a la hora de encontrar un hombre virgen. La Condesa llega a amenazar sus sirvientes con perder su protección si no logran encontrar un joven virgen pronto.

Mientras tanto, Mark Kendall es un estudiante de instituto que sale con una joven llamada Robin Pierce, y trabaja repartiendo helados en su furgoneta. Mark lleva tiempo intentando tener relaciones sexuales con Robin, pero la joven siempre termina por echarse atrás. Frustrado al seguir siendo virgen, Mark pide consejo a sus buenos amigos Jamie y Russ. Sus dos amigos le animan a visitar algún bar de Hollywood, para intentar perder su virginidad con lo que Mark podrá reasumir su relación con Robin sin presión alguna. Los jóvenes vampiros de la Condesa pronto se percatan de su presencia en Hollywood y siguen a los tres amigos hasta un bar de citas por teléfono.

La Condesa es informada de la presencia de los tres jóvenes y acude al bar de citas, donde llama a la mesa donde se encuentra Mark para solicitarle que tome una copa con ella. Mark se muestra torpe y nervioso ante la Condesa, a quien lo único que le interesa es la virginidad de Mark. Jamie y Russ se meten en problemas con un marido celoso que saca un revolver en el bar, y en la confusión la Condesa se lleva a Mark del local. La Condesa lleva a Mark a su mansión, donde no tarda en seducirle mordiéndole en el muslo. Tras esto, Mark se queda dormido en el sofá. Cuando el joven despierta no recuerda nada, y la Condesa le explica que han mantenido relaciones sexuales despidiéndose de él e indicando que una parte de Mark ahora le pertenece.

A la mañana siente, Mark acude al instituto y ya comienza a mostrar signos extraños al comer carne cruda. Al hablar con Jamie y Russ sobre la noche anterior, insiste en que no recuerda los detalles y Robin escucha la conversación. Enfurecida, Robin le devuelve el anillo que le había regalado y le abandona. De vuelta en casa, el padre de Mark le encuentra echando una siesta dentro de un baúl.

Mark también comienza a tener extraños sueños en los que se muestra inusualmente seguro de sí mismo y está acompañado por la Condesa, que muestra colmillos y sangre en los labios. Al día siguiente, Mark se disculpa con Robin mostrando un nuevo peinado y llevando gafas de sol debido a que el sol comienza a molestarle. Sin embargo, la pareja consigue reconciliarse. En su mansión, la Condesa comienza a preocuparse y le pide a Sebastian que le traiga a Mark para su segundo mordisco.

Mientras Jamie Russ fracasan estrepitosamente al intentar ligar en una lavandería, Mark visita a Robin en la tierra de ropa donde trabaja. Al entrar en el probador Mark se encuentra con la Condesa dentro, que vuelve a morderle en el muslo. Robin encuentra a Mark desmayado y la Condesa se marcha tras lograr su segunda transfusión. Al día siguiente, Mark se muestra más irascible. Soporta la luz del sol cada vez menos, y se bebé de un trago la sangre de carne cruda que su madre ha vertido en un vaso. Cuando dos niños acuden a comprarle un par de helados, Mark reacciona amenazante y comienza a asustarse.

Por la noche vuelve a tener un sueño en el que se ve convertido en vampiro y ataca a Robin siguiendo las órdenes de la Condesa.

Llegada la noche del baile de Halloween en el instituto, Mark acompaña a Robin. Ambos están bailando cuando la Condesa aparece para seducirle. Al ver que Mark se comporta de forma extraña y está asustado, Robin se enfrenta a la Condesa en un duelo de baile logrando recuperar a Mark. Sin embargo, esto resulta momentáneo y Mark se desespera al ganar el concurso por su disfraz de vampiro, cuando considera que no iba disfrazado. Robin intenta calmarle, pero Mark vuelve a aterrorizarse al ver que no se refleja en el cristal. Robin también lo comprueba y ambos temen que la Condesa sea una vampiresa que le está transformando. Robin decide investigar sobre los vampiros y descubre que una vampiresa requiere sangre virgen, y la absorbe de la arteria de un muslo. Robin le pide a Jamie y Russ que busquen dos incisiones en la parte interna del muslo de Mark. Los dos amigos lo intentan en las duchas, pero solo consiguen que sus compañeros les tomen por gais.

Mark comprueba como Sebastian secuestra a Robin llevándola hasta la mansión como cebo. Mark, Jamie y Russ acuden a la mansión y consiguen encontrarla, pero pronto se ven atrapados por los jóvenes vampiros de la Condesa. Mark es colocado en una silla especial para recibir el tercer y último mordisco. Sin embargo, Robin utiliza un crucifijo para alejar a los vampiros y liberar a Mark. Los jóvenes intentan escapar de la mansión perseguidos por los vampiros. Durante la persecución, Jamie y Russ logran mantener relaciones con dos jóvenes vampiresas. Atrapados en una habitación sin salida, Mark y Robin mantienen relaciones sexuales en un ataúd, poniendo fin a la virginidad de Mark y su utilidad para la Condesa. Justo entonces dan las campanadas de medianoche, y la Condesa envejece y se debilita. Sebastian la intenta animar asegurando que encontraran otro virgen. Mark y Robin deciden seguir practicando sexo en el ataúd.

ESCENA

Me encanta el baile en que la Condesa y Robin compiten por el afecto de Mark.

FECHA DE ESTRENO

5 de Marzo de 1982

TITULO ORIGINAL

Evil Under the Sun

DIRECTOR

Guy Hamilton

PRODUCTORES

John Brabourne, Richard B. Goodwin

GUION
Anthony Shaffer

Basado en la novela de Agatha Christie

REPARTO

Peter Ustinov (Hercule Poirot), Colin Blakely (Sir Horace Blatt), Jane Birkin (Christine Redfern), Nicholas Clay (Patrick Redfern), Maggie Smith (Daphne Castle), Roddy McDowall (Rex Brewster), Sylvia Miles (Myra Gardener), James Mason (Odell Gardener), Denis Quilley (Kenneth Marshall), Diana Rigg (Arlena Stuart Marshall), Emily Hone (Linda Marshall), Richard Vernon (Flewitt), Barbara Hicks (Secretaria de Flewitt), Dimitri Andreas (Gino)

CINEMATOGRAFÍA

Christopher Challis

BANDA SONORA

Cole Porter

DISTRIBUIDA POR:

Columbia-EMI-Warner-Universal Pictures

DURACIÓN
117 minutos

HERCULE POIROT: “¿Me permite decirle una cosa Madame? Las Arlenas Stuart de este mundo no cuentan para nada. Su influencia es pasajera. Para que una mujer sea amada de verdad, ha de tender bondad o inteligencia.”

CHRISTINE REDFERN: “Ahora estoy decidida a pasarlo bien. Esto es tan pacífico, tan tranquilo, tan apartado de la violencia y de los problemas.”

HERCULE POIROT: “Tiene razón Madame. El cielo es azul, brilla el sol, pero no olvide que en todas partes está la muerte bajo el sol.”

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela del mismo título escrita por Agatha Christie y publicada en el año 1941. El guion fue escrito por Anthony Shaffer, quien había trabajado previamente en el guion de “Muerte en el Nilo” (1978), y Barrie Sandler, que no recibió crédito por su contribución. La adaptación fue bastante fiel al trabajo de Christie, pero truncó varias escenas debido a limitaciones de tiempo.

Esto obligó a extraer a personajes secundarios de la película, pero permitió que se sumaran elementos cómicos que no existían en la novela. La trama de la novela tenía lugar en Devon, condado de Inglaterra. Sin embargo, la película decidió establecer la historia en una isla Adriática del reino ficticio de Tyrania, basado en Albania. Personajes de la novela como los Rosamund Darnley y la Señora Castle fueron fusionados en el de Daphne, interpretado por Maggie Smith. Personajes como los del Mayor Barry y el Reverendo Stephen Lane fueron eliminados; y el personaje femenino de Emily Brewster fue escrito como el de un personaje masculino, Rex Brewster, interpretado por Roddy McDowall. La película también fue la segunda ocasión en la que Peter Ustinov interpretó a Hercule Poirot, siendo la primera en “Muerte en el Nilo” (1978). Maggie Smith y Jane Birkin también habían aparecido en ambas películas. Denis Quilley y Colin Blakely habían aparecido en “Asesinato en el Oriente Express” (1974), película en la que Poirot había sido interpretado por Albert Finney.

También fue la segunda adaptación de un trabajo de Christie dirigida por Guy Hamilton. La primera había sido “El Espejo Roto” (1980), donde la protagonista era Jane Marple, interpretada por Angela Lansbury.

La película fue rodada en los “Estudios Lee International” de Wembley, Londres, y los exteriores en Mallorca, España. La isla utilizada para las tomas aéreas es la Isla Dragonera del archipiélago de las Baleares. Se trata de un islote inhabitado que ha recibido el estatus de parque natural. Otras ubicaciones del rodaje en exteriores fueron la Cala Blanca de Menorca para las escenas de la Bahía del asesinato, o San Telmo en Mallorca para las escenas del barco de Sir Horace en el sur de Francia. Cala d'en Monjo en Mallorca fue utilizada para los exteriores del Hotel de Daphne. El mismo hotel era una finca privada comprada por el Ayuntamiento de Mallorca, y que había terminado por ser demolida para crear un parque natural. Cala en Feliu, en el Cabo de Formentor, sirvió para las escenas de la Playa de las Gaviotas.

Otras escenas de exteriores del hotel fueron rodadas en Raixa, una villa de estilo italiano rodeada por jardines diseñados por Pietro Lazzarini y ubicada en Buñola, al norte de Palma de Mallorca. Esta había sido propiedad del diseñador alemán Jil Sander pero había sido comprado después por el ayuntamiento de Mallorca. Por último, el lugar en que Poirot tomaba el barco para dirigirse a la isla era la Cala de Deiá. Las primeras escenas del film fueron rodadas en los Yorkshire Dales de Inglaterra. Las escenas de la estación de policía del comienzo fueron rodadas en el antiguo Instituto de las Letras de Muker, Swaledale.

El vestuario de la película fue diseñado por Anthony Powell, quien había ganado tres Oscar por su vestuario en la película “Viajes con mi Tía” (1972), “Muerte en el Nilo (1978), “Tess” (1979). Peter Ustinov diseñó el traje de baño que llevaba en una hilarante escena cómica de la película. El actor volvería a interpretar al detective en tres películas televisivas y una última cinematográfica. Estas son “La Muerte de Lord Edgware” (1985), “El Templete de Nasse House” (1986), “Tragedia en Tres Actos” (1986), y “Cita con la Muerte” (1988), respectivamente.

NOTA PERSONAL

Como ya he mencionado en otras ocasiones, siempre he sido un gran admirador de estas películas de detectives que contaban con grandes repartos. Peter Ustinov vuelve a realizar un formidable papel interpretando al detective Hercule Poirot. Sin embargo, y a pesar de que es uno de mis actores favoritos, siempre he querido mantenerme objetivo admitiendo que Albert Finney defendió el personaje de forma más elocuente. Otra gran actriz que aparece en la película es Maggie Smith, que siempre ha sido mi favorita con diferencia. Una de los grandes aciertos y logros de la película es aprovechar los fabulosos paisajes y las hermosas playas de Mallorca, logrando crear un entorno formidable para la trama. La historia logra atrapar la atención y resulta bastante fácil de seguir, considerando que los films de detectives tienen tramas que requieren de atención constante. Un aspecto original de la trama es que todos los sospechosos parecen contar con coartadas durante la investigación, lo que provoca que como espectador me intentara fijar más en los detalles.

Genial como el personaje de Maggie intentaba resolver el crimen con diferentes teorías que eran rápidamente rebatidas por Poirot.

Considero que en términos generales, la película está prácticamente a la altura de “Muerte en el Nilo”, contando de nuevo con algunos momentos divertidos pero manteniendo aspectos clásicos del cine detectivesco. La asesinada es odiada por todos los sospechosos, y la investigación da giros inesperados que son difíciles de deducir para el espectador. Pero lo que más destaco de este tipo de películas es que se fundamentan en el dialogo, por lo que los excepcionales repartos con los que contaban eran fundamental para su sobresaliente ejecución.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Una excursionista localiza el cadáver de una mujer en los páramos de Yorkshire y avisa a las autoridades. La víctima es identificada como Alice Ruber y ha sido estrangulada.

Poco después, el detective Hercule Poirot examina un diamante que pertenece al industrial millonario Sir Horace Blatt, y determina que es falso. Deseando saber el motivo por el que un millonario como Blatt ha cometido fraude, sabiendo que diamante sería examinado, Poirot decide aceptar el caso. El detective se encuentra con Sir Horace, quien le revela que hace unos meses conoció a una actriz supuestamente enamorada de él y dispuesta a abandonar su carrera y casarse con él. Sir Horace le regaló el diamante como prenda de compromiso, hasta que la actriz se fue con otro devolviéndole un diamante falso en lugar del verdadero. También revela que la actriz acudirá al Hotel de Daphne Castle, antigua amante del Rey de Tyrania. Daphne recibió un palacete de verano cuando el rey se casó con la reina actual, y la mujer decidió convertirlo en un hotel. Sir Horace consigue convencer a Poirot para que acuda al hotel a investigar, asegurando que se reunirá con él más adelante.

En el Hotel de Daphne se encuentran el pomposo escritor y crítico de cine Rex Brewster, y los productores de teatro Odell y Myra Gardener. Al hotel llegan el apuesto Patrick Redfern y su apocada y tímida esposa Christine. También llega Arlena Stuart Marshall, la actriz que fue amante de Sir Horace, acompañada por su marido Kenneth y su hijastra Linda. Los Gardener sienten resentimiento hacia Arlena, pues la actriz les dejó plantados como productores de una obra de teatro de éxito unos años atrás. Poirot conoce a los Marshall, y se percata de la gran arrogancia de Arlena, que se muestra emocionalmente abusiva con su hijastra Linda. Kenneth ya había estado en la isla tres años atrás, tras la muerte de su primera esposa, y conoce a Daphne. Arlena y Daphne también se conocen al haber trabajado como coristas en el mismo espectáculo, y se percibe gran tensión entre ambas. Durante la cena todos se encuentran, y los Gardener le ofrecen un papel protagonista a Arlena en su nueva obra, pero la actriz rechaza la oferta.

A la mañana siguiente, Rex habla con Arlena sobre el borrador de una biografía que ha escrito sobre ella.

Rex solo necesita el permiso de Arlena para publicar el libro y ya se ha gastado todo lo que le dieron de anticipo. A pesar de que la actriz le había prometido darle permiso, decide negarse a hacerlo. Arlena también comienza a flirtear descaradamente con el apuesto Patrick, algo de lo que Poirot no tarda en percatarse. Tanto el detective como Daphne, Kenneth y Linda observan como Arlena y Patrick parten en un pequeño bote. Christine también es testigo de esto, y le explica a Poirot que su piel es muy sensible al sol y el agua de mar. Un poco más tarde, Poirot descubre a Christine llorando y mantiene una conversación con ella. Christine confiesa sentirse avergonzada al ver que todos la compadecen por tener un golfo por marido, y Poirot la consuela. Antes de la cena, Daphne conversa con Kenneth, animándole a divorciarse por el bien de Linda sino por el suyo propio. También le revela que Arlena reservó la habitación para Patrick, confirmando que ambos mantienen una aventura. Kenneth no duda en revelarle a Arlena lo que ha descubierto.

Poirot también escucha una discusión entre Patrick y Christine sobre la relación del primero con Arlena.

A la mañana siguiente, Arlena parte en un hidropedal con la intención de estar sola y apartada de todos. Aunque todos piensan que ha acudido al encuentro de Patrick, éste se encuentra en el hotel. Christine invita a Linda a pasear y pintar un poco; mientras Patrick accede a llevar a Myra de paseo en una lancha motora. Estos dos últimos divisan a Arlena tomando el sol en una playa, pero no tardan en descubrir que ha sido asesinada mediante estrangulamiento. Myra parte en la lancha a por ayuda, mientras Patrick se queda junto al cadáver. Daphne se muestra preocupada por la mala reputación que el hotel puede adquirir, y le pide a Poirot que investigue el caso con discreción. En una pequeña cueva de la playa, Poirot encuentra un diamante y deduce que la muerte debió tener lugar entre las once y media y las doce del mediodía.

El cadáver es transportado al hotel, a donde Sir Horace acaba de llegar.

Poirot le explica que el diamante que ha encontrado es el falso que Sir Horace le mostró. Sir Horace confiesa que tuvo una conversación con Arlena a las once y media entregándole el diamante, y que ella le había prometido solucionarlo todo al llegar la noche. La tripulación del yate lo puede confirmar, así como la propia Daphne. Patrick y Myra partieron en la lancha a las once y media, vieron el yate de Horace, y escucharon el cañón de mediodía. Kenneth estuvo escribiendo a máquina hasta las doce, hora en que tenía un partido de tenis y Daphne lo corrobora. Daphne fue de paseo al faro y pasó por la bahía en que Arlena estaba tomando el sol, y volvió a las once y cuarto siendo testigo de la discusión entre Sir Horace y Arlena. Christine estuvo en la playa de las gaviotas con Linda y se marchó a las doce menos cinco para llegar a un partido de tenis a las doce y media. Linda se quedó nadando en la playa y vio a Christine despidiéndose de ella desde lo alto del acantilado. Rex navegaba en un patín y a las doce llegó a la Playa de los Gaviotas, donde vio a Linda nadando.

También revela que después alguien le lanzó una botella desde el acantilado. Odell estuvo sentado en un banco leyendo, y Daphne le pudo ver desde su reunión con el personal del hotel, hasta las doce y media hora en que tenía el partido de tenis. Tras los interrogatorios, Poirot recorre los lugares de la isla para examinar los eventos y poner en orden sus ideas.

Al día siguiente, Poirot solicita que todos los sospechosos que se reúnan en el salón para revelar quien ha sido el asesino. Allí revela que aunque todos tienen coartadas, alguien ha mentido. Poirot revela que Christine ha mentido al decir que había saludado a Linda desde el acantilado a las doce, habiendo adelantado el reloj de la niña previamente y al no haber visto a Rex con ella. Christine se fue a las doce menos veinticinco, volviendo a poner el reloj de Linda en hora. Tras esto, acudió a la bahía donde se encontraba Arlena. La actriz se ocultó en la gruta de la playa, algo que Poirot detectó al oler su perfume en su interior. Cuando Arlena accede a salir de la gruta, Christine la golpea con una roca, y el diamante falso cayó en la gruta. Patrick asegura que Christine no pudo estrangular a Arlena con sus pequeñas manos, y Poirot acusa a Patrick de haberlo hecho.

Cuando Patrick llegó a la playa, el cuerpo de la mujer con el rostro cubierto no era el de Arlena, sino el de Christine haciéndose pasar por ella. Cuando Myra se marchó en la lancha a por ayuda, Christine se marchó para llegar a su partido de tenis tirando una botella de tinte bronceador desde el acantilado, estando a punto de golpear a Rex. Mientras tanto, Patrick estrangulaba a Arlena debido a que le había robado el diamante verdadero previamente sustituyéndolo con el falso, para que ella no pudiera delatarle debido a su aventura.

Patrick acusa a Poirot de no tener pruebas y el detective le da la razón. Cuando Patrick y Christine están a punto de marcharse Daphne les pide que paguen su estancia. Patrick firma como Redfern de tal forma, que Poirot le identifica como Felix Ruber, marido de la mujer estrangulada en Yorkshire. Felix había asesinado a su esposa para heredar su fortuna, y la caminante que le había proporcionado la coartada no era otra que Christine. Poirot se da cuenta de la idéntica caligrafía y señala que el asesino no ha encendido su pipa en toda su estancia. Al coger la pipa, Poirot revela el verdadero diamante oculto en su interior. Enfurecido, Patrick le propina un puñetazo a Poirot, pero es arrestado después junto a su esposa Christine.

ESCENA

Lamentablemente no he podido encontrar ni una sola escena en castellano, por lo que dejo el tráiler en inglés.

TITULO ORIGINAL

Upstairs, Downstairs

CREADORES

Jean Marsh, Eileen Atkins, John Hawkesworth, John Whitney

PRODUCTOR

John Hawkesworth

REPARTO ORIGINAL

Gordon Jackson (Angus Hudson), David Langton (Richard Bellamy), Jean Marsh (Rose Buck), Angela Baddeley (Kate Bridges), Christopher Beeny (Edward Barnes), Jenny Tomasin (Ruby Finch), Simon Williams (James Bellamy), Jacqueline Tong (Daisy Barnes), Pauline Collins (Sarah Moffat), Lesley-Anne Down (Georgina Stockbridge), Rachel Gurney (Marjorie Bellamy), Meg Wynn Owen (Hazel Bellamy), Nicola Pagett (Elizabeth Bellamy), Hannah Gordon (Virginia Bellamy), John Alderton (Thomas Watkins), Ian Ogilvy (Lawrence Kirbridge)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 10 de Octubre de 1971 al 21 de Diciembre de 1975

CANAL DE EMISION

ITV

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Alexander Faris

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 13 episodios

TEMPORADA 2: 13 episodios

TEMPORADA 3: 13 episodios

TEMPORADA 4: 13 episodios

TEMPORADA 5: 16 episodios

Un total de 68 episodios de cincuenta minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

La idea original de la serie surgió de dos actrices que eran buenas amigas, Jean Marsh y Eileen Atkins. Ambas concibieron una comedia titulada “Behind the Green Baize Door”, algo así como “Tras la Puerta del Servicio”. La idea era que se concentrara en dos doncellas que serían interpretadas por Marsh y Atkins, en una casa de campo durante la era victoriana. No tardaron en añadir a una familia que residiría en la parte alta de la casa, ya que Jean Marsh consideraba que la servidumbre tendría que servir a alguien. Durante el verano de 1969, presentaron la idea a “Sagitta Productions”, dirigida entonces por John Hawkesworth y John Whitney. Estos no tardaron en eliminar el elemento de la comedia, cambiando la trama a una casa situado en el Londres Eduardiano. El título pasó a ser “Bellow Stairs” (bajo las escaleras). La idea fue ofrecida a “Granada Television” en Manchester, pero la rechazaron debido a que ya estaban emitiendo un drama de época titulado “A Family at War” (1970).

Sin embargo, Stella Richman, quien trabajaba como Controladora de Programas en “London Weekend Television”, consideró que la idea tenía gran potencial. De esta forma se encargó una primera temporada en abril de 1970.

Tras esto se procedió a desarrollar a los personajes y se decidió contar con Alfred Shaughnessy, antiguo amigo de John Hawkesworth, para que editara el guion. Shaughnessy cambió muchos detalles para que los personajes parecieran lo más realista posible. Comenzando a considerar actores para diferentes papeles, Honor Blackman fue candidata para el papel de Lady Marjorie y George Cole para el papel del mayordomo. Se suponía que la creadora Eileen Atkins iba a interpretar a una de las doncellas, y Jean Marsh a la otra; pero no pudo hacerlo debido a que estaba interpretando a la Reina Victoria en aquel momento. Debido a esto, se decidió que la otra doncella, Sarah Moffat, fuera interpretada por Pauline Collins; mientras que Jean Marsh interpretaría a Rose Buck. También se terminó por decidir que Gordon Jackson interpretara al mayordomo Hudson, ya que se consideró que el londinense George Cole no sería el más adecuado para interpretar a un escoces.

El papel de Lady Marjorie terminó por recaer en Rachel Gurney. La serie pasó por diferentes propuestas de títulos como “Dos Doncellas en la Ciudad”, “El Salón de los Sirvientes” o “Aquella Casa en Eaton Square”. Se optó por titularla “165 Eaton Place”, justo antes de que se comenzara a producir el primer capítulo; pero se decidió por titular la serie “Arriba y Abajo” siguiendo una sugerencia de John Hawkesworth.

A pesar de contar con el apoyo de Stella Richman, la serie sufrió varios problemas de política interna, la mayoría procedentes del departamento de ventas, que no veía lo atractivo de una serie dramática de época. Debido a esto, las grabaciones de la serie pasaron casi un año en un almacén, a la espera de recibir una fecha de emisión. Con el paso del tiempo la cadena encontró un huevo para la serie, en la poca popular franja horaria de las diez y cuarto de los domingos. Se esperaba que la serie terminara por ser un fracaso; pero la sorpresa llegó en la forma de un éxito sin precedentes tanto dentro como fuera del Reino Unido.

Los seis primeros episodios se rodaron en blanco negro debido a una huelga de los equipos de producción, pero se decidió por colorear el primer episodio. En España la serie se estrenó en 1981, gozando también de un enorme éxito. Sin embargo los episodios en blanco y negro, exceptuando el primero, no se llegaron a emitir. Al finalizar la cuarta temporada, muchos actores principales, entre ellos Jean Marsh y Gordon Jackson, deseaban abandonar la serie. Sin embargo, se les convenció para que participaran en una última temporada que culminaría en la Gran Depresión. La trama de las cinco temporadas tiene lugar entre 1903 y 1930. El estilo de la serie era teatral, rodada en decorados y raramente contando con alguna escena en exteriores.

Los personajes de Sarah Moffat y Thomas Watkins gozaron de tal popularidad, que pasaron a contar con una serie titulada “Thomas y Sarah” (1979) que solo contó con una temporada de trece episodios.

Tres meses después del estreno de la exitosa serie “Downton Abbey” (2010), se optó por estrenar una segunda parte de “Arriba y Abajo” (2010). Del reparto de la primera serie, solo Jean Marsh regresó para interpretar a Rose Buck. La serie contó con nueve episodios dividida en dos temporadas. Jean Marsh no regresó para la segunda temporada, y tras romperse el vínculo con la serie original se optó por cancelarla. La trama de la segunda serie tuvo lugar entre 1936 y 1939, llegando al estallido de la Segunda Guerra Mundial.

NOTA PERSONAL

La verdad es que he visto la serie completa en los últimos meses. Mi interés en ella se originó tras ver “Downton Abbey”, serie que había dejado completamente fascinado. Debo reconocer que “Arriba y Abajo” tiene un estilo considerablemente diferente, aunque se puede apreciar que “Downton Abbey”, tomó muchas ideas de la serie.

El mayor problema de “Arriba y Abajo” es el constante ir y venir de muchos personajes, con lo cual apenas hay tiempo para desarrollar afecto hacia ellos. También es verdad que me pareció mucho más realista en determinados episodios. Curiosamente, como espectador me sentí mucho más interesado en los personajes de “Abajo”, el servicio. Sus vidas me parecían mucho más interesantes. Los personajes de los hijos de “Arriba”, James y Elizabeth Bellamy me parecían detestables y nunca logré desarrollé interés o empatía alguna hacia ellos. Agradecí que cuando el personaje de Elizabeth desapareció, crearan el de Georgina que era infinitamente más empático e interesante.

La temperamental cocinera, la Señora Bridges, me parecía bastante genial e incluso divertido; así como su pinche de cocina Ruby Finch, que era simplemente desternillante. Sarah Moffat fue un personaje al que lamenté ver partir, pues me parecía brillantemente desarrollado como la doncella que deseaba ser algo más, pero que terminaba metiéndose en constantes problemas.

También me encantó el personaje de Hazel, lamentando verlo desaparecer. Pero de lo que no me cabe ninguna duda es que Jean Marsh era quien más destacaba, con un personaje perfectamente desarrollado y al que era imposible no tomar cariño. Su episodio por excelencia era aquel en que acababa arrestada al intentar evitar que la Señorita Elizabeth acudiera a una manifestación sufragista. Ese mismo episodio me hizo odiar al personaje de Elizabeth. A James Bellamy lo detesté fervientemente desde su primera aparición.

La primera temporada no tenía una trama conexa de episodio a episodio, pero a pesar de esto cuenta con algunos de los eventos más trágicos, sobre todo cebándose en el personal del servicio. Es elogiable que a pesar del cambio de reparto y un estilo teatral, del cual yo no soy gran fan en televisión, la serie logre absorber tanto como me ha pasado a mí, que la he visto de un tirón. Lo más dificultoso en una serie es que muchos personajes desaparezcan tras la partida de determinados actores.

“Arriba y Abajo” triunfó donde “Downton Abbey” no lo ha logrado, generando personajes que crearan gran interés que reemplazara a los desaparecidos. Una serie teatral rodada en decorados interiores también se enfrenta a dificultades, pero la serie logró que los espectadores quedaran cautivados igualmente. Con razón la serie fue elogiada por la crítica y los espectadores de todo el mundo, logrando además hacerse con numerosos premios. Raramente hacen series así en la actualidad.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA (1903-1908): En el número 165 de Eaton Place, en Londres, reside la familia Bellamy, perteneciente a la alta sociedad. El Vizconde Richard Bellamy es miembro del Parlamento por el Partido Conservador. Está casado con Lady Marjorie Talbot-Carey, con quien tiene dos hijos. El Capitán James Bellamy, en la veintena temprana y la adolescente Elizabeth Bellamy. Durante los años 1903 y 1908, Lady Marjorie tiene una breve aventura con un joven amigo de su propio hijo, hasta que se percata de su error y decide poner fin a la relación.

James Bellamy siente una cierta atracción hacia una de sus criadas Sarah, aunque se muestra arrogante y malcriado. Sin embargo, inicia una relación con ella años después al descubrir que se ha convertido en cantante de variedades. Elizabeth Bellamy regresa de sus estudios en Alemania, con ideas controvertidas al haberse convertido en poeta socialista. Su primer interés romántico es el Baron Klaus von Rimmer, quien resulta ser homosexual y se fuga con el lacayo Alfred. Elizabeth termina por conocer al poeta Lawrence Kirbridge, de quien se enamora enfrentándose a sus padres para intentar vivir con él. Sin embargo, su doncella Sarah le convence para que ambos se casen y así contentar y honrar a los Bellamy.

Abajo reside el servicio liderado por el mayordomo, el Señor Hudson. La cocinera es la Señora Bridges, autoritaria y severa aunque queda muy afectada ante el suicidio de la pinche de cocina, Evelyn. La depresión le lleva a robar a un bebé, aunque los Bellamy logran evitar que vaya a la cárcel alegando un desorden mental temporal por los sucesos.

Rose es la primera doncella de la casa, y buena amiga de Elizabeth Bellamy. También se pone al cargo de la nueva doncella Sarah cuando ésta llega a casa. Ambas se hacen buenas amigas, hasta que Sarah se harta del servicio y abandona la casa. Unos años después, Sarah es llevada de vuelta a casa tras sufrir en la pobreza, y ambas retoman su amistad. Sin embargo, Sarah se ve involucrada en una serie de robos y es despedida.

SEGUNDA TEMPORADA (1908-1910): El matrimonio entre Elizabeth y Lawrence no se consuma y acaba en fracaso. Durante el tiempo que dura el matrimonio, Rose siente una atracción hacia el chofer Thomas, pero la relación no se afianza. Sin embargo, Elizabeth queda embarazada del editor de Lawrence y tiene una hija a la que llama Lucy. Elizabeth se convierte en sufragista, y es arrestada junto a Rose cuando la doncella intentaba llevarla de vuelta a casa. Elizabeth no ingresa en prisión gracias a Julius Karekin, pero Rose sufre un tiempo las penurias de la prisión sin haber sido sufragista. Karekin seduce a Rose para avanzar en sociedad, de forma que al relación no logra durar.

James tiene una aventura con Sarah, a la que deja embarazada. Para evitar el escándalo, James es enviado a la India y Sarah termina por perder el bebé.

Sin embargo, la familia la vuelve a aceptar en el servicio, y Sarah termina por casarse con el chofer Thomas Watkins al quedarse embarazada de él. Los dos ayudan a que no se revele la aventura que Lady Marjorie mantuvo años atrás. Ambos abren un garaje de mecánica, gracias a la ayuda de Richard Bellamy, y dejan la residencia de los Bellamy. Richard Bellamy tiene un reencuentro con su hermano, a quien se enfrenta por su actitud condescendiente. También ayuda a Hudson a quedar bien con su hermano. Con el tiempo, James regresa de la India con una nueva prometida, Phyllis Kingman. Durante la fiesta de cumpleaños de Lady Marjorie, todos los residentes de Eaton Place se enteran de que el Rey Eduardo VII, que estuvo cenando con ellos como invitado especial, ha fallecido.

TERCERA TEMPORADA (1912-1914): Elizabeth termina por casarse con un hombre llamado Dana Wallace y se muda a vivir a América. Lady Marjorie viaja en el Titanic a visitarla y fallece cuando el barco se hunde, dejando devastada a la familia y al servicio que la tenían en alta estima. James rompe su compromiso con Phyllis Kingman, y se enamora de Hazel Forrest, secretaria de su padre. Ambos terminan por casarse aunque Hazel tiene problemas para asumir el papel de señora de la casa, sobre todo ante Hudson. El matrimonio entre James y Hazel parece feliz durante largo tiempo, pero Hazel pierde el niño que esperaba y acaba sumida en una gran depresión. En la casa también se instala Georgina Worsley, hijastra del hermano de Lady Marjorie que también fallece en el Titanic. James siente una atracción evidente hacia ella en plena crisis matrimonial. Sin embargo, Georgina termina por prometerse con Billy Lynton. En el servicio, Alfred reaparece tras haber asesinado a su antiguo amo y amante, y termina por ser ahorcado para disgusto de Rose.

Por otro lado, Rose está a punto de casarse con un granjero australiano, Gregory Wilmot, pero se echa atrás en el último momento. La Señora Bridges también está a punto de formalizar su relación con un mercader que le suministra pescado, pero se echa atrás al verle borracho y faltándole el respeto. Una nueva doncella llamada Daisy llega a la casa, y pronto comienza una relación con el lacayo Edward. Estalla la Primera Guerra Mundial y James se alista en el ejército. Hazel que estaba a punto de abandonarle, decide permanecer en Eaton Place a petición de Richard.

CUARTA TEMPORADA (1914-1918): Con Inglaterra involucrada en la Primera Guerra Mundial, James ejerce de oficial en la batalla. Luchando en Francia, resulta gravemente herido. Sin embargo, es atendido por la propia Georgina, que ha ingresado en el cuerpo de enfermería. Aunque inicialmente tiene dificultades para adaptarse a la dura vida de enfermera, con el tiempo consigue mejorar, mostrando gran entrega.

Richard y Hazel acuden a recoger a James, que poco a poco se recupera en su casa. Edward también decide ingresar como oficial, pero antes de partir contrae matrimonio con Daisy. Sin embargo, no tarda en sufrir fuertes de pánico debido a la experiencia de luchar en el frente en Francia. Hudson es rechazado por el ejército, pero contribuye en los Servicios Especiales de Londres, poniendo orden en crisis como los bombardeos alemanes sobre la ciudad. Rose trabaja adicionalmente vendiendo tiques de autobús, y se reencuentra con Gregory y ambos deciden comprometerse de nuevo. Sin embargo, Gregory fallece en el frente dejando a Rose devastada, aunque también le deja una cuantiosa herencia. La Señora Bridges lidia con su nueva pinche Ruby, quien durante una temporada trabaja en una fábrica de munición. Dicha fábrica es bombardeada dejando a Ruby bastante traumatizada, y haciendo que vuelva a Eaton Place. Richard conoce a Virginia Hamilton, con la que choca inicialmente. Sin embargo, pronto le coge afecto y la ayuda cuando su hijo Michael es considerando culpable de cobardía en el frente.

Michael termina por morir en combate, y la perdida hace que Virginia conecte con Richard a un profundo nivel. Ambos se enamoran y no tardan en prometerse en matrimonio. Hazel contrae la Gripe Española y fallece mientras duerme. Su entierro coincide con el final de la guerra, y deja a toda la familia devastada.

QUINTA TEMPORADA (1919-1930): Aunque desea vivir en una casa diferente, Virginia accede a vivir en Eaton Place con Richard. La acompañan sus hijos Alice y William, que no tardan en ganarse en afecto de todo el servicio, hasta que parten para llevar a cabo sus estudios. Edward y Daisy acaban sumidos en la pobreza y pierden un hijo que esperaban debido a la hambruna. Por este motivo, ambos vuelven a ser acogidos en el servicio de Eaton Place. Edward será el chofer y Daisy la doncella personal de Georgina. Por otro lado, Rose se convierte en doncella personal de Virginia Bellamy. Hudson se enamora de una nueva doncella llamada Lily, pero no es correspondido y la joven abandona el servicio.

Georgina se sumerge en una vida alocada de fiestas, y se ve enfrentada al suicidio de un joven al que ha rechazado. James no logra avanzar en la vida, fracasando en su intento de iniciar una carrera política. Enamorado de Georgina, también es rechazado por la joven. Debido a esto decide visitar a su hermana en América, y regresa tras haber ganado bastante dinero en inversiones. Sin embargo, termina por perderlo todo en el Crac del 29; y provoca que Rose también pierda toda su fortuna al aconsejarla para que también invierta en bolsa. Cansado de sus constantes fracasos, James se quita la vida de un disparo en la boca. Georgina sienta la cabeza cuando el futuro Duque Robert Stockbridge prueba su inocencia en un accidente de coche en que fallece un ciclista. Ambos terminan casándose y deciden llevarse a Edward y Daisy como mayordomo y doncella personal respectivamente. Hudson y la Señora Bridges se casan y abren una casa de huéspedes, llevándose a Ruby con ellos. Richard se jubila y parte a residir a Dorset con Virginia. Ambos se llevan a Rose con ellos. Rose es la última persona en abandonar Eaton Place, recordando todas las experiencias vividas allí.

ESCENA

Solo he encontrado una recopilación breve de escenas de la serie, desde su comienzo hasta su final.

FECHA DE ESTRENO

26 de Marzo de 1986

TITULO ORIGINAL

The Money Pit

DIRECTOR

Richard Benjamin

PRODUCTORES

Kathleen Kennedy, Art Levinson, Frank Marshall

GUION
David Giler

REPARTO

Tom Hanks (Walter Fielding), Shelley Long (Anna Crowley), Alexander Godunov (Max Beissart), Maureen Stapleton (Estelle), Joe Mantegna (Art Shirk), Philip Bosco (Curly), Frankie Maison (James), Frankie Faison (James), Josh Mostel (Jack Schnittman), Yakov Smirnoff (Shatov), Carmine Caridi (Brad Shirk), Brian Backer (Ethan), Mia Dillon (Marika), John van Dreelen (Carlos), Douglass Watson (Walter Fielding, Sr), Tetchie Agbayani (Florinda Fielding), Michael Jeter (Arnie), Billy Lombardo (Benny)

CINEMATOGRAFÍA

Gordon Willis

BANDA SONORA

Michel Colombier

DISTRIBUIDA POR:

Universal Pictures

DURACIÓN
91 minutos

WALTER FIELDING: “Es un carpintero cojonudo.”

ANNA CROWLEY: “Me ha metido mano.”

WALTER FIELDING: “Él solo ha visto a una tía que está de puta madre, una tía buena. No te conocía.”

ANNA CROWLEY: “Y yo no te conozco a ti.”

WALTER FIELDING: “¿Sabes lo difícil que es encontrar a un buen carpintero? Además creo que tiene un hermano que es fontanero.”

ANNA CROWLEY: “¿De veras? ¿Un hermano fontanero?”

WALTER FIELDING: “Eso me ha dicho.”

ANNA CROWLEY: “¿Tengo que acostarme con él?”

WALTER FIELDING: “Quizás solo esta vez.”

CURLY: “Hablando con franqueza, hubo un momento en el que llegué a pensar que nunca podríamos reconstruir esta casa. Pero no ha quedado mal.”

ANNA CROWLEY: “Está preciosa Curly.”

WALTER FIELDING: “Es cierto. Mucho mejor de lo que había imaginado.”

CURLY: “Oh, gracias, gracias, muy amable. Aún queda una cosa, su llave. Es la única que tengo. ¿Quién la quiere? Bueno la dejaré en la barandilla. No tendrán problemas para vender la casa. Los hermanos Shirk les darían un millón de dólares mañana mismo.”

WALTER FIELDING: “Estupendo.”

CURLY: “No, no ha sido nada fácil. Pero los cimientos son buenos, eso es cierto. Y si son buenos, todo lo demás se puede arreglar.”

CURIOSIDADES

La película es el primer remake de otra titulada “Los Blandings ya Tienen Casa” (1948). El segundo remake sería siete años después con la película sueca “Drömkåken” (1993) El tercer remake fue “Una Casa Patas Arriba” (2007).

Steven Spielberg fue el productor ejecutivo de la película, la cual se convirtió en su primera colaboración con Tom Hanks. Ambos procederían a colaborar en numerosos proyectos a partir de entonces.

El comienzo del rodaje fue retrasado debido a que Shelley Long estaba embarazada. Tras el nacimiento de su hija Juliana, a actriz comenzó su trabajo incluyendo todas las escenas físicas que se requerían de ella sin problema alguno. Durante los descansos del rodaje, Tom Hanks pasaba el tiempo conduciendo el coche “Lincoln Model L” utilizado en la película. En la escena en la que el pintoresco equipo de demolición llegaba a la casa, se utilizó a moteros a Moteros del Infierno, una tribu motera, para formaran parte del mismo. La escena en la que el pavo sale disparado del horno fue ensayada una y otra vez mediante el uso de un balón de football. El mayor problema al que los productores se enfrentaron, fue el de encontrar una mansión de gran tamaño, cuyos propietarios permitieran fuera parcialmente demolida. La familia Ridder era la propietaria de la casa utilizada en la película.

La dirección verdadera de la casa es “199 Feeks Lane”, en Locust Valley, Nueva York. La casa estaba a la venta cuando la película comenzó a rodarse. La Señora Ridder, copropietaria de la casa utilizada en la película, se quedó en shock al ver como la casa era demolida parcialmente. Tras esto, el director Richard Benjamin la convenció para que apareciera en las últimas escenas del film, una vez el equipo de producción había restaurado la casa completamente. Se construyó una réplica de la parte frontal de la mansión en la parte de atrás de la misma, de forma que cuando el espectador la contemplara estuviera viendo en realidad la parte trasera. La mansión utilizada en la escena final de la película, que tiene lugar en Rio de Janeiro, se encuentra en Coconut Grove, sur de Miami, en Florida. En la realidad es conocida como Villa Vizcaya.

La película fue una de las tres en las que Tom Hanks ejerció de protagonista en el mismo año. Las otras dos películas fueron “Nada el Común” y “Mil Veces Adiós”. Se consideró contratar a Kathleen Turner para interpretar el papel femenino protagonista de Anna Crowley.

En aquel momento, Kathleen Turner estaba enfrentada a la “20th Century Fox” debido a que no deseaba participar en “La Joya del Nilo”. La actriz intentó utilizar la oferta para trabajar en “Esta Casa Es Una Ruina” como parte de un plan para negociar su situación. Sin embargo, fueron muchos los que pensaron que solo estaba intentando cobrar más dinero. Los personajes de los hermanos Shirk recibieron ese nombre porque deriva de la palabra en inglés “Shirk” (eludir, holgazanear, evitar). Evidentemente, esto se debe a que ambos evitan cualquier involucración con el proyecto de la casa, y ni siquiera vuelven a aparecer tras ser contratados, delegándolo todo. La idea inicial era la de estrenar las película durante las Navidades de 1985, pero el estreno tuvo que ser retrasado hasta marzo de 1986.

NOTA PERSONAL

Esta fue la primera película de Tom Hanks que vi en el cine.

Recuerdo que era un preadolescente, y que la razón por la que fui a ver la película fue bastante inmadura, quería cabrear a mi primo. No tenía una muy buena relación con él, chiquilladas, y un día llegó del cine tras ver esta película. Con su chulería adolescente hizo un juego de palabras con el título alegando que “Esta Peli es una Ruina”. Inmediatamente, decidí que había que ver esa película, pues tenía que ser muy buena. A día de hoy me llevo muy bien con mi primo.

Acudí a ver la película, y la encontré hilarante y original. Desde aquel momento, Tom Hanks se convirtió en mi actor de comedias favorito. Me convertí en gran fan de sus películas y, aunque admiro mucho su trabajo posterior dramático, siempre he añorado su vena cómica. Es verdad que esta no es su mejor película de comedia, siendo mi opinión que lo es “Big”, pero está muy cerda de las mejores para mi gusto. Añadido a esto, Hanks hace una excelente pareja con Shelley Long, que también me encantaba durante su participación en la serie de televisión “Cheers” (1982).

Pero es que además, la película cuenta con personajes secundarios desternillantes, desde el equipo de demolición a los contratistas hermanos Shirk, pasando por la galería de cantantes y grupos musicales a los que el personaje de Fielding representa.

Es una secuencia tras otra de situaciones sin sentido, pero desternillantes. Hay pequeñas escenas que activan la carcajada de forma inmediata, como la del cantante preadolescente que tiene a su madre de doncella personal, o la del grupo musical de travestis. Pero la guinda del pastel se la lleva la casa y la sucesión de desastres que van provocando su venida abajo. La llegada del equipo de demolición es legendaria, así como la breve aparición de los hermanos Shirk, estando aderezadas con diálogos inesperados y francamente divertidos. Tom Hanks no solo hace gala de sus dotes cómicas gracias al original guion, sino que resulta hilarante en momentos de expresividad física, que convencen sobre la desesperación de su personaje al verse sumergido en un problema tras otro.

Todos estos factores consiguen que la película carezca de un solo momento lento, aburrido o fuera de lugar. Toda la trama se convierte en una sucesión de momentos divertidos que no dan descanso al espectador. En el fondo, la casa no deja de ser una alegoría de una relación aparentemente perfecta, pero que revela tener multitud de defectos. A través de duro trabajo y reparaciones costosas y de largo tiempo, tanto la casa como la relación entre Walter y Anna quedan solventadas. Finalizo señalando que esta es una de esas raras ocasiones en la que una película no envejece y su trama es perfectamente aplicable al presente.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Walter Fielding es un joven abogado que mantiene una relación con un Anna Crowley, una violinista. Su padre se casa con una joven de edad bastante inferior llamada Florinda en Rio de Janeiro, tras malversar millones de dólares de sus clientes músicos.

Al día siguiente, la pareja se entera que debe abandonar el apartamento en el que residen, ya que pertenece al exmarido de Anna, Max Beissart, un egocéntrico director de orquesta que regresa de Europa. El fracaso en su matrimonio es lo que ha provocado que Anna se resista a casarse con Walter. Max regresa decidido a recuperar su relación con Anna, que se niega rotundamente a aceptarle, asegurando querer a Walter. A pesar de estos problemas, Walter contacta con un inescrupuloso agente inmobiliario llamado Walter. Este asegura haber encontrado una ganga, una casa de un valor de un millón de dólares que se vende por solo doscientos mil. Walter y Anna acuden a ver la casa y conocen a la propietaria, Estelle, que asegura necesitar vender rápidamente. El motivo es que su marido Carlos ha sido arrestado por el servicio de espionaje Israelí por haber sido el limpia piscinas de Adolf Hitler. Estelle asegura utilizar velas para ahorrar dinero para los parásitos abogados que llevan el caso. Walter queda encantado por lo que considera una gran oportunidad, y los llantos de Estelle conmueven a Anna por su romanticismo.

Walter acude a su cliente más adinerado, un niño, al que convence para que le preste el dinero necesario para comprar la casa, amenazándole con dejar de quererle si no lo hace.

Ya en posesión de la casa, la pareja comienza a comprobar que esta se encuentra en un estado lamentable. La cama se hunde, la puerta principal se derrumba de su marco, las escaleras se derrumban, el techo del dormitorio comienza a caerse, las tuberías están llenas de porquería, el sistema eléctrico se quema, la bañera cae a través del suelo, la chimenea se viene abajo, hay goteras en una noche de tormenta y un mapache aparece en el montaplatos. Cada vez que Walter intenta reparar algo, lo que sea, vuelve a venirse abajo. A la casa llega un gran carpintero llamado Art Shirk, que inicialmente intenta ligar con Anna. Sin embargo, la pareja decide considerarlo un malentendido debido a que es un gran carpintero, y su hermano Brad es un gran fontanero. Art echa un vistazo a la casa y asegura que tardara dos semanas en realizar las reparaciones, aunque necesitará materiales nuevos pues la madera en la casa está podrida.

Brad llega y exige un cheque de cinco mil dólares, ya que vio las tuberías de la casa tres años atrás y está seguro de que han empeorado. Los presupuestos para realizar las reparaciones se disparan y Walter se desespera poco a poco a pesar de los ánimos de Anna, que decide conseguir más dinero para las reparaciones.

A la mañana siguiente, los hermanos Shirk envían a un pintoresco y amplio equipo a iniciar las reparaciones, y envían a la pareja fuera. Anna se reúne con Max y consigue hacerse con más dinero vendiéndole un cuadro que se había quedado tras el divorcio. Walter regresa a la casa y la encuentra destrozada. El encargado le indica que el equipo volverá cuando tengan el permiso de obras, ya que ni Walter ni Anna estaban presentes cuando llegó el enviado del ayuntamiento. Walter le llama por teléfono y le convence para que acuda a la casa en media hora, pero queda atrapado cuando una alfombra se desliza dentro de un boquete en el suelo. El enviado del funcionario vuelve a marcharse indignado, y Anna llega por la noche encontrando al atascado y desesperado Walter.

Anna le explica que ha conseguido el dinero, pero Walter se siente inseguro ante el hecho de que proceda de Max.

Cuatro meses después, las obras ya llevan un tiempo llevándose a cabo, a pesar de que los hermanos Shirk y los obreros siempre aseguran que las obras tardaran solo dos semanas. Sin embargo, Walter se emociona al ver que vuelven a tener una escalera principal y Anna también lo hace al comprobar que ya tienen agua. Walter parte en un viaje de negocios a Filadelfia, y una agotada Anna accede a salir a cenar con Max. Al despertar en la cama de Max, tras haber bebido mucho, Anna no recuerda que ha ocurrido y Max le confirma que mantuvieron relaciones sexuales. Walter regresa de su viaje y sospecha de forma inmediata al descubrir que Anna cenó con Max la noche anterior. Walter insiste revelando que llamó por teléfono y nadie contestó en casa. Ante su insistencia, Anna termina por reconocer haberse acostado con Max y Walter reacciona enfurecido. Debido a esto, la relación sufre un duro golpe y la pareja tiene un serio enfrentamiento delante de todos los obreros, que aseguran acabaran las obras en dos semanas.

Anna deciden que aguantaran en la casa hasta que las obras finalicen, tras esto venderán la casa y dividirán el dinero para partir cada uno por su lado. Max visita a Anna e intenta que vuelva con él. Sin embargo, al ver que Anna está dispuesta a dejar la orquesta, decide admitir que nunca se acostaron juntos y que mintió en un intento de recuperarla. Max le pide que le cuente la verdad a Walter, pero Anna se niega alegando que no puede perdonarle que no quisiera perdonarla.

Finalmente, las obras llegan a su fin y la casa queda restaurada. El encargado les deja las llaves en la barandilla de la escalera, indicando que cuando los cimientos son buenos todo se puede arreglar. Walter se disculpa y declara que no desea finalizar la relación por lo ocurrido con Max. Ante esto, Anna decide contarle que no llegó a acostarse con Max y la pareja se reconcilia. Tras esto, Walter y Anna se casan en su nueva reconstruida casa, con Max encargándose de la banda nupcial para ambos. Los músicos clientes de Walter también acuden. Mientras tanto, el padre de Walter y Florinda compran una casa en Rio de Janeiro. Los vendedores son Carlos y Stella, que se dedican a vender casas en pésimo estado.

ESCENA

Genial escena del desastre en la cocina y la bañera atravesando techo para caer en el piso de abajo.

FECHA DE ESTRENO

2 de Julio de 2001

TITULO ORIGINAL

Final Fantasy: The Spirits Within

DIRECTORES

Hironobu Sakaguchi, Motonori Sakakibara

PRODUCTORES

Jun Aida, Chris Lee, Akio Sakai

GUION
Al Reinert, Jeff Vintar

Basado en la creación de Hironobu Sakaguchi

REPARTO (VOCES)

Ming-Na Wen (Doctora Aki Ross), Alec Baldwin (Capitán Gray Edwards), Ving Rhames (RyanWhittaker), Steve Buscemi (NeilFleming), Peri Gilpin (JaneProudfoot), Donald Sutherland (Doctor Sid), James Woods (General Hein), Matt McKenzie (Mayor Elliot), Keith David (Miembro del Consejo), Jean Simmons (Miembro del Consejo), John DeMita (Soldado, Técnico de Estación Espacial)

CINEMATOGRAFÍA

Motonori Sakakibara

BANDA SONORA

Elliot Goldenthal

DISTRIBUIDA POR:

Columbia Pictures

DURACIÓN
106 minutos

AKI ROSS: “La quinta fue una niña pequeña. Se moría en una sala de urgencias. Pude rescatar la muestra a tiempo y… le dije que todo tenía espíritu, perros, gatos, árboles, niñas pequeñas, hasta la Tierra. Le dije que no se estaba muriendo, que solo regresaba al espíritu de la Tierra, a Gea. Ella me dijo que estaba dispuesta a morirse. Dijo que no tenía que inventarme historias para consolarla. Siete añitos y estaba dispuesta a morirse.”

GRAY EDWARDS: “Lo siento.”

AKI ROSS: “Tengo trabajo. Tengo que encontrar al séptimo y al octavo espíritu. No, por favor. No te crees nada de esto. ¿Verdad?”

GRAY EDWARDS: “Es que… no sé Aki. ¿Por eso me rechazaste? Deberías habérmelo dicho.”

AKI ROSS: “No sé cuánto tiempo me queda de vida.”

GRAY EDWARDS: “¿Y quién lo sabe?”

CURIOSIDADES

Se trata de una película animada por ordenador y dirigida por Hironobu Sakaguchi, creador de la franquicia de videojuegos de role conocida como “Final Fantasy”. Fue la primera película fotorrealista generada por ordenador y la película más cara inspirada en un videojuego. Ming-Na Wen fue seleccionada para dar voz a la protagonista Aki debido a su similitud con la misma. Ming-Na había descubierto el papel a través de un publicista y declaró que se sintió como su dará a luz con su voz al personaje. Poco a poco, se acostumbró a la dificultad de trabajar sin la presencia y espontaneidad de actores reales, y descubrió que su trabajo de doblaje no requería de tanto tiempo como había imaginado en un principio. Solo tuvo que acudir al estudio una o dos veces al mes durante cuatro meses. El nombre de Aki era el mismo de la madre del director Sakaguchi, que había muerto en un accidente varios años antes de la producción de la película. Su muerte fue lo que llevó a Sakaguchi a reflexionar sobre lo que le ocurría al espíritu tras la muerte, y esos pensamientos resurgieron mientras planeaba realizar la película dando lugar a la hipótesis de Gea.

La película se diferencia de los videojuegos porque estos siempre tienen lugar en mundos ficticios. Sin embargo el tema principal era similar, contando con un grupo de héroes dispuesto a impedir un holocausto global gracias a sus habilidades individuales, consiguiendo conocimientos a través de diferentes retos y haciéndose con la victoria.

Par la producción de la película fue necesario hacerse con cuatro servidores “SGI Origin 2000”, cuatro sistemas “Onyx2”, y ciento sesenta y siete cubículos “SGI Octane”. “Square Pictures”, compañía encargada de la producción, creó un estudio en Hawái para crear la base de la película. Contenía hasta novecientas sesenta estaciones de “Pentium III-930 MHz”. Se grabaron los movimientos de los personajes para utilizar tecnología de captura de movimientos. El animador Matthew Hackett declaró que aunque el la captura de movimientos era efectiva ara muchas de las escenas, había otras en las que los animadores debían añadir movimientos de forma manual. Todos los movimientos de manos y rostros fueron creados manualmente.

Algunos aspectos faciales del General Hein estaban basados en el propio Hackett. Debido a que los animadores no deseaban hacer uso de fotografías reales en la película, todos los escenarios y fondos fueron realizados utilizando pinturas mate. Se necesitaron rodar un total de mil trescientas veintisiete escenas para animar a los personajes digitales. La película consiste en casi ciento cuarenta y dos mil fotogramas que requirieron de una media de noventa minutos cada uno. Para cuando la producción finalizó, “Square Pictures” poseía un total de quince terabytes de arte para la película. Se necesitó de cuatro años de producción y doscientas personas para finalizar el film. Desde el comienzo se había decidido que la película sería rodada en inglés en su totalidad. El título del guion original escrito por Sakaguchi fue “Gea”. Aunque el guion paso por varias revisiones, Sakaguchi quedó satisfecho con el resultado final, declarando que no habría cambiado nada del mismo.

La película tuvo altos costes adicionales al final del rodaje; y se requirieron nuevos fondos para cubrir dichos incrementos y mantener los sueldos del personal. Al final, el coste total de la película fue de ciento treinta y siete millones de dólares, incluyendo treinta millones gastados en la campaña de marketing y otros cuarenta y cinco para construir el estudio en Hawái. El presupuesto original había sido de solo setenta millones.

NOTA PERSONAL

En mi caso, solamente he jugado a uno de los videojuegos de “Final Fantasy”, aunque debo reconocer que lo disfruté mucho. Pero el hecho es que lo hice después de alquilar está película. Aunque la trama me pareció formidable, este tipo de películas tan digitalizadas siempre me han parecido que restan realismo a los personajes. Es evidente que esta película apostó mucho por dicha técnica, que ha sido mejorada, pero me parece que mezclar lo digital con la animación tradicional tiende a funcionar mejor. De todas formas, reconozco que la película es un logro impresionante en cuanto a mejoras de la animación se refiere, es un mero hecho de gusto personal.

Lo más remarcable es la animación de los Fantasmas, logrando convertirlos en una amenaza creíble.

Lo que más me impresionó fue la trama, sobre todo lo referente a la hipótesis de Gea los espíritus como medio para derrotar la supuesta invasión extraterrestre. De nuevo se hace un contraste entre el remedio en aspectos de la naturaleza contra la solución meramente militar que acaba en absoluto desastre. El drama de la película también está presente al contar con muertes inesperadas de algunos personajes principales. Solo objetaría que me hubiera gustado ver un desarrollo más elaborado del villano, el General Hein, que me pareció bastante plano y cliché. En términos generales es una película muy buena y entretenida, a pesar de los escasos defectos.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En diciembre de 2065, la Tierra esta infestada por formas de vida extraterrestres conocidas como fantasmas. Dicha infestación comenzó treinta y cuatro años atrás. Mediante el contacto físico, los Fantasmas consumen el espíritu de todo ser viviente, matándoles de forma instantánea. Sin embargo, si el contacto es leve, solo provocan una infección. Los humanos que han sobrevivido a la invasión se han visto obligados a refugiarse en Ciudades Escudo. Dichas ciudades están protegidas por un escudo de energía que impide que los Fantasmas entren. La Doctora Aki Ross tiene un sueño recurrente, en el que ve un extraño planeta. Con la intención de salvar la Tierra, Aki está convencida de que sus sueños esconden la clave para lograrlo. La doctora se dirige a las ruinas de la ciudad de Nueva York en busca de una forma de vida que ha detectado, cuando es rodeada por Fantasmas. Sin embargo, es rescatada por el Escuadrón “Mirada Intensa” liderado por el Capitán Gray Edwards. Dicho equipo cuenta con Ryan Whittaker, Neil Fleming y Jane Proudfoot.

Aki localiza la forma de vida, una planta que logra extraer. El equipo logra escapar a duras penas, pero Gray está enfurecido por el riesgo que Aki ha corrido, ya que ambos mantuvieron una relación romántica tiempo atrás.

El Escuadrón acude a la Ciudad Escudo 42, en Nueva York. A su llegada todos son escaneados. Aki alega que su nivel de seguridad le permite saltarse la prueba, pero Gray le ordena que lo haga. Sin embargo, Gray resulta haberse infectado al haber entrado en contacto leve con un Fantasma. Aki decide tratarle en una operación de emergencia y consigue eliminar la infección en el último segundo. Tras esto, Aki se reúne con su mentor, el Doctor Sid. El Doctor Sid descubrió la energía de los fantasmas veinte años atrás, y demostró que la misma fuente de energía existía en los humanos y toda forma de vida. También logró utilizar esa energía para crear los escáneres, escudos y tecnología usada contra los Fantasmas. El Doctor Sid ha descubierto que los Fantasmas pueden ser derrotados al reunir ocho espíritus que pueden acabar con ellos.

Junto a Aki, ha logrado reunir a cinco de esos espíritus; y la planta resulta contener el sexto espíritu. Sin embargo, sus ideas no son del agrado del Consejo. En un nuevo sueño, Aki es testigo de cómo su extraño planeta es atacado por extraterrestres armados y otros escapan en naves espaciales.

En una reunión del Consejo, el General Hein insiste en que se utilice el nuevo Cañón Espacial Zeus para destruir a los Fantasmas, cuyo nido está en el meteoro Leonida que aterrizó en la Tierra treinta cuatro años atrás. El Doctor Sid alega que los ataques físicos al meteoro no han tenido efecto alguno, y los Fantasmas reaccionan adentrándose más en el interior del planeta. El Cañón Zeus podría dañar a la Tierra, más concretamente a Gea, espíritu de la Tierra. El General Hein considera la Teoría de Gea algo ridículo, y el Consejo tampoco comparte la teoría del Doctor Sid. Éste revela su proyecto de los ocho espíritus para acabar con los Fantasmas, pero el General Hein vuelve a ridiculizar el proyecto. Aki revela estar infectada al Consejo y que su infección ha sido contenida con los espíritus que han recopilado.

Con los dos últimos la cura sería efectiva al cien por cien y los Fantasmas eliminados. Dicha prueba consigue otorgar algo de tiempo a los doctores, y el Consejo pospone el uso del Cañón Zeus.

Tras la reunión, Gray se reúne con Aki quien revela haberse infectado durante un experimento. Los espíritus recopilados fueron encontrados en la propia Aki, un pez, un ciervo, un pájaro, una niña pequeña que falleció, y la planta. Gray también descubre que Aki le rechazó debido a su infección sin explicarle lo que le había ocurrido. El Consejo le asigna a la Mirada Intensa la misión de custodiar a Aki durante sus próximas incursiones en zona de peligro. El General Hein le ordena a Gray que informe de cualquier comportamiento extraño de la Doctora, ya que ha estado expuesta demasiado tiempo a tejido Fantasma. Mientras tanto, Aki vuelve a soñar con el planeta donde miembros de la misma raza se enfrentan entre sí, deteniéndose para observarla.

El Escuadrón Mirada Intensa se dirige a las ruinas de Tucson, en la zona de la “Misión Limpieza Fantasma”. Un plan que fracasó en eliminar a los extraterrestres provocando una masacre de humanos. El séptimo espíritu es localizado en la Salvomochila del cadáver de un soldado. Sin embargo, el equipo es atacado por numerosos Fantasmas y se ve obligado a escapar en su nave. El estado de Aki empeora debido a un empeoramiento de la infección y un soldado enviado por Hein dispara sobre ella antes de perecer víctima de un Fantasma. Al descubrir lo ocurrido, el General Hein ordena que Gray y Aki sean arrestados y todo el material de la investigación del Doctor Sid requisado. Gray lleva a Aki hasta el Doctor Sid para que implante el séptimo espíritu en ella, y Gray se infiltra en su sueño para apoyarla durante el procedimiento. El sueño de Aki revela que los Fantasmas son los espíritus de los extraterrestres transportados en un meteoro de su planeta de origen cuando fue destruido. Aki logra recuperarse tras la intervención.

Tras ver los sueños grabados de Aki, el General Hein decide considerar a la doctora una amenaza y sus soldados arrestan al Doctor Sid, Aki y el escuadrón de Gray.

Para provocar el miedo del Consejo y obligarles a actuar, Hein Baja parte de la barrera que protege la Ciudad Escudo. Su intención es permitir que algunos Fantasmas logren entrar para provocar el pánico deseado y poder activar el Cañón Zeus. Sin embargo, el plan sale mal y legiones de Fantasmas invaden la ciudad a través de los conductos. La invasión provoca un corte de energía que permite a Sid, Aki, Gray y los demás escapar de sus celdas. Sin embargo, Ryan, Neil y Jane fallecen intentando escapar, víctimas de los Fantasmas. Aki, Gray y el Doctor Sid logran escapar en la nave de la primera. El trauma de la fuga provoca la reconciliación sentimental entre Gray y Aki, que se besan. El trio escanea el cráter del impacto del meteorito, ya que Sid tiene la teoría que un Fantasma puede ser el octavo espíritu. Aunque entrar es una misión suicida, Sid cree poder crear un dispositivo que permita que Aki descargue los siete espíritus que contiene en el último.

El General Hein también consigue escapar en una nave y entra en estación espacial del Cañón Zeus. Allí recibe autorización del Consejo para disparar el Cañón Zeus entregándole los códigos de acceso.

Hein se prepara para disparar sobre el cráter de impacto dónde Aki y Gray se acaban de introducir en una pequeña capsula que desciende desde la nave desde una grúa. Sin embargo, Hein dispara sobre el cráter destruyendo el octavo espíritu y revelando al Fantasma de Gea. Los cables de la cápsula ceden y la capsula cae en el interior del cráter. Aki logra contactar con Hein para explicarle el origen de los Fantasmas, pero el General sigue sin tomarla en serio. Los constantes disparos provocan que el Cañón Zeus se sobrecargue, explotando y acabando con la vida del General Hein.

El Doctor Sid concluye que el octavo espíritu surgió del contacto de un Fantasma con una forma de vida terráquea, representada por Gea. Aki tiene una nueva visión del planeta extraterrestre, donde es capaz de recibir al octavo espíritu gracias a las partículas extraterrestres que contiene su cuerpo. Gray sacrifica su vida al servir de médium para transmitir el espíritu completado en el interior de la Gea extraterrestre. Gracias a esto, la Gea terráquea recupera la normalidad y los Fantasmas ascienden rumbo al espacio, al haber encontrado la paz finalmente. El Doctor Sid extrae a Aki del cráter llevando el cadáver de Gray. Una vez fuera, Aki contempla el planeta libre de la amenaza.

ESCENA

El Escuadrón “Mirada Intensa” localiza a la Doctora Aki en Nueva York, mientras busca al sexo espíritu. Todos son atacados por los Fantasmas.

FECHA DE ESTRENO

12 de Junio de 1987

TITULO ORIGINAL

Predator

DIRECTOR

John McTiernan

PRODUCTORES

Lawrence Gordon, Joel Silver, John Davis

GUION
Jim Thomas, John Thomas

REPARTO

Arnold Schwarzenegger (Alan "Dutch" Schaefer), Carl Weathers (George Dillon), Elpidia Carrillo (Anna Gonsalves), Bill Duke (Mac Eliot), Richard Chaves (Jorge “Poncho” Ramírez), Jesse Ventura (Blain Cooper), Sonny Landham (Billy Sole), Shane Black (Rick Hawkins), R.G. Armstrong (General Homer Phillips), Kevin Peter Hall (Depredador, Piloto de helicoptero), Sven-Ole Thorsen (Consejero militar soviético)

CINEMATOGRAFÍA

Donald McAlpine

BANDA SONORA

Alan Silvestri

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
107 minutos

SUCEDIDA POR:

Depredador 2

PONCHO: “Dice lo mismo que ha dicho antes. Dice que la selva se lo llevó. Billy, tú sabes algo. ¿Qué es?”

BILLY: “Tengo miedo Poncho.”

PONCHO: “Mentira. Tú no tienes miedo a ningún hombre.”

BILLY: “Ahí fuera hay algo que nos está esperando, y no es un hombre. Vamos a morir todos.”

ANNA: “Cuando yo era pequeña encontramos un hombre. Estaba despedazado. Las viejas del pueblo de santiguaron y murmuraron cosas extrañas, cosas raras. ‘El Diablo Cazador de Hombres, solo los años en que hace mucho calor, y este año es uno de ellos’. Hemos encontrado varios hombres. Unas veces aparecían despellejados y otras mucho, mucho peor. El cazatrofeos de hombres le llaman, el demonio que se los lleva como trofeos.”

CURIOSIDADES

Durante unos meses y tras el estreno de “Rocky IV”, una broma comenzó a extenderse por los círculos de Hollywood. Ya que el personaje de Rocky Balboa se había quedado sin oponentes terráqueos, tendría que enfrentarse a un alienígena en una quinta parte si esta llegaba a realizarse. Los guionistas Jim y John Thomas se inspiraron en la broma para escribir una historia. El guion original de los hermanos para la película se tituló inicialmente “Cazador”. La idea fue aceptada por la “20th Century Fox” en 1985 y entregada al productor Joel Silver. Éste se basó en su experiencia con la película “Commando” (1985), para convertir la historia de ciencia ficción en un film de alto presupuesto. Silver procedió a contratar a su antiguo jefe Lawrence Gordon como coproductor y a John McTiernan como director de su primera película de estudio. Antes de éste último se había considerado a Geoff Murphy como director.

El traje original del monstruo era muy diferente del que fue el producto final, diseñado por Stan Winston.

El monstruo original era una criatura desproporcionada y desgarbada, con grandes ojos amarillos y una cabeza similar a la de un perro. Tampoco era tan ágil como se terminó por mostrar finalmente. Poco convencido del producto original del monstruo, McTiernan consultó con Winston cuando el proceso de producción se enfrentó a sus primeros problemas. En un viaje de avión junto al director de “Aliens” (1986), James Cameron, Winston dibujó algunos borradores con ideas sobre el aspecto del monstruo. Cameron sugirió que siempre había deseado ver a una criatura con mandíbulas, lo que terminó por convertirse en parte del icónico aspecto del Depredador.

Silver y Gordon se dirigieron a Arnold Schwarzenegger en primer lugar para ofrecerle el papel protagonista de la película. Para que interpretar al equipo elite de soldados, Silver, Gordon y el coproductor John Davis buscaron a hombres de acción. Carl Weathers, que había destacado como el boxeador Apollo Creed en las películas de Rocky, fue la primera elección para interpretar a Dillon. El profesional de lucha libre y antiguo marine Jesse Ventura fue contratado para interpretar a Blain debido a su formidable físico.

Los Americanos Nativos Sonny Landham y Richard Chaves, y el afroamericano Bill Duke, que había trabajado con Schwarzenegger en “Commando”, fueron contratados como el resto de soldados en la unidad. Como favor al escritor Shane Black, cuto primer guion se había convertido en el éxito de Silver “Arma Letal” (1987), Silver le contrató para que interpretara un pequeño papel. Esto le permitió observar a McTiernan en su primer trabajo como director.

El papel del Depredador fue inicialmente entregado a Jean-Claude Van Damme. La idea era que una estrella de películas de acción pudiera utilizar sus habilidades en las artes marciales para convertir al Depredador en un cazador ágil y con estilo propio de un ninja. Comparado a Schwarzenegger, Weathers, y Ventura, actores conocidos por sus regímenes de culturismo, era necesario un hombre de presencia física para que la criatura tuviera un aspecto y actitud amenazante. Sin embargo, Van Damme no dejaba de quejarse del calor que sufría dentro del traje del monstruo, llegando a perder el conocimiento en una ocasión.

También se quejó de que no aparecería ante la cámara sin el traje en ninguna ocasión. Adicionalmente, el diseño original del Depredador era demasiado difícil de manejar en la selva, e incluso con un actor imponente, no provocaba el suficiente miedo. Todos estos problemas terminaron por provocar que Van Damme abandonara el proyecto y fuera sustituido por Kevin Peter Hall.

Otros compromisos de Schwarzenegger retrasaron el comienzo del rodaje varios meses. Eso le dio a Silver la oportunidad de realizar algunas revisiones del guion. El rodaje comenzó en las selvas de Palenque, México, cerca de Villahermosa, Tabasco en Abril de 1986. Sin embargo, la mayoría de la película fue rodada en Puerto Vallarta, México. “R/Greenberg Associates” creó los efectos ópticos de la película, incluyendo la habilidad del extraterrestre de camuflarse, su punto de vista termal, su sangre brillante, y los efectos eléctricos. Para el efecto de camuflaje, alguien llevaba un traje rojo brillante, del tamaño del Depredador, debido a que era el color más opuesto al verde de la jungla y el azul del cielo.

El rojo era eliminado con técnicas croma, dejando un área vacía. Cuando ambas tomas eran combinadas ópticamente, la jungla grabada previamente rellenaba el espacio vacío. Como había sido rodada con una lente más ancha, se veía una imagen vaga de la criatura que daba la sensación de estar camuflada.

NOTA PERSONAL

Esta es otra película que prueba que no necesita verse a la criatura para crear una atmosfera de suspense y tensión. Curiosamente, nunca he visto ninguna de las películas de la franquicia “Depredador”, y vi la primera al alquilarla simultáneamente con la segunda. Me fascinó la tensión y la habilidad de crear un espacio amplio como la jungla en un espacio claustrofóbico. La temática del cazador también me ha llamado siempre la atención de forma considerable, sobre todo en lo relativo a los trofeos y a las presas que se convierten en retos formidables. Lo más fascinante del Depredador, al que nunca se le llama así en la película, es que es más humano de lo que pueda parecer.

La cultura de la caza como reto personal es un aspecto muy arraigado a numerosas culturas.

El diseño del extraterrestre me pareció simplemente extraordinario. Lo más destacable de la primera película, que se pierde en todas las posteriores de la franquicia, es el misterio del aspecto que se revela al final. Eso no puede ser repetido. Si hay algún defecto en la película es que no se explora demasiado las relaciones entre los personajes que forman la unidad. Se mencionan ciertas amistades y la lealtad, pero no hay nada que nos muestre la intensidad de las pérdidas que sienten cuando van cayendo uno a uno. El personaje de Anna también me parece bastante desaprovechado, sin llegar a desarrollar lazos importantes con el protagonista.

Schwarzenegger vuelve a no defraudar en un papel hecho a su medida en aquella época. Es verdad que a veces parece interpretar a la misma persona en distintas películas, pero no se requiere más de él. En términos generales la película logra enganchar de principio a fin, independientemente del número de veces que se vea.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Una nave espacial desciende sobre la Tierra. El Mayor Alan Schaefer, más conocido como Dutch recibe la misión de rescatar a un ministro y su ayudante cuyo helicoptero se ha estrellado, y se teme que estén en manos de la guerrilla en la selva del país Val Verde. El General Homer Phillips le encarga al equipo de Dutch la misión de rescate, y el equipo será acompañado y supervisado por el Agente George Dillon, antiguo amigo de Dutch y miembro de CIA. Dicha inclusión de Dillon es del desagrado de Dutch a pesar de que ambos sean amigos. El equipo de Dutch cuenta con seis hombres incluido él mismo. Los otros cinco son Mac Elliot, Billy Sole, Blain Cooper, el experto en explosivos y demoliciones Poncho y el radioperador Rick Hawkins.

Al encontrar los restos del helicoptero, el equipo encuentra al piloto sin vida; y cerca del lugar cuatro cuerpos despellejados.

Dutch encuentra sus placas de identificación y los reconoce como miembros de las Fuerzas Especiales del Ejército de Estados Unidos que había entrenado en el pasado. Sin percatarse que son seguidos por algo que usa visión infrarroja, los miembros del equipo encuentran el campamento de la guerrilla local donde Dutch contempla el asesinato de uno de los rehenes. El equipo acaba con los mismos de la guerrilla, pero el ministro era de la CIA y fue asesinado. En el campamento también había asesores militares rusos. Dutch deduce que su equipo ha sido utilizado por Dillon para acabar con ese campamento. Los soldados del helicóptero eran una unidad enviada anteriormente para evitar una invasión con inteligencia militar. Listos para marcharse hacia el punto de extracción, Dillon decide llevarse a una miembro de la guerrilla que han capturado, llamada Anna. La criatura continúa siguiendo y observándoles.

Billy es el primero en sospechar que hay algo que les sigue desde los árboles. Mientras tanto, Anna golpea a Poncho e intenta escapar.

Hawkins la persigue y consigue alcanzar, pero es capturado por la criatura que lleva una especie de camuflaje y se lo lleva con rapidez. El resto del equipo llega hasta una traumatizada Anna, que se limita a decir que la selva se lo llevó. Mientras tanto, la criatura ha acabado con Hawkins y le ha colgado de un árbol. Dutch decide iniciar una búsqueda del cuerpo, pero durante la misma Blain es asesinado por un arma de plasma de la criatura. Enfurecido, Mac comienza a disparar, logrando herir a la criatura que huye. Sin embargo, tras un arduo tiroteo de toda la unidad, la criatura no vuelve a aparecer. El equipo establece un perímetro defensivo; mientras que la criatura, que es extraterrestre y procedente de la nave que llegó a la Tierra, utiliza su propia tecnología para curar su herida.

Al anochecer, Mac confunde un jabalí con la criatura y acaba con el animal, y mientras tanto la criatura se lleva el cuerpo de Blaine dejando a Anna aún más aterrorizada.

Al amanecer, Dutch decide que no pueden seguir camino al punto de encuentro debido a que quien les persigue les está matando uno a uno. Anna explica que vio su sangre cuando Mac le hirió; y Dutch decide acabar con su cazador antes de seguir adelante. Toda la unidad prepara una trampa para la criatura, colocando cables en todos los árboles y dejando una única entrada disponible. Mientras esperan, Anna habla de una leyenda local que habla del diablo cazador de hombres, que se los lleva como trofeos. La criatura aparece pero la trampa fracasa, provocando que Poncho quede seriamente herido. Mac se enfurece y persigue a la criatura y Dillon decide acompañarles pidiéndole a Dutch que se lleve al resto al punto de encuentro. Mac y Dillon logran ver a la criatura camuflada e intentan cogerla por sorpresa. Sin embargo, la criatura logra disparar a través del cráneo de Mac acabando con él. Dillon intenta disparar sobre la criatura, que logra seccionarle el brazo de un disparo. Tras esto, la criatura empala a Dillon acabando con él.

Mientras escapan, Dutch, Anna, Poncho y Billy escuchan los gritos agonizantes de Dillon.

Billy decide quedarse para enfrentarse a la criatura sobre un tronco que sirve como puente, y el resto del grupo vuelve a escuchar su grito agonizante. Tras esto, la criatura alcanza al grupo acabando con Poncho de un disparo e hiriendo a Dutch, que ordena a Anna que corra hasta el helicoptero en el punto de encuentro desarmada. El motivo es que la criatura ignora a las presas desarmadas al no suponer un reto. Dutch corre perseguido por la criatura y acaba saltando por una catarata. Al llegar a la orilla, Dutch queda cubierto de barro la criatura le sigue a través del rio. Sin embargo, el agua provoca que la tecnología de camuflaje no funcione y Dutch ve a la criatura, que lleva un casco, por primera vez. Sin embargo, la criatura no logra ver a Dutch, que se percata que al estar cubierto de barro no logra ser detectado por sus sensores termales a pesar de estar muy cerca. Decidido a vengar a sus hombres, Dutch prepara una serie de trampas con la intención de acabar con la criatura de una vez con todas. Mientras tanto, la criatura arranca la columna vertebral de Billy y el cráneo de Mac como trofeos personales.

Ya preparado, armado con armas improvisadas y cubierto de barro por completo, Dutch atrae a la criatura con un grito. Dutch logra confundir a la criatura deshabilitando su tecnología de camuflaje y provocándole varias heridas menores que detecta gracias a su sangre fluorescente. La criatura logra acorralarle y a pesar de provocar una explosión, Dutch cae en río perdiendo su camuflaje de barro. La criatura le atrapa y considerándole un rival digno de su cacería, decide quitarse su casco revelando su aspecto extraterrestre y desagradable. También se despoja de sus armas de plasma para enfrentarse a Dutch en combate cuerpo a cuerpo. La criatura muestra tener una clara ventaja en la pelea, pero Dutch le conduce hacia un lugar donde ha preparado un contrapeso. Al liberarlo, logra aplastar a la criatura dejándola mortalmente herida. Como última medida, la criatura activa un mecanismo de autodestrucción en su muñeca, riéndose de forma siniestra cuando la cuenta atrás comienza. Dutch logra escapar a la inmensa explosión que acaba definitivamente con la criatura.

Poco después, Dutch es recogido por el helicoptero de evacuación, en el cual Anna se encuentra esperándole.

ESCENA

Sin duda, la escena por excelencia es en la que el Depredador se quita la máscara ante Dutch por primera vez.

FECHA DE ESTRENO

16 de Noviembre de 1933

TITULO ORIGINAL

Little Women

DIRECTOR

George Cukor

PRODUCTOR

Merian C. Cooper

GUION
Victor Heerman, Sarah Y. Mason

Basado en la novela de Louisa May Alcott

REPARTO

Katharine Hepburn (Jo March), Frances Dee (Meg March), Joan Bennett (Amy March), Jean Parker (Beth March), Spring Byington (Marmee March), Douglass Montgomery (Laurie Laurence), Paul Lukas (Profesor Bhaer), Edna May Oliver (Tía March), Henry Stephenson (Señor Laurence), John Davis Lodge (Brooke), Samuel S. Hinds (Señor March), Nydia Westman (Mamie), Harry Beresford (Doctor Bangs), Mabel Colcord (Hannah), Marion Ballou (Señora Kirke)

CINEMATOGRAFÍA

Henry W. Gerrard

BANDA SONORA

Max Steiner

DISTRIBUIDA POR:

RKO Radio Pictures

DURACIÓN
117 minutos

BETH MARCH: “¿No es curioso que sea yo la que diga ahora, lo que tú siempre me dijiste a mí? Para mi tú has sido como una gaviota fuerte y libre, amiga del viento y la tormenta, soñando con volar hacia una playa. Mamá siempre dijo que yo era como un grillo, cantando feliz en el hogar, incapaz de atreverme a abandonarlo. Pero ahora es diferente. No sé cómo expresarlo, pero sé que tú me entenderás. Tú me has comprendido más que nadie. Yo no siento miedo, de veras. Ya no tengo miedo. Sé que no voy a perderte jamás y estoy más unida a ti que nunca, aunque nos separemos. Pero Jo, aunque vaya al cielo, te echaré de menos.”

LAURIE LAURENCE: “¿Podemos ahora volver a los tiempos felices como tú lo querías cuando nos conocimos?”

JO MARCH: “No, nunca más seremos chiquillos Laurie. Aquellos momentos no pueden volver y sería tonto esperarlo. Somos adultos y el tiempo de jugar ya pasó. Solo nos resta querernos y ayudarnos como hermanos lo que nos queda de vida. ¿No crees?”

CURIOSIDADES

Se trata de la tercera película basada en la novela “Mujercitas”, escrita por Louisa May Alcott y publicada en el año 1868. Previamente se habían realizado dos películas mudas basadas en el libro, una estrenada en 1917 protagonizada por Ruby Miller, y la segunda estrenada en 1918 protagonizada por Dorothy Bernard. Esto convierte a la película de 1933 en la primera versión hablada. Sería seguida por otra versión en 1949, protagonizada por June Allyson, y otra en 1994, protagonizada por Winona Ryder. La novela también dio lugar a una miniserie y otra serie de dibujos animados.

Aunque el productor David O. Selznick no recibió crédito alguno por su trabajo, regresó a “RKO Radio Pictures” de “Metro-Goldwyn-Mayer” para supervisar la producción. Esto se debía a que el film era el último que figuraba en su contrato con el estudio.

A pesar de recibir el encargo de dirigir la película, George Cukor decidió seguir a Selznick a “Metro-Goldwyn-Mayer”. Sin embargo también decidió regresar para dirigir la película como favor personal a Selznick. Curiosamente fue muy difícil para Selznick convencer a los ejecutivos de “RKO Radio Pictures” para que produjeran la película. Esto se debía a la creencia de la época de que películas basadas en hechos históricos no eran populares, especialmente una basada en mujeres durante la Guerra Civil Americana. Selznick persistió y la película terminó por convertirse en todo un éxito de taquilla. Debido a dicho éxito, Selznick terminaría por producir “Lo Que el Viento Se Llevó” (1939) a través de su propia compañía de producción, “Selznick International Pictures”, basándose en la novela de Margaret Mitchell.

A petición de Katharine Hepburn el diseñador de vestuario, Walter Plunkett, creó un vestido para su personaje copiado de uno que había llevado su abuela materna, a partir de un ferrotipo que la actriz poseía.

Plunkett también tuvo que rediseñar varios de los vestidos de Joan Bennett para ocultar su embarazo avanzado. Esto se debía a que la actriz había ocultado su embarazo intencionadamente a George Cukor, cuando el director la contrató para que interpretara a Amy March. Inicialmente, Louise Closser Hale iba a interpretar el papel de tía March, pero tras su muerte en Julio de 1933, el papel recayó en Edna May Oliver. Katherine Hepburn también declaró que la película fue una de sus favoritas, en parte debido a lo fácil y agradable que fue trabajar con George Cukor. Declaró que el director había logrado captar perfectamente la atmosfera de la película, la cual se convirtió en una metáfora de la juventud de la actriz. “Theater Guild on the Air” emitió una adaptación de sesenta minutos en la radio en diciembre de 1947. Katharine Hepburn volvió a interpretar su papel en la película.

La película obtuvo un presupuesto de cuatrocientos veinticuatro mil dólares, y cuatro mil personajes trabajaron en el proyecto durante un año.

Tres mil objetos diferentes, incluyendo vestuario, muebles y objetos domésticos fueron replicados tras una cuidadosa investigación. Hobe Erwin, antiguo artista y decorador de interiores, fue contratado para encargarse de la decoración de los decorados. También se encargó de diseñar el interior de la casa de los March, basándose en la casa de la autora Louisa May Alcott en Massachusetts. Las escenas exteriores fueron rodadas en el Lago Lancaster de Sunland, Providencia Rancha en Hollywood Hills, y Warner Bros. Ranch en Pasadena.

El film fue todo un éxito de crítica y taquilla. Logró recaudar cien mil dólares en taquilla durante su primera semana en los cines, logrando llegar a recaudar hasta dos mil dólares. La película se hizo con el Oscar al Mejor Guion Adaptado. También fue nominada a Mejor Película y Mejor Director, pero perdió dichas estatuillas contra la película “Cabalgata” (1933).

NOTA PERSONAL

Soy un gran fan de la novela y de las dos primeras películas habladas, esta de 1933 y la de 1949. Aunque la versión de 1994 no me disgusto, no la considero a la altura de sus predecesoras. También debo reconocer que soy más fan del remake de 1949, por ser la primera versión que pude ver. De todas formas, esta película de 1933 la sigue muy de cerca. Creo que Katherine Hepburn realizó tal impresionante labor, que eclipsa con suma facilidad al resto del reparto aunque sea excelente. Por otro lado, la película defiende el aspecto más importante de la novela, la transición de la niñez a la vida de adulto. Jo March no es simplemente una heroína adelantada a su época, sino que resulta fascinante al mostrar que su punto débil es su negativa a aceptar el cambio de forma inicial. Lo que la convierte en un gran personaje es que todos podemos identificarnos con eso, y Hepburn logra conectar perfectamente con el espectador a través de ese aspecto. Dicho viaje desde la infancia se realiza a través de la inocencia, amistad, y finalmente llegando al amor.

La guerra sirve como transición, aunque el fallo de la película es no mostrar en que momento finaliza la misma. Para mí, la trafica muerte de Beth no deja de simbolizar esa ruptura definitiva con un pasado que ya no puede regresar. De esta forma, el viaje de Jo no deja de ser la aceptación de lo inevitable, el paso del tiempo. Añadido a esto, la película y la novela también cuentan con momentos memorables, entrañables y otros muy divertidos. Pero el mencionado mensaje es lo que la convierte en memorable.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el pueblo Concord, Massachusetts, vive la Señora March con sus cuatro hijas en plena Guerra Civil Americana. El Señor March sirve como Coronel en el Ejército de la Unión, por lo que está ausente. La Señora March trabaja como voluntaria en la Comisión Cristiana, atendiendo a aquellos necesitados o que han sufrido grandes pérdidas debido a la guerra. Meg es la mayor de las cuatro hijas de la familia March, y trabaja cuidando de unos párvulos y como costurera.

Joe es la segunda hija y acude a leer para su Tía March, una anciana de carácter difícil y huraño. Sin embargo, la Tía March decide regalar un dólar a cada una de las cuatro hermanas como regalo de Navidad. Joe tiene un carácter temperamental y algo marimacho. Es aficionada escribir historias dramáticas que a menudo son interpretadas por sus hermanas, soñando con convertirse en una autora famosa. La tercera es Beth, una joven sensible y aficionada a practicar con su desafinado y viejo clavicordio. La más pequeña es Amy, una joven muy hermosa pero a menudo egoísta. Hannah es una anciana que lleva sirviendo a la familia desde que era una adinerada, aunque en la actualidad tenga problemas económicos. La casa de los March está al lado de la mansión del adinerado Señor Laurence, que reside con su nieto Laurie.

Con el dinero de la Tía March Meg decide comprar unos guantes, Amy una caja de lápices para dibujar, Beth una partitura, y Joe un sombrero nuevo. Ese mismo día, la madre de las jóvenes llega con una carta de su padre, algo que supone una enorme alegría para ellas.

La carta conmueve a las cuatro hermanas y Beth tiene la idea de usar el dinero de la tía March para regalarle algo a su madre. Meg decide comprarle un par de guantes nuevos, Joe unas zapatillas nuevas, Beth unos pañuelos bordados y Amy un frasco de colonia. A la mañana siguiente, las cuatro hermanas dejan sus regalos en la mesa para su madre, que ha salido un momento. Al regresar, la Señora March queda profundamente conmovida por el gesto, pero les explica que llega de ayudar a una mujer con seis hijos que no tienen que comer. La familia decide llevarles su desayuno como regalo de Navidad. Las cuatro hermanas también interpretan la última obra de Jo ante los niños locales. Tras la obra, la familia se encuentra con un regalo del Señor Laurence, un almuerzo para todos.

Esto provoca que Joe decida contactar con el joven Laurie, al que acude a visitar al descubrir que tiene un ligero resfriado. El joven Laurie se siente muy solo y envidia a la familia March por la compañía que se dan las hermanas entre sí, a pesar de tener dinero.

Jo le invita a visitarles cuando quiera y ambos forjan una gran amistad. El Señor Laurence también queda impresionado ante el carácter de Jo, a la que aprecia a pesar de sus críticas. El Señor Laurence acompaña a Jo a su casa, mientras Laurie debe estudiar aritmética con su tutor el Señor John Brooke. El Señor Laurence también organiza un baile en su mansión e invita a las cuatro hermanas a asistir. Joe ha sufrido un percance con su vestido, que tiene un parche en la falda debido a una quemadura, y se mantiene apartada durante el baile. Sin embargo, Laurie la acompaña en el hall bailando con ella. El Señor Laurence también queda conmovido por la joven Beth, a la que invita a tocar el piano de su casa cuando lo desee. Meg también conoce a John Brooke, que se alistara en el ejército cuando Laurie regrese al colegio, y ambos inician una relación.

Al día siguiente, Beth decide regalarle unas zapatillas al Señor Laurence como agradecimiento por dejarle tocar su piano.

Laurie también descubre que Jo es aficionada a la escritura y vende a algunas de sus historias al periódico local. Laurie también le revela la relación entre Meg y John, algo que no agrada a Jo que se muestra en contra de los cambios en su vida familiar. De regreso a casa, Jo se muestra enojada ante Meg por dicha relación. En la casa de los March aguarda un regalo para Beth de parte del Señor Laurence, agradecido por las zapatillas que le hizo, un piano. Dicho piano perteneció a una nieta que el Señor Laurence perdió. Beth acude a darle las gracias en persona, y el Señor Laurence la considera a partir de entonces como una nieta.

Poco después llega un telegrama anunciando que el Señor March ha sido herido en combate, y la Señora March parte a Washington para atenderle. La tía March da el dinero justo para el viaje, por lo que Jo decide cortarse el pelo y venderlo para obtener más dinero, conmoviendo a toda la familia. John decide llevar a la Señora March, ganándose aún más el afecto de Meg. Durante su ausencia, Beth cuida de un pequeño niño que muere en sus brazos víctima de la escarlatina.

Beth contrae la enfermedad y el Doctor recomienda que se llame a la Señora March, preparando a todos para lo peor. El Señor Laurence y Laurie se habían adelantado y enviado un telegrama a la Señora March. Para cuando ésta llega Beth ha superado la peor fase de la enfermedad y logra recuperarse. Como regalo adicional, Laurie aparece ante la familia con el Señor March, recuperado ya de sus heridas en combate.

John Brooke decide declararse a Meg, quien inicialmente rechaza su propuesta de matrimonio al pensar que es demasiado pronto. Sin embargo, cuando la tía March les encuentra acusa a John de querer hacerse con su dinero al no tener demasiado como tutor. También señala que Meg debería realizar un matrimonio provechoso que ayudara a su familia. Meg defiende a John alegando que ninguno de ellos está buscando el beneficio económico y que están dispuestos a vivir en la pobreza si es necesario. Por ello, Meg decide aceptar la oferta y ambos se casan. Jo queda devastada por el cambio que esto supone y se percata de que las cosas no volverán a ser iguales.

Laurie acude a consolarla y le confiesa sus sentimientos hacia ella, pidiéndole que le espere para que ambos se casen. Sin embargo, Jo le confiesa que siempre le ha considerado como un hermano, y que no siente lo mismo por él. También le indica que no cree que llegue a casarse nunca. Enfurecido, Laurie le asegura que lo hará aunque no sea con él.

Para cambiar de aires, Jo viaja a Nueva York para trabajar cuidando a unos niños y continuar escribiendo. En una casa de huéspedes conoce al Profesor Bhaer, un lingüista alemán y pobre. Ambos forjan una sólida amistad y atracción mutua debido a los intereses que comparten. El Profesor Bhaer la introduce al mundo de las artes en Nueva York. Jo recibe la visita de la tía March y Amy, que parten hacia Europa en un viaje que ella debía realizar inicialmente. También descubre que Laurie estuvo en Nueva York y también ha partido hacia Europa. Meg y John han tenido gemelos. Sin embargo, el Profesor Bhaer critica seriamente los escritos de Jo, convencido de que puede escribir algo más personal y profundo.

Beth vuelve a recaer y Jo regresa a casa para estar a su lado hasta su muerte. Tras este trágico suceso, Jo decide escribir una novela sobre su hermana. También descubre que Amy y Laurie se han enamorado en Europa, algo que acepta sin problema y con felicidad. Cuando la pareja regresa, Jo y Laurie se reconcilian como buenos amigos. El Profesor Bhaer aparece en casa de los March, habiendo publicado el libro de Jo, el cual considera una gran obra literaria. Allí se declara ante Jo, aunque no puede prometerle fortuna, y la joven le acepta e invita a entrar en la casa con el resto de la familia.

ESCENA

Lamentablemente, solo he logrado encontrar escenas en inglés, incluyendo el tráiler que aquí incluyo.

FECHA DE ESTRENO

7 de Mayo de 2015

TITULO ORIGINAL

Mad Max: Fury Road

DIRECTOR

George Miller

PRODUCTORES

Doug Mitchell, George Miller, PJ Voeten

GUION
George Miller, Brendan McCarthy, Nico Lathouris

REPARTO

Tom Hardy (Max Rockatansky), Charlize Theron (Imperator Furiosa), Nicholas Hoult (Nux), Hugh Keays-Byrne (Immortan Joe), Rosie Hungtington-Whiteley (Espléndida Angharad), Riley Keough (Capable), Zoe Krävitz (Toast the Knowing), Abbey Lee (Dag), Courtney Eaton (Cheedo la Frágil), Josh Helman (Slit), Nathan Jones (Rictus Erectus), John Howard (People Eater), Richard Carter (Bullet Farmer), Angus Sampson (Orgánico Mecanico), iOTA (Doof Warrior), Megal Gale (Valkiria), Melissa Jaffer (Cuidadora de Semillas), Melita Jurisic (Antoinette Kellerman), Gillian Jones (Christina Koch), Joy Smithers (Vuvalini), Quentin Kenihan (Corpus Colossus), Jon Iles (Ace)

CINEMATOGRAFÍA

John Seale

BANDA SONORA

Junkie XL

DISTRIBUIDA POR:

Roadshow Films

DURACIÓN
120 minutos

PRECEDIDA POR:

Mad Max 3: Más Allá de la Cúpula del Trueno

MAX ROCKATANSKY: “¿Y dónde está ese Paraje Verde?”

IMPERATOR FURIOSA: “Muy lejos, rumbo al este.”

MAX ROCKATANSKY: “¿Cómo sabes que ese sitio existe?”

IMPERATOR FURIOSA: “Nací allí.”

MAX ROCKATANSKY: “¿Y por qué te fuiste?”

IMPERATOR FURIOSA: “No me fui. Me sacaron de allí de niña. Me robaron.”

MAX ROCKATANSKY: “¿Has hecho esto antes?”

IMPERATOR FURIOSA: “Muchas veces, pero nunca en un camión de guerra. No me veré en otra como esta.”

MAX ROCKATANSKY: “¿Y ellas?”

IMPERATOR FURIOSA: “Buscan esperanza.”

MAX ROCKATANSKY: “¿Y tú?”

IMPERATOR FURIOSA: “La redención.”

CURIOSIDADES

Siempre habían existido planes para una cuarta película en la franquicia de “Mad Max”, pero el proyecto se enfrentó a problemas financiaros y se sumió en el limbo durante varios años. “Mad Max 3: Más Allá de la Cúpula del Trueno” se había estrenado en el año 1985. En el año 1995, George Miller volvió a recuperar los derechos de la franquicia de manos de “Warner Bros”. Miller había tenido la idea de realizar una cuarta parte en Agosto de 1998, mientras caminaba en una intersección en Los Ángeles. Un año después, mientras viajaba desde Los Ángeles a Australia, la idea se consolidó. Miller concibió una historia en la que merodeadores violentos luchaban por seres humanos, no por gasolina, petróleo u otro bien material. Se decidió rodar la película en 2001 con “20th Century Fox”, pero se tuvo que posponer el proyecto debido a los atentados del 11 de Septiembre. Miller declaró que dicho incidente afectó al presupuesto.

Mel Gibson, que había interpretado al protagonista Max en la trilogía original, anunció que no regresaría para interpretarlo. Añadido a esto, Miller realizó nuevos castings debido a las controversias que rodeaban a Gibson, y a su deseo de que el personaje de Max siguiera siendo joven, un guerrero contemporáneo. En el año 2004, Miller anunció que tenía un guion para la cuarta película, y se dio luz verde para comenzar a rodar en los desiertos de Australia, con un presupuesto de cien millones de dólares. Sin embargo, la ubicación escogida quedó arruinada debido a constantes lluvias. Tras este frenazo, la película quedó inmersa en un hiato debido a problemas de seguridad y restricciones de viajes provocadas por la Guerra de Irak. En Noviembre de 2006, Miller declaró que tenía la intención de realizar la película, y confirmó de forma definitiva la ausencia de Gibson. El guion había sido revisado por Brendan McCarthy, que también había diseñado muchos de los nuevos personajes y vehículos. Sin embargo, Miller volvió a confirmar su deseo de hacer la película en 2007, y corrieron rumores de que se estaba considerando a Heath Ledger para el papel, justo antes de su muerte en el año 2008.

Pero el proyecto no arrancaba y en el año 2009 se anunció que existía una película animada en 3D en preproducción, con la trama de “Furia en la Carretera”. Miller llegó a citar a Akira Kurosawa como inspiración para dar un nuevo rumbo a la franquicia. Se calculó que el proyecto ocuparía un total de dos años, estrenándose en 2011 y 2012, pero nunca más se supo de estas ideas. Miller terminó por cambiar de idea y encontró otra ubicación para una película de imagen real en el año 2009. El rodaje comenzaría en Broken Hill, New South Wales en el año 2011. En 2009, se comenzó a negociar con Tom Hardy para que interpretara al personaje de Max, y el actor lo confirmó un año después. También se anunció que Charlize Theron tendría un papel importante en la película. En Julio de 2010, Miller anunció sus planes de rodar dos películas de Mad Max simultáneamente “Mad Max: Furia en la Carretera” y “Mad Max: Furiosa”. Inicialmente, Weta Digital se involucró con el proyecto, y se anunció su estreno para el año 2012.

La compañía iba a encargarse de efectos visuales, maquillaje, y diseños de vestuario, hasta que la producción se retrasó una vez más. En Noviembre de 2011, el rodaje se trasladó de Broken Hill a Namibia, porque las fuertes lluvias habían provocado el crecimiento de flores salvajes en el desierto, lo que arruinaba el aspecto de la película. Otras ubicaciones potenciales fueron el Desierto Atacama en Chile, Túnez y Azerbaiyán. En julio de 2014 se finalizó por fin la última revisión del guion. Miller decidió que la trama de la película sería la de una persecución constante, con poco dialogo y más énfasis en lo visual. El director parafraseó a Hitchcock declarando que deseaba que la película fuera entendida en Japón sin necesidad de subtítulos.

NOTA PERSONAL

Esta fue la primera película de Mad Max que vi en el cine, ya que las tres anteriores las había alquilado en su día.

Tuvieron que pasar treinta años para ver una cuarta parte de la franquicia. Mentiría si no admitiera que acudí al cine con nervios considerables y un poco de escepticismo. Sin embargo, debo reconocer que en términos generales la película me encantó. Incluyendo algunos aspectos nuevos en torno a la sociedad apocalíptica, el film tuvo mucho cuidado de respetar la estética de sus predecesoras en lo relativo a personajes y vehículos. La consideré más en la línea de la segunda película, siendo esta todavía mi favorita. Añadido a esto, declararé que me gustó mucho más que la tercera, “Más Allá de la Cúpula del Trueno”. Consideré que fueron dos horas trepidantes que me mantuvieron sumamente enganchado. Además, lo bueno de este típico de películas es que no importa el número de veces que las veas, siempre hay detalles nuevos.

Eso sí, creo que Charlize Theron roba absolutamente toda la película en el papel de Furiosa. Fue tal su peso, que considero eclipsó completamente a Tom Hardy en el papel de Max Rockatansky.

No es que Hardy realiza una mala labor interpretativa, sino que su personaje no fue lo suficientemente potente en el guion de la trama original. Es cierto que resultó raro no ver a Mel Gibson en el papel de Max, pero en este caso iría más allá. El problema fue que la presencia de Theron eclipsaba de forma impactante a los personajes que la acompañaban. Me pareció formidable la ideología de los soldados Media Vida, y su obsesión por alcanzar el Valhalla. El personaje de Nux también me pareció formidable, y su evolución muy cuidada a lo largo de la película. El villano también tiene el peso requerido del antagonista, y me encantó su aspecto visual. Ante esto, el personaje de Max está más diseñado para cooperar, y creó que es la primera vez en la que no es crucial.

Las ubicaciones son extraordinarias. En especial destacaría la Ciudadela como una de las mejores ubicaciones de la franquicia. En términos generales quedé muy sorprendido y satisfecho con la película; y espero que la franquicia siga adelante.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Max Rockatansky sigue su viaje por los páramos desérticos posteriores al holocausto. Tras ser perseguido por una banda es llevado a una inmensa Ciudadela de la que intenta escapar sin éxito alguno. Max es identificado como donante universal de sangre, y es seleccionado para servir de bolsa de sangre para un soldado llamado Nux. La fortaleza es gobernada por el tirano conocido como Immortan Joe y su ejército de Soldados Media Vida. El tirano se está preparando para enviar un convoy a la Ciudad de la Gasolina para poder obtener más combustible, y al Criadero de Balas a por más armamento. La misión será llevada a cabo por su lugarteniente, la mujer conocida como Imperator Furiosa. Sin embargo, Furiosa decide cambiar de rumbo a medio camino ignorando su misión. Immortan Joe es notificado de ello y descubre que sus cinco esposas, especialmente seleccionadas para la reproducción, han desaparecido. Al deducir que Furiosa las está ayudando a escapar, Immortan lidera a su ejército para perseguirla.

Max permanece atado al coche de Nux para que pueda utilizar su sangre. También piden apoyo a la Ciudad de la Gasolina y el Criadero de Balas.

Las fuerzas de Immortan Joe atacan el camión de guerra conducido por Furiosa, y en el tanque del combustible vacío se encuentran las cinco esposas del tirano. Furiosa decide internarse en una inmensa tormenta de arena, logrando evadir a todos sus perseguidores excepto Nux. Dentro de la tormenta de arena, Nux intenta sacrificarse para destruir el camión pero fracasa y su coche es destruido. Una vez pasada la tormenta, Max consigue despertarse y se lleva al inconsciente Nux al que permanece encadenado. Max localiza el camión de Furiosa, que se encuentra reparándola. También conoce a las cinco esposas de Immortan Joe, Capable, Cheedo, Toast, Dag y Espléndida Angharad. La última ya lleva meses embarazada de Immortan Joe. Max intenta obligar a las mujeres a cortar la cadena, pero acaba peleando contra Furiosa. Nux recupera el conocimiento y también participa en la lucha ayudando a Max, e incluso llegando a cortar la cadena.

Sin embargo, Max le golpea y decide marcharse en el camión abandonando a Nux y las mujeres. Desafortunadamente, el camión no tarda en detenerse debido al corte de encendido programado por Furiosa. De esta forma, Max se ve obligado a permitir que las seis mujeres le acompañen justo cuando las hordas de Immortan Joe se encuentran solo a cinco minutos.

Furiosa se percata de que soldados de la Ciudad de la Gasolina y del Criadero de Balas también van tras el camión, y decide conducir a través de un cañón al que logran llegar. El grupo también es atacado por Nux que se ha aferrado al camión, y le dejan caer. Nux es recogido por el ejército de Immortan Joe. El cañón al que Furiosa se dirige está custodiado por una banda de motoristas, con los que ha realizado un trato para obtener el paso a cambio de gasolina. Sin embargo, prometió ir sola por lo que le pide a Max y las esposas que permanezcan ocultos. Los motoristas se vuelven contra Furiosa al ver el ejército que la está persiguiendo, y la mujer regresa al camión para escapar.

Los motoristas también hacen explotar parte del cañón para bloquear el paso de las fuerzas de Immortan Joe. Solamente el cuatro por cuatro de Immortan Joe logra pasar por encima de las rocas, y continúa la persecución llevando a Nux con él. El camión logra despistar a los motoristas, pero sigue perseguido por Immortan Joe que hace que Nux sea lanzado al camión. El tirano lanza una cadena de enganche al camión, pero Angharad logra desengancharla. Sin embargo, cae del camión y es arrollada por el camión de Immortan Joe, perdiendo la vida y provocando que el coche del tirano vuelque.

Furiosa le explica a Max que se dirigen al Paraje Verde, una tierra idílica que recuerda de su niñez. Capable encuentra a Nux en la parte trasera del camión, deprimido por su fracaso, y decide consolarle. Al anochecer, el camión queda atrapado en el barro. Furiosa y Max dejan minas explosivas atrás para detener las fuerzas de Immortan Joe que continúan persiguiéndolos. Immortan Joe detiene a su ejército para intentar salvar al niño que Angharad llevaba dentro.

Sin embargo, el niño está muerto a pesar de que iba a ser genéticamente perfecto. Bullet Farmer continúa la persecución ya ataca el camión, pero Nux decide ayudar a Max, Furiosa y las esposas logrando sacar el camión del lodazal al engancharlo a un árbol. Furiosa ciega a Bullet Farmer, aunque éste continúa la persecución. Max se dirige a su vehículo y acaba con todos, regresando con armas y munición.

Al día siguiente, el camión sigue atravesando el desierto encontrando a una mujer desnuda pidiendo ayuda como parte de una trampa. Furiosa declara su historia y el permanecer al Clan de las Vuvalini, y varias mujeres en motos. Las Vuvalini reconocen a Furiosa como miembro de su clan, habiendo sido secuestrada cuando solo era una niña. Sin embargo, Furiosa queda devastada al descubrir que Paraje Verde se ha convertido en el lodazal que han atravesado. Solo han sobrevivido unas pocas mujeres miembros del clan. El grupo decide partir en las motos en busca de un nuevo hogar, y Max rechaza la invitación de acompañarlas. Sin embargo, cuando Max sufre visiones de una niña que no fue capaz de salvar concibe el plan de invadir la Ciudadela de Immortan Joe, que ha quedado desguarnecida.

Para ello propone que atraviesen de nuevo el cañón usando el camión de guerra para dejar bloqueado el paso a las hordas de Immortan Joe.

El grupo parte a la Ciudadela y es atacado por las fuerzas de Immortan Joe. Las Vuvalini sufren serias bajas y Furiosa resulta gravemente herida al ser apuñalada durante los ataques. Immortan Joe coloca su coche delante del camión; mientras que Max se enfrenta a su hijo gigante Rictus Erectus. Immortan Joe logra capturar a Toast, mientras que Cheedo decide entregarse. Toast logra distraer a Immortan Joe el tiempo suficiente para que Furiosa pueda matarle. Nux sacrifica su vida para acabar con Rictus y estrellar el camión en el cañón, provocando que el paso quede bloqueado por una avalancha. Max salva la vida de Furiosa con una transfusión, y los supervivientes del grupo escapan en el coche de Immortan Joe llegando a la Ciudadela. Allí, los ciudadanos empobrecidos se alegran al ver el cadáver de Immortan Joe. Furiosa es aclamada como nueva líder, y la mujer observa como Max se marcha perdiéndose entre la multitud.

ESCENA

Todas las escenas de la persecución son espectaculares, pero me quedo con la parte dentro de la tormenta de arena.

FECHA DE ESTRENO

11 de Noviembre de 1994

TITULO ORIGINAL

Interview with the Vampire

DIRECTOR

Neil Jordan

PRODUCTORES

David Geffen, Stephen Woolley

GUION
Anne Rice

Basado en su novela

REPARTO

Brad Pitt (Louis de Pointe du Lac), Tom Cruise (Lestat de Lioncourt), Christian Slater (Daniel Molloy), Kirsten Dunst (Claudia), Antonio Banderas (Armand), Stephen Rea (Santiago), Domiziana Giordano (Madeleine), Thandie Newton (Yvette), George Kelly (Artesano de muñecas), Marcel Iureș (Vampiro de París), Sara Stockbridge (Estelle), Nathalie Bloch-Lainé (Doncella), Louis Lewis-Smith (Niño mortal), Nicole DuBois (Mujer Creole), Roger Lloyd Pack (Profesor de piano), Lyla Hay Owen (Viuda St. Clair), Lee E. Scharfstein (Amante de la viuda), Indra Ové (Prostituta de Nueva Orleans)

CINEMATOGRAFÍA

Philippe Rousselot

BANDA SONORA

Elliot Goldenthal

DISTRIBUIDA POR:

Warner Bros. Pictures

DURACIÓN
122 minutos

SUCEDIDA POR:

La Reina de los Condenados

LOUIS: “¿Tiene las respuestas?”

ARMAND: “¿Tiene usted las preguntas?”

LOUIS: “¿Qué somos?”

ARMAND: “Nada, solo vampiros.”

LOUIS: “¿Quién nos ha hecho lo que somos?”

ARMAND: “Seguro que usted sabrá quién le hizo.”

LOUIS: “Sí, pero ¿quién le hizo a él? La fuente de toda esta maldad.”

ARMAND: “Comprendo. Le vi en el teatro, su sufrimiento, su compasión por esa chica. Usted muere cuando mata. Siente que merece morir y nada le limita. ¿Pero es malo por eso? ¿O es que el hecho de comprender lo que usted llama bondad lo convierte en bueno?”

LOUIS: “Así que no hay nada.”

ARMAND: “Tal vez. O tal vez esta sea la única maldad que quede.”

LOUIS: “¿Y Dios no existe?”

ARMAND: “Yo no sé nada de Dios ni del Diablo. Nunca he tenido una visión ni he conocido un secreto que condenara o salvara mi alma. Y por lo que yo sé, después de cuatrocientos años, soy el vampiro más viejo del mundo. ¿Comprende?”

LOUIS: “Entonces es como yo me temía.”

CURIOSIDADES

La autora Anne Rice adaptó su novela “Entrevista con el Vampiro”, publicada en 1976, en un guion de cine. Se trata de la primera novela de una serie de doce hasta fecha de este post. Inicialmente, tenía al actor francés Alain Delon en mente para el papel de Louis. Tiempo después, Anne Rice consideró al actor británico Julian Sands para el papel de Lestat. Sin embargo, a parte de su papel en “Una Habitación con Vistas” (1985), Sands no era my conocido en aquel entonces. Esto provocó que se terminara por rechazarle para el papel, que terminó por recaer en Tom Cruise. Esta elección fue inicialmente criticada por Anne Rice, que llegó a declarar que Cruise era tan parecido a Lestat como Edward G. Morrison podría serlo de Rhett Butler. La autora estaba realmente preocupada con el casting, el cual consideraba extraño y con pocas posibilidades de funcionar.

Sin embargo, cuando terminó de ver el film completo, Rice quedó muy satisfecha con el trabajo de Tom Cruise. Rectificó y declaró que en el momento en el que apareció en pantalla le pareció que era el mismísimo Lestat tal y como le había concebido. Aceptó no haberlo creído posible.

Anne Rice tenía una percepción negativa acerca de la homofobia de Hollywood en aquel entonces. Llegó a reescribir al personaje de Louis convirtiéndole en una mujer, para así heterosexualizar su relación con el personaje de Lestat. En ese momento, Rice sentía que ese sería el único modo de lograr que la película se realizara, y llegó a considerar a a la cantante y actriz Cher para el papel. Cher cooperó con Shirley Eikhard escribiendo una canción para la banda sonora titulada “Lovers Forever”. Sin embargo, la canción terminó por ser descartada en cuanto se optó porque Louis fuera un hombre, y se escogió a Brad Pitt para interpretar al personaje. Inicialmente, River Phoenix recibió el papel de Daniel Molloy, una idea muy bien recibida por Rice. Sin embargo, el actor falleció cuatro semanas antes de que comenzara el rodaje.

Cuando Christian Slater recibió el papel del periodista, el actor decidió donar todo su sueldo a las organizaciones de caridad favoritas de Phoenix. La película incluye una dedicación a River Phoenix al final de los créditos finales. Kirsten Dunst tenía once años en aquel momento, y fue localizada por cazatalentos Fue la primera niña que se presentó a las pruebas para el papel de Claudia, y logró hacerse con el mismo.

La película fue nominada al Oscar por la Mejor Dirección Artística y la Mejor Banda Sonora, pero perdió las estatuillas contra “La Locura del Rey Jorge” y “El Rey León” respectivamente. Casi una década después del estreno de la película, Warner Bros produjo y distribuyó una adaptación del tercer libro de la serie, “La Reina de los Condenados. Tom Cruise y Brad Pitt no volvieron a interpretar a los personajes de Lestat y Louis. Muchos personajes y elementos importantes de la trama fueron eliminados de la película, que en realidad combinó elementos de “El Vampiro Lestat” y “La Reina de los Condenados”. La película fue vapuleada por la crítica, y Anne Rice declaró que su trabajo había sido mutilado.

Durante la preproducción de la película, Rice le había implorado al estudio que no realizaran esa película y se concentrara en adaptar “El Vampiro Lestat”, pero fue ignorada. El resultado fue un fracaso estrepitoso.

NOTA PERSONAL

Pues esta es una de las muchísimas películas que vi durante mi época universitaria, aunque no lo hice en el cine. En aquel entonces casi todo lo alquilaba. Siempre he sido un gran fan del cine de terror y del mundo de los vampiros, por lo que me llevé una muy grata sorpresa con esta película. No conocía los libros ni la trama, y me encontré con una película que no tildaría de terror sino filosófica, con el mundo de los vampiros como fondo. Sin embargo, la sorpresa fue muy agradable. Louis y Lestat son caras opuestas de la misma moneda, el primero se encuentra sumergido en una crisis existencialista, incapaz de abrazar el sadismo y crueldad de Lestat. Sin embargo, encontré al personaje de Lestat fascinante, casi divertido en ocasiones, lo que me pareció un giro sencillamente brillante.

Curiosamente, el personaje de Louis tan amargado y sumido en la desesperación por una vida que tanto detesta, es lo que atrae tanto a Lestat como a Armand. Otro aspecto muy avanzado a la época era un uso de alegorías muy claras a las relaciones homosexuales de los personajes, con lo que también me llevé una gran sorpresa.

Sin embargo, y esto es una opinión muy personal, fue Kirsten Dunst quien me dejó francamente impresionado en este film. Parece inverosímil que una actriz de tan poca edad y experiencia realizara una labor tan sobresaliente en el papel de Claudia. La joven actriz logra convencer en su transición de niña a mujer todavía atrapada en el cuerpo de una niña. Ya de por sí la idea resulta fascinante, pero verla tan bien llevada a cabo es todo un regalo. Personalmente creo que nunca logró superarse más en todos sus papeles posteriores. Si tengo que poner una pega es a Antonio Banderas, que me pareció algo sobreactuado. Opinó que era un error muy frecuente en él durante su trabajo en Hollywood a principios de la década de 1990.

Es una pena, porque creo que tiene algunos de los diálogos más esplendidos. Todas las conversaciones de su personaje con el de Brad Pitt son fascinantes.

A pesar de esta única pega, la película me parece un análisis extraordinario de lo que debe ser la vida de un vampiro, mostrando diferentes estilos que se adaptan con mayor o menor facilidad ante el transcurso del tiempo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En San Francisco y durante la era moderna, un periodista llamado Daniel Molloy ha estado siguiendo a un hombre, convencido de que tiene una historia fascinante. Así conoce a Louis de Pointe du Lac, a quien comienza a entrevistar en un pequeño apartamento. Louis asegura ser un vampiro de doscientos años de edad. Aunque Daniel no le cree, Louis no tarda en probárselo mostrándole algunas de sus habilidades. Fascinado, Daniel comienza a grabar la historia de su vida.

Louis era el dueño de una plantación en Luisiana en el año 1791, contando con veinticuatro años de edad. Acababa de perder a su esposa y a su hijo, quedando sumido en una profunda depresión. Habiendo perdido la voluntad de vivir, se dedicaba a la bebida el juego y las prostitutas, deseando que llegara alguien que acabara con él. A punto de ser asesinado, fue salvado por un vampiro llamado Lestat de Lioncourt en Nueva Orleans, que además bebe su sangre. Lestat siente la angustia de Louis y le ofrece convertirle en un vampiro. Desesperado y harto de la vida, Louis acepta y es transformado. Sin embargo, no tarda en descubrir que parte de ser inmortal y eternamente joven, consiste en beber sangre y matar para ello. Lestat también demuestra ser un sádico que disfruta del asesinato, y de torturar a sus víctimas antes de saciar su sed. Louis se harta de esto y decide alimentarse de ratas y animales. Debido a esto, Louis sufre constantemente en su nueva vida como vampiro.

Cuando Nueva Orleans queda invadida por la peste, Louis localiza a una pequeña niña cuya madre ha muerto víctima de la enfermedad.

Desesperado, Louis no es capaz de resistir el hambre y se alimenta de la joven niña, llamada Claudia. Para que Louis no le abandone, Lestat decide convertir a Claudia en su nueva hija vampiro. Louis desarrolla un fuerte cariño hacia Claudia, que simplemente es considerada como una pupila por Lestat. Claudia demuestra ser una asesina tan letal y astuta como Lestat. Sin embargo, al pasar treinta años, Claudia ha madurado psicológicamente pero permanece atrapada en el mismo cuerpo de una niña. Lestat continúa tratándola como a una niña, lo que la enfurece gradualmente. Finalmente, Claudia descubre su origen así como el hecho de que no envejecerá nunca. Furiosa, le propone a Louis que ambos abandonen a Lestat, a quien engaña para que beba la “sangre muerte” de niños gemelos, a los que ha matado mediante una sobredosis de láudano. Tras esto, Claudia le corta la garganta a Lestat y, con ayuda de Louis, arroja su cuerpo a un pantano. Louis y Claudia deciden iniciar una nueva vida en Europa, pero la noche de su partida, Lestat regresa para vengarse tras haber bebido la sangre de las criaturas del pantano para sobrevivir.

Lestat ataca a Louis y Claudia, pero el primero prende fuego a su cuerpo provocando un enorme incendio. Tras esto, Louis y Claudia logran embarcar y parten rumbo a Europa.

Louis y Claudia pasan años viajando por Europa y el Mediterráneo. Louis desea encontrar algún otro vampiro, deseando resolver preguntas que tiene acerca de su existencia como vampiro, al estar convencido de que tiene que haber algo más. Con el tiempo, Louis abandona su busca y se establece en París con Claudia. Justo cuando había abandonado la idea de encontrar a otros vampiros, Louis se encuentra a Santiago y Armand de forma casual. Armand es un vampiro de cuatrocientos años que de hecho cree ser el más antiguo. Armand le invita a visitar su aquelarre, denominado “Théâtre des Vampires”. El aquelarre se dedica a crear obras de teatro de terror para grupos de humanos, similares a las de Grand Guignol que existieron en Paris desde 1896 a 1963. Durante las obras, los vampiros devoran a alguna victima que han capturado, y los espectadores se limitan a pensar que todo forma parte del espectáculo.

A Louis no le gusta dicho espectáculo, y queda defraudado al ver que Armand no tiene las respuestas que estaba buscando. Santiago ha leído la mente de Louis y sospecha que Louis y Claudia asesinaron a Lestat. Armand explica que existen dos crímenes, matar a un vampiro y crear otro demasiado joven, como Claudia. Tras visitar las catacumbas donde reside el aquelarre, Louis y Claudia regresan a casa.

Louis se siente tentado a quedarse con Armand, considerando que puede aprender cosas que nunca hubiera aprendido con Lestat. Sin embargo, su lealtad hacia Claudia le impide tomar esa decisión. Sospechando las dudas de Louis, Claudia aparece con una mujer humana llamada Madeleine, que está dispuesta a convertirse en vampiro para cuidar de Claudia. Sus motivaciones se basan en la pérdida de su hija, similar a la propia Claudia. A regañadientes, Louis transforma a Madeleine, pero inmediatamente después los tres son capturados por los vampiros de París liderados por el celoso Santiago.

Por la muerte de Lestat, Santiago condena a Louis a vivir encerrado en un ataúd de metal y emparedado para toda la eternidad. Madeleine y Claudia son llevadas a una habitación sin techo, y la luz del sol acaba con ambas convirtiéndolas en ceniza. Armand no intenta evitar esto, pero al día siguiente libera a Louis con la esperanza de que se convierta en su nuevo compañero. Enfurecido, Louise regresa al Teatro donde provoca un incendio sobre los ataúdes mientras los vampiros duermen, acabando con todos. Al salir del Teatro en llamas se enfrenta a Santiago, a quien parte en dos utilizando una guadaña. Armand llega a tiempo de impedir que Louise sea consumido por la luz del sol. Sin embargo, Louis se niega a convertirse en su compañero, al percatarse de que Armand era consciente de su venganza y tampoco hizo nada por proteger a los vampiros con los que había convivido.

Tras viajar por el mundo durante décadas, Louis regresa a América y Louis narra cómo pudo ver otra vez los amaneceres gracias al cine. En la primavera de 1988 regresa a Nueva Orleans, donde encuentra a Lestat en su antigua y quemada mansión. Lestat se ha convertido en un vampiro paranoico incapaz de adaptarse al mundo moderno. Lestat le pide que vuelva junto a él, pero Louis vuelve a rechazar la oferta. Tras acabar la entrevista, Daniel Molloy se ofrece como nuevo compañero vampiro, pero Louis le hace ver que no ha entendido su sufrimiento, atacándole antes de marcharse. Daniel recoge las cintas grabadas de su entrevista y se marcha en su coche. Mientras conduce, es atacado y mordido por Lestat, que toma el control del coche. Lestat le ofrece la opción que él nunca tuvo, convertirse en vampiro. Ambos atraviesan en coche el Puente Golden Gate.

ESCENA

Sin duda, Claudia ha sido siempre mi personaje favorito. Me encanta la escena en la que descubre cuál es su destino.

FECHA DE ESTRENO

17 de Diciembre de 1999

TITULO ORIGINAL

Fantasia 2000

DIRECTORES

James Algar, Gaëtan Brizzi, Paul Brizzi, Hendel Butoy, Francis Glebas, Eric Goldberg, Don Hahn, Pixote Hunt

PRODUCTOR

Donald W. Ernst

GUION
Don Hahn, Irene Mecchi, David Reynolds, Eric Goldberg, Perce Pearce, Carl Fallberg,Gaëtan Brizzi, Paul Brizzi, Brenda Chapman, Elena Driskill, Joe Grant, Hans Christian Andersen

REPARTO

Presentadores: Steve Martin, Itzhak Perlman, Quincy Jones, Bette Midler, James Earl Jones, Penn Jillette, Teller, James Levine, Angela Lansbury

Voces: Wayne Allwine (Ratón Mickey), Tony Anselmo (Pato Donald), Russi Taylor (Daisy)

CINEMATOGRAFÍA

Tim Suhrstedt

BANDA SONORA

Ludwig van Beethoven, Ottorino Respighi, George Gershwin, Dmitri Shostakovich, Camille Saint-Saëns, Paul Dukas, Edward Elgar, Igor Stravinsky

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Pictures

DURACIÓN
75 minutos

CLÁSICO ANTERIOR:

Tarzán

CLÁSICO SIGUIENTE:

Dinosaurio

CURIOSIDADES

Se trata del trigésimo octavo clásico animado de Disney. En el año 1940, Disney estrenó la película “Fantasía”, que entonces fue el tercer clásico animado. La película consistía en ocho segmentos animados que funcionaban con música clásica para narrar sus respectivas historias. La idea inicial era que la película fuera mutando con nuevos segmentos que reemplazaran a los antiguos, de forma que los espectadores nunca vieran la misma película dos veces. Sin embargo, dicha idea fue descartada debido al fracaso de taquilla que supuso “Fantasía”, así como por la variada crítica que había recibido. Tras haber realizado ideas preliminares en nuevos segmentos, la idea quedó archivada en 1942, y no volvió a ser estudiada durante el resto de vida de Walt Disney. En el año 1980, los animadores Wolfgang Reitherman y Mel Shaw comenzaron el trabajo preliminar de una película titulada “Musicana”. El film mezclaría estilos como la música clásica, el jazz, la mitología y el arte moderno, siguiendo el formato de “Fantasía”.

La idea final era presentar historias étnicas procedentes de todo el mundo con música de diferentes países. Sin embargo, el proyecto fue cancelado para concentrarse en ¡Una Navidad con Mickey” (1983), que ni siquiera fue un clásico animado.

La idea de una secuela de “Fantasía” fue retomada poco después de que Michael Eisner se convirtiera en Jefe Ejecutivo de la compañía en el año 1984. Fue el sobrino de Walt Disney, Roy E. Disney, quien le propuso la idea durante una comida tras haberla considerado durante diez años. La idea pareció atrayente pero consideraron que no tenían los medios para llevarla a cabo. El presidente de los Estudios Walt Disney, Jeffrey Katzenberg no mostró interés alguno en la película. En una ocasión había tenido la idea de realizar una película con canciones de Los Beatles en lugar de música clásica, pero André Previn se negó a trabajar en esa idea. Eisner procedió a acudir a Leonard Bernstein con la misma idea. Aunque Bernstein se mostró entusiasta, falleció antes del inicio de la producción.

Cuando “Fantasía” volvió a ser emitida en cines en el año 1990, logró hacerse con una recaudación de veinticinco millones de dólares, y su distribución en video generó nueve millones solamente con encargos. Este éxito inesperado provocó que la idea de realizar una secuela resurgiera siete años después. Eisner dio luz verde para una secuela en el año 1991, y accedió a que la compañía sirviera de productora ejecutiva siempre que su producción fuera financiada por la venta de los videos de la película original. Se escogió a Donald W. Ernst como productor y a Hendel Butoy como supervisor de dirección tras su trabajo con “Los Rescatadores en Cangurolandia” (1990).

Durante la búsqueda de un adecuado director de orquesta, la compañía y el presidente de animación Thomas Schumacher invitaron al director de la Opera Metropolitana James Levine, consiguiendo una reunión en septiembre de 1991. Roy E. Disney le preguntó sobre utilizar una versión de tres minutos de la Quinta Sinfonía de Beethoven, este le respondió que los tres minutos adecuados darían buen resultado.

En Noviembre de 1992, Disney, Schumacher, Levine, Gelb y Butoy se reunieron en Viena para hablar sobre una serie de historias consideradas, y una de ellas era “Pinos de Roma”. Levine se sintió entusiasmado con esa idea, y Butoy le describió como un niño feliz en una tienda de caramelos. Sin embargo, Katzenberg todavía albergaba hostilidad hacia la película, por lo que Disney realizó reuniones de desarrollo sin contar con él e informando directamente a Eisner.

La producción comenzó bajo el título de “Fantasia Continued”, y con la idea de estrenar la película en 1997. El título pasó a ser “Fantasia 1999”, y finalmente se optó por “Fantasia 2000” para coincidir con el supuesto cambio de siglo. Roy E. Disney encargó la mitad del programa de la película para que consistiera de tres nuevos segmentos y uno antiguo. De esta forma, la película estaría ligada a la primera. Al darse cuenta de que la idea no funcionaría, llegó a querer incluir tres números de la primera película. Estos fueron “El Aprendiz de Brujo”, “Danza de las Horas” y “El Cascanueces” durante bastante tiempo.

Al final se eliminó “Danza de las Horas” y se sustituyó “El Cascanueces” por “Rhapsody in Blue”. Esta decisión tuvo lugar tras la respuesta ante numerosas emisiones de prueba. Disney decidió conservar “El Aprendiz de Brujo” para que sirviera de homenaje a la primera película. Dicho segmento fue sometido a restauración digital a manos de Cinesite en Los Ángeles. Disney llegó a considerar utilizar “Claro de Luna” de Debussy, una pieza que había sido considerada para la primera película. La música iba acompañada de dos enormes Garzas Blancas volando a través de los Everglades de Florida durante la noche. Sin embargo, el segmento se descartó al ser considerado como demasiado aburrido. Otra idea que fue descartada fue la de utilizar “Rapsodia sobre un tema de Paganini” de Sergei Rachmaninoff. La historia fue diseñada para tratar sobre como una pesadilla y un sueño normal luchaban para hacerse con el alma de un niño.

El Pato Donald no aparecía en un Clásico Animado de Disney desde el décimo, “Tiempo de Melodía” (1948). Mickey no aparecía en un Clásico Animado desde el noveno “Las Aventuras de Bongo, Mickey y las Judías Mágicas” (1947). Para Daisy esta fue su primera aparición en un Clásico Animado. La película fue distribuida en setenta y cinco cines IMAX. Sin embargo, la secuela corrió la misma suerte que su predecesora, fracasando en taquilla, recaudando muy poco y siendo considerada como la “Locura de Roy E. Disney”.

NOTA PERSONAL

Esta película no la vi en el cine y esperé que saliera a la venta para poder verla. Personalmente creo que quedó muy por detrás de su predecesora. Es cierto que contiene algunos segmentos bastante buenos, pero en términos generales resultan mucho más flojos que los de la original. “Pinos de Roma” es mi segmento favorito con diferencia. La idea de ballenas surcando los cielos me pareció evocadora y dotada de gran belleza.

Tras este escogería el segmento de “Suite de Pájaros de Fuego” con la naturaleza luchando por imponerse a la destrucción del fuego. Sin embargo, como segmento final no tiene la potencia que tuvo “Una Noche en el Monte Calvo”. “Pompa y Circunstancia” también me pareció genial, siendo tierna y divertida al mismo tiempo. También debo decir que siempre he sido gran fan del Pato Donald, de hecho mucho más que de Mickey. El resto de los segmentos son bastante buenos, pero muy por debajo de la calidad de los segmentos de la primera. Tampoco me gustaron las presentaciones a manos de actores famosos, ya que desde mi opinión rompen un poco la línea de la trama de forma abrupta y son innecesarios. Sin embargo, la sigo considerando una buena película que hace buen uso de la música clásica.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

SINFONÍA Nº 5 (Ludwig van Beethoven): Es un corto que hace uso del arte abstracto.

El color representa la fuerza del bien y el negro o ausencia de color la fuerza del mal. Las fuerzas del bien adoptan formas de mariposas y las del mal de murciélagos. Al final, el mundo es conquistado por la luz.

PINOS DE ROMA (Ottorino Respighi): Cuando una supernova explota cerca de un iceberg, las ballenas que residen cerca adquieren la capacidad de volar. Una cría de ballena tiene dificultades para adaptarse, y mientras escapa asustada de un grupo de gaviotas se refugia dentro de un iceberg. De esta forma queda aislada de sus padres. Con el tiempo, logra encontrar la salida con ayuda de su madre y se une al resto de los gigantes cetáceos. Todos parten volando hacia el cielo, atravesando las nubes y una enorme tormenta. Su destino es llegar al espacio.

RHAPSODY IN BLUE (George Gershwin): En el Nueva York de la década de 1930, cuatro personas llamadas Duke, Joe, Rachel y John sueñan con una vida mejor. Duke es un obrero de la construcción que sueña con ser música jazz.

John sueña con una vida más emocionante alejado de su aburrida esposa. Joe está en paro y dedica su tiempo a la búsqueda de un empleo. Rachel es una niña rica que desea pasar más tiempo con sus ocupados padres. Los cuatro están descontentos con su vida y tienen en común su deseo un cambio. Sus estilos de vida representan los de la ciudad de Nueva York, y las vidas de los cuatro se cruzan cuando se encuentran en la pista de hielo del Rockefeller Center, símbolo de sueños, ilusiones y esperanzas. Allí experimentarán la felicidad durante un tiempo en que sus sueños se hacen realidad.

CONCIERTO PARA PIANO Nº 2, ALLEGRO, OPUS 102: (Dmitri Shostakovich): En una casa, el Duende que habita una caja de sorpresas observa siempre a una pequeña bailarina de la que está prendado. Sin embargo, la bailarina siempre le ignora desatando su frustración. Un día aparece un soldado de plomo al que le falta una pierna. Éste se presenta ante la bailarina y le obsequia con una rosa. El amor surge entre ellos, pero los celos del Duende se desatan.

El Duende ataca al soldado de plomo al que le arroja un barco de madera, provocando que caiga por la ventana. El barco también cae y permite que el soldado navegue por las alcantarillas, escapando a la amenaza de varias ratas que le acechan. Sumergido en el mar, el soldado es recogido por pescadores y es encontrado en una caja de dicho producto, logrando pasar de mano en mano hasta regresar a su hogar. Allí, el Duende ha fracasado de nuevo en su intento de conquistar a la bailarina. El soldado vuelve a tiempo de enfrentarse de nuevo al Duende en un duelo de espadas. Durante la batalla, el Duende cae a una caldera y muere consumido por las llamas. El soldado de plomo y la bailarina vuelven a estar juntos.

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES (Camille Saint-Saëns): Un grupo de flamencos está acostumbrado a realizar movimientos al unísono de forma rítmica. Sin embargo, existe uno llamado Punkin que ha optado por ir a contracorriente, gracias al descubrimiento de un yo-yo.

El resto de sus compañeros intenta una y otra vez que Punkin se una a la rutina del grupo, pero fracasan a la hora de intentar doblegar a Punkin. Finalmente, logran arrojar su yo-yo a la rama de un árbol. Sin embargo, Punkin resulta tener muchos más, y termina por derrotar a sus uniformes compañeros.

EL APRENDIZ DE BRUJO (Paul Dukas): Mickey Mouse es el joven ayudante del brujo Yensid. Tras observar como este utiliza su magia para convocar astros por todo el universo, recibe la tarea de rellenar una pila de piedra con agua del pozo. Al no estar Yensid presente, Mickey toma su sombrero mágico y crea un hechizo para que una escoba cobre vida y realice la tarea. Mickey se duerme y despierta al ver que la pila se ha desbordado, e incapaz de detener a la escoba, utiliza un hacha para acabar con ella. Cada astilla crea una escoba nueva que vuelve a intentar rellenar la pila. Mickey se ve desbordado mientras toda la sala comienza a inundarse. Es entonces cuando Yensid llega al lugar, y con un simple gesto pone fin a la crisis iniciada por su aprendiz.

Tras esto, Mickey es arrojado de la sala con un puntapié, pero también con una inevitable sonrisa de Yensid. Tras el corto, Mickey y Stokowski se felicitan por el trabajo conseguido.

POMPA Y CIRCUNSTANCIA, MARCHAS 1, 2, 3 Y 4 (Edward Elgar): Noé ha terminado su arca y acude en busca del Pato Donald para que inicie la tarea de reclutar una pareja de cada especie de animal. Al explicarle la inminente llegada de un diluvio, Donald no le toma en serio por el soleado día que hace. Sin embargo, al escuchar los truenos distantes se percata de que la advertencia va en serio. Con ayuda de Daisy, Donald se presenta ante los animales, que inicialmente se niegan a entrar en el arca. Sin embargo, cuando empieza a llover con fuerza, los animales corren al interior del arca, donde les espera Daisy. Se produce un enorme maremoto, y Donald entra en el arca en el último momento. Desafortunadamente, tanto Donald como Daisy han acabado en lugares distintos de la inmensa arca. Ambos terminan por creer que el otro ha perecido en el diluvio, pero cumplen sus tareas de atender a los animales.

Donald envía una paloma en busca de signos de vida. La paloma regresa con una rama de olivo y las aguas comienzan a bajar, dejando el arca en el Monte Ararat. Daisy es la primera en bajar del arca, pero se percata de que ha perdido un colgante con una imagen de ella con Donald. Mientras tanto, Donald ha permanecido limpiando el interior del arca, y mientras barre encuentra el colgante. Al cogerlo, su mano se encuentra con la de Daisy, y ambos se abrazan alegres por el reencuentro.

SUITE PÁJAROS DE FUEGO, VERSIÓN 1919 (Igor Stravinsky): El invierno llega a su fin. El Rey del Bosque, un alce solitario, acude en busca del Espíritu de la Naturaleza, cuya misión es convocar la vida para que regrese la primavera. El alegre Espíritu comienza a volar por el bosque, fundiendo la nieve y devolviéndolo a la vida con vivos colores. El Espíritu llega a los pies de un volcán, donde sus poderes no logran funcionar. Al internarse en el cráter, el Espíritu despierta accidentalmente al Pájaro de Fuego que vive en su interior. Dicha entidad se extiende por el bosque haciéndolo arder a su paso. El bosque queda reducido a cenizas y el Espíritu deprimido por su fracaso. El Rey del Bosque acude en su busca y logra devolverle la alegría. El Espíritu vuelve a empezar y logra usar sus poderes para restaurar todo el bosque.

ESCENA

Sin duda me quedó con el corto “Pinos de Roma” de las ballenas. Me dejó sin respiración.

FECHA DE ESTRENO

23 de Agosto de 1985

TITULO ORIGINAL

Teen Wolf

DIRECTOR

Rod Daniel

PRODUCTORES

Mark Levinson, Scott M. Rosenfelt

GUION
Jeph Loeb, Matthew Weisman

REPARTO

Michael J. Fox (Scott Howard), Lorie Griffin (Pamela Wells), James Hampton (Harold Howard), Susan Ursitti (Lisa "Boof" Marconi), Jerry Levine (Rupert "Stiles" Stilinski), Matt Adler (Lewis), Kidus Henok (Michael), Jim McKrell (Subdirector Rusty Thorne), Mark Arnold (Mick McAllister), Jay Tarses (Entrenador Bobby Finstock), Mark Holton (Chubby), Clare Peck (Señorita Hoyt), Gregory Itzin (Profesor de inglés), Doris Hess (Profesora de ciencias), Scott Paulin (Kirk Lolley), Elizabeth Gorcey (Tina), Melanie Manos (Gina), Doug Savant (Brad), Troy Evans (Entrenador de los Dragones)

CINEMATOGRAFÍA

Tim Suhrstedt

BANDA SONORA

Miles Goodman

DISTRIBUIDA POR:

Atlantic Releasing Corporation

DURACIÓN
92 minutos

SUCEDIDA POR:

De Pelo en Pecho 2

HAROLD HOWARD: “Creo que es necesaria una explicación.”

SCOTT HOWARD: “¿Una explicación? ¡Dios Santo, papá! ¿Una explicación? Mírame. Mírate tú.

HAROLD HOWARD: “No es tan malo como crees.”

SCOTT HOWARD: “Un momento, un momento papá. ¿Te refieres a que lo sabias? ¿Sabías esto y no me lo dijiste?”

HAROLD HOWARD: “Esperaba no tener que hacerlo. A veces salta una generación. Confiaba en que a ti no te afectaría.”

SCOTT HOWARD: “Pues me ha afectado papá. Me ha dado de lleno en la cara. ¿Qué demonios voy a hacer?”

SCOTT HOWARD: “¿Querrás venir al baile conmigo?”

BOOF MARCONI: “Me lo pensaré.”

SCOTT HOWARD: “¿Eso es un sí?”

BOOF MARCONI: “Sí, con una condición. Tú me llevas al baile.”

SCOTT HOWARD: “Creía que habíamos establecido que…”

BOOF MARCONI: “Tú, Scott Howard, no el lobo.”

SCOTT HOWARD: “No, no, mira. Tengo que ser el lobo. Es lo que todos esperan.

CURIOSIDADES

Se trata de uno de los primeros guiones escritos por Jeph Loeb, quien fue contratado por el estudio tras el inesperado éxito de la película “La Chica del Valle” (1983). El estudio deseaba producir una comedia que apenas costara dinero y que pudiera realizarse en un corto periodo de tiempo. Los costes de producción de “Teen Wolf” terminaron por ser de aproximadamente un millón de dólares. El proyecto tomó forma cuando Michael J. Fox aceptó interpretar al personaje protagonista, ya que su compañera estrella en la serie “Enredos de Familia” (1982), Meredith Baxter-Birney, había quedado embarazada. Esto provocó un retraso en la famosa serie que permitió que el actor participara en “Teen Wolf” a tiempo de regresar para trabajar en la serie.

Jeph Loeb contó con Matthew Weisman para elaborar el guion, y ambos entrevistaron a varios directores para escoger uno para le película. Durante el proceso de selección preguntaron a los candidatos de que creían que trataba la película. La mayoría declaró que se trataba de una película acerca de un hombre lobo. Rob Daniel fue el único que declaró que se trataba sobre la historia de un padre y un hijo, por lo que recibió el puesto de director.

Todo el proceso de producción llevó un total de veintiún días, y las escenas de la transformación en hombre lobo fueron dejadas para el final. El maquillaje de hombre lobo requería de cuatro horas para ser elaborado y aplicado. Sin embargo James Hampton, que interpretaba a Harold Howard, solo necesitó treinta segundos para arrancárselo. Declaró que le hacía sufrir de claustrofobia. El logo de la mascota del equipo de baloncesto “Los Castores” utilizado en la película, era el logo utilizado por “Oregon State University” durante aquella época. “Teen Wolf” fue estrenada en 1985, el mismo año que se estrenó “Regreso al Futuro”, también protagonizada por Michel J. Fox, que catapultaría al actor a la fama.

La película fue estrenada tras “Regreso al Futuro”. La casa del personaje de Scott Howard estaba ubicada en la misma manzana que la de los personajes de George McFly y Lorraine Baines de 1955 en “Regreso al Futuro”.

La película se estrenó en Agosto de 1985, convirtiéndose en la segunda en taquilla durante su fin de semana de estreno. En primer lugar todavía se encontraba la película de “Regreso al Futuro”. Tras su primera temporada en los cines, logró recaudar alrededor de treinta y tres millones de dólares en Estados Unidos, llegando a un total de ochenta millones en todo el mundo. Curiosamente, a Michael J. Fox no le gustó nada la película, razón por la que se negó a participar en la secuela. Durante una entrevista llegó a declarar que lamentaba interpretar a un hombre lobo, mientras Steven Spielberg se encontraba cerca realizando grandes películas. Sin embargo, la película gozó de gran éxito, por lo que fue seguida por una serie de dibujos animados del mismo título en el año 1986.

En el año 1987 llegó la segunda parte titulada en España “De Pelo en Pecho 2”, en la que Jason Bateman interpretó a Todd Howard, primo de Scott. La razón era que Michael J. Fox no deseaba participar en la segunda parte. Se planeó crear una tercera parte con la actriz Alyssa Milano como protagonista, pero no se llegó a producir. Otra versión femenina de “Teen Wolf” se planeó en 1989, pero terminó por convertirse en “Teen Witch: Una Disparatada Bruja en la Universidad”.

En Junio de 2009, MTV anunció que adaptarían “Teen Wolf” en una serie de televisión con énfasis en el romance, el terror, y la mitología detrás de los hombres lobo. Fue creada por Jeff Davis y estrenada en 2011, contando con seis temporadas. Aunque aparecían los personajes de Scott y Stiles, la serie no tenía más que relación que esa con la película.

NOTA PERSONAL

Una de las cosas que más me sorprendió fue descubrir que a Michael J. Fox no le había gustado el resultado final de esta película. Yo la alquilé en video, y recuerdo que la encontré muy divertida. Más que abordar la relación entre padre e hijo, me parecía que la película abordaba ingeniosamente la presión de querer ser popular en el instituto. Lo curioso es que lo entendí perfectamente siendo excelente. La película aborda como el personaje de Scott se va transformando en algo que no es, y se resiste a volver a ser como antes al ser consciente de que perderá su popularidad y volverá a ser un cualquiera. De esta forma, la película crea un mensaje bastante positivo acerca de un problema que todavía sufren los adolescentes, lo importante de ser uno mismo. También agradezco muchos personajes secundarios que me parecieron divertidos, aunque reconozco que nunca entendía la popularidad del personaje de Stiles, que me parecía bastante irritante. Su única intervención que agradecí, fue la escena en la que acepta a Scott a pesar de ser un hombre lobo, alegoría muy ingeniosa que puede ser interpretada de muchas formas.

La verdad es que Michael J. Fox realizó grandes películas en la década de 1980, y comprendo perfectamente que alcanzara tanta popularidad entre el público adolescente.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

A la edad de diecisiete años, Scott Howard es un estudiante de instituto harto de ser considerado del montón. Vive en un pequeño pueblo y juega en el equipo de baloncesto del colegio, conocido como los Castores. Sin embargo el equipo es bastante malo y pierde todos sus partidos. Tras perder contra los Dragones, liderados por su rival Mick, Scott comienza a dudar que deba seguir en el equipo. Sin embargo, su entrenador le convence para que no lo haga. Scott solo es apoyado por su mejor amigo Stiles y su compañera llamada Boof. También siente una gran atracción hacia Pamela Wells, que sale con su gran rival Mick. Cegado por sus propias dudas e inseguridades, no se percata de que Boof siente algo por él. Al volver a casa, Scott comienza a sentir un gran dolor al escuchar un silbato para perros.

También observa como en ocasiones sus manos quedan cubiertas de pelo, que desaparece poco tiempo después. Scott vive con su padre, quien tiene una ferretería.

Su amigo Stiles intenta comprar barriles de cerveza para una fiesta estudiantil que va a tener lugar por la noche, pero no lo consigue al ser menor de edad. Stiles convence a Scott para que intente conseguir el barril. Cuando el vendedor también se niega a vendérselo, los ojos de Scott se tornan rojos y el joven emite una voz grave que provoca que el vendedor le obedezca. Ya en la fiesta, Scott es ignorado de nuevo por Pamela. Durante un juego improvisado por Stiles, Boof y Scott acaban por ser seleccionados para ser encerrados a solas en un armario. Ambos comienzan a besarse dentro, pero Scott se altera mucho ante la situación y araña accidentalmente la espalda de la joven. Boof abofetea al Scott, que regresa a casa bastante agobiado por lo sucedido. Una vez en casa, Scott comienza a sufrir intensos sudores y se encierra en el cuarto de baño. Allí sufre una extraña transformación y descubre que es un hombre lobo.

Su padre llevaba tiempo sospechando que esto podría ocurrir, y revela ser también un hombre lobo. Le explica que esperaba que no le llegara a ocurrir, ya que la maldición a veces saltaba una generación.

A la mañana siguiente, su padre Harold le explica que aprenderá a controlar sus transformaciones, su instinto animal y que estas habilidades le otorgaran un gran poder. También le señala que podrá tener una vida normal, ya que su fallecida madre y él lograron hacerlo sin problemas. En el instituto, Scott se encuentra completamente estresado y con pánico a perder el control. Incluso llega a emitir un aullido en clase de literatura, y está a punto de perder el control en otra. Tras salir corriendo al cuarto de baño, Scott logra recuperar el control a pesar de ser descubierto por el subdirector Thorne, que no siente simpatía alguna hacia el joven. Tras las clases, Scott decide confesarle a Stiles lo que le ha pasado, transformándose ante su amigo. Stiles se muestra muy comprensivo, y le promete guardar su secreto.

Boof también se ha percatado de que algo extraño le está ocurriendo a Scott, y le ofrece su ayuda, pero Scott no se atreve a contárselo a la que ha sido su amiga desde que ambos tenían cinco años.

Todo toma un giro radical durante un nuevo partido de baloncesto. Estresado, Scott pierde el control durante el partido y acaba convertido en hombre lobo durante el mismo. Sin embargo, sus habilidades se incrementan debido a la transformación y le permiten ganar el partido. De esta forma, los Castores ganan su primer partido en tres años. Curiosamente, su estado como hombre lobo incrementa su popularidad de forma ilimitada, e incluso Pamela comienza a prestarle gran atención. Scott se convierte en el alumno estrella del instituto, aunque el subdirector Thorne sigue teniéndole una manía especial. Sin embargo, la popularidad resulta ser algo que Scott no consigue manejar de forma adecuada, y durante posteriores partidos no comparte el juego con sus compañeros. De hecho llega a arrebatarles la pelota en varias jugadas, acaparando todo el partido.

Esto provoca que Boof se aleje de él, mientras Stiles organiza todo un merchandising con el lema de “Teen Wolf” (Lobo adolescente). Pamela le consigue un papel en la obra del instituto y llega a mantener relaciones con él. Sin embargo, tras una cita creada para desatar los celos de Mick, Pamela le confiesa que todavía está interesada en él y que no está interesada en Scott como novio. También le comunica que acudirá al baile de primavera con Mick.

Scott se va enfrentando a más dificultades con el paso de los días. Su amigo Lewis le tiene miedo y le evita, Thorne continúa molestándole y su padre se percata de que casi no va por la ferretería. Harold le explica que años atrás Thorne también estaba enamorado de su madre. Durante un enfrentamiento entre Thorne y Harold, éste último se convirtió en hombre lobo. Thorne se hizo sus necesidades encima del susto, pero Harold también se asustó por la reacción violenta que había tenido. Al día siguiente, Scott decide pedirle a Boof que le acompañe al baile. Boof acepta con la condición de que vaya como humano y no como hombre lobo.

Scott se niega por miedo a perder su popularidad, y Boof acepta a su petición de que por lo menos bailen juntos. Scott termina por acudir solo al baile, donde baila con Boof y se divierte. La joven le lleva al pasillo, donde le besa. El efecto provoca que Scott se convierta en humano de nuevo y regrese al baile como tal. Sin embargo, Mick se enfurece al ver que Pamela tiene más interés en Scott y le golpea. Scott pierde el control, y le ataca rasgándole la camisa. Esto provoca que sus fans se vuelvan contra él. Thorne aprovecha el evento para amenazar a Scott con expulsarle, pero es interrumpido por Harold. Éste le advierte a Thorne que deje a su hijo tranquilo y le recuerda de lo que es capaz. Tras gruñirle, provoca que Thorne se mee encima.

Decidido a cambiar, Scott ensaya la obra como humano, pero el director desea que participe como hombre lobo. Debido a eso, Scott abandona la obra y se plantea no participar en el definitivo equipo del campeonato. El partido es contra los Dragones, y los Castores comienzan a perder de forma radical sin su estrella.

Scott aparece en su forma humana, y se disculpa ante sus compañeros de equipo alentándolos a jugar como un equipo sin hacer uso del hombre lobo. Contra todas las posibilidades, los Castores consiguen jugar como un equipo y remontar su pésimo resultado. Todos los miembros del equipo participan en las jugadas, aportan y marcan tantos. En el último cuarto del partido, a un punto de la victoria, Mick provoca una falta sobre Scott que debe realizar tiros personales. Scott logra marcar los dos tantos como humano llevando al equipo a la victoria. Todo el instituto celebra lo ocurrido y Pamela decide dejar a Mick para estar con el nuevo héroe del momento. Sin embargo, Scott pasa de largo ignorándola y abraza a Boof y ambos se besan. Mick intenta marcharse con Pamela, quien enfurecida acaba con él. Harold se reúne con Scott y Boof en la celebración por la victoria.

ESCENA

Me encanta esta recopilación de escenas en las que Scott acaba por descubrir que es un hombre lobo adolescente.

FECHA DE ESTRENO

22 de Junio de 2015

TITULO ORIGINAL

Terminator: Genisys

DIRECTOR

Alan Taylor

PRODUCTORES

David Ellison, Dana Goldberg

GUION
Laeta Kalogridis, Patrick Lussier

REPARTO

Arnold Schwarzenegger (Guardián), Jason Clarke (John Connor), Emilia Clarke (Sarah Connor), Jai Courtney (Kyle Reese), J.K. Simmons (O’Brien), Dayo Okeniyi (Danny Dyson), Matthew Smith (Alex), Courtney B. Vance (Miles Dyson), Byung-Hun Lee (Policía / T-1000), Michael Gladis (Teniente Matias), Sandrine Holt (Detective Cheung), Wayne Bastrup (Joven O’Brien), Greg Alan Williams (Detective Harding), Otto Sanchez (Matty Ferraro (Agente Janssen), Griff Furst (Agente Burke), Ian Etheridge (Skynet), Nolan Gross (Skynet), Seth Meriwether (Skynet), Willa Taylor (Joven Sarah)

CINEMATOGRAFÍA

Kramer Morgenthau

BANDA SONORA

Lorne Balfe

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
126 minutos

PRECEDIDA POR:

Terminator: Salvation

KYLE REESE: “¿Cómo consigue una niña su Terminator? Vale no tienes por qué contármelo.”

SARAH CONNOR: “Fue en 1973. Mis padres tenían una cabaña en Bird Lake, papá y yo siempre íbamos a pescar por la mañana y mamá nos saludaba desde el muelle. Yo la estaba mirando allí en la… y entonces la cabaña explotó. Yo creí que el bote se hundía, ¿vale? Pero no era agua lo que subía de abajo, era metal líquido.”

KYLE REESE: “Un T-1000.”

SARAH CONNOR: “Papá me dijo que nadara en línea recta, pasándome el dedo por la palma de la mano. ¿Puedes hacerlo? Dijo: solo avanza y no mires atrás. Las últimas palabras que él me dijo y tú las sabías. ¿Cómo?”

KYLE REESE: “Es un recuerdo imposible. Solo te recordaba a ti cogiéndome la mano, y diciendo esas palabras, y yo solo te miraba pensando: es preciosa.”

CURIOSIDADES

Inicialmente, “Terminator: Salvation” había sido creada con la intención de comenzar una nueva trilogía. La producción de la quinta película se retrasó debido a disputas legales con la compañía Halcyon, propietaria de la franquicia que además había entrado en riesgo de bancarrota en agosto de 2009. Para evitar dicha bancarrota, Halcyon decidió vender los derechos de la franquicia otorgándoles un precio de setenta millones de dólares. En Febrero de 2010, la franquicia fue subastada por veintinueve millones y medio a Pacificor, un fondo de cobertura que era el mayor acreedor de los procedimientos de la bancarrota de Halcyon. El trato eliminó toda deuda de Halcyon a Pacificor, garantizando que Halcyon recibiría cinco millones de dólares por cada secuela producida. Pacificor volvió a vender la franquicia en Mayo del mismo año.

En Agosto de 2010, “Hannover House” anunció la idea de crear una película de animación y en tres dimensiones, titulada “Terminator 3000”. Pacificor respondió con una carta exigiendo que se echaran atrás, rechazando una oferta de treinta millones de Hannover sobre los derechos para producir la película.

En Febrero de 2011, Universal Studios consideró el invertir en la quinta película siempre que Arnold Schwarzenegger regresara en el papel protagonista, Justin Lin se encargara de la dirección, y Chris Morgan del guion. En Abril del mismo año, se entregó una propuesta con esas condiciones, excepto la participación de Chris Morgan a Universal Studios, Sony, Lionsgate y CBS Films. Dicha idea fue recogida por Megan Ellison y su compañía de producción, Annapurna Pictures, en Mayo de 2011. Esto sucedió una vez hubieron adquirido los derechos para realizar dos películas de la franquicia en una subasta. El trato fue concluido en Diciembre de 2012, y el precio final disminuyó debido a nuevas leyes de copyright, las cuales levantaban la posibilidad de que los derechos volvieran a manos de James Cameron en el año 2019. El hermano de Ellison, David, y otros miembros de su compañía Skydance Productions aceptaron coproducir la película. Justin Lin tuvo que abandonar el proyecto debido a su compromiso con “Fast & Furious 6”.

Laeta Kalogridis y Patrick Lussier recibieron el encargo de realizar el guion en Enero de 2013. Ambos habían rechazado participar en el proyecto en tres ocasiones, pero James Cameron les convenció para que lo hicieran.

Paramount Pictures tenía un trato de financiación y distribución con Skydance, por lo que aceptaron ser los distribuidores en Junio de 2015. Rian Johnson, Denis Villeneuve y Ang Lee recibieron la oferta de dirigir la quinta película, pero Alan Taylor fue seleccionado en Septiembre de 2013. En Enero de 2014, Megan Ellison anunció que su compañía de producción ya no iba a financiar la película. Skydance y Paramount proporcionarían dicha financiación, y Ellison recibiría crédito como productora ejecutiva. Tras adquirir los derechos de la franquicia, Megan Ellison consultó a James Cameron sobre ideas para la nueva película. Cameron se reunió en repetidas ocasiones con David Ellison para discutir el papel de Schwarzenegger y como respetar la originalidad del T-800.

En Junio de 2013, Schwarzenegger anunció que regresaría para la quinta película en el papel del Terminator. Solamente había dejado de participar en la cuarta película de la franquicia. A principios de Noviembre del mismo año, Garrett Hedlund y Tom Hardy fueron considerados para el papel de Kyle Reese. Ese mismo mes se decidió que el papel de Sarah Connor recaería en Emilia Clarke, Tatiana Maslany y Brie Larson. Clarke terminó por ser seleccionada en Diciembre, en parte debido a su popularidad interpretando a Daenerys Targaryen en la serie “Juego de Tronos” (2011). En Febrero de 2014, el estudio consideró a Jai Courtney y Boyd Holbrook para el papel de Kyle Reese; y Courtney anunció haber recibido el papel a finales del mismo mes. La película fue titulada “Terminator: Génesis” y se decidió que relanzaría toda la franquicia iniciando una nueva trilogía y alterando toda la línea temporal de las anteriores películas. Logró recaudar casi noventa millones de dólares en Norteamérica y trescientos cincuenta en otros territorios globales, acumulando un total de cuatrocientos cuarenta millones.

De toda la franquicia, solo “Terminator 2: El Juicio Final” (1991) logró recaudar más en taquilla. Debido a su presupuesto de ciento cincuenta y cinco millones de dólares, y gastos de casi cien millones en Marketing, se declaró que la película debía recaudar cuatrocientos cincuenta millones para poder ser considerada exitosa. Fue la primera película en recaudar cuatrocientos millones en el resto del mundo, sin llegar a los cien en Norteamérica. A fecha de este post, todavía se desconoce si se creará una sexta película debido a que “Terminator: Génesis” no había alcanzado las expectativas indicadas.

NOTA PERSONAL

Esta quinta película de la franquicia ha generado críticas bastante malas, pero a mí me ha sorprendido bastante. La pude ver en verano en el cine, y me sorprendió porque la franquicia ya estaba acabando con las posibilidades en lo relativo a la trama.

En esta quinta película se introdujo el concepto de la capacidad de alterar la línea temporal de una forma muy original. Me dejó completamente enganchado el poder observar todos los homenajes a las dos primeras películas, y el como la línea temporal cambiaba de forma radical. Pero al mismo tiempo, los personajes debían llevar a cabo determinadas acciones para asegurarse de que dicha línea temporal pudiera ser estable. Al mismo tiempo, los nuevos giros abrían una amplia serie de posibilidades de lo más interesantes, ya que al finalizar el film no sabemos cuándo tendrá lugar el Juicio Final, si lo tiene, o quien envió al Abuelo.

Los cambios en el reparto me parecieron acertados. Emilia Clarke no logra superar a Linda Hamilton, pero realiza una notable labor a la hora de interpretar a Sarah Connor. Lo mismo se puede decir de Jai Courtney en relación a Michael Biehn, aunque en ambos casos es difícil enfrentarse al reto de superar a personajes míticos que ya asignamos a determinados actores.

El nuevo diseño del Terminator John Connors también me dejó francamente sorprendido, así como el nuevo giro en relación a la activación de Skynet. La verdad es que la trama me dejó completamente enganchado a la pantalla, prestando gran atención a la cantidad de información nueva que se nos iba revelando. Las escenas de las diferentes secuencias de acción me parecieron formidables, así como la destrucción de los diferentes modelos de Terminators. De verdad espero que a pesar de no obtener los resultados esperados, la franquicia pueda seguir adelante en forma de una nueva trilogía.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 2029, John Connor dirige una ofensiva final contra Skynet, responsable de haber provocado la casi extinción de la raza humana. Junto a él acude Kyle Reese, su mano derecha a quien rescató cuando solamente era un niño.

John Connor es consciente de que Kyle Reese está destinado a convertirse en su padre, pero desea acabar con el arma definitiva de Skynet, una máquina del tiempo que utilizara para intentar matar a su madre Sarah Connor. Aunque Skynet cae durante la batalla, John no logra evitar que un T-800 sea enviado al año 1984 para matar a Sarah Connor. El bucle se repite y John observa como Kyle se presenta voluntario para viajar a 1984 y proteger a Sarah. Justo antes de partir, Kyle observa como John es atacado por un Terminator que se hace pasar por un soldado de la Resistencia. Durante el viaje, Kyle experimenta recuerdos en los que se le regalaba una Tablet con el programa Génesis en cuenta atrás para ser activado. Cuando Génesis sea activado, el Día del Juicio Final tendrá lugar, pero en el año 2017.

En el año 1984, el T-800 es destruido por otro Terminator y la propia Sarah Connor ya entrenada. La línea temporal fue modificada, ya que Skynet envió un Terminator a matar a Sarah cuando tenía nueve años.

Otro Terminator Guardián lo impidió y se encargó de entrenar a Sarah, que a su vez le bautizó como Abuelo. Sin embargo, el Abuelo no posee dato alguno sobre quien le envió o por qué. Kyle llega a 1984 donde es atacado por un T-1000. Sarah y el Abuelo acuden al rescate de Kyle, que es informado de los cambios que han tenido lugar. Los tres acuden a una fábrica, donde Sarah y el abuelo han preparado una trampa para el T-1000. Allí, el T-1000 reactiva al T-800 que es destruido por Kyle. Sarah conduce al T-1000 a una sala, donde al disparar sobre el techo cae una lluvia de ácido que acaba con el Terminator. Tras esto, el Abuelo y Sarah revelan haber construido una máquina temporal similar a la de Skynet, con la que pretenden viajar a 1997 para impedir que Skynet tome consciencia. Pero la línea temporal ha sido alterada, y Kyle les convence para viajar a 2017. Al haber estado en la máquina del tiempo, la cual sirvió como nexo, Kyle quedó protegido de los cambios en la línea temporal y recuerda dos distintas, la original y la modificada.

El Abuelo queda atrás, ya que su brazo ha quedado expuesto, prometiendo estar preparado para la llegada de ambos.

Sarah y Kyle viajan a Agosto de 2017 y se materializan en medio de una autopista de San Francisco, donde son arrestados por la policía. De camino a comisaria, Sarah explica como el Abuelo la salvó cuando un T-1000 asesinó a sus padres, prometiendo protegerla. Sin embargo, Kyle sigue sin confiar en el Terminator. Mientras tratan sus heridas, Sarah y Kyle descubren que Skynet ahora se llama Génesis, un sistema operativo global que todo el público está esperando, y que se activará en breve. Dos detectives aparecen para interrogar a Sarah y Kyle, sorprendidos porque el Kyle de ese año es un niño. También aparece un policía al que Kyle salvó al enfrentarse al T-1000 en 1984. A punto de ser trasladados a comisaria, ambos son rescatados por el mismísimo John Connor. Sin embargo, el Abuelo llega al hospital y dispara sobre John revelando que se trata de un avanzado Terminator T-3000. Mientras Kyle viajaba al pasado, John había sido atacado por un T-5000, encarnación física de Skynet que se hacía pasar por un soldado de la resistencia. De esta forma, John había sido transformado en un infiltrado nanocita.

Tras esto, John había viajado al año 2014 para asegurar la activación de Génesis y Skynet. Durante la narración, Kyle descubre que es el padre de John Connor, y tiene que lidiar con ello.

John le ofrece a Kyle y Sarah la oportunidad de unirse a él, pero ambos se niegan. El Abuelo se enfrenta a John, quien queda atrapado por el imán de un Pet-Tac, dando una oportunidad para que Sarah, Kyle y el Abuelo escapen. Los tres acuden a un refugio para hacerse con armamento y prepararse para destruir Génesis en Cyberdyne. Mientras tanto, John se infiltra en la compañía para proteger el nacimiento de Skynet, y localiza a Sarah, Kyle y el Abuelo en su refugio. Estos escapan en un autobús rumbo a Cyberdyne, mientras John les persigue. El autobús termina cayendo por un puente, con John en su interior, mientras Sarah y el resto son arrestados. En plena interrogación, John les ataca una vez más, y se ven obligados a escapar. Sarah tiene que rescatar al Kyle de 2014 y sus padres, que habían sido llamados a identificar al Kyle del futuro, antes de huir en un helicoptero junto al resto.

John les persigue en otro que se estrella cuando el Abuelo lo bombardea. Sin embargo, John sobrevive y se introduce en Cyberdyne, acelerando la cuenta atrás de Génesis de trece horas a quince minutos.

Kyle y Sarah instalan varias bombas en el complejo tras descubrir que Skynet ya ha adquirido consciencia y está a punto de ser activado. El Abuelo se enfrenta a John y lo atrapa en un campo magnético del prototipo de una maquina temporal que se encuentra en Cyberdyne. Ambos resultan destruidos, pero justo antes de la explosión del complejo, John arroja al Abuelo a un tanque llenó de polialeación mimética. Kyle y Sarah se refugian en un bunker bajo el complejo y las bombas impiden que Génesis entre en línea. Tras la explosión, el Abuelo reaparece al haber sido actualizado con polialeación mimética similar a la del T-1000, y ayuda a Kyle y Sarah a salir de los escombros. Los tres se dirigen a la residencia de los Reese, donde Kyle le informa a su yo del pasado acerca de lo importante de destruir Génesis, para asegurar que el bucle temporal tenga lugar. Tras esto, Kyle y Sarah inician su relación y los tres parten rumbo a los bosques. Sin embargo, el núcleo del sistema Génesis ha sobrevivido a la explosión, al estar protegido en una cámara subterránea.

ESCENA

Me encanta está escena de acción en la que el T-800 y el T-1000 son destruidos.

FECHA DE ESTRENO

3 de Noviembre de 1977

TITULO ORIGINAL

Pete’s Dragon

DIRECTOR

Don Chaffey

PRODUCTORES

Jerome Courtland, Ron Miller

GUION
Malcolm Marmorstein, Seton Miller, SS Field

REPARTO

Helen Reddy (Nora), Jim Dale (Doctor Terminus), Mickey Rooney (Lampie), Red Buttons (Hoagy), Shelley Winters (Lena Gogan), Sean Marshall (Pedro), Jane Kean (Señorita Taylor), Jim Backus (Alcalde), Charles Tyner (Merle), Gary Morgan (Grover), Jeff Conaway (Willie), Carl Bartlett (Paul), Charlie Callas (Voz de Elliott), Walter Barnes (Capitán)

CINEMATOGRAFÍA

Frank Phillips

BANDA SONORA

Irwin Kostal

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Distribution

DURACIÓN
134 minutos

DOCTOR TERMINUS: “¿Sabes Pedro? Siempre me han gustado mucho los dragones. Son unas maravillosas criaturas, cuando no les da por destruir cosa, desde luego. He tenido la esperanza desde que tenía tu edad, de que algún día yo podría poseer mi propio dragón. Me consideraría sumamente feliz y te estaría muy agradecido si tú me vendieras a mi tu dragón.”

NORA: “¿Usted quiere comprar a Elliott?”

DOCTOR TERMINUS: “Y ni siquiera lo he visto.”

HOAGY: “Le daremos mucho amor, y mucho respeto.”

PEDRO: “Lo siento, no se vende.”

DOCTOR TERMINUS: “No digas eso, todo en la vida se compra y se vende. ¿Entiendes? Te ofrezco tres dólares”

HOAGY: “Mejor ofrézcale cuatro.”

DOCTOR TERMINUS: “Le voy a ofrecer cinco para que sus dudas terminen, cinco dólares.”

PEDRO: “Es que Elliott no es mío, no lo puedo vender.”

HOAGY: “¿Tú lo alquilaste Pedro?”

DOCTOR TERMINUS: “Dime a quien pertenece.”

PEDRO: “Pues yo pienso que a nadie. Él vino a mí, se enteró de que yo lo necesitaba.”

CURIOSIDADES

El núcleo de la película fue una historia corta escrita por Seton Miller y S.S. Field, que nunca había llegado a ser publicada. Los estudios Disney se hicieron con los derechos de la historia en la década de 1950, con la idea de usar la idea en el programa de antología de Disneyland. Sin embargo, el escritor Malcolm Marmorstein decidió convertir el proyecto en una película, que hasta la fecha sigue siendo su mayor proyecto hasta la fecha. El proyecto fue dirigido por el británico Don Chaffey, que había dirigido dos cortos para Disney durante la década de 1960. También era famoso por haber dirigido “Jason y los Argonautas” (1963) y “Hace un Millón de Años” (1966).

El Faro que sale en la película fue construido en Point Buchon Trail, ubicado en Los Osos, California, aunque la idea inicial era la de haber rodado en Maine. Se equipó con una luz tan grande que fue necesario obtener permiso especial de la Guardia Costera para encenderla durante el rodaje. El motivo era tan simple como que podía confundir a los barcos que pasaran por la costa. Pacific Gas y Electric abrieron la zona del rodaje al público, permitiendo que los excursionistas pudieran tener acceso a la misma.

Inicialmente, el dragón Elliott no se iba a ver durante toda la película ya que siempre sería invisible. Sin embargo, varios miembros del estudio de animación lograron cambiar la opinión a los productores para que fuera visible y en determinadas ocasiones, en forma de dibujos animados. Primero se decidió que solo se le vería al final de la película, pero al final se incrementó su presencia a un total de veintidós minutos. Los animadores de la película decidieron que Elliott debía tener un aspecto más oriental que occidental. La razón era que los dragones orientales a menudo estaban asociados con el bien.

La película fue la primera que incluía animación en la que ninguno de los nueve animadores originales de Walt Disney se vio involucrado. Una de las técnicas utilizadas en la película contaba con la estructuración mediante el uso de vapor de Sodio. Esto permitía que tres escenas fueran compuestas juntas. Un ejemplo claro era un primer plano real, un fondo real, y un espacio central animado que podía incluir al dragón Elliott. Ken Anderson, que se había encargado de crear a Elliott, explicó que había decidido que el dragón debía ser un poco barrigón sin que fuera grácil o elegante a la hora de volar. Don Hahn, que fue ayudante de dirección para Don Chaffey en esta película, adquirió mucha experiencia en la combinación de acción real y animación. Terminaría por usar esa experiencia al trabajar en “¿Quién Engañó a Roger Rabitt?” (1988).

Tras su estreno, la película gozó de un éxito moderado. Logró recaudar un total de treinta y nueve millones de dólares tras haber hecho uso de un presupuesto de diez millones. Sin embargo, la película recibió unas críticas extraordinarias.

La canción “Candle on the Water” recibió una nominación a los Oscar como Mejor Canción, pero perdió contra la canción “You Light Up My Life” de la película “Tú Iluminas mi Vida” (1977). La canción interpretada por Helen Reddy fue sacada a la venta como single por Capito Records, aunque con algunos arreglos diferentes con respecto a la interpretación en la película. El film también nominado al Oscar por la Mejor Banda Sonora, pero también perdió la estatuilla, en esa ocasión contra la película “Pequeña Música Nocturna” (1977).

En Marzo de 2013, Disney anunció el remake de la película, cuyo guion fue escrito por David Lowery y Toby Halbrooks. La nueva película fue diseñada con estilo dramático y no fue un musical. Fue estrenada en Agosto de 2016.

NOTA PERSONAL

Curiosamente, está película me había pasado completamente desapercibida hasta mis años universitarias, cuando la alquilé al verla en un videoclub.

Quedé totalmente cautivado con la película, y sentí mucho no haber tenido la oportunidad de verla cuando todavía era un niño, ya que tiene todos los ingredientes que me hubieran fascinado. ¿Quién no hubiera deseado tener un dragón como amigo, y acabar viviendo en el Faro de un pueblo pesquero? Considerando el año en que fue realizada, la combinación de animación y personas reales está muy lograda, aunque fuera mucho más perfeccionada durante la siguiente década. Todas las canciones del musical son extraordinarias, siendo mi favorita “Candle in the Water”, pero recomendaría ver el film en versión original, pues tiene uno de los peores doblajes que oído nunca, cargándose las canciones (Y no tiene nada que ver con el país de origen del mismo). Helen Reddy y Mickey Rooney realizan una extraordinaria labor, y de entre los villanos destacaría a todos los Gogans, especialmente Shelley Winters, y Jim Dale como el desternillante Doctor Terminus. El propio Elliott tiene un diseño que me parece genial e hilarante, y me encantó ver expresiones prácticamente humanas en un dibujo animado.

La aventura y trama tiene una evolución interesante, con un clímax emocionante y trepidante. Por otro lado, la idea de un dragón acudiendo en ayuda de niños necesitados me pareció muy acertada. La verdad es que no me canso de ver está película.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

A principios de la década de 1900, un joven huérfano llamado Pedro acaba de escapar de su familia acogida, los Gogans, debido a los constantes abusos que sufre. Los Gogans son montañeses que pagaron cincuenta dólares por Pedro para que el niño se encargue de todas las labores duras de su granja. Pedro ha logrado escapar con la ayuda de un enorme dragón, llamado Elliott, capaz de volverse invisible. Durante la noche, pedro se oculta en un tronco hueco y Elliott se encarga de hacer caer a los Gogans en un lodazal, obligando a la familia compuesta por Lena, su marido Merle y sus dos hijos Grover y Willie, a marcharse en otra dirección. Pedro decide pasar la noche en el tronco hueco para descansar.

A la mañana siguiente, Elliott se hace visible, mostrando su enorme tamaño y color verde, y ayuda a Pedro a desayunar algunas manzanas asadas. Pedro descubre un cartel que conduce al pueblo pesquero de Passamaquoddy, y decide que ambos deben acudir allí. Para no crear problemas y ser aceptado en el pueblo le pide a Elliott que se haga invisible. Sin embargo, Elliott es propenso a crear accidentes debido a ser extremadamente torpe. Esto provoca que Pedro sea marcado como fuente de mala suerte, y se vea metido en algunos problemas con habitantes como la profesora de la escuela o el mismísimo alcalde. Mientras Pedro reprende a Elliott, aparece en encargado del faro del pueblo, llamado Lampie. Este ve a Elliott accidentalmente mientras el dragón se ha hecho visible. Lampie entra en la taberna anunciando la presencia del dragón, pero como el hombre es propenso a la bebida no se le toma en serio. Su hija Nora llega a la taberna y tampoco le cree, culpando a los clientes de la misma del estado de Lampie.

Al anochecer, Pedro se refugia en una gruta ubicada en la playa. Tras acostar a su padre, Nora ve a Pedro en la playa y acude en su busca. En la gruta, Pedro riñe a Elliott por crear problemas, pero al final decide perdonar al que ha sido su único amigo. Nora entra en la gruta y encuentra a Pedro, aunque Elliott se hace invisible a tiempo. Nora le advierte que la marea subirá pronto e inundara la gruta. Conmovida ante la soledad del niño, le invita a pasar la noche en el faro, donde también le da de cenar. Pedro acepta y explica su historia con los Cogans a Nora, que se da cuenta que el niño tiene moratones en el cuerpo. Ambos no tardan en hacerse buenos amigos, y Pedro descubre que Nora estaba a punto de casarse con Paul, un marinero que desapareció con su barco en una tormenta hace un año. Pedro le promete que su dragón Elliott encontrará a Paul, y Nora acepta el ofrecimiento de forma divertida, pensando que Elliott no es más que un amigo imaginario.

A la mañana siguiente, Lampie reconoce a Pedro como el chico del dragón que vio, pero ambos también se hacen buenos amigos.

Mientras tanto, el Doctor Terminus llega a Passamaquoddy acompañado de su ayudante Hoagy. Terminus es un doctor charlatán que se dedica a la venta de falsos remedios, y ha llegado huyendo del anterior pueblo donde ha estado, ya que sus habitantes se habían enfurecido por sus embustes. Los habitantes de Passamaquoddy ya le conocen y no le tienen afecto, pero Terminus consigue engatusarles una vez más con ayuda de Hoagy. Llegada la noche y tras recibir un nuevo traje que Nora le ha regalado, Pedro decide llevar la foto de Paul a la caverna para pedirle a Elliott que comience a buscar al marinero. Elliott accede a ayudar a Nora. Esa misma noche, Lampie conoce a Terminus y Hoagy en la taberna y revela haber conocido a Pedro y a su dragón. Aunque Terminus no le cree, Lampie lleva a Hoagy a la caverna, donde ambos ven a Elliott y escapan despavoridos.

A la mañana siguiente, los pescadores se quejan de la falta de pesca y culpan a Pedro del desastre, ya que la pesca desapareció el día que llegó.

Nora se enfrenta a los pescadores acusándolos de supersticiosos, y alegando que la pesca cambia a menudo debido al cambio de corrientes marinas. Tras esto, Nora lleva a Pedro a la escuela local, donde la profesora ya está predispuesta contra el niño. Invisible, Elliott permanece fuera de la escuela; pero cuando la profesora castiga injustamente a Pedro, Elliott atraviesa ña pared de la escuela dejando su silueta en la misma. Al ver la silueta del dragón en la pared de la escuela, Terminus queda convencido de su existencia. Consciente de que la anatomía de un dragón posee usos medicinales reales, Terminus ve la posibilidad de un gran negocio.

Al día siguiente, Terminus visita a Pedro en el Faro y le pide que le venda su dragón, pero el joven se niega y Nora echa al charlatán del Faro. Tras esto, Nora y Lampie le ofrecen a Pedro que se quede a vivir con ellos, y el muchacho acepta entusiasmado ante la idea de tener una familia de nuevo.

Sin embargo, los Gogans llegan a Passamaquoddy buscando a Pedro y lo encuentran pescando langostas con Nora y Lampie. Nora se niega a entregar a Pedro y los Gogans intentan usar un bote para alcanzarle. Elliott, todavía invisible, llega a tiempo para hundir el bote de los Gogans. Mientras se secan, los Gogans conocen a Terminus, que les ofrece una alianza para que pueda hacerse con el dragón y los Gogans se queden con Pedro. Los Gogans aceptan y Terminus también convence a varios pescadores supersticiosos de que es necesario ayudarle a capturar al dragón, y así recuperar la pesca local.

Al anochecer surge una intensa tormenta mientras Terminus, los Gogans y los pescadores preparan una trampa para Elliott. Mientras tanto, Elliott visita a Pedro en el Faro, y le comunica que ha encontrado a Paul y que llegara pronto. Sin embargo, Nora no le cree estando segura que Paul ha muerto. También considera que Pedro debe olvidar a su amigo imaginario. Terminus logra atraer a Pedro a una trampa en el embarcadero, donde los Gogans le capturan. Hoagy, que ya ha visto a Elliott, se encarga de atraer al dragón al embarcadero.

Una vez allí, Elliott encuentra a Pedro pero queda atrapado en una inmensa red. Sin embargo, Elliott consigue liberarse de la trampa y salvar a Pedro. Tras esto, quema el documento que prueba la compra de Pedro a manos de los Gogans, y hace que la familia escapa de Passamaquoddy despavorida. Al intentar matar a Elliott con un arpón, Terminus se enreda en la cuerda y sale disparado. Tras esto, Elliott salva al Alcalde, la maestra y varios habitantes del pueblo de un accidente, mostrándose ante ellos. Mientras tanto, la tormenta ha provocado que la luz del Faro se apague por culpa de una ola, mientras el barco de Paul se acerca a la costa. Nora se da cuenta de que el dragón existe, y Elliott consigue volver a encender la luz del faro, ayudando a que el barco de Paul llegue a la costa a salvo.

A la mañana siguiente ha salido el sol, todos los habitantes de Passamaquoddy se sienten agradecidos por la ayuda de Elliott. En el puerto, Nora se reencuentra con Paul felizmente. Elliott le comunica a Pedro que debe partir en busca de otros niños necesitados de ayuda, ya que Pedro ahora tiene una nueva familia que cuidara de él. Pedro entiende esto perfectamente, y se despide de su gran amigo. El dragón parte volando, mientras Pedro, Nora, Lampie y Paul se despiden de él desde tierra. La nueva familia llega al Faro para iniciar su nueva vida.

ESCENA

No sé porque está escena ha sido eliminada de la versión española, la canción solo se escuche en los créditos iniciales, porque es mi canción favorita de la película, “Candle on the Water”.

FECHA DE ESTRENO

23 de Abril de 2013

TITULO ORIGINAL

Star Trek into Darkness

DIRECTOR

J.J. Abrams

PRODUCTORES

J.J. Abrams, Bryan Burk, Damon Lindelof, Alex Kurtzman, Roberto Orci

GUION
Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof

REPARTO

Chris Pine (James T. Kirk), Zachary Quinto (Spock), Zoë Saldana (Uhura), Karl Urban (Bones), Simon Pegg (Scotty), John Cho (Sulu), Benedict Cumberbatch (Khan), Anton Yelchin (Chekov), Bruce Greenwood (Pike), Peter Weller (Marcus), Alice Eve (Carol Marcus), Noel Clarke (Thomas Harewood), Nazneen Contractor (Rima Harewood), Leonard Nimoy (Spock Prime)

CINEMATOGRAFÍA

Dan Mindel

BANDA SONORA

Michael Giacchino

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
133 minutos

PRECEDIDA POR:

Star Trek

SUCEDIDA POR:

Star Trek: Más Allá

JAMES KIRK: “¿Por qué un Almirante de la Flota Estelar iba a pedirle a un hombre congelado de más trescientos años que le ayudara?”

KHAN: “Porque yo soy mejor.”

JAMES KIRK: “¿En qué?”

KHAN: “En todo. Alexander Marcus quería responder a una amenaza incivilizada en una época civilizada, y para ello necesitaba la mente de un guerrero, mi mente, para diseñar armas y naves de guerra.”

SPOCK: “¿Esta insinuando que el Almirante violó todas las normas que había jurado respetar, solo porque quería aprovecharse de su intelecto?”

KHAN: “Él quería aprovecharse de mi fiereza. El intelecto por sí solo es inútil en una lucha Señor Spock. Usted ni siquiera puede romper las reglas. ¿Cómo va a poder romper un hueso?”

CURIOSIDADES

Paramount Pictures mostró su interés en desarrollar una escuela de “Star Trek” (2009) en junio de 2008, cuando todavía no se había estrenado la mencionada película que recreaba la saga. Tras el éxito y buena acogida del film, los productores dieron luz verde a la secuela, contando con Orci y Kurtzman para volver a escribir el guion, con la ayuda añadida de Lindelof. Para las Navidades de 2009 ya existía un guion preliminar con la idea de estrenar la película en el 2011. Kurtzman y Orci habían comenzado a escribir el guion con la idea de separar la película en dos partes. Aunque Leonard Nimoy anunció que no regresaría para la película; rumores afirmaban que Abrams está buscando la forma de incluir a William Shatner, el Kirk original, en la película. Sin embargo, el proceso de preproducción comenzó en enero de 2011, y Zachary Quinto aseguró que la mayoría de los rumores que se extendían eran inciertos. Lo que estaba claro era que Abrams volvería a coger el timón de la dirección, pues él era quien había logrado resucitar la franquicia.

Abrams, Kurtzman y Orci declararon que lo más difícil era elegir un villano para la nueva película. Abrams pensaba que el universo creado por Roddenberry era tan inmenso que ningún villano destacaba especialmente sobre el resto. Sin embargo, todos consideraron utilizar al mítico Khan Noonien Singh y los Klingons. Finalmente, decidieron no dividir la trama en dos películas, y que el film fuera uno solo que pudiera ser visto de forma independiente. Las ideas anteriores fueron desechadas y se tuvo que empezar un nuevo guion desde cero. Esto hizo dudar a Abrams sobre regresar como director, pero lo hizo con la condición de que fuera rodada en IMAX. El estudio deseaba rodar en 3D, pero al final se decidió convertir la película en 3D durante el proceso de postproducción. Orci declaró que estaba listo para entregar el guion en Marzo de 2011. Aunque el guion no estuvo listo a tiempo, Paramount comenzó a financiar la preproducción. Sin embargo, hubo algún otro retraso, porque Abrams deseaba acabar de dirigir su película “Super 8”, antes de concentrarse en la secuela de Star Trek.

Esto provocó que el estreno de la película se retrasara un total de seis meses desde su fecha inicial de estreno, en Junio de 2012. Otros factores aumentaron todavía más el mencionado retraso, como la recaudación de un presupuesto total, o el encontrar actores adecuados para los nuevos personajes. Ya en Septiembre, Abrams pudo hacerse cargo de la dirección y la fecha definitiva de estreno se estableció para el verano de 2013.

Lindelof explicó que Khan siempre había sido considerado como un personaje que tendrían que utilizar tarde o temprano, debido a su importancia en el universo Star Trek. Como el personaje había aparecido en la segunda película de la franquicia “Star Trek II: La Ira de Khan” (1982), todos consideraron que también sería adecuado que apareciera en la segunda película del relanzamiento de la franquicia. Por este motivo, se comenzaron a incluir referencias a “La Ira de Khan” en el guion, pero con cuidado de que la idea fuera reimaginada y no usurpada. Orci y Kurtzman eran más partidarios de que la película pudiera funcionar de forma independiente, sin usar ideas previas de la franquicia aunque esto asegurara más el funcionamiento de la misma.

Pensando en cuidar la imagen y cinematografía, Kurtzman sugirió una escena en la que el Enterprise surgiera del océano. Se decidió que esto se incluiría en una escena inicial que funcionara de forma aislada al resto de la trama. Dicha escena fue diseñada como un homenaje a “En Busca del Arca Perdida” (1981), combinando acción con comedia.

Se consideró a Benicio del Toro para interpretar al villano; y el actor se reunió con Abrams para discutirlo, pero se echó atrás. Noel Clarke aceptó participar sin saber qué papel interpretaría, finalmente recibiendo el del padre de la niña enferma manipulado por Khan. Alicia Eve y Peter Weller accedieron a interpretar a Caron y Alexander Marcus. Aunque Demián Bichir se presentó a las pruebas para interpretar al villano, dicho papel recayó oficialmente en Benedict Cumberbatch en enero de 2012. Aunque muchos fans ya sospechaban que el villano sería Khan, la identidad del mismo fue guardada en absoluto secreto hasta el estreno del film. También se le otorgó otra identidad en el guion, antes de revelar que era Khan, con la idea de poder hacer dudar a los fans de toda la vida.

Ni siquiera el propio Cumberbatch supo a quién iba a interpretar hasta una semana después de haber sido contratado. Finalmente, Leonard Nimoy también accedió a tener una breve aparición, que se convertiría en la última en el universo Star Trek antes de su muerte. Los Klingons también tuvieron una breve aparición, aunque su diseño y estético se cambió considerablemente.

La película gozó otra vez de un gran éxito, siendo hasta la fecha la que más ha recaudado en taquilla. En términos generales recibió grandes críticas, especialmente por la actuación y voz de Benedict Cumberbatch como villano. La película recibió una nominación al Oscar por Mejores Efectos Visuales, pero perdió la estatuilla contra “Gravity” (2013).

NOTA PERSONAL

Al margen de los fantásticos efectos especiales y lo elaborado de las tramas, Abrams logró comprender algo fundamental. Que los tripulantes de la nave Enterprise eran más que compañeros de trabajo, también eran prácticamente una familia. El relanzamiento de la franquicia comenzó de forma extraordinaria con “Star Trek” (2009), pero lo que no me podía imaginar era que la siguiente película iba a ser mucho mejor todavía. A pesar de tomar ciertas referencias del origen de la franquicia, como el personaje de Khan, la trama es lo suficiente inteligente como para dar giros inesperados. Benedict Cumberbatch se ha convertido en uno de mis actores favoritos en muy poco tiempo, su voz, enunciación y presencia acaparan la pantalla de forma increíble. Es el actor perfecto para dar vida al villano perfecto. Incluso me atrevería a decir que me gustó mucho más que Ricardo Montalban a la hora de interpretar a Khan.

Pasando a la tripulación, una vez reestablecidas sus historias, las oportunidades de explorarles más como personajes se puede percibir.

La película tiene gran cuidado de dar cierto grado de protagonismo a cada uno de los miembros de la tripulación, algo que me parece muy acertado. También existen ciertos elementos reutilizados como el de la Sección 31, o la esperada reaparición de los Klingons con un aspecto actualizado y acertado. También será siempre una película especial al ser la última de Leonard Nimoy en el papel de Spock, antes de su fallecimiento. Sin duda, esta es una de mis películas favoritas de la franquicia.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 2259, el Capitán Kirk se encuentra en una misión en el Planeta Nibiru, donde una cultura primitiva reside. Kirk decide evitar una erupción volcánica que amenaza a dichos habitantes; y para rescatar a Spock, localizado en el interior del volcán, se ve obligado a mostrar el Enterprise surgiendo del océano. De esta forma, Kirk viola la Primera Directiva de la Flota Estelar, que prohíbe interferir en el curso natural de la cultura de un planeta que aún no ha desarrollado los viajes estelares.

Para su gran sorpresa, el propio Spock, a quien ha rescatado, decide informar a la Flota Estelar de dicha violación normativa. El Almirante Christopher Pike se encarga de comunicarle a Kirk que debido a esto ha perdido el mando del Enterprise, aunque será relegado al puesto de Comandante y Primer Oficial. El Comandante Spock será transferido a otra nave.

Poco después, las instalaciones de la Sección 31 de la Flota Estelar explotan debido a unas bombas. Dicho ataque ha sido planeado por el operativo John Harrison, que ha chantajeado a un oficial, curando a su hija a cambio de una enfermedad terminal. Esto provoca que se organice una reunión de altos mandos, a la que Pike, Kirk y Spock asisten. Harrison ataca dicha reunión con una nave, teletransportandose después de haber matado a la mayoría, incluyendo al propio Almirante Pike. Dicha muerte deja a Kirk y Spock devastados. Kirk es convocado por el Almirante Alexander Marcus, quien le explica que Harrison es un oficial renegado, y que han descubierto que se está ocultando en el Planeta Kronos, del Imperio Klingon con el que la Federación se encuentra al borde de la guerra.

El Almirante Marcus le devuelve a Kirk el mando del Enterprise, con Spock de nuevo como Primer Oficial, y le encarga la misión de acudir a Kronos a eliminar a Harrison con nuevos torpedos experimentales. Kirk acepta deseoso de venganza, y cuando el Ingeniero Scotty se niega a utilizar torpedos desconocidos, le expulsa de la nave reemplazándolo por Chekov.

De camino a Kronos, las capacidades de curvatura del Enterprise dejan de funcionar de forma misteriosa. Kirk, Spock y Uhura parten a Kronos en una lanzadera, donde son atacados por una patrulla de Klingons. Harrison aparece y ataca a los Klingons, tras lo cual decide rendirse al descubrir el número de torpedos experimentales que se encuentran a bordo del Enterprise. Tras permitir un análisis de sangre, Harrison recomienda que analicen uno de los torpedos. Bones recibe la ayuda de Carol Marcus, hija del Almirante, que lleva tiempo sospechando que existe algo raro con dichos torpedos experimentales. Carol y Bones abren uno de los torpedos y descubren que en su interior se encuentra un hombre en animación suspendida.

Harrison revela que cada torpedo contiene a una persona, y que todos son humanos diseñados genéticamente en el pasado para librar guerras gracias a su perfección. Tras el ataque de los Romulanos, el Almirante Marcus les localizó en una nave, despertando a Harrison para utilizar sus conocimientos para crear armas de guerra para la inminente guerra contra los Klingons. El Almirante no cumplió la promesa de liberar al resto de la tripulación de Harrison, por lo que este se reveló. Harrison confiesa que su verdadero nombre es Khan.

El plan del Almirante Marcus había saboteado la curvatura del Enterprise, para que fuera destruido por los Klingons al torpedear Kronos. De esta forma, el Imperio Klingon desataría la guerra tan ansiada por el Almirante Marcus. Khan proporciona unas coordenadas como prueba; y Kirk le pide a Scotty, que está en la Tierra, que las investigue. Scotty acude a las coordenadas y descubre una instalación militar secreta de la Flota Estelar cerca de Júpiter.

El Enterprise no tarda es ser interceptado por una enorme nave de guerra de la Federación, el USS Vengeance, con el Almirante Marcus al mando. Marcus le exige a Kirk que le entregue a Khan, mostrando su decepción por el hecho de que no acabara con su vida bombardeando Kronos. Tras reparar el motor de curvatura, Kirk decide intentar escapar, al declarar que Marcus está traicionado los valores de la Federación. Sin embargo, el Valiant consigue alcanzar al Enterprise dejándolo varado de nuevo.

Carol decide revelar su presencia en la nave para que su padre no destruya el Enterprise, pero Marcus la teletransporta a la fuerza hasta el Vengeance y ordena la destrucción del Enterprise. Kirk le ofrece a Khan y a sí mismo a cambio de las vidas de su tripulación, pero Marcus rechaza su oferta ordenando la destrucción del Enterprise. Sin embargo, Scotty había subido a bordo en Júpiter, y logra sabotear el Vengeance, provocando que pierda poder. Sin transportadores, Kirk decide dispararse en un traje espacial hacia la nave, acompañado de Khan debido a que conoce el diseño de la misma.

Mientras tanto, Spock contacta con Spock Prime, que le advierte que Khan es despiadado, que no se puede confiar en él, y que en su línea temporal fue derrotado a un alto precio. Mientras tanto, Kirk, Khan y Scotty llegan al puente de mando del Vengeance, capturando a Marcus. Sin embargo, Khan les traiciona asesinando a Marcus y tomando el control de la nave.

Khan le exige a Spock que le devuelva al resto de su tripulación encerrada en los torpedos, a cambio de Kirk, Scotty y Carol. Spock accede a devolverle los torpedos, pero antes hace que Bones retire a la tripulación en criogenización antes de hacerlo. Khan envía a Kirk, Scotty y Caroll de vuelta pero deja el Enterprise seriamente dañado. Sin embargo, los torpedos que Spock ha enviado también explotan dejando el Vengeance seriamente dañado. Ambas naves quedan atrapadas en la fuerza de gravedad de la Tierra, dirigiéndose a una colisión contra la superficie. Kirk entra en el reactor radioactivo y consigue reparar el núcleo, salvando la nave.

Sin embargo, Kirk muere en el proceso debido a la radiación, despidiéndose de Spock antes. El USS Vengeance se estrella en San Francisco, destruyendo parte de la ciudad. Khan logra escapar de los restos de la nave, mientras Spock se teletransporta para alcanzarle. Mientras tanto, Bones descubre que la sangre de Khan tiene propiedades regenerativas que pueden salvar a Kirk. Con ayuda de Uhura, Spock logra derrotar a Khan, que es arrestado y sometido de nuevo a criogenización. Con la sangre de Khan, Kirk es salvado de las garras de la muerte.

Casi un año después, Kirk realiza un discurso en una ceremonia en honor al Enterprise. Khan y sus compañeros continúan en estado de animación suspendida. La tripulación del Enterprise es seleccionada para una misión de explorar el espacio durante un total de cinco años.

ESCENA

Me quedó con la lucha final entre Spock y Khan, y la oportuna llegada de Uhura.

FECHA DE ESTRENO

23 de Octubre de 2011

TITULO ORIGINAL

The Adventures of Tintin

DIRECTOR

Steven Spielberg

PRODUCTORES

Steven Spielberg, Peter Jackson, Kathleen Kennedy

GUION
Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish

Basado en los cómics de Hergé

REPARTO (VOCES)

Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (Capitán Haddock, Sir Francisco de Haddock), Daniel Craig (Ivan Ivanovitch Sakharine, Rackham el Rojo), Nick Frost (Hernández), Simon Pegg (Fernández), Toby Jones (Arístides Silk), Daniel Mays (Allan), Mackenzie Crook (Tom), Gad Elmaleh (Omar be Salaad), Enn Reitel (Nestor), Tony Curran (Teniente Delcourt), Joe Starr (Barnaby Dawes), Kim Stengel (Bianca Castafiore), Sonje Fortag (Señora Finch), Cary Elwes (Phillip Rhys)

CINEMATOGRAFÍA

Janusz Kamiński

BANDA SONORA

John Williams

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
107 minutos

CAPITÁN HADDOCK: “¿Pensaba que eras optimista?”

TINTÍN: “Pues se equivoca.Soy realista.”

CAPITÁN HADDOCK: “Eso dicen siempre los timoratos.”

TINTÍN: “Puede usted llamarme como quiera. ¿No lo entiende? Hemos fracasado.”

CAPITÁN HADDOCK: “Fracasado, siempre hay gente dispuesta a llamarte fracasado, frustrado, estúpido, borracho inútil. Pero nunca te lo digas a ti mismo. Envías una señal equivocada; y eso es lo que la gente capta. ¿Lo entiendes? Si de veras te importa algo lucha por ello. Si das con un muro atraviésalo. Hay algo que debes saber sobre el fracaso Tintín, que no debes dejar que te venza.”

CURIOSIDADES

Steven Spielberg se había declarado fan de los cómics de Tintín, desde que los había descubierto en el año 1981.

Dicho descubrimiento se debió a que un crítico había comparado “En Busca del Arca Perdida” (1981) a las aventuras del joven reportero. Esto fue lo que había desatado su interés. Ya se habían realizado dos películas de acción real sobre el personaje tituladas “Tintín y el Misterio del Toisón de Oro” (1961) y “Tintín y el Misterio de las Naranjas Azules” (1964), y una serie de dibujos animados. Al creador de Tintín, Hergé, no le habían gustado estas versiones, y se convirtió en un gran fan de Spielberg declarando que sería la única persona que podría hacer justicia a su personaje en una película. Spielberg y su compañera de producción Kathleen Kennedy en “Amblin Entertainment” habían organizado un encuentro con Hergé en 1983, mientras rodaban “Indiana Jones y el Templo Maldito” (1984) en Londres. Hergé falleció esa misma semana, pero su viuda decidió cederles los derechos. En 1984, se logró conseguir un derecho a prórroga para rodar una película con “Universal Pictures” como distribuidora.

Spielberg encargó a Melissa Mathison, guionista de “E.T. el Extraterrestre” (1982), para escribiera un guion en el que Tintín se enfrentaba a cazadores de marfil en África. Spielberg veía a Tintín como un Indiana Jones para niños y deseaba que Jack Nicholson interpretara a Haddock. Al quedar insatisfecho con el guion, Spielberg archivó el proyecto para embarcarse en “Indiana Jones y la Última Cruzada” (1989), y los derechos del personaje regresaron a manos de “Hergé Foundation”. Claude Berri y Roman Polanski se vieron interesados en rodar una película del personaje, mientras la Warner intentaba hacerse con los derechos, pero no fueron capaces de garantizar la integridad creativa que Spielberg había asegurado. En el 2001, Spielberg reveló su interés en crear una película de animación sobre Tintín; y en noviembre de 2002 su estudio reestableció la posibilidad de rodar. Sin embargo, Spielberg anunció que solo ejercería como productor. Sin embargo en el 2004, se extendieron los rumores de que Spielberg deseaba dirigir una trilogía en la que cada película abarcaría dos cómics.

La primera abarcaría “El Secreto del Unicornio” y “El Tesoro de Rackham el Rojo”. La segunda abarcaría “Las Siete Bolas de Cristal” y “El Templo del Sol”. La tercera abarcaría “El Loto Azul” y “Tintín en el Tíbet”, que aunque eran historias diferentes tenían en común al personaje de Chang Chong-Cheng. En aquel entonces, Spielberg ya había regresado a la idea de crear una película de acción real, y contactó con Peter Jackson para ver si “Weta Digital” podría crear un Milú generado por ordenador. Sin embargo, Jackson opinaba en una película de acción real no le haría justicia a los cómics, y que el “motion capture” era el mejor modo de recrear el mundo de Tintín tal y como Hergé lo había creado.

Andy Serkis fue contratado mientras que el propio Jackson tomo el lugar de Tintín. Se realizó una semana de rodaje en 2006, en la que James Cameron y Robert Zemeckis estuvieron presentes. El metraje fue enviado a Weta Digital, donde se produjo un rollo de prueba de veinte minutos que mostraba una representación fotorrealista de los personajes.

Spielberg declaró que no le importaría rodar la película digitalmente porque la veía como un proyecto animado, pero reiteró que su trabajo de acción real siempre sería rodado de forma tradicional. El diseñador Chris Guise visitó Bruselas para adquirir inspiración sobre los escenarios creados por Hergé. El proyecto fue anunciado de forma oficial en Mayo de 2007, aunque se retrasó debido a que Spielberg estaba ocupado con “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” (2008). Spielberg consideró los cómics “El Cangrejo de las Pinzas de Oro”, porque introducía al personaje de Haddock, y “El Secreto de Unicornio”. Pero al final decidió usar éste último para introducir al famoso capitán borracho, y sacar algunas partes de la trama de “El Tesoro de Rackham el Rojo”. De “El Cangrejo de las Pinzas de Oro” incluyó elementos como el barco Karaboudjan, el primer encuentro de Tintín con Haddock, o el villano Allan. En Octubre de 2007, Steven Moffat comenzó a trabajar en el guion con la promesa del propio Spielberg de que el estudio no interferiría con su trabajo.

Aunque el guionista finalizó un borrador, no pudo terminarlo debido a la huelga del Gremio de Guionistas en 2007 y 2008. Edgar Wright y Joe Cornish finalizaron su trabajo ya que Moffat pasó a convertirse en productor ejecutivo de “Doctor Who”. Tras dos años más de retrasos debido a problemas relacionados con los derechos del personaje, pero al final el proyecto pasó a ser producido por Paramount Pictures.

La película triunfó en taquilla y ante la crítica, recibiendo una nominación a los Oscars por Mejor Banda Sonora, pero perdió contra “The Artist” (2011).

NOTA PERSONAL

Teniendo once años pude leer mi primer cómic de Tintín, “La Isla Misteriosa”, y quedé fascinado con el personaje y todo el universo que le rodeaba. Me acuerdo que consideré que los cómics de Tintín te ayudaban a viajar a lugares remotos, donde tenían lugar sus aventuras.

Como es normal, también quedé enganchado a la serie de dibujos animados que se emitía los sábados por la mañana, en pequeños fragmentos. Así que cuando se anunció esta película a manos de Spielberg, quedé muy interesado. Creo que tuvo el gran acierto de partir desde el momento en que Haddock aparecía, ya que es otro personaje que siempre me ha encantado. La película está dotada de una animación sobresaliente, casi completamente realista, e incluye a gran cantidad de personajes clásicos de los cómics. Solo falta el Profesor Tornasol, porque su inclusión habría resultado ser demasiado forzada.

Al margen de la excelente animación, la película mezcla acción con un caso clásico de detectives que la hace muy interesantes. Los leves cambios en relación al material original son lógicos y cuidadosos para no faltar al material original. Es cierto que la película tiene un poderoso cliffhanger y no incluye el descubrimiento del propio Unicornio, pero aun así es muy completa.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 1955, Tintín es un joven periodista de diecisiete años que reside en Bruselas, Bélgica, acompañado de su fiel perro Milú. Mientras pasea por un mercado de la ciudad, Tintín se fija en la maqueta de un barco del siglo XVII llamado el Unicornio. Tintín lo compra y justo después un hombre aparece y le ofrece el doble, advirtiéndole que si se queda con la maqueta se verá metido en problemas. Inmediatamente después recibe otra oferta de un hombre que acaba de adquirir el Castillo de Moulinsart, y que explica que el barco formó parte del matrimonio del mismo. Tintín se niega de nuevo y lleva el barco a su casa, donde tiene un lugar un incidente entre Milú y un gato que entra por la ventana. Como consecuencia del mismo, la maquea cae al suelo y uno de los mástiles se rompe dejando caer un cilindro que cae bajo uno de los muebles desapercibido.

Tintín acude a la biblioteca a investigar y descubre que el Unicornio era capitaneado por el Caballero Francisco de Haddock de Moulinsart.

El barco había zarpado de Santo Domingo en 1698, pero jamás alcanzó su destino al ser atacado por piratas. Solo Francisco de Haddock sobrevivió, y existían rumores de que el barco transportaba un cargamento secreto. Ningún historiador descubrió que había pasado, y Francisco de Haddock afirmó que solo un verdadero Haddock descubriría el secreto del Unicornio. Al regresar a casa, Tintín descubre que la maqueta ha sido robada y acude al Castillo Moulinsart. Allí descubre la maqueta y es golpeado por el mayordomo Nestor, que sirve al caballero que conoció en el mercado, llamado Ivan Ivanovitch Sakharine. Sin embargo, la maqueta no es la misma que le han robado. De salida, Nestor le aconseja a Tintín que asegura recuperar todos los trozos del mástil roto de su maqueta.

De regreso a casa, Tintín la encuentra revuelta ya que alguien ha estado buscando algo. Sin embargo, Milú le ayuda a encontrar el cilindro del mástil roto, y al abrirlo encuentra un pequeño pergamino con un mensaje confuso.

Justo en ese momento, es visitado por el primer caballero del mercado. Éste le advierte de que su vida corre peligro debido al barco, pero es acribillado por un coche que se da a la fuga dejando un mensaje con manchas de sangre en el periódico. Hernández y Fernández visitan a Tintín y le informan que el hombre era un agente de la Interpol llamado Barnaby. Tintín logra leer el nombre de Karaboudjan en las letras manchadas de sangre del periódico. Los detectives también le advierten que están buscando a un carterista que frecuenta el mercado. Inmediatamente después, el carterista fracasa en su intento de robar a los detectives, pero roba la cartera de Tintín con el pergamino en su interior. Para empeorar las cosas, Tintín es secuestrado poco después.

El joven reportero recupera la consciencia en el Karaboudjan, que resulta ser un barco. Allí descubre que Sakharine ha organizado su secuestro, ayudado por sus hombres, y que su maqueta poseía un pergamino similar al suyo. Sin embargo, queda enfurecido al descubrir que Tintín ya no tiene el suyo.

Los hombres del Karaboudjan, liderados por Allan, se preparan para interrogar al joven y así descubrir el paradero del pergamino. Sin embargo, Milú ha llegado subir a bordo y morder las cuerdas de su amo. Tintín logra salir por una de las escotillas, llegando a otro camarote. Allí conoce al borracho Capitán Haddock, que le explica que Sakharine ha vuelto a toda su tripulación contra él, encerrándole en el camarote. Haddock revela que conoce toda la historia del Unicornio y lo que ocurrió, ya que es el último de los tres hermanos Haddock. Sin embargo, su adicción a la bebida ha provocado que lo olvide todo. Tintín deduce que Francisco de Haddock realizó tres maquetas para los tres hermanos, cada uno con un pergamino. Investigando en el camarote del Capitán, Tintín descubre que el barco se dirige al Puerto de Bagghar en Marruecos, ya que allí resideOmar be Salaad, propietario de la tercera maqueta. Tintín y Haddock logran escapar en un bote salvavidas, y el Karaboudjan arrasa otro vacío que habían soltado antes como señuelo. Sin embargo, Sakharine deduce que siguen vivos al ver que faltan dos botes y al descubrir que Tintín ya conoce sus planes.

Mientras tanto, Hernández y Fernández logran capturar al carterista, un cleptómano llamado Arístides Silk. Entre su gran colección de carteras encuentran la de Tintín. En su bote, Tintín y Haddock son atacados por un hidroavión del Karaboudjan. Tintín logra forzar al hidroavión a descender de un disparo, y junto a Haddock se hace con el control del mismo. Al atravesar una tormenta con el hidroavión y quedarse sin combustible, este termina por estrellarse en medio del desierto. Mientras los dos nuevos amigos atraviesan el desierto, y al estar sobrio otra vez, Haddock comienza a sufrir alucinaciones y a recordar la historia de Francisco de Haddock. Con una carga desconocida, el Unicornio fue atacado por un barco pirata capitaneado por Rackham el Rojo. Sin embargo, Haddock no puede seguir la historia al perder el conocimiento. Tintín también cae debido a un día atravesando el Sahara. Por fortuna, ambos son encontrados y recogidos por una expedición.

Mientras se recuperan de su viaje, Haddock vuelve a beber y recuerda como Rackham el Rojo logró derrotar a Francisco y se hizo con el Unicornio. Para salvar a sus hombres decidió revelar el cargamento secreto del Unicornio, cuatro quintales de oro, joyas y otros tesoros. Sin embargo, Rackham no cumplió su palabra y ejecutó a toda la tripulación del Unicornio. Francisco logró liberarse y se preparó para hacer volar el Unicornio por los aires derramando pólvora por cubierta. Tras enfrentarse a Rackham el Rojo en duelo y derrotarle, el barco explotó hundiéndose con el tesoro. Francisco de Haddock sobrevivió siendo maldecido por Rackham el Rojo. Una vez finalizada la historia, Haddock deduce que Sakharine es descendiente de Rackham el Rojo, y Tintín que los tres pergaminos indican la ubicación del hundimiento del Unicornio y su tesoro.

Tintín y Haddock llegan a Bagghar donde se encuentran con Hernández y Fernández que le entregan su cartera a Tintín. De esta forma, el joven recupera su pergamino. Para hacerse con el pergamino de Omar be Salaad, Sakharine ha traído a la famosa cantante de ópera Bianca Castafiore, de quien Omar es un gran fan.

Durante el recital de la Castafiore, Haddock se ausenta al no soportar su voz y los hombres de Sakharine le roban el pergamino que Tintín le había dado para que lo guardara. La voz de la Castafiore provoca que la urna de cristal que contiene el tercer Unicornio se rompa y Sakharine utiliza un halcón para hacerse con el tercer pergamino. Ya con los tres pergaminos, Sakharine escapa perseguido por Tintín y Haddock. Tintín logra hacerse con el halcón y los tres pergaminos, comprobando que se superponen a la luz del sol. Sin embargo, se ve obligado a entregarlos para evitar que Haddock y Milú mueran ahogados cuando Sakharine les arroja al agua.

A punto de rendirse, Tintín es animado por Haddock y recuerda que envió un mensaje desde el Karaboudjan, por lo que conoce su frecuencia. Con ayuda de Hernández y Fernández localiza el barco en un puerto. Allí, Haddock se enfrenta a Sakharine en un duelo de espadas, y el villano termina por ser derrotado y arrojado al agua, después de que Tintín logre hacerse con los tres pergaminos. Hernández y Fernández arrestan a Sakharine, y Tintín superpone los pergaminos descubriendo unas coordenadas. Sin embargo, las coordenadas les llevan de regreso al Castillo de Moulinsart, donde son recibidos por Nestor. Al atravesar un falso muro de la bodega, encuentran la cruz del águila que se indica en el pergamino, y un globo terráqueo con una isla que nunca ha existido. Al presionar la falsa isla se abre el globo terráqueo mostrando parte del tesoro que Francisco se llevó en su sombrero. También otro pergamino que indica la ubicación del hundimiento del Unicornio, y deciden financiar una expedición para encontrarlo.

ESCENA

A falta de escenas, aquí dejo el tráiler de la película.

EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

PERSEGUIDO

ROCKETEER

007: ALTA TENSIÓN

TARZÁN

MORDISCOS PELIGROSOS

MUERTE BAJO EL SOL

ARRIBA Y ABAJO

ESTA CASA ES UNA RUINA

FINAL FANTASY: LA FUERZA INTERIOR

DEPREDADOR

LAS CUATRO HERMANITAS

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO

FANTASÍA 2000

TEEN WOLF: DE PELO EN PECHO

TERMINATOR: GÉNESIS

PEDRO Y EL DRAGÓN ELLIOTT

STAR TREK: EN LA OSCURIDAD

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO