MIS PELICULAS Y SERIES

TITULO ORIGINAL

Will & Grace

DIRECTOR

James Burrows

CREADORES

David Kohan & Max Mutchnick

PRODUCCION

NBC Studios, NBC Universal Television

REPARTO ORIGINAL

Eric McCormack (Will Truman), Debra Messing (Grace Adler), Megan Mullally (Karen Walker), Sean Hayes (Jack McFarland), Gary Grubbs (Harlin Polk), Shelley Morrison (Rosario Salazar), Michael Angarano (Elliot)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 21 de Septiembre de 1998 al 18 de Mayo de 2006

CANAL DE EMISION

NBC

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Jonathan Wolff

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 22 episodios

TEMPORADA 2: 24 episodios

TEMPORADA 3: 25 episodios

TEMPORADA 4: 27 episodios

TEMPORADA 5: 24 episodios

TEMPORADA 6: 24 episodios

TEMPORADA 7: 24 episodios

TEMPORADA 8: 24 episodios

Un total de 194 episodios de veintidós minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

La serie fue creada por Max Mutchnick y David Kohan, buenos amigos en la vida real. Juntos modelaron la serie basándose en la relación de Mutchnick con su amiga de la infancia Janet Eisenberg, agente de castings neoyorquina. Mutchnick, quien es abiertamente homosexual, conoció a Eisenberg mientras ensayaba para una obra de teatro en Beverly Hills, a la edad de trece años. Era el protagonista del musical de la escuela de hebreo, mientras ella era estudiante en el departamento de drama. Alrededor de tres años más tarde, Janet le presentó a Kohan, hijo de escritor de comedias Alan Kohan, en el departamento de drama del Colegio de Beverly Hills. Mucho tiempo después, Kohan declararía que Max y Janet tenían una conexión muy especial, aunque su relación también estaba dotada de un elemento romántico confuso. Habían salido durante un par de años, para separarse al acudir a universidades diferentes. Tras esto Max había salido del armario, lo que sorprendió mucho a Janet. Debido a esto, David Kohan se vio obligado a ejercer de enlace entre ambos, ya que los dos todavía se tenían mucho cariño.

Mientras Kohan practicaba dicha diplomacia de forma sutil, comenzó a desarrollar ideas para una comedia junto a Mutchnick, lo que originó en que comenzaran a cooperar como escritores. Lograron hacerse con trabajo como parte del equipo de la serie de la HBO, “Sigue Soñando”; y terminaron logrando un trabajo como productores ejecutivos para la serie de la NBC, “Gente de Boston”. En el año 1997, desarrollaron una comedia acerca de seis amigos, dos de los cuales estaban basados en Mutchnick y Eisenberg. Al mismo tiempo, Warren Littlefield, entonces presidente de “NBC Entertainment”, buscaba una nueva comedia de relaciones ya que estaba a punto de retirarse la popular serie “Loco por Ti”. Cuando Kohan y Mutchnick presentaron su idea, la cual se centraba en tres parejas, una de las cuales estaba compuesta por un hombre gay viviendo con una mujer heterosexual. Littlefield no estaba muy interesado en las dos primeras parejas, pero deseaba saber más aspectos de la pareja gay y hetero, por lo que Mutchnick y Kohan fueron enviados para crear el guion de un episodio piloto que se basara en esos dos personajes.

Mientras elaboraban el mencionado guion, pasaron cuatro meses de tensión enviándole a Littlefield las ganancias conseguidas por producciones que contenían personajes homosexuales como “Una Jaula de Grillos” o “La Boda de mi Mejor Amigo”. La intención eral que el presidente pudiera ver que la temática gay podía generar un gran éxito.

La NBC se mostró positiva ante el proyecto, aunque existía la preocupación de que la temática gay pudiera provocar alarma. La serie “Ellen”, de Ellen DeGeneres, se había cancelado un año antes del estreno de “Will y Grace”. Esto se debía a que la audiencia había descendido cuando el personaje de Ellen había salido del armario, y la serie se había concentrado en la temática gay. A pesar de las críticas que se dedicaron al cambio de temática de la serie “Ellen”, Kohan declaró que dicha serie había contribuido, sin lugar a dudas, a que “Will y Grace” lograra ser estrenada. También explicó que la nueva serie tuvo éxito donde “Ellen” había fracasado, porque el personaje de Will ya era presentado como homosexual desde su primer episodio.

Erick McCormack fue el primer actor contratado para interpretar a Will, ya que ya había interpretado a varios personajes homosexuales. Sean Hayes fue el segundo gracias al éxito de la película “Billy’s Hollywood”, donde interpretaba a un personaje gay. A pesar de esto, Hayes mostró dudas al principio. Megan Mullally se presentó a las pruebas por el papel de Grace, pero terminó por preferir al personaje de Karen. Finalmente, Debra Messing fue la última en ser contratada, debido a su inseguridad inicial a la hora de interpretar a Grace. Fue el director Burrows quien logró que Messing aceptara el papel. La serie gozó de éxito, aunque también de serias críticas por explotar estereotipos. Llegó a emitirse durante ocho temporadas. Se planteó crear un spin-off con los personajes de Jack y Karen, pero no llegó a llevar a cabo.

NOTA PERSONAL

Tengo un cariño muy especial a esta serie, que comenzó a emitirse un año después de que abandonara los Estados Unidos.

Por esto, siempre he comprendido el enorme reto que supuso crear esta serie, en un canal prácticamente considerado como familiar. En lo relativo a los estereotipos homosexuales, nunca he entendido esa obsesión de cierta parte de la crítica, pues todos los personajes estaban algo exagerados, y los estereotipos existen. La serie estaba comedida, pues estaba dirigida a todo tipo de público, lo cual me parece comprensible. Siempre he considerado que es importante examinar el contexto en el que algo es creado antes de juzgarlo.

Ahora bien, aunque disfruté de todos los personajes, siempre me declaré un gran fan de los personajes de Jack y Karen, los cuales consideró que eclipsan al resto del reparto. Hayes y Mullally otorgaron un toque cómico excepcional a la serie, gracias a sus personajes “superficiales”, pero en este caso se les otorga un toque tierno, aunque inusual, que logra que el espectador contacte con ellos. Estos estereotipos que tanto se critican son ideales para una comedia, y si solo se hubieran aplicado a cierto tipo de personajes los criticaría, pero este no es el caso.

Independientemente de orientaciones sexuales, esta genial comedia se centra en un análisis interesante de la amistad, sus virtudes, sus problemas, la ansiedad que puede provocar, y las decepciones que puede suponer. En ese sentido, consideré que la serie estuvo dotada de un final muy acertado y conmovedor.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: Will Truman es un abogado homosexual, cuya mejor amiga es Grace Adler quien trabaja como decoradora de interiores. Ambos han sido mejores amigos desde sus días en la universidad. Por otro lado, Jack McFarland es otro homosexual, sin trabajo y bastante extravagante que también ha sido gran amigo de Will durante largo tiempo; y Karen Walker, mujer rica, superficial y en ocasiones cruel es la ayudante de Grace. Tras rechazar una oferta de matrimonio, Grace acepta la propuesta de Will para que viva con él. A pesar de ser buenos amigos, tardan un tiempo en adaptarse a la vida como compañeros de apartamento.

Por otro lado, Jack conoce a Karen, y compartiendo una personalidad fuertemente superficial, congenian convirtiéndose en buenos amigos. Karen está acostumbrada a no trabajar nada, y solo usa sus contactos en la alta sociedad para ayudar a Grave. Mantiene una relación amor odio con su doncella Rosario. Jack mantiene una vida alocada, saltando de trabajo en trabajo, a cada cual más absurdo. A través de situaciones divertidas, los cuatro terminan por formar un inusual grupo de amigos, y Jack llega a casarse con Rosario, doncella de Karen, para que no sea deportada.

SEGUNDA TEMPORADA: Will pierde su trabajo y comienza a trabajar para el bufete de abogados dirigido por Ben Doucette. También descubre que su padre ha ocultado su homosexualidad a sus colegas de trabajo por miedo al rechazo, pero consigue que lo reconozca durante la recogida de un premio por toda su carrera. Otro golpe duro tiene lugar cuando descubre que su antiguo amante Michael, ha reiniciado una nueva vida con otra pareja. Los intentos de Will por encontrar una nueva pareja fracasan.

Por su parte, Grace comienza a salir con Josh, aunque al mismo tiempo inicia una relación con Ben Doucette, para disgusto de Will. Jack admite haberle ocultado su homosexualidad a su madre, y finalmente sale del armario, para descubrir que su madre desconoce la identidad de su verdadero padre. Casado con Rosario, Jack se instala en la casa de Karen, donde se acostumbra a un nivel de vida muy superior al que está acostumbrado. Cuando Rosario le pide el divorcio, para casarse con el jardinero, Jack decide demandar a Karen, para no perder el mencionado estilo de vida. Jack pierde el caso, y se instala en casa de Will. Su amigo es quien intenta llevar su caso contra Karen, pero termina por dimitir al ver que Ben está saliendo con Grace. Ben le suplica que regrese para ayudarle con un cliente con problemas de impuestos, y Will acepta bajo algunas condiciones. Sin embargo, pronto descubre que el cliente no es otra que Karen.

TERCERA TEMPORADA: Harto de Karen, Will decide regresar a casa. Eventualmente, Karen y Jack terminan por reconciliarse, mientras Grace rompe su relación con Josh, quien ha mantenido relaciones con Jack, mientras que resulta ser abandonada por Ben.

Will inicia una relación con un periodista deportivo llamado Matt, aunque termina por romper la relación cuando descubre que se resiste a salir del armario. Tras descubrir que su padre ha sido infiel a su madre, inicia una relación con un joven de veintitrés años llamado Scott. Sin embargo, también pone fin la relación debido a la diferencia de edad. Al final logra conocer a Chris, en quien llevaba ya tiempo fijándose. Grace comienza a salir con su vecino Nathan, a pesar de su personalidad en ocasiones irritante, y termina por enamorarse de él. Jack descubre a su verdadero padre, un hombre negro, pero quien lamentablemente ya ha muerto. Poco después, conoce a Elliot un joven de trece años quien resulta ser su hijo, debido a una donación realizada a un banco de esperma.

CUARTA TEMPORADA: Grace se lanza a pedirle matrimonio a Nathan, pero se encuentra con su rechazó inesperado, lo que pone fin a la relación.

Tras superar el rechazo, Grace hace un trato con Will para que ambos puedan tener un hijo, preocupados por no tener nunca la oportunidad de conseguir triunfar en el amor. Jack conoce a la madre de Elliot, también gay, y ambos llegan a un entendimiento para formar parte de la vida del chaval. A punto de rendirse, Jack decide continuar intentando triunfar en el mundo del espectáculo. Por su parte, el marido de Karen es arrestado por fraude; Karen se enfrenta a la soledad, estando a punto de engañarle.

QUINTA TEMPORADA: De camino a ser inseminada por Will, Grace tiene un accidente y conoce a Leo, un doctor judío del que termina por enamorarse. Debido a esto, Grace anula la idea de tener un hijo con Will, quien termina por perdonarla sintiéndose decepcionado inicialmente. Grace y Leo terminan por casarse al encontrarse con una boda en grupo en el parque, pero la boda no es efectiva debido a que el juez no es legítimo. A pesar de esto, se casan formalmente, pero Leo debe partir a Guatemala como médico sin fronteras. Grace descubre que Leo va a ser acompañado por una atractiva doctora que le desea. Will y Jack entrenan a un joven llamado Barry para convertirse en el homosexual ideal.

El resultado es tan positivo que Will se enamora de él, pero Barry no desea compromisos al acabar de salir del armario. Jack comienza a impartir clases de arte dramático. Por su parte, Karen descubre que su marido ha salido de prisión pero le ha engañado. Poco después, Stan perece y Karen lo hereda todo. Durante un crucero en el yate de Karen, Will y Jack despiertan en la misma cama tras haber bebido.

SEXTA TEMPORADA: Will y Jack descubren que no mantuvieron relaciones sexuales, gracias a las cámaras a bordo del yate de Karen. Will conoce a un policía llamado Vince, y ambos comienzan a salir juntos. Leo regresa con Grace, y ambos deciden partir juntos a Camboya con médicos sin fronteras. Grace no logra adaptarse y termina por regresar, y un tiempo después descubre que Leo la ha engañado, por lo que decide no volver a verle. Jack ingresa como estudiante de enfermería, pero el día de su graduación se percata de que sigue deseando ser un actor. También comienza una relación con Stuart, uno de los clientes de Will, aunque no tardan en romper.

Karen comienza una relación con Lyle Finster, padre de Lorraine, quien tuvo una aventura con Stan. Karen acepta a casarse con Lyle, pero durante la cena tras la boda decide que quiere divorciarse de él.

SEPTIMA TEMPORADA: Will continúa con su relación con Vince, llegando a conocer a sus padres. Sin embargo, ambos terminan por romper su relación eventualmente. Conoce a un hombre llamado Malcolm, con quien empieza a trabajar, para terminar por descubrir que su jefe es Stanley, quien no falleció. Grace lidia con su ruptura con Leo, y termina por divorciarse. Tiene una breve relación con un hombre llamado Nick, hasta que este parte debido a un nuevo trabajo. Jack comienza a trabajar para una compañía televisiva como ejecutivo, donde logra disfrutar de bastante éxito. Tras divorciarse de Lyle, Karen mantiene una breve relación con su enemigo Scott Woolley, pero termina por dejarle. También declara la homosexualidad de su eterno némesis Beverley Leslie.

OCTAVA TEMPORADA: Will inicia una relación con un canadiense llamado James, y para que este no sea deportado, Grace acepta casarse con él.

Cuando James resulta ser un egocéntrico, el matrimonio es anulado. Tras perder a su padre, Will se reconcilia con Vince retomando la relación, y ambos terminan por adoptar a un niño llamado Ben. Grace tiene un breve encuentro con Leo, y ambos tienen relaciones sexuales. Como resultado de esto, queda embarazada. Eventualmente, Leo y Grace se reconcilian y casan teniendo una hija llamada Laila. Grace y Will terminan enfadados pero eventualmente retoman su amistad cuando sus respectivos hijos terminan por casarse veinte años más tarde. Karen se reconcilia con Stan tras descubrir que sigue con vida, pero eventualmente se divorcia de él, quedando en la ruina. Jack acepta ser pareja de Beverley para mantener a Karen, tal y como ella hizo con él. Cuando Beverley fallece, Jack hereda su fortuna, y pasa el resto de su vida viviendo con Karen y Rosario. Los cuatro amigos se reúnen en un bar, donde brindan por su amistad.

ESCENA

Es evidente que es casi imposible encontrar una de mis escenas favoritas en castellano, pero aquí dejo esta con mis personajes favoritos, Jack y Karen.

FECHA DE ESTRENO

2 de Julio de 1986

TITULO ORIGINAL

The Great Mouse Detective

DIRECTORES

Ron Clements, Burny Mattinson, Dave Michener, John Musker

PRODUCTOR

Burny Mattinson

GUION
Peter Young, Vance Gerry, Steve Hulett, John Musker, Ron Clements

Basado en las historias de Eve Titus

REPARTO (VOCES)

Barrie Ingham (Basil, Bartholomew), Vincent Price (Profesor Ratigan), Val Bettin (Doctor David Dawson, Matón), Susanne Pollatschek (Olivia Flaversham), Candy Candido (Fidget), Diana Chesney (Señora Judson), Eve Brenner (Reina Ratón), Alan Young (Hiram Flaversham), Basil Rathbone (Sherlock Holmes), Laurie Main (Doctor Watson), Shani Wallis (Lady Mouse), Ellen Fitzhugh (Camarera), Walker Edmiston (Ciudadano, matón), Wayne Allwine (Matón), Tony Anselmo (Matón), Melissa Manchester (Miss Kitty Mouse), Frank Welker (Toby, Felicia)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Henry Mancini

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Distribution

DURACIÓN

74 minutos

CLASICO ANTERIOR:

Taron y el Caldero Mágico

CLASICO SIGUIENTE:

Oliver y su Pandilla

RATIGAN: “¡Bravo! ¡Bravo! Que maravillosa proeza. Sin embargo, te esperaba quince minutos antes. ¿Tuviste problemas con la tubería amigo?”

BASIL: “Ratigan, nadie puede tener mejor opinión de ti que yo, y creo que eres una vil y despreciable rata de alcantarilla.”

RATIGAN: “A propósito Basil, me gusta mucho tu disfraz. En realidad sería difícil reconocerte. ¡El mejor detective de todo el reino!”

BASIL: “Ratigan, oye esto. Tú estarás muy pronto en la cárcel.”

RATIGAN: “¡Calla torpe! ¿No te das cuenta aún? ¡La mente superior ha triunfado! ¡Yo vencí! Soy feliz, muy feliz. ¡Feliz! ¡Feliz! ¡Feliz! Tú no sabes que delicioso dilema fue decidir cuál era el más apropiado método para matarte. Tenía tantas ideas ingeniosas que no sabía cuál escoger, así que decidí usarlas todas. ¡Maravilloso! ¿No es cierto?”

CURIOSIDADES

Se trata del vigésimo sexto clásico animado de Disney, basado en la serie de libros para niños titulados “Basil, de la Calle Baker”. Dichos libros fueron escritos por Eve Titus, y siguen de manera intensa la tradición de Sherlock Holmes con un ratón heroico que imita al famoso detective. Titus le dio el nombre de Basil al personaje protagonista inspirándose en el actor Basil Rathbone, quien es recordado por interpretar a Holmes en una película. Su voz había sido grabada en la lectura de “La Liga de los Pelirrojos”, y diecinueve años después de su muerte, fue usada en esta película, gracias a las grabaciones, para le breve aparición de Sherlock Holmes, en la sombra. El personaje de Sherlock Holmes también menciona haber usado el alias de “Basil” en la historia de Arthur Conan Doyle “Peter el Negro”.

Mientras el estudio se encontraba inmerso en el proyecto de “Taron y el Caldero Mágico”, dos animadores extraídos de dicha película, Ron Clements y John Musker, comenzaron a desarrollar una adaptación de los libros de “Basil de la Calle Baker”.

Ron W Miller era director ejecutivo de Disney, y aunque estaba a punto de perder su puesto, le dio su apoyo al proyecto. Cuando Michael Eisner se convirtió en el nuevo director ejecutivo, insistió en partir el presupuesto de la película por la mitad. El presupuesto original era de veinticuatro millones de dólares, y al final se quedó en tan solo diez millones.

Los diseños gráficos de la película fueron realizados en ordenador, y el uso de cámaras de video hizo posible que se probara con una versión digital de los esbozos. La película también fue remarcable por el uso de imágenes generadas por ordenador, en una escena de persecución que tenía lugar en el interior del Big Ben. El movimiento de los engranajes del reloj fue producido como gráficos wireframe, impresos en células de animación donde los colores y los personajes eran añadidos posteriormente. “Basil, el Ratón Superdetective” es a menudo mencionada como la primera película de Walt Disney en usar imágenes generadas por ordenador. Sin embargo, esta distinción recae realmente sobre “Taron y el Caldero Negro” de 1985.

En lo relativo a la historia, originalmente se había decidido que el personaje de Olivia fuera mayor, y un potencial interés amoroso para el personaje de Basil, o incluso para un enamorado Doctor Dawson. Finalmente, se optó porque fuera una niña para poder acceder con más facilidad a la simpatía de los espectadores. Mientras Basil y Dawson se inspiraron visualmente en Rathbone y Bruce, este no fue el caso de sus voces. La voz de Basil se basó en la interpretación de Leslie Howard como Henry Higgins en la película “Pygmalion” de 1938. La voz de Dawson se basó en Eric Larson, leyenda de la animación de Disney. Clements aseguró que no deseaban crear versiones simples en miniatura de Basil Rathbone y Nigel Bruce, ni que Dawson fuera un bufón, sino más bien un personaje tierno y cariñoso. Eisner decidió no titular la película “Basil de la Calle Baker”. Aunque el título en español si incluyó el nombre de Basil, el original fue “The Great Mouse Detective”. Esta decisión no fue popular entre el equipo de producción de la película.

El animador Ed Gombert escribió un memorándum satírico entre oficinas, que proporcionaba títulos genéricos a películas precedentes.

La película funcionó bastante bien en taquilla, logrando recaudar alrededor de treinta y ocho millones y medio de dólares. Tras el fracaso económico que había supuesto “Taron y el Caldero Mágico”, esta película más simple probó ser un éxito moderado tras su estreno en 1986. Debido a esto, el nuevo equipo de dirección de la compañía quedó convencido de que su equipo de animación todavía era una empresa viable, lo que daría lugar a lo que sería conocido como el Renacimiento de Disney. Un moderado éxito tras un fracaso sirvió de base para reavivar la confianza del estudio en el departamento de animación. Esto llevaría al estreno de “La Sirenita”, tres años más tarde, que supondría un punto y aparte en la historia de animación de la compañía, generando sucesivos éxitos. Sin embargo todavía se tendría que estar la película “Oliver y su Pandilla”, antes de llegar a su punto.

NOTA PERSONAL

En esta ocasión tenemos un clásico que en su momento pasó bastante desapercibido, y que yo solo pude ver al alquilarlo en video. Tras el fracaso de “Taron y el Caldero Mágico”, era evidente que el nivel de animación había descendido debido a un presupuesto más ajustado. La historia de Basil es simple, pero me pareció que funcionaba muy bien otorgando momentos entrañables y francamente divertidos. La película sirve de introducción eficiente al mundo de Sherlock Holmes, a través de sus simpáticos personajes ratones. Si he de ser sincero, no conozco los libros infantiles en los que se basa la película. Sin embargo, me parece una idea más que original para introducir a un público infantil a este universo de los detectives que siempre me ha fascinado.

El personaje de Basil representa de forma muy divertida algunas de las excentricidades habituales de Sherlock Holmes. Por otro lado el personaje de Dawson contribuye con un aspecto más humano y tierno, equilibrando la obsesión detectivesca de su nuevo compañero.

Sin embargo, me pareció que la relación entre Basil y la niña Olivia estaba muy bien desarrollada, logrando sacar el aspecto más humano del detective. Aun así, esta es otra de las ocasiones en las que debo señalar la genialidad del villano en un Clásico Disney, en esta ocasión Ratigan. El villano tiene la inusual dualidad de otorgar momentos divertidos, pero también otros aterradores como en la lucha final. Fidget no me pareció particularmente original ni divertido, pero señalaría los personajes de Toby y Felicia, el perro y la gata, como absolutamente geniales. Creo que si hay momentos particularmente divertidos en la película, son los del perro Toby.

Sin ser uno de los clásicos que destaque por su animación, “Basil, el Ratón Superdetective” es una entretenida y divertida película de acción, que enseña al más pequeño lo importante de fijarse en los más nimios detalles si se quiere triunfar como detective.

Cabe señalar que faltaba poco para que la animación de Disney iniciara una nueva era de oro, con clásicos que arrasarían en taquilla.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En Londres, alrededor del año 1987, una jovencita ratoncita llamada Olivia Flaversham, está celebrando su cumpleaños en compañía de su padre, Hiram Flaversham. Hiram es un juguetero, habilidoso en crear todo tipo de mecanismos. Un murciélago con pata de palo, llamado Fidget, interrumpe la celebración atacando la casa de los Flaversham. Hiram se apresura para ocultar a Olivia en un pequeño armario, y se enfrenta a Fidget, quien logra llevárselo prisionero. Al salir del armario, Olivia se encuentra con la casa destrozada, y su padre desaparecido.

Poco después, el Doctor David Dawson regresa a Londres tras haber servido como médico en Afganistán. Dawson se encuentra con Olivia, quien llorando le explica que se ha perdido.

Le narra lo que le ha sucedido, y que está buscando a un famoso detective llamado Basil de la Calle Baker, para pedirle ayuda para localizar a su padre. Conmovido, Dawson decide ayudar a Olivia a llegar a la Calle Baker. Una vez allí, son acogidos por la Señora Judson, ama de llaves de Basil. El excéntrico detective aparece ante ellos, pero parece poco interesado por el caso. Su mayor obsesión es la de capturar al notorio criminal conocido como el Profesor Ratigan. Sin embargo, cuando Olivia describe a Fidget, Basil no tarda en identificarle, revelando que se trata del ayudante de Ratigan, por lo que decide aceptar el caso de la niña.

Mientras tanto, Hiram se encuentra en la guarida de Ratigan, quien le ha revelado su plan y le ha ordenado que construya algo para que estos se lleven a cabo. Hiram se niega, estando dispuesto a perder la vida si es necesario. Sin embargo, Ratigan le amenaza con acabar con Olivia si no coopera. Ratigan es una rata, y odia que se lo recuerden, pues prefiere considerarse un ratón.

Uno de sus matones, estando borracho, le llama rata, y Ratigan se lo entrega a su gata mascota Felicia, quien lo devora. Tras esto, le ordena a Fidget que acuda a una juguetería de humanos para hacerse con mecanismos, uniformes de soldados de plomo; y también le ordena que encuentre y captura a Olivia.

En la calle Baker, Basil, Dawson y Olivia suben a la residencia superior, donde residen los humanos conocidos como Sherlock Holmes y el Doctor Watson. Allí contactan con Toby, el perro de Holmes. Basil le entrega una prenda de Fidget para que siga su rastro, y el fiel y divertido perro obedece. De esta forma, Basil, Dawson y Olivia llegan a la juguetería donde Fidget se encuentra cumpliendo los encargos encomendados. Basil se percata de esto al ver rastros de barro, y varios soldados de plomo que no tienen sus uniformes. Olivia se distrae durante la búsqueda, gracias a lo cual Fidget consigue capturarla. Tanto Basil como Dawson intentan detener al murciélago, pero este logra escapar con la niña. Sin embargo, Fidget deja atrás la lista de sus encargos, la cual es localizada por Dawson.

De regreso en la Calle Baker, Basil realiza varias pruebas químicas que le permiten descubrir que la lista procede de una ribera cercana al Támesis. En la guardia de Ratigan, Hiram se ve obligado a obedecer sus órdenes al ver que el villano a capturado a Olivia.

Basil y Dawson se disfrazan de marineros rudos y acuden a una taberna del Támesis, donde localizan y siguen a Fidget hasta la guarida de Ratigan. Sin embargo, el murciélago se ha dejado seguir, y Ratigan y sus hombres capturan a Basil y Dawson. Ratigan ha hecho que Hiram construya un doble robótico de la Reina Ratón, con la intención de reemplazarla, y hacer que el robot le declare nuevo regente. Para capturar a la Reina, sus matones utilizaran los uniformes de los soldados de plomo, y acudirán al Palacio de Buckingham a lomos de Felicia. Basil y Dawson son atados a una ratonera conectada a un disco. Cuando la canción que suena termine, varias armas se activaran acabando con Basil y Dawson. Tras despedirse, Ratigan parte al Palacio de Buckingham con el robot, Fidget y Hiram. Basil consigue deducir las debilidades de la trampa, y consigue que tanto él como Dawson escapen, liberando también a Olivia.

En el Palacio de Buckingham, Ratigan hace que sus hombres disfrazados de soldados capturen a la Reina, y ordena que se la entreguen a Felicia para que se la coma. Hiram es obligado a operar el robot de la Reina, haciendo que este declare a Ratigan como nuevo gobernante del país. Mientras Ratigan comienza a leer sus nuevos decretos, la Reina es llevada ante Felicia. Basil, Dawson y Olivia llegan a lomos de Toby, logrando salvarla. Toby persigue a Felicia hasta una perrera real, donde Felicia es atacada. Basil libera a Hiram y hace que el robot revele el verdadero plan de Ratigan, que es atacado por los súbditos que se encuentran en palacio. Sin embargo, Ratigan consigue escapar capturando a Olivia y huyendo en un dirigible. Basil, Dawson y Hiram crean su propio mecanismo volador con una caja de cerillas y varios globos llenos de helio. Para volar más deprisa, Ratigan arroja a Fidget, quien no puede volar, al Támesis. Durante la persecución, Basil salta al dirigible de Ratigan, que se estrella contra el Big Ben.

Allí, Basil ayuda a Olivia a escapar, aprovechando que la capa de Ratigan se ha enganchado con engranajes reteniéndolo, logrando entregarla a Hiram y Dawson. Ratigan se libera y se enfrenta a Basil en las agujas del reloj. Cuando el reloj da las diez de la noche, la aguja se mueve provocando que Ratigan caiga a su muerte, y Basil detrás de él. Sin embargo, Basil consigue agarrarse a los restos del dirigible de Ratigan, salvándose de la fatal caída. De esta forma, Hiram y Olivia se reencuentran y despiden de sus salvadores para reanudar su vida. Basil y Dawson también reciben la gratitud de la Reina por haber salvado al país. Dawson procede a despedirse también, explicando que debe encontrar un lugar donde establecer una nueva vida en Londres. Justo en ese momento, una ratona se presenta en la casa pidiendo la ayuda para un nuevo caso. Basil acepta el caso, explicando que tanto él como su nuevo socio Dawson lo resolverán. Basil le extiende la mano a Dawson, quien la estrecha forjando una nueva amistad y asociación como detectives.

ESCENA

No importa el número de veces que la vea, siempre me desternillo de risa. Basil logra escapar de la trampa mortal de Ratigan.

FECHA DE ESTRENO

4 de Marzo de 1922

TITULO ORIGINAL

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

DIRECTOR

Friedrich Wilhelm Murnau

PRODUCTORES

Enrico Dieckmann, Albin Grau

GUION
Henrik Galeen

Basado en “Drácula” de Bram Stoker

REPARTO

Max Schreck (Conde Orlok), Gustav von Wangenheim (Thomas Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter), Alexander Granach (Knock), Ruth Landshoff (Annie), Wolfgang Heinz (Primer Oficial del Empusa), Georg H. Schnell (Harding), John Gottowt (Profesor Bulwer), Gustav Botz (Profesor Sievers), Max Nemetz (Capitán del Empusa), Heinrich Witte (Guardia en el asilo), Guido Herzfeld (Posadero), Karl Etlinger (Estudiante con Bulwer), Hardy von Francois (Doctor del hospital), Fanny Schreck (Enfermera del hospital)

CINEMATOGRAFÍA

Fritz Arno Wagner, Günther Krampf

BANDA SONORA

Hans Erdmann

DISTRIBUIDA POR:

Film Arts Guild

DURACIÓN
94 minutos

CURIOSIDADES

“Nosferatu” fue la única producción de “Prana Film”, compañía fundada en el año 1921 por Enrico Dieckmann y Albin Grau. Este último tuvo la idea de rodar una película sobre vampiros, inspirándose en una experiencia personal. En el invierno de 1916, un granjero serbio le había dicho que su padre era un vampiro, un no muerto. Dieckmann y Grau le entregaron a Henrik Galeen la tarea de escribir un guion inspirado que estuviera inspirado en la novela de Bram Stoker, “Drácula”, del año 1897. Sin embargo, “Prana Film” no se había hecho con los derechos de la película. Galeen era un especialista experimentado en el romanticismo oscuro; y ya había trabajado en la película de 1913, “El Estudiante de Praga”, así como en el guion de la película de 1920 “El Golem”.

Galeen estableció la historia en una ciudad ficticia llamada Wisborg, supuestamente situada en un puerto del norte, y cambió los nombres de los personajes. Añadió la idea de que el vampiro provocara que la población pensara que las muertes provocadas por él, fueran causa de la plaga. Dejó de lado el personaje del cazador de vampiros Van Helsing.

El guion de Galeen poseía un estilo poéticamente rítmico, sin resultar tan desmembrado como otros libros influenciados por el Expresionismo literario.

El rodaje comenzó en julio de 1921, y las tomas exteriores tuvieron lugar en Wismar. Se utilizó una toma de la torre sobre el mercado de Wismar para establecer las escenas de Wisborg. En Lübeck, el abandonado Salzpeicher (Almacén de Sal) sirvió como la nueva casa de Nosferatu en Wisborg, una en el cementerio para la casa de los de Hutter. Los exteriores de la película que sirvieron para las escenas en Transilvania, tuvieron lugar en la región del norte de Eslovaquia. El equipo rodó las escenas de interiores en el estudio JOFA de Berlín. Por motivos de escaso presupuesto, el cámara Fritz Arno Wagner solo disponía de una cámara, y por lo tanto solo hubo un negativo original. El director siguió el guion de Gallen cuidadosamente, siguiendo instrucciones escritas sobre el posicionamiento de la cámara, la luz y otros temas relacionados con el rodaje. A pesar de esto, Murnau reescribió doce páginas del guion por completo debido a que faltaba el texto de Galeen en la copia del guion que el director había recibido.

Dichos cambios eran en relación con la última escena de la película, en la que Ellen se sacrificaba y el vampiro fallecía bajo los primeros rayos del sol. Murnau se preparó cuidadosamente; y existían borradores que correspondían a cada una de las escenas rodadas. También utilizó un metrónomo para controlar el ritmo de las interpretaciones.

La banda sonora original fue compuesta por Hans Erdmann para ser interpretada por una orquesta durante la proyección de la película. Sin embargo, la mayor parte de la música se ha perdido, y lo que queda es solo una reconstitución de lo que fue interpretado en el año 1922. Este es el motivo por el que muchos compositores y músicos han improvisado su propia música para acompañar a la película. Por ejemplo, Hames Bernard, compositor de muchas bandas sonoras de las películas de terror de Hammer en las décadas de 1950 y 1960, ha reescrito una banda sonora para ser reutilizada. En 1989, el venerable Art Zoyd, incondicional del rock progresivo, lanzó “Nosferatu” en Mantra Records.

Thierry Zaboitzeff y Gérard Hourbette compusieron las Pieces, para corresponder con una versión truncada de la película que se estaba distribuyendo con fuerza. En 2010, los “Mallarme Chamber Players of Durham”, en Carolina del Norte, contrataron al compositor Eric Schwartz para componer una partitura de música de cámara experimental para ser interpretada en directo junto a emisiones de la película.

“Nosferatu” logró reforzar la imagen del director Murnau a los ojos del público, especialmente cuando su película “La Tierra en Llamas” fue estrenada unos días más tarde. La prensa realizó numerosos artículos sobre “Nosferatu” en su estreno. Añadido a los elogios, también hubo críticas ocasionales. Estas se concentraron en la perfección técnica y la claridad de las imágenes, las cuales se argumentaban que no iban a la par con un tema de terror. Se llegó a declarar que el vampiro aparecía demasiado corpóreo y con una luz brillante, por lo que no parecía todo lo aterrador que se podía esperar.

A pesar de esas críticas ocasionales, la película terminó por convertirse en una obra maestra a los ojos de mucho, así como en todo un clásico del cine de terror. Se realizó un remake de la película, el cual se estrenó en el año 1979 titulada “Nosferatu, Vampiro de la Noche”. En esta ocasión, no se trató de una película muda.

NOTA PERSONAL

La primera vez que pude ver esta película era solo un crío, y lo hice gracias a una copia que había conseguido un tío mío. De hecho, fue la primera película muda que vi, y me causó un impacto tremendo. A pesar de su carencia de diálogos, me tuvo enganchado a la pantalla y recuerdo pasar un verdadero pánico. Fue tanto que apenas pude dormir durante la noche, y el recuerdo se me quedó grabado. Pasaron muchos años hasta que pude ver la película una vez más, y ya no me produjo miedo alguno. Supongo, que esto se debe a que es un film enmarcado en una época y estilo muy contrato. Sin embargo, me sigue pareciendo una película excepcional, y es innegable que sigue estando cargada de una atmosfera inquietante.

La interpretación de Max Schreck es sencillamente espeluznante. De hecho el aspecto del peculiar vampiro sería utilizado repetidamente en el futuro, como en la serie de televisión “El Misterio de Salem Slot”. Por otro lado, la música es excepcional y consigue combinar un estilo poético con algo tan dispar como una historia de terror. Me fascinan las interpretaciones exageradas del resto de los personajes, así como todos los entornos elegidos para la película.

Acabaré señalando que no soy un gran fan de las películas mudas, pero reconozco su mérito y cuanto menos interesante estilo. En este caso, esta película nunca se me ha hecho lento, y siempre me ha mantenido atento a la pantalla. No cabe duda de que se trata de todo un clásico.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

ACTO I

En la ciudad de Wisborg, Alemania, Thomas Hutter vive feliz en compañía de su esposa Ellen. Una mañana en el trabajo, su jefe Knock le comunica su decisión de enviarle a Transilvania con la intención de que se reúna con un nuevo cliente llamado el Conde Orlok. Este desea trasladarse a Wisborg, y Knock le encarga que le venda una lúgubre casa abandonada. El trabajo es una gran oportunidad para Thomas, quien se reúne con su esposa Ellen para comunicarle el encargo. Su amigo Harding, en compañía de su hermana Annie, le tranquiliza asegurándole que cuidara de Ellen durante su ausencia. De esta forma, Thomas parte hacia Transilvania.

Cerca de su destino en las montañas de los Cárpatos, Hutter se detiene en una posada para cenar. El posadero se muestra muy amable, pero cuando Thomas menciona que ha viajado para reunirse con el Conde Orlok, todos se muestran atemorizados, y le aconsejan que no viaje allí durante la noche, pues un hombre lobo merodea por las proximidades. Thomas no se toma en serio esas supersticiones y se ríe ante esas historias.

Tampoco se toma en serio la supuesta existencia de un ser sobrenatural llamado el Nosferatu, que se alimenta de la sangre humana. A pesar de esto, decide quedarse a dormir en la posada.

A la mañana siguiente, Thomas toma un carruaje en dirección al castillo de Conde Orlok. Sin embargo, los cocheros se niegan a llevarle más allá de un puente, ya que está a punto de caer la noche, y según ellos un diablo reside por esos lugares. Thomas sigue sin tomarse estas historias en serio, y parte caminando hasta que es recibido por un carruaje negro. Su cochero le indica mediante gestos que suba al carruaje. De esta forma, Thomas es llevado hasta el castillo donde es recibido por el Conde Orlok, quien le da la bienvenida.

ACTO II

El Conde Orlok invita a Thomas a cenar mientras lee con detenimiento el contrato de compra de su nueva casa en Wisborg. Durante la cena, Thomas comienza a inquietarse por el lúgubre aspecto del Conde, y se corta un dedo con el cuchillo mientras corta una hogaza de pan.

El Conde percibe la presencia de la sangre e intenta chupar la sangre fuera, pero Thomas retira su mano sintiendo repulsa. Sin embargo, Orlok le hipnotiza para que se quede un rato más en su compañía.

A la mañana siguiente, Thomas se despierta y percata de dos perforaciones en su cuello, las cuales atribuye a las mordeduras de mosquitos o arañas. Thomas le escribe una carta a su esposa, y hace que un local se encargue de llevarla a caballo. Esa misma noche, Orlok firma los documentos de compra de su nueva casa, justo en frente de la casa de Thomas. Durante la firma, Thomas deja caer una fotografía de Ellen, y Nosferatu queda prendado de ella elogiando la belleza de su cuello. Cada vez más inquieto, Thomas comienza a sospechar que Orlok es Nosferatu. Llegada la noche, intenta refugiarse en su habitación, pero no hay manera de bloquear la puerta, y la ventana da a un acantilado. La puerta de su habitación se abre y Orlok entra en si interior revelando su verdadera naturaleza. Thomas cae inconsciente, mientras en Wisborg Ellen tiene una horrible pesadilla que le hace temer por la suerte de su esposo.

Al día siguiente, Thomas comienza a explorar el castillo hasta llegar a una cripta. Allí descubre a Orlok descansando dentro de un ataúd. Aterrorizado, Thomas se refugia en su habitación. Horas más tarde observa como Orlok está cargando varios ataúdes en un carruaje, y como se introduce en el último antes de que el carruaje parta. Aterrorizado al pesar que Ellen corre peligro, Thomas intenta salir del castillo por la ventana, pero acaba despeñándose y queda inconsciente.

ACTO III

Thomas despierta en un hospital, donde una enfermera le explica al médico que fue encontrado con alta fiebre. Los ataúdes de Orlok son cargados a bordo del barco conocido como el Empusa. Los ataúdes son inspeccionados por la tripulación, revelando que contienen tierra, mientras uno de ellos está lleno de ratas. Mientras tanto, en Wisborg, el Profesor Bulwer explica la naturaleza de las plantas carnívoras a sus alumnos, comparándolas con los vampiros. También se revela que Knock ha estado siempre bajo la influencia de Nosferatu, y ante su proximidad pierde la razón y es encerrado en un asilo donde consume insectos asegurando que la sangre es vida. En su locura, Knock llega a atacar al director del asilo.

Por su parte Ellen ha caído en la melancolía, añorando la compañía de su esposo. Harding y Anna reciben la carta de Thomas y corren a entregársela a Ellen. Al mismo tiempo, Thomas se recupera y parte hacia Wisborg preocupado por el peligro que corre su esposa. El Empusa prosigue su viaje hacia Wisborg, y su tripulación ignora el peligro que llevan consigo. Sus marineros comienzan, uno tras otro, a enfermar con altas fiebres. La situación se vuelve insostenible cuando solo quedan con vida el Primer Oficial y el Capitán. Sospechando lo que ocurre, el Primer Oficial se dispone a destruir los ataúdes. Sin embargo, Orlok se despierta y el Primer Oficial, aterrorizado salta al mar. El Capitán, inconsciente del peligro, se ata al timón, convirtiéndose en la última víctima de Orlok.

ACTO IV

En Wisborg, Ellen ha comenzado a caminar dormida, sintiéndose hipnotizada por una fuerza extraña. El Empusa llega a Wisborg, y Orlok parte a su nueva residencia sin ser observado y portando su propio ataúd.

Al sentir la llegada de su amo, Knock ataca a un guardia del asilo y consigue escapar. Thomas también logra regresar a casa y reunirse con Ellen.

A la mañana siguiente, las autoridades portuarias examinan el Empusa y encuentran a su Capitán sin vida. Al inspeccionar el cuaderno de bitácora, asumen que sus tripulantes fueron víctimas de la peste. El pánico por la peste se desata en Wisborg, y se insta a los ciudadanos a que permanezcan en sus casas.

ACTO V

Varias muertes comienzan a tener lugar por toda la ciudad, pero son achacadas a la plaga. Mientras tanto, Ellen lee el libro de Thomas sobre la existencia de Nosferatu, y descubre que la criatura solo puede ser detenida si una mujer virtuosa consigue que se olvide del canto del primer canto del gallo. Las muertes siguen sucediendo, y los habitantes de Wisborg, deseosos de encontrar un responsable, culpan al demente Knock al que comienzan a perseguir hasta capturarle.

Ellen decide abrir su ventana para invitar a Nosferatu con la esperanza de acabar con él, pero se desmalla. Thomas la acuesta y corre para avisar al Doctor Bulwer. Una vez sola, Ellen se recupera a tiempo para recibir a Orlok. Nosferatu comienza a beber la sangre de la joven y pierde la noción del tiempo hasta que el gallo canta anunciando el amanecer. En el asilo, Knock se desespera ante el peligro que corre su amo. Orlok intenta abandonar la habitación, pero se desintegra en humo ante la luz del sol, perdiendo la vida. Thomas llega con el Doctor Bulwer a tiempo de ver como Ellen pierde la vida, habiéndose sacrificado para acabar con el vampiro. Las muertes dejan de tener lugar en Wisborg, mientras que en Transilvania, el castillo de Orlok queda en ruinas.

ESCENA

Genial y escalofriante escena en la que el Conde Orlok visita a Hutter por la noche, y como el joven lo descubre en su ataúd a la mañana siguiente.

FECHA DE ESTRENO

25 de Marzo de 1932

TITULO ORIGINAL

Tarzan the Ape Man

DIRECTOR

Woodbridge Strong Van Dyke

PRODUCTOR

Irving Thalberg

GUION
Cyril Hume

Basado en la novela de Edgar Rice Burroughs

REPARTO

Johnny Weissmuller (Tarzán), Maureen O’Sullivan (Jane Parker), Neil Hamilton (Harry Holt), C. Aubrey Smith (James Parker), Doris Lloyd (Señora Cutten), Forrester Harvey (Beamish), Ivory Williams (Riano)

CINEMATOGRAFÍA

Clyde De Vinna

BANDA SONORA

George Richelarie

DISTRIBUIDA POR:

MGM

DURACIÓN
99 minutos

SUCEDIDA POR:

Tarzán y su Compañera

JANE PARKER: “Soy Jane Parker. ¿Entiendes? Jane, Jane.”

TARZÁN: “Jane, Jane.”

JANE PARKER: “Sí, Jane. ¿Y tú? Jane.”

TARZÁN: “Jane.”

JANE PARKER: “¿Y tú? Tú.”

TARZÁN: “Tarzán. Tarzán.”

JANE PARKER: “Tarzán.”

TARZÁN: “Jane, Tarzán. Jane…”

JANE PARKER: “Eso es.”

TARZÁN: “Tarzán. Jane, Tarzán. Jane, Tarzán. Jane, Tarzán. Jane, Tarzán.”

JANE PARKER: “¡Oh, calla por favor! Déjame ir, no puedo soportarlo. ¿Para qué me quieres aquí?

CURIOSIDADES

“Tarzán de los Monos” fue la primera película que contó con Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan como protagonistas; y la primera de catorce películas que contarían con el primero. También marcó la primera aparición del chimpancé Chita, siendo el verdadero nombre del animal entrenado, Jiggs.

El personaje de Chita fue creado especialmente para esta película, ya que nunca había aparecido en las novelas originales de Burroughs.

Inicialmente se consideró contar con Clark Gable para interpretar el papel de Tarzán, pero se optó por descartarle debido a que se le consideraba poco conocido en aquel entonces. Entonces fue que los productores se decantaron por Johnny Weissmuller, quien había sido uno de nadadores más rápidos a nivel mundial, en la década de 1920. De hecho, se había hecho con cinco medallas de Oro en los Juegos Olímpicos, u una de bronce en water polo. Cuando se contactó con Weissmuller para que interpretara a Tarzán, tenía un contrato con BVD para anunciar ropa interior y trajes de baño. La BVD se opuso ferviente a que su figura de publicidad apareciera en taparrabos, y no llevando alguno de sus diseños. A cambio de que la BVD le dejara a Weissmuller interpretar a Tarzán, la MGM permitió que dicha compañía realizara anuncios con intérpretes femeninos del estudio llevando sus trajes de baños. Algunas de estas fueron Greta Garbo, Joan Crawford, Jean Harlow y Marie Dressler.

Durante toda su vida, Maureen O’Sullivan insistió que el famoso grito de Tarzán había sido creado por el propio Weissmuller, sin ningún tipo de asistencia técnica. Sin embargo, fue creado por el experto de sonido Douglas Shearer, quien utilizó efectos especiales de sonido. Estos incluían el sonido de cantos yodel australianos, reproducidos de forma invertida a una velocidad acelerada. EL propio Weissmuller aseguró que había sido el creador del grito en un concurso de cantos yodel que había ganado siendo solamente un niño. Más adelante, aprendió a imitar el sonido para que la gente asumiera que era él quien lo producía durante sus películas. Independientemente de quien dijese la verdad, esta fue la primera película en la que se pudo escuchar el clásico grito del Hombre de los Monos.

En el caso de los monos, los animales adultos eran actores con disfraces, mientras que las crías eran chimpancés de verdad. Esta fue una práctica que se optó por abandonar tras esta primera película. Uno de los hombres que llevaba un traje de simio era Ray Corrigan.

Los elefantes que se utilizaron en las primeras películas de Weissmuller no eran africanos, sino asiáticos. A estos se les habían puesto extensiones a las orejas, práctica habitual debido a que los elefantes asiáticos son mucho más dóciles que los africanos. En películas posteriores, las orejas falsas dejaron de usarse al considerar que nadie se percataría de la diferencia. El leopardo que lucha contra Tarzán cuando este conoce a Jane, era en realidad un jaguar. Fue utilizado porque era mucho más barato de importar desde Méjico, que los verdaderos leopardos desde África. Los miembros de la tribu de pigmeos que aparecían en la película era en realidad un reparto de gente pequeña de raza blanca, a los cuales se les había pintado de negro.

La frase “Yo Tarzán, Tú Jane” no se menciona en ningún momento de la película. Cuando Jane y Tarzán se conocen, es ella quien inicia el intercambio verbal entre ambos personajes, repetidamente refiriéndose a sí misma y proporcionando su nombre hasta que Tarzán lo logra repetir.

Es entonces cuando le señala, indicándole su deseo de saber si existe una palabra para que pueda dirigirse a él, equivalente al de Jane. En poco tiempo, el hombre la entiende y responde: “Tarzán”.

La película utiliza grandes cantidades de metraje de la película “Trader Horn” del año 1931, y también dirigida por Van Dyke. Esto provocó que algunas escenas fueran superpuestas sobre el antiguo metraje de una forma demasiado obvia. Esto sucedía más especialmente al principio de la película, cuando James Parker le muestra a Jane distintas tribus locales. A dicho metraje de archivo se añadieron varias escenas rodadas en el Lago Toluca, región del norte de Los Ángeles. La película fue producida y distribuida por los Estudios MGM. Uno de los fundadores del estudio fue Szmul Gelbfisz, aunque inicialmente el estudio se denominaba “Goldwyn Pictures”. Gelbfisz decidió cambiarse su nombre por el de Samuel Goldwyn. La compañía acabaría por convertirse en “MGM”. Su nieto, Tony Goldwyn, le proporcionaría la voz a Tarzán en la adaptación de Disney estrenada en 1999.

NOTA PERSONAL

Debo comenzar mencionando que Tarzán siempre ha sido uno de mis personajes de ficción favoritos, y este hecho se remonta hasta cuando era solo un niño. La primera adaptación que vi de Tarzán, fue la mística serie de animación de la década de 1970. Después de esto comencé a iniciarme en las clásicas películas de Weissmuller cuando aún no había cumplido los diez años. Aunque debo admitir que la primera que vi fue “Tarzán en Nueva York” (1942).

Creo que es importante saber contextualizar determinadas películas y la época en la que fueron rodadas. Menciono esto debido a que siempre he leído innumerables referencias a determinados tonos racistas que pueden encontrarse en la película. Sin embargo, uno tiene que tener la suficiente objetividad para entender lo que la década de 1930 simbolizaba en términos raciales. Es evidente que los nativos africanos no son caracterizados de forma muy afortunada, y la escena de la tribu “pigmea” puede resultar incluso ofensiva.

Sin embargo, yo no percataba de esas connotaciones cuando era un niño, y ahora prefiero considerarlo errores históricos que han logrado ser corregidos con el paso del tiempo.

Concentrándome en los aspectos positivos de la película comenzaré con Johnny Weissmuller. Sin duda nadie ha sabido interpretar a Tarzán como él. La película tiene escenas que hacen un despliegue evidente sus habilidades como nadador; y siempre me causó hilaridad como conservaba su impecable permanente al salir del agua. Aunque el personaje de Jane me parecía algo irritante en ocasiones, reconozco que siempre me ha gustado el trabajo de O’Sullivan a la hora de representar como una chica de ciudad acaba seducida por la vida en la selva. De hecho, siempre he considerado que acaba por enamorarse de Tarzán, porque el personaje representa la personificación de dicha vida en la selva. Luego tenemos el formidable chimpancé Chita, que sin lugar a dudas era la delicia de cualquier niño, por sus formidables escenas, en ocasiones cómicas.

La mezcla con escenas de la fauna africana es evidentemente superpuesta en ocasiones, y en otras se nota con las animales son construcciones. A pesar de esto, las escenas de acción siempre me han parecido muy logradas, sobre todo considerando que es una película de 1932.

En términos definitivos, la primera película de la saga de catorce films es formidable, si bien no mi favorita, y marcó el inicio de inolvidables películas de acción.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

James Parker se encuentra en África con su joven ayudante Harry Holt. Ambos desean encontrar un legendario cementerio de elefantes, para poder obtener todo el marfil posible. La hija de James, Jane Parker, llega también a África, cansada de verse alejada de su padre. Inicialmente, James desea enviarla de vuelta, pero el fuerte carácter de su hija hace que esto sea inviable.

Por otro lado, el joven Harry no tarda en sentirse atraído hacia Jane, con quien intenta conectar, defendiendo su deseo de quedarse en África. James le presenta a su hija a varias tribus locales, y la joven no parece tener problemas para adaptarse a su nuevo entorno, así como a las costumbres de los locales. James y Harry le comunican su deseo de encontrar el cementerio de elefantes, y la joven no duda en asegurar que les ayudará en su empresa. Con un pequeño grupo de hombres guiados por el local Riano, los tres comienzan su viaje a través de la jungla, a pesar de no tener pistas. La primera noche, Harry le solicita a Jane que considere la posibilidad de que ambos puedan iniciar una relación, algo que Jane no descarta. La expedición continúa y tiene un breve encuentro con una tribu que venera a los elefantes como animales sagrados. Al escalar una montaña, Jane está a punto de caer despeñada, pero se salva gracias a la cuerda a la que está amarrada. Harry tira de la cuerda, rescatando a la joven. Poco después, la expedición escucha un extraño grito, el cual James identifica como procedente de un hombre.

James está a punto de detener la expedición, pero Jane le asegura que no está asustada y que deben proseguir en su búsqueda.

Sin embargo, los nativos que les acompañan comienzan a sentir un gran temor. La expedición consigue cruzar un río repleto de hipopótamos. Para evitar el ataque de los animales, Jane demuestra gran destreza con el rifle. Durante el cruce, Harry cae al río y Jane se percata de la presencia de cocodrilos, uno de los cuales logra devorar a un nativo. Tras cruzar el río, la expedición se encuentra con un hombre salvaje encaramado a un árbol. La expedición es atacada por una tribu de pigmeos, y se ve obligada a escapar. El hombre salvaje se lleva a Jane ante la desesperación de James y el resto de la expedición. Inicialmente, Jane se siente aterrada ante el salvaje y el chimpancé que le acompaña. Pero el hombre se muestra protector, llegando a enfrentarse a un leopardo con el que logra acabar. Jane también descubre que era él quien emitía el sonoro grito que había oído, y es transportada de árbol en árbol, mediante el uso de lianas por parte del hombre.

Sin embargo, Jane no tarda en darse cuenta de que el hombre la está protegiendo de los distintos peligros de la selva. Jane consigue comunicarse con dificultad logrando explicarle su nombre al hombre, quien le replica que se llama Tarzán. Este ayuda a la joven consiguiéndole alimentos, ya que utiliza su grito para comunicarse con los animales de la selva. Mientras Tarzán busca alimentos, la expedición logra localizar a Jane en el árbol, y dispara sobre un chimpancé hembra, dejando a su cría, Chita, bajo el cuidado de Tarzán, quien llega en ese momento. Harry falla un disparo sobre Tarzán, y Jane le implora que le deje tranquilo y que prosigan su camino. Sin embargo, Tarzán les sigue a distancia. James conversa con Jane, quien le explica que al principio estaba asustada, pero que había perdido el miedo. Aunque James intenta explicarle que es un hombre salvaje, Jane le asegura que no es así. Cuando Harry no muestra remordimientos por haberle disparado al mono, Jane se enfada con él. Tarzán comienza a matar a miembros de la expedición, y Jane intenta explicar que es consecuencia de haber matado al mono.

Antes de que intenten acabar con Tarzán, Jane se ofrece voluntaria para hablar con él. Sin embargo, Harry vuelve a disparar sobre Tarzán, fallando de nuevo; mientras los monos se llevan a Jane de regreso al refugio de Tarzán en un árbol.

Tarzán es herido mientras lucha contra un león, y los monos conducen a Jane hasta él. La joven atiende sus heridas, y logra hacerse con el afecto de los monos. Tras esto, la pareja comienza a pasar más tiempo en compañía, y Jane comienza a sentirse atraída hacia el hombre salvaje. Sin embargo, Jane se percata de la preocupación de su padre y se siente triste, por lo que Tarzán decide llevarla de regreso con la expedición y se marcha ante la desolada joven. Poco después, la expedición es capturada por una tribu de enanos, pero Jane consigue ver a Chita a lo lejos, y le pide que vaya en busca de Tarzán. Con su grito, Tarzán convoca a los elefantes de la jungla y logra escapar del río plagado de cocodrilos, para acudir al rescate.

En el campamento de la tribu, Jane, Jame y Harry son arrojados a un foso que contiene un gorila gigante. El resto de los miembros de la expedición es sacrificado. Tarzán llega a tiempo para salvarles, logrando acabar con el gorila en combate. Poco después, aparece una manada de elefantes que ataca el poblado, mientras Tarzán, Jane, Harry y James escapan a lomos de dos elefantes. Sin embargo, el elefante en el que se encuentra James está a punto de perecer. James insiste en que dejen que el elefante le lleve más tiempo, ya que les conducirá hasta el cementerio de elefantes. Sin embargo, James perece nada más llegar. Jane decide que no es el momento de profanar el cementerio de elefantes, y los tres lo abandonan. Jane procede a despedirse de Harry, indicando que ella se quedara en la selva con Tarzán. Cuando Harry regrese a por el marfil, no correrá ningún peligro, pues Tarzán se encargará de protegerle. Tarzán, Jane y Chita regresan a la selva para iniciar una nueva vida.

ESCENA

Solo he conseguido esta escena en la que la expedición sube por la montaña, y Jane está a punto de caer.

FECHA DE ESTRENO

11 de Marzo de 1984

TITULO ORIGINAL

Kaze no Tani no Naushika (風の谷のナウシカ)

DIRECTOR

Hayao Miyazaki

PRODUCTOR

Isao Takahata

GUION
Hayao Miyazaki

REPARTO (VOCES)

Sumi Shimamoto (Nausicaä), Yôji Matsuda (Asbel), Yoshiko Sakakibara (Kushana), Goro Naya (Maestro Yupa), Hisako Kyôda (Obaba), Iemasa Kayumi (Kurotowa), Mahito Tsujimura (Rey Jihl), Ichirô Nagai (Mito), Kôhei Miyauchi (Gol), Jôji Yanami (Gikuri), Jiro J. Tahakushi (Emperador), Miina Tominaga (Lastelle), Makoto Terada (Alcalde de Pejite), Akiko Tsuboi (Madre de Lastelle)

CINEMATOGRAFÍA

Koji Shiragami, Yukitomo Shudo, Yasuhiro Shimizu, Mamoru Sugiuri

BANDA SONORA

Joe Hisaishi

DISTRIBUIDA POR:

Toei Company

DURACIÓN
117 minutos

ANTERIOR PELÍCULA DE MIYAZAKI:

El Castillo de Cagliostro

SIGUIENTE PELÍCULA DE MIYAZAKI:

El Castillo en el Cielo

NAUSICAÄ: “Obaba, ¿qué es lo que busca el Maestro Yupa?”

OBABA: “Nausicaä, ¿pero es que acaso aun no lo sabes? Mira, ¿ves el tapiz que hay colgado en la pared? Yo ya no lo veo. La figura que hay en la esquina superior izquierda. Engalanado con sus lujosas ropas azules, descenderá de los cielos sobre un campo dorado, para unir sus lazos con la tierra y…”

NAUSICAÄ: “... guiar sus gentes hacia las tierras más puras al in. Pero Maestro Yupa, ¿yo siempre había creído que era una antigua leyenda?”

MAESTRO YUPA: “Por favor Obaba, no se burle de mí.”

OBABA: “¿Y qué? ¿No es lo mismo?”

MAESTRO YUPA: “Lo único que quiero es resolver los misterios del Mar de Putrefacción. Los humanos no somos más que una tribu destinada a ser engullida y destruida por el Mar de Putrefacción. Necesito conocer la respuesta.”

CURIOSIDADES

Hayao Miyazaki se había estrenado como director de películas de animación en el año 1979. Su primera película fue “El Castillo de Cagliostro”, la cual fue toda una novedad comparada con las antiguas películas de la serie Manga “Lupin III”. A pesar de esto, recibió el Premio Ofuji Noburo en los “Premios Manichi Film” de 1979. Debido al éxito de la película, fue contactado por la revista de Anime conocida como “Animage” para que produjera trabajos para la compañía. Miyazaki tenía nuevas ideas para películas, las cuales fueron desafortunadamente rechazadas, por lo que “Animage” le solicitó que realizara un Manga. Esto desembocó en la creación de “Nausicaä del Valle del Viento”.

El trabajo de Miyazaki en “Nausicaä del Valle del Viento” se vio inspirado por una serie de trabajos. Estos incluían “Terramar” de Ursula K. Le Guin, “Invernáculo” de Brian Aldiss, “Nightfall” de Isaac Asimov y “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien. Daniel Cavallaro también ha sugerido que puede haber inspiración en la fábula “La Dama que Amaba a los Insectos”, y los trabajos de William Golding.

El personaje de Nausicaä se inspiró, tanto en nombre como en personalidad, en la princesa de los Feacios de “La Odisea” de Homero. Son muchos los que han realizado una conexión con “Dune” de Frank Herbert, pero nunca ha habido confirmación alguna al respecto, excepto que el nombre de los Oms es similar a Worms (en inglés gusanos). La imaginación de Miyazaki se vio inspirada por la contaminación de mercurio que tuvo lugar en la Bahía de Minamata, en las décadas de 1950 y 1960, y en como la naturaleza respondió sobreviviendo en un medio ambiente contaminado. De ahí utilizó la idea de crear el mundo contaminado del mundo de “Nausicaä del Valle del Viento”.

Miyazaki comenzó a escribir y dibujar el Manga en el año 1982, y la historia se convirtió en todo un éxito una vez fue publicado. Tokuma Shoten, propietario de “Animage” y presidente de “Tokuma Shoten”, animó a Miyazaki para que lo convirtiera en una película. Inicialmente, Miyazaki se negó, pero terminó por ceder con la condición de que se le permitiera dirigir el proyecto.

Durante las primeras etapas, el productor Isao Takahata se unió al proyecto muy a su pesar, incluso antes de que se decantaran por un estudio de animación. Se requería de un estudio externo para producir la película, debido a que Tokuma Shoten no era propietario de un estudio de animación. Finalmente, Miyazaki y Takahata escogieron un pequeño estudio llamado “Topcraft”. Ambos eran conocedores del trabajo de producción del estudio, y lo escogieron porque su talento artístico podía transponer la atmosfera sofisticada del Manga a la película. El treinta y uno de mayo de 1983, se comenzó a trabajar en la preproducción de la película. Miyazaki se enfrentó a serias dificultades para crear el guion, ya que solo contaba con dieciséis capítulos del Manga con los que podía trabajar. Debido a esto, el director y guionista utilizó elementos fragmentados de la historia, y decidió concentrar la narrativa y los personajes en la invasión de Tolmekia sobre el Valle del Viento. Takahata se encargó de reclutar al compositor experimental y minimalista Jo Hisaishi, para que realizara la banda sonora de la película.

En agosto se comenzó el trabajo de animación de la película, producido por animadores contratados específicamente para la película, y que fueron pagados por toma realizada. Uno de los animadores más destacables fue Hideako Anno, quien más adelante escribiría y dirigiría la serie de televisión “Neon Genesis Evangelion”, estrenada en 1995. Anno recibió la tarea de dibujar la secuencie del ataque del Dios Guerrero, considerada la secuencia más complicada a nivel de animación y la cual Toshio Suzuki consideraba un momento climático de la película. La película fue finalmente estrenada en marzo de 1984, con un horario de producción de solo nueve meses, y un presupuesto equivalente al de un millón de dólares.

NOTA PERSONAL

Siempre me han encantado las películas que tienen lugar en un mundo post apocalipsis. Sin duda este uno de esos casos, en el que nos sumergimos en un planeta con serias dificultades para sobrevivir a las contaminaciones y desastres que los propios humanos han generado.

Esta segunda película de Hayao Miyazaki fue la primera que yo pude ver, hace ya muchísimos años. No cabe duda que el afamado director intenta darnos una lección acerca de la osadía del hombre, y sobre cómo la misma puede acabar por destruir todo aquello que nos sustenta, en este caso el planeta. Pero además, la genialidad de Miyazaki va más allá, haciéndonos ver que somos muy capaces de tropezar dos veces con la misma piedra.

El personaje de Nausicaä siempre me ha parecido simbolizar esa última oportunidad que tenemos de rectificar, ya que mantiene un vínculo de cariño con aquello que amenaza toda vida en la tierra. De hecho, siempre me ha encantado la escena de la muerte de su padre, única ocasión en la que la joven se deja consumir por el odio, dispuesta a matar a los asesinos. Pero de nuevo, la genialidad es su arrepentimiento posterior, y el hecho de que admite haberse a sí misma y haber sentido miedo por primera vez en su vida. La verdad es que siempre me ha parecido un personaje muy completo e interesante de observar a medida que se desarrolla la trama.

En general tenemos personajes muy bien desarrollados, y que complementan de forma diferente el tipo de trama que el director está intentando desarrollar.

La animación es simplemente sobresaliente. Me parece que esta película de 1984 tiene poco que envidiar a muchas películas de animación actuales. Resulta muy acertadamente acompañada de una gran banda sonora, en ocasiones muy emotiva. En términos generales resulta una aventura muy agradable de ver, con una moraleja que se vuelve cada vez más significativa con el paso del tiempo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Han pasado mil años desde la caída de la civilización industrial; y la tierra en ruinas está siendo invadida por miasmas letales procedentes de un bosque contaminado y formado por hongos, y en el que habitan insectos mutantes gigantes.

Una joven llamada Nausicaä se introduce a menudo en el bosque llevando una máscara de oxígeno, y haciendo uso de un ala delta propulsado por motor, el cual maniobra gracias a su control sobre el viento. El propósito de sus expediciones es el de descubrir los misterios del bosque, e intentar establecer relaciones amistosas con los insectos. Durante una excursión, Nausicaä localiza el caparazón cristalizado de uno de esos insectos gigantes, llamados Om. Al oír disparos, Nausicaä se percata de que hay alguien siendo atacado por un Om, y realiza varios disparos para intentar alejar al insecto. La joven contempla como un hombre escapa del Om, ayudándolo a escapar mientras usa un estallido de luz y un silbato de insectos, para que la criatura regrese al bosque. Nausicaä reconoce al hombre como el Maestro Yupa, quien le regala una pequeña ardilla zorro que ha encontrado en el bosque. Nausicaä es la princesa del Valle del Viento, uno de los últimos refugios habitables, y su padre el Rey Jihl ha tenido que dejar de volar debido a la enfermedad que extiende el llamado Mar de Putrefacción.

Ambos llegan al valle, donde la curandera Obaba habla de una leyenda que asegura que un hombre con ropajes azules descenderá sobre un campo dorado para establecer lazos con la tierra, y guiar a los hombres a tierras puras y libres de contaminación. Esa misma noche, la princesa y Yupa divisan una nave procedente del vecino Reino de Tolmekia, la cual se estrella tras haber sido atacada por insectos. De entre los restos, Nausicaä rescata a la prisionera Princesa Lastelle de Pejite, quien le implora que destruya el cargamento, ya consumido por el fuego. Lastelle fallece. Nausicaä vuelve a usar su silbato para conducir a un insecto volador que también ha sobrevivido de regreso al bosque. De vuelta al Valle, el cargamento resulta ser el embrión un Dios Guerrero, armas diseñadas genéticamente y que provocaron la destrucción del mundo; y el embrión sigue latiendo.

Al Valle llegan más naves de Tolmekia, sus guerreros atacan el castillo del Rey Jihl acabando con su vida.

Nausicaä se enfrenta a los soldados siendo ayudada por Yupa, que le hace ver que lo mejor es rendirse para salvar a la gente del Valle. La Princesa Kushana, acompañada de su ayudante Kurotowa, expresa su deseo de unificar los reinos para destruir el Mar de Putrefacción quemándolo. Sin embargo, Obaba le recuerda que cada vez que se ha intentado, una horda de Oms había atacado a los humanos devastando innumerables tierras. Incapaz de trasladar al embrión, Kushana decide partir a Pejite con Nausicaä y otros cinco rehenes del Valle. De camino, las naves de Tolmekia son atacadas por naves de Pejite. Nausicaä, su amigo Mito y los rehenes, así como Kushana escapan del ataque en una pequeña nave, aterrizando en el bosque del Mar de Putrefacción, en medio de un nido de Oms.

Su llegada altera a un par de Oms, a los que Nausicaä logra calmar dejando que la examinen. Nausicaä parte en su ala delta y logra rescatar al piloto de Pejite que atacó a los Tolmekianos. Este resulta ser el hermano gemelo de Lastelle, Asbel.

Ambos caen en arenas movedizas, y llegan hasta un mundo subterráneo libre de toda contaminación. Los dos jóvenes se hacen amigos, y Nausicaä deduce que los insectos tienen la función de proteger el mundo subterráneo puro de los humanos. Los árboles purifican el agua subterránea previamente contaminada por los humanos. Por su parte, el resto de los rehenes ha regresado al Valle con Kushana, que pasa a ser la prisionera de Yupa. Sin embargo, Kurotowa sigue en el Valle con su ejército, y continúa con el plan de despertar al Dios Guerrero.

Nausicaä y Asbel regresan a Pejite, para descubrir que la ciudad ha sido arrasada por los Oms. Los supervivientes explican que atrajeron a las criaturas para exterminar a los Tolmekianos que les habían invadido, y que planean hacerse con el embrión del Dios Guerrero llevando a cabo el mismo plan en el Valle. Nausicaä intenta escapar para avisar a su gente, pero es capturada. Asbel es noqueado al intentar rescatarla en vano. Sin embargo, no todos los habitantes de Pejite están de acuerdo con el fatídico plan, por lo que Asbel recibe ayuda de su madre para liberar a Nausicaä. La princesa es recogida por Mito y el Maestro Yupa.

Yupa se queda atrás para salvar a Asbel, su madre, y los habitantes de Pejite en contra del sangriento ataque, mientras escapan en una nave. Mientras tanto, Kushana logra escapar y se une a Kurotowa para impedir un intento de rebelión por parte de los habitantes del Valle.

De camino al Valle, Nausicaä y Mito se encuentran con una estampida de Oms. La princesa descubre que hombres de Pejite están utilizando una cría Om herida para atraer a la estampida de Oms hacia el Valle. Mito llega en medio de la confrontación entre Tolmekia y el Valle, y avisa a todos de la inminente llegada de la estampida de Oms. Por su parte, Nausicaä consigue detener a los dos soldados de Pejite que transportan la cría de Om, aunque resulta herida en el proceso. Nausicaä evita que la cría se introduzca en agua envenenada, y esta utiliza sus tentáculos para sanar a la joven. En proceso, la sangre de la cría tiñe su vestido rosa de color azul. Sin embargo, los Oms siguen su camino hacia el Valle, atraídos por los disparos procedentes de los soldados de Tolmekia.

Sin embargo, Kushana ha logrado despertar al Dios Guerrero, el cual comienza a descomponerse al haber sido despertado prematuramente. A pesar de atacar brevemente a los Oms, el Dios Guerrero termina por descomponerse del todo, perdiendo la vida.

Nausicaä logra transportar a la cría delante de los Oms, pero estos siguen enfurecidos y envisten a la princesa, que cae en medio de la estampida. Sin embargo, la cría acude a ayudar a Nausicaä ante lo cual el resto de los Oms se calman deteniendo su ataque. Al lugar llegan también Yupa, Asbel, y los pacifistas de Pejite. Los Oms utilizan sus tentáculos para devolver a Nausicaä a la vida, ante los ojos sorprendidos de los habitantes del Valle, Tolmekia, y Pejite. Nausicaä comienza a caminar sobre los tentáculos dorados de los Oms, Y Obaba se percata de que la profecía se ha cumplido. Nausicaä se reencuentra con Asbel, mientras los Oms se retiran. Kushana abandona el Valle con su ejército de Tolmekia. Los supervivientes de Pejite se unen a los Valle para reconstruirlo todo.

ESCENA

A falta de escenas, aquí dejo este tráiler en versión original de la película.

FECHA DE ESTRENO

27 de Marzo de 1952

TITULO ORIGINAL

Singin' in the Rain

DIRECTORES

Gene Kelly, Stanley Donen

PRODUCTOR

Arthur Freed

GUION
Betty Comden, Adolph Green

REPARTO

Gene Kelly (Don Lockwood), Donald O’Connor (Cosmo Brown), Debbie Reynolds (Kathy Selden), Jean Hagen (Lina Lamont), Millard Mitchell (R.F. Simpson), Cyd Charisse (Bailarina), Douglas Fowley (Roscoe Dexter), Rita Moreno (Zelda Zanders)

CINEMATOGRAFÍA

Harold Rosson

BANDA SONORA

Nacio Herb Brown

DISTRIBUIDA POR:

Metro-Goldwyn-Mayer

DURACIÓN
103 minutos

KATHY SELDEN: “No existe nada que pueda separarnos. Nuestro amor perdurarás hasta que se enfríen las estrellas.”

DON LOCKWOOD: “¿Hasta que se enfríen las estrellas? Kathy te quiero.”

KATHY SELDEN: “Don, yo…”

DON LOCKWOOD: “Kathy estoy impaciente de terminar esta película. Se acabaran los secretos. Se lo diré a Lina, se lo diré a todo el mundo.”

KATHY SELDEN: “Tus admiradoras sufrirán una decepción.”

DON LOCKWOOD: “Para mí ya solo existe en el mundo una admiradora.”

CURIOSIDADES

A pesar de haberse convertido en todo icono de los musicales, y contar con algunos números memorables del género, la película tuvo un éxito muy moderado cuando fue estrenada. Gene Kelly no fue la primera opción para el papel de Don Lockwood. El papel recayó inicialmente en Howard Keel, pero fue reemplazado por Kelly debido a que los guionistas habían hecho que el personaje evolucionara desde ser un actor de Westerns a un actor de musicales. El personaje de Cosmo Brown estaba basado en el actor Oscar Levant, pero finalmente se optó por que fuera interpretado por Donald O’Connor por su excelente vena cómica.

En los inicios de la producción, se barajaron varias actrices para el papel de Kathy Selden. Sin embargo, los directores Stanley Donen y Gene Kelly siempre han insistido en que Debbie Reynolds había sido siempre la primera en mente para el papel. Aunque la película utiliza la idea de que Kathy tiene que doblar la voz de Lina, en la escena de amor de los protagonistas fue Jean Hagen quien utilizó su verdadera voz. La propia Reynolds fue doblada en las canciones “Would You?” y “You Are my Lucky Star” por Betty Noyes, quien no recibió crédito alguno.

Para el papel de Lina Lamont, se consideró seriamente el contar con la actriz Judy Holliday, aunque esta sugirió que cambiaran de opinión y contaran con Jean Hagen, quien había sido su reemplazo en la producción de Broadway, “Born Yesterday”. Recién terminado su papel en “La Jungla de Asfalto” (1950), Hagen realizó una prueba ante el productor Arthur Freed, a la que añadió una imitación del personaje de Holliday, Billie Dawn, lo cual hizo que se hiciera con el papel. Su personaje está basado en la estrella del cine mudo, Norma Talmadge, cuya popularidad se vino abajo cuando comenzaron a estrenarse las películas habladas.

Durante la famosa escena en la que Gene Kelly canta “Cantando Bajo la Lluvia”, haciendo girar un paraguas, saltando sobre charcos, y quedando calado hasta los huesos, el actor se encontraba enfermo. De hecho, tenía una fiebre de treinta y nueve grados. La lluvia durante la escena provocó que el traje de algodón de Gene Kelly encogiera durante el rodaje. Un mito extendido era que Gene Kelly había logrado realizar todo el número musical en una sola toma, gracias a que las cámaras estaban colocadas estratégicamente en distintas ubicaciones. Sin embargo esto no es verdad, ya que rodar la secuencia requirió un total de tres días. Otro muto era que la lluvia estaba mezclada con leche para que las gotas fueran captadas por la cámara. Dicho efecto se logró con gran dificultad mediante el uso de retroiluminación.

Debbie Reynolds no era bailarina en la época en que participó en “Cantando Bajo la Lluvia”. Simplemente tenía experiencia como gimnasta. Aparentemente, Gene Kelly llegó a despreciarla por su falta de experiencia en el baile, lo que afectó seriamente a la actriz.

Durante un nuevo encuentro, en el que Fred Astaire se encontraba en el estudio, el famoso bailarín encontró a Reynolds llorando debajo de un piano. Al escuchar lo que había ocurrido, Fred Astaire se ofreció voluntario para ayudarla con el baile. Más adelante, Gene Kelly reconoció que no había sido amable con Reynolds, y que se había sorprendido al ver que la joven todavía estaba dispuesta a hablarle tras la negativa experiencia. Después de rodar el número de “Good Morning”, los pies de Reynolds sangraban. Años más tarde, Debbie Reynolds declararía que dar a luz y el rodaje de la película habían sido las dos cosas más difíciles que había hecho en toda su vida. No fue la única en tener problemas, ya que Donald O’Connor tuvo que ser hospitalizado tras rodar el número musical “Haz Reír”. El motivo principal de este percance se debió a que fumaba hasta cuatro paquetes de cigarrillos diarios.

Con el paso del tiempo, Debbie Reynolds se hizo con la mayor parte del vestuario de la película.

La razón no era otra que su impresionante colección de vestuario y objetos originales de diferentes películas, la cual almacenaba en su propia casa. La mayor parte de esos objetos fueron vendidos durante una subasta en Hollywood, la cual tuvo lugar en el año 2011. Aunque la mayoría de los objetos fueron vendidos a coleccionistas privados, y el traje y zapatos de Donald O’Connor, utilizados durante el número musical “Fit As a Fiddle”, fueron adquiridos por “Costume World, Inc.”. En la actualidad están expuestos en el Museo de Colección Mundial de Vestuario de Broadway, ubicado en Pompano Beach, Florida.

La película recibió dos nominaciones a los Oscars. Una fue a la Mejor Actriz Secundaria (Jean Hagen); y la otra a la Mejor Banda Sonora Original. Sin embargo, perdió en ambas categorías contra “Cautivos del Mal” y “Con una Canción en mi Corazón” respectivamente.

NOTA PERSONAL

Se trata de uno de mis musicales favoritos, y además uno de los primeros que vi en televisión. La película mezcla grandes y Miticos números musicales, coreografías muy originales, canciones de las que se quedan grabadas, romance, y un gran sentido del humor que siempre logra hacerme reír.

Comenzaré por los actores. Todos me parecen formidables, pero reconozco que esta es otra de esas ocasiones en las que siempre he disfrutado mucho más de los actores secundarios que de los principales. Mi personaje favorito es sin duda el de la “villana” Lina Lamont, brillantemente interpretado por la genial Jean Hagen. Todas sus escenas consiguen siempre arrancar carcajadas múltiples. Su voz chillona, sus gestos superficiales pero cómicos, son el mayor aliciente cómico de la película. Las escenas de la grabación de sonido, incluyendo los problemas que tiene con los micrófonos, se mantienen como las más hilarantes de toda la película. Incluso en sus momentos “malvados”, me resulta imposible contener la carcajada.

Por supuesto, el siguiente personaje es el de Donald O’Connor, que interpreta a un divertido Cosmo Brown. Quizás es cierto que el personaje me gustaba mucho más cuando solamente era un crio, ya que en la actualidad me parece más cargante y sobreactuado. A pesar de eso, sigue teniendo escenas memorables, aunque creo que Jean Hagen le eclipsa claramente.

Gene Kelly y Debbie Reynolds proporcionan el romance necesario para que la historia funcione como es debido. Sus personajes tienen algún que otro momento divertido, pero sus escenas se centran más en la relación que se desarrolla entre ellos. En ese sentido, dicha relación funciona a la perfección y resulta hasta creíble. Su relación comienza por la confrontación entre ambos, pero a medida que la trama se desarrolla resulta evidente que tienen más cosas en común de lo que pueda aparecer inicialmente. Evidentemente, Jean Hagen también cumple un papel fundamental en ese curioso triangulo que se forma entre ellos.

Muchos de los números musicales son simplemente memorables. Mis dos favoritos son “Cantando Bajo la Lluvia” y “Good Morning”.

El primero fue extremadamente original para la época, y se ha convertido en todo un número icónico en la historia de los musicales. Resulta más admirable al saberse que Gene Kelly estaba seriamente enfermo durante el rodaje de dicha coreografía. “Good Morning” siempre me ha gustado, pues me parece muy simbólico de la amistad del insólito trio. Estos aspectos convierten esta película en todo un clásico.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Don Lockwood y Lina Lamont son dos grandes estrellas del cine que acuden al estreno de su última película. A la llegada al cine, Don Lockwood adorna la historia de sus orígenes asegurando que nunca perdió la dignidad en ningún momento. En realidad sus inicios fueron modestos y a menudo humillantes. Comenzó con su mejor amigo, Cosmo Brown tocando música en bares, realizando números de baile en diferentes antros, hasta que Don logró comenzar su carrera como especialista en películas de acción, en la productora “Monumental Pictures”.

En una de estas películas conoció a Lina Lamont, quien le ignoró considerándole muy por debajo de su nivel. Sin embargo, cuando Don recibe una oferta para trabajar como actor protagonista, la actriz comienza a mostrar interés hacia él. Cosmo continuó a su lado como compositor. A medida que la pareja crecía en éxito, en el mundo de las películas mudas, el estudio decidió alimentar los rumores de que ambos mantenían una relación para incrementar su popularidad. Lina Lamont acabó convenciéndose a sí misma de que esto era una realidad. Sin embargo, Don no la soporta considerándola vanidosa y arrogante. El estudio no permite que Lina hable en público debido a su voz extremadamente chillona.

Tras el estreno, Don se ve obligado a escapar de una horda de fans desatadas, subiendo en un coche que pasa conducido por una joven. Su nombre es Kathy Selden, y le asegura ser actriz de teatro, llegando a burlarse de las dotes actorales de Don, y en general de todas las películas mudas a las que considera ridículas.

Esto indigna Don, pero al mismo tiempo le hace dudar de su propio talento. Kathy deja a Don en la fiesta que se celebra tras el estreno. Allí, Don y el resto del equipo de la película asisten a una demostración de un fragmento de película hablada, pero ninguno de los asistentes queda impresionado. Como sorpresa, aparece una gran tarta para celebrar el éxito de la película, de la cual surge Kathy para diversión de Don. De esta forma se descubre que Kathy no es más que una chica de coro. Furiosa ante las burlas de Don, Kathy intenta arrojarle una tarta que acaba en la cara de Lina. Don se siente interesado por la joven, pero Kathy sale corriendo.

Tras días buscándola, Don descubre que fue despedida, por lo que se siente culpable. Sin embargo, no tarda en descubrir que Lina ha sido la responsable del despido, al sentirse celosa y queriendo vengarse del tartazo. La pareja de artistas comienza a rodar su nueva película, “El Caballero Dualista”. Sin embargo, el rodaje es interrumpido por el propietario del estudio, que anuncia que el estreno de una película hablada ha sido un éxito, y que el público exige más.

Debido a esto, “El Caballero Duelista” se convertirá en una película hablada. Durante los preparativos, Don localiza a Kathy, quien recibe un papel en la película debido a su encanto. Kathy se disculpa ante Don por todo lo que le había dicho, pero este admite que sus palabras le hicieron reflexionar. La pareja no tarda en comenzar a enamorarse. Para evitar la ira de Lina, deciden ocultarle la presencia de Kathy.
Tras someter a Don y Lina a clases de dicción, comienza el rodaje de su primera película hablada. Dicho rodaje está lleno de dificultades debido al sonido, a menudo en situaciones hilarantes. Sin embargo, el mayor problema reside en la voz chillona de Lina. Se selecciona a un público para realizar un estreno de prueba, el cual termina convirtiéndose en un absoluto desastre de sonido, y a mitad de la película en sonido y las imágenes quedan desincronizados, provocando las carcajadas de los asistentes. Tras el desastre, el equipo se percata de que solo queda un mes para el estreno. Tras la muestra, Don, Kathy y Cosmo tienen la ida de convertir la película en un musical. Sin embargo, existe un problema. Lina no sabe cantar, hablar ni bailar.

Cosmo tiene la idea de que Kathy doble la voz de Lina en toda la película. Tras esto, Kathy y Don se despiden con un beso, y el actor canta bajo la lluvia sintiéndose feliz por primera vez.

El productor R.F. queda entusiasmado con la idea, pero preocupado por la reacción de Lina decide que todo debe quedar en secreto hasta el estreno. También considera que hay que cambiar el título, ya que “El Caballero Duelista” no es adecuado para un musical. Cosmo decide que el título pase a ser “El Caballero Danzarín”. También deciden incluir un número moderno de Broadway. Se realizan las grabaciones de la voz de Kathy, y también las de Lina para que no sospeche nada. Sin embargo, Lina descubre la verdad cuando el rodaje ha finalizado; y que R.F. le dará crédito de protagonista y prepara una gran campaña publicitaria para la joven. También descubre a Don y Kathy besándose, y se enfurece al descubrir que ambos van a casarse. Los abogados de Lina le comunican que puede denunciar al estudio. Para evitarlo, Lina exige que Kathy continúe trabajando para Lina, doblando su voz. R.F. se ve obligado a aceptar sus demandas

El estreno de “Caballero Danzarín” se convierte en todo un éxito. Tras finalizar la película, Lina le comunica a Don que Kathy no tendrá otra opción que seguir doblándola, pues tiene un contrato de cinco años. Kathy se ve incapaz de negarse debido a dicho contrato. El público aclama a Lina Lamont y esta les dirige unas palabras llena de orgullo. Don, Cosmo y R.F. no se lo impiden para que quede en evidencia. El público se queda sorprendido ante su chillona voz, exigiéndole que cante. Don le explica a Lina que Kathy la doblara detrás del telón. De esta forma, Lina interpreta la canción “Cantando Bajo la Lluvia”. Mientras actúa, Don, Cosmo y R.F. alzan el telón revelando todo el engaño al público. Kathy sale corriendo avergonzada, pero Don declara ante todo el público que ella es la verdadera estrella de la película. Ambos cantan “Lucky Star”, y tiempo después contemplan el anuncio de su nueva película “Cantando Bajo la Lluvia”, mientras se funden en un beso.

ESCENA

No puede haber otra escena más memorable que la del número musical de Gene Kelly “Cantando Bajo la Lluvia”.

FECHA DE ESTRENO

16 de Julio de 2013

TITULO ORIGINAL

The Wolverine

DIRECTOR

James Mangold

PRODUCTORES

Lauren Shuler Donner, Hutch Parker

GUION
Mark Bomback, Scott Frank

Basado en el cómic de Chris Claremont y Frank Miller

REPARTO

Hugh Jackman (Logan / Lobezno), Tao Okamoto (Mariko Yashida), Rila Fukushima (Yukio), Hiroyuki Sanada (Shingen Yashida), Svetlana Khodchenkova (Doctora Green / Víbora), Brian Tee (Noburo Mori), Haruhiko Yamanouchi (Yashida), Will Yun Lee (Kenuichio Harada), Ken Yamamura (Joven Yashida), Famke Janssen (Jean Grey)

CINEMATOGRAFÍA

Ross Emery

BANDA SONORA

Marco Beltrami

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
126 minutos

PRECEDIDA POR:

X-Men: Primera Generación

SUCEDIDA POR:

X-Men: Días del Futuro Pasado

YASHIDA: “No te he buscado solo para darte las gracias, Logan. Quería devolverte el favor, ofrecerte algo que nadie más puede darte, algo equiparable a la vida que me diste.”

LOGAN: “No necesito nada.”

YASHIDA: “No es una cosa. La eternidad puede ser una maldición. No ha sido fácil para ti vivir sin noción de tiempo. Las pérdidas que has sufrido, un hombre puede perder la razón de vivir, su razón de ser, convertirse en un Ronin, un Samurái desprovisto de amo. Yo puedo acabar con tu eternidad, hacerte mortal.”

CURIOSIDADES

En el mes de septiembre de 2007, Gavin Hood, director de “X-Men Orígenes: Lobezno”, anunció que habría una nueva película del mutante que tendría lugar en Japón. De hecho, una de las escenas tras los créditos finales mostraba a Lobezno bebiendo en un bar japonés.

Japón era el lugar en el que había tenido lugar una serie limitada de cuatro números titulada “Lobezno”, publicada en 1982 por Chris Claremont y Frank Miller. De hecho, Hugh Jackman había declarado que dicha serie limitada era su historia favorita del personaje. De hecho le encantaban todas las historias de Lobezno que tenían lugar en Japón. En agosto de 2009 se contrató a Christopher McQuarrie, quien no había recibido crédito alguno por su trabajo en “X-Men”, para escribir el guion de la secuela. Según Shuler Donner, la secuela se concentraría en la relación entre Lobezno y Mariko, hija de un señor del crimen japonés, y los eventos que le acontecerían en Japón. Para ello, Lobezno debería tener un estilo de combate diferente, incluyendo distintas formas de artes marciales, y el uso de armas tradicionales como katanas. La trama también incluiría samuráis y ninjas. También explicó que su deseo de otorgar a la película de realismo, probablemente desembocaría en la necesidad de rodar en Japón. Aunque hubo rumores de que la película utilizaría el idioma japonés, con subtítulos en inglés, pronto fueron desmentidos.

Muchos de estos conceptos iniciales terminarían por ser descartados. En marzo de 2010, McQuarrie declaró que el guion ya estaba listo para que la producción comenzara en enero del siguiente año. Bryan Singer declinó la oferta de dirigir la película se negoció durante un tiempo con Darren Aronofsky, pero finalmente se optó por James Mangold. De hecho, Guillermo del Toro se había mostrado interesado en dirigir el proyecto, ya que también era un gran fan de la saga de Lobezno en Japón. Se reunió con James Gianopulos y Hugh Jackman para negociar esa posibilidad, pero terminó por retirarse pues no quería pasar dos años enganchado a ese proyecto.

Con un presupuesto inicial de ciento veinte millones de dólares, el rodaje comenzó el treinta de julio de 2012. Algunas de las primeras escenas fueron rodadas en la Reserva Bonna Point, Nueva Gales del Sur, que sirvió como ubicación del campo de prisioneros de guerra japonés. El rodaje en dicho lugar finalizó el dos de agosto de 2012, y su continuación tuvo lugar en Sydney, para pasar a tener lugar en Japón durante unas semanas, hasta mediados de noviembre.

Tras esto, la producción se trasladó a Picton, Ontario, para servir como fondo a un pueblo de la región canadiense del Yukón. A finales de agosto, el rodaje se trasladó a la ciudad de Tokio, rodando escenas en la Estación Fukuyama de Hiroshima. En octubre se regresó a Sydney rodando en la Calle Erskine, cerca de la Bahía Cockle. A la semana siguiente, el rodaje se trasladó a Parramatta, distrito de negocios en Sydney, que sirvió de escenario para una ciudad japonesa. Tras esto, se utilizó en Parque Olímpico de Sydney para recrear una aldea japonesa cubierta por nieve, ubicación de la confrontación final. Regresando a Nueva Gales del Sur, se utilizó la Calle Brisbane, para transformarla en otra calle japonesa. De esta forma, finalizó en rodaje principal el veintiuno de noviembre de 2012. Algunas tomas volvieron a tener lugar en Montreal, entre las cuales se encontraba la escena tras los créditos en la que Magneto y el Profesor X advierten a Lobezno de una inminente amenaza. Esta no es otra que la de los Centinelas, factor importante de “X-Men: Días del Futuro Pasado”.

A punto de acabar la producción, Mangold comenzó a revelar algunos aspectos de la trama. Los eventos de la película servirían de continuación a los de “X-Men: La Decisión Final”. La mayoría de los miembros de la Patrulla-X ya se habían disgregado, y la muerte de Jean Grey atormentaría seriamente a Lobezno. Estos hechos, provocarían que el mutante sintiera un fuerte sentimiento de aislamiento y soledad. En lo relativo a los personajes nuevos, se realizaron cambios con relación a la mencionada serie limitada. Comenzando con el personaje de Yukio, en los cómics solo es una humana con grandes habilidades físicas. Es una Ronin, o lo que es lo mismo, una Samurái sin amo. En la película se optó por hacer que el personaje fuera mutante, con la habilidad precognitiva de sentir el momento de la muerte de otros. De hecho su aspecto físico y personalidad también se cambiaron considerablemente. Otro cambio sustancial fue el del Samurái de Plata, quien en los cómics no es otro que Kenuichio Harada, el arquero y primo de Mariko que sale en la película.

Sin embargo, la armadura es utilizada por Yashida en la película, y esta dista bastante de la armadura que aparece en los cómics. Curiosamente, Harada es mutante en los cómics, mientras que en la película esto no fue así. El personaje de Víbora también es mostrado como mutante en la película, mientras que en los cómics es una humana carente de poderes.

Se rodó un final alternativo en el que Yukio le entrega a Lobezno una maleta que contiene el uniforme amarillo del personaje en los cómics. La escena fue presentada como material adicional en su edición de Blu-Ray.

NOTA PERSONAL

La verdad es que con esta película, mis expectativas eran mucho más altas de lo habitual debido a que como a muchos, siempre me ha fascinado la saga de Lobezno en Japón. De hecho, era solo un crío cuando ley la serie limitada en la que se inspira el argumento de la película.

Como a bastante gente, la película me decepcionó considerablemente, y mira que en esta ocasión lo tenían verdaderamente fácil. Puntualizando ciertas cosas, la película es entretenida y tiene elementos interesantes, pero las diferencias con la saga en Japón del famoso mutante son excesivas, y en ocasiones ridículas. Comprendo que una adaptación no deja de ser eso, y que en repetidas ocasiones es imposible contentar a todo el mundo, o trasladar una historia con plena fidelidaz a la versión original. Pero en este caso los errores me parecieron simplemente garrafales.

En este caso, los errores se concentraron en los personajes, que en ocasiones ridiculizaban a los originales. Comenzaré por el gran desastre que cometieron con un personaje tan fascinante como puede ser el de Yukio. No me importó que la convirtieran en mutante, pero sí su radical cambio de personalidad y aspecto. Ese pelo rojo, esa especie de timidez y resignación, y la carencia de esa locura arriesgada de la joven me parecieron terribles.

Separar a Harada del Samurái de Plata me pareció otro error importante, porque se podría haber hecho uso más espectacular del personaje a lo largo de la película. Y es que la película se basa demasiado en las artes marciales y los Yakuza, y tiende a olvidarse de la oportunidad de utilizar mutantes japoneses, como por ejemplo Fuego Solar. Por otro lado elogiare la adaptación cinematográfica de los personajes de Mariko y de Víbora, cuya esencia fue bastante respetada a pesar de los evidentes cambios.

Quiero aclarar que la película me gustó, tenía buenas dosis de acción y analizaba de forma efectiva la sensación de aislamiento de Lobezno. Sin embargo, podría haber explotado mucho más todo su potencial. Por estos motivos la considero la más floja de toda la saga, hasta la fecha.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Durante el año 1945, Logan se encuentra retenido en un campo de concentración para prisioneros de guerra, cercad de Nagasaki.

Ante la noticia de que se va a arrojar una bomba atómica sobre Nagasaki, un oficial llamado Yashida libera a todos los prisioneros, incluyendo a Logan. Yashida intenta suicidarse junto a otros oficiales, pero se ve carente de valor para hacerlo, y observa la caída de la bomba. Logan, quien se encontraba encerrado en un pozo, decide rescatarle y escudarle de los efectos de la explosión y la radiación. Yashida observa impresionado el factor curativo del mutante en acción.

En el presente, Logan reside en Canadá, en la región del Yukón. Allí lleva la vida de un ermitaño, atormentado con alucinaciones de Jean Grey, a quien se vio obligado a matar en su última misión con los X-Men. Una noche, Logan se enfrenta a un cazador que ha abatido a un oso usando flechas envenenadas ilegales. La inminente pelea es interrumpida por Yukio, una mutante japonesa capaz de predecir la muerte de los demás. Yukio lleva un año intentando localizar a Logan; y le explica que su jefe, Yashida, se está muriendo y desea despedirse de él, y agradecerle que le salvara.

Yashida es ahora Director Ejecutivo de la Compañía de Tecnología Zaibatsu. Inicialmente reticente, Logan decide viajar a Japón.

En la mansión Yashida conoce al hijo y la nieta de Yashida, Shingen y Mariko. Logan se reúne con Yashida, quien está muriendo de cáncer, y conoce brevemente a la Doctora Green. También descubre que ha sufrido ataques de los Yakuza, mafia japonesa. Al reunirse con Yashida, este le comunica que ha descubierto un modo de transferir sus poderes a otra persona, poderes que Logan ha llegado a considerar como una maldición, para que así pueda llevar una vida normal como mortal. Yashida quiere recibir esos poderes para sobrevivir al cáncer. Logan se niega y se prepara para partir al día siguiente. Tras la reunión, Logan observa como Shingen abofetea a Mariko, a quien impide cometer un suicidio. Logan también descubre que Yashida acogió a Yukio de niña al encontrarla buscando comida entre la basura. Yuriko y Mariko crecieron como hermanas. Durante la noche, la Doctora Green introduce algo en el cuerpo de Logan, pero este considera que ha tenido una pesadilla.

Esa misma noche, Yashida fallece.

Al día siguiente, Logan asiste al funeral de Yashida. Allí, Logan conoce a Noburo Mori, ministro de justicia y prometido de Mariko. Desde los tejados cercanos, un hombre llamado Kenuichio Harada promete proteger a Mariko por la memoria de su Maestro Yashida. El funeral es atacado por los Yakuza. Con la ayuda de Yukio, y sin saberlo de Harada, Logan escapa junto a Mariko. Sin embargo, se ha percatado de que sus heridas no sanan con la rapidez que debieran. La Doctora Green, también conocida como Víbora, resulta ser una mutante capaz de transmitir venenos y toxinas. Logan y Yukio escapan mezclándose con la multitud en la ciudad de Tokio. Ambos escapan en un tren bala, donde Logan se enfrenta a más miembros de los Yakuza, con la dificultad de que su factor curativo no trabaja correctamente. Ambos se refugian en un hotel, donde Logan es atendido por un veterinario. Logan comienza a sospechar que la Doctora Green es la responsable.

Esa misma noche, Víbora se encuentra con Harada a quien envenena disgustada porque no haya capturado a Logan para ella. Víbora le sana, pero advirtiéndole que encuentre a Logan y Mariko antes que los Yakuza. A la mañana siguiente, Logan y Mariko se refugian en la casa de Yashida en Nagasaki. Allí, Logan descubre que Harada fue amante de Mariko tiempo atrás. También que Mariko es la heredera de Yashida, a tres días de que se lea el testamento, lo cual ha desatado la ira de su padre Shingen, quien ha concertado el matrimonio de la joven con Noburo. Logan reconoce el lugar donde están ocultos, como el antiguo campo de prisioneros de 1945. Logan y Mariko terminan por enamorarse y pasar la noche juntos. Esa misma noche, Yukio tiene una visión sobre la inminente muerte de Logan, y parte en su busca para advertirle. Antes de que pueda llegar, Mariko es secuestrada por los Yakuza. Logan consigue capturar a uno de los secuestradores, descubriendo que los Yakuza trabajan para Noburo. Yukio y Logan le interrogan, descubriendo que tiene una alianza con Shingen, para ayudar a este a hacerse con el control de la compañía de Yashida matando a la joven.

Mariko es llevada ante Shingen, dispuesto a matar a su propia hija. Sin embargo, Shingen es atacado por Víbora, Harada y sus ninjas, ya que necesitan a Mariko con vida. Logan y Yukio llegan al lugar demasiado tarde, con un mensaje revelando la ubicación del lugar donde retienen a Mariko, el lugar de nacimiento de Yashida. Logan usa la tecnología de Yashida, logrando detectar que un parasito ha sido introducido en su cuerpo para mermar sus habilidades curativas. Mientras Logan intenta extirpar el parasito, es atacado por Shingen. Yukio lucha contra Shingen hasta que Logan consigue extirpar el parasito y recuperarse. Logan se enfrenta a Shingen acabando con su vida.

Logan acude al lugar donde retienen a Mariko, pero es derrotado por los ninjas de Harada mediante el uso de múltiples flechas envenenadas y enlazadas a cuerdas. Contenido en una maquina por Víbora, Logan descubre que esta pretende trasladar sus habilidades a una armadura de adamantium electromecánica, denominada Samurái de Plata, dotada de espadas del mismo metal.

Mariko consigue escapar de Harada e impedir que el Samurái de Plata corte las garras de Lobezno. Harada se percata de su error y dispara una flecha a Víbora, quien simplemente muta su piel para recuperarse. Sin embargo, Yukio llega para enfrentarse a la mutante, terminando por ahorcarla. Mientras tanto, el Samurái de Plata consigue cortarle las garras a Logan, acabando con la vida de Harada en el proceso. Logan consigue hacerse con una de las espadas de adamantium para decapitar al Samurái de Plata, descubriendo que Yashida sigue vivo en su interior, habiendo fingido su propia muerte.

Mediante el uso de la armadura, Yashida extirpa el adamantium y las habilidades curativas de Logan, recuperando su juventud en el proceso. Sin embargo, Mariko utiliza las garras cortadas para clavárselas a su abuelo. Logan se recupera y regenera sus garras de hueso, acabando con la vida de Yashida. Tras esto, Logan pierde el conocimiento y tiene una última alucinación en la que Jean le pide que siga adelante con su vida. Mariko asume el control de la compañía y se despide de Logan, quien se dispone a abandonar Japón. Yukio decide acompañarle a un destino desconocido. Dos años más tarde, Logan regresa a los Estados Unidos, donde es recibido por el Profesor X y Magneto, quienes le advierten de una terrible amenaza para la raza mutante.

ESCENA

No hay muchas escenas para enlazar, pero dejo este pequeño clip de la confrontación en el tren bala, secuencia que me gustó bastante.

FECHA DE ESTRENO

3 de Marzo de 1954

TITULO ORIGINAL

The Naked Jungle

DIRECTOR

Byron Haskin

PRODUCTOR

George Pal

GUION
Ranald MacDougall, Ben Maddow, Philip Yordan

Basado en una historia de Carl Stephenson

REPARTO

Eleanor Parker (Joanna Leiningen), Charlton Heston (Christopher Leiningen), Abraham Sofaer (Incacha), William Conrad (Comisario), Romo Vincent (Capitán del barco), Douglas Fowley (Médico), John Dierkes (Gruber), Leonard Strong (Kutina), Norma Calderón (Zala)

CINEMATOGRAFÍA

Ernest Laszlo, ASC

BANDA SONORA

Daniele Amfitheatrof

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
95 minutos

CHRISTOPHER LEININGEN: “Lo mejor es dejar de discutir, no nos pondríamos de acuerdo. Lamento de veras todas las molestias que le he causado.”

JOANNA LEININGEN: “Si trata de echarme, no se moleste.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “¿Por qué?”

JOANNA LEININGEN: “Me quedó aquí.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “De ningún modo. Irá en ese barco.”

JOANNA LEININGEN: “No. Tus indígenas están muertos de miedo; precisamente cuando les necesita están atemorizados. Si yo me voy ahora y se dan cuenta, lo va a pasar mal. No quedará ni uno solo a su lado.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “Es toda una mujer.”

JOANNA LEININGEN: “Desde luego.”

COMISARIO: “¿Cómo? ¿Se han vuelto locos? Leiningen va a enfrentarse a un monstruo de treinta kilómetros de largo por tres de ancho, a una ola de muerte aterradora. Es inútil su empeño.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “Es absurdo tener miedo de simples hormigas.”

COMISARIO: “Están bien organizadas constituyen un ejército bien instruido, con inteligentes generales. Eso es lo más temible de todo, que tienen inteligencia.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “Yo también.”

CURIOSIDADES

La película está basada en una historia corta de Carl Stephenson titulada “Leiningen Contra las Hormigas”. Ranald MacDougall y Ben Maddow se encargaron de escribir el guion. Sin embargo, Maddow no recibió crédito por su contribución, el cual recayó sobre el guionista Philip Yordan. George Pal se encargó de la producción, la cual fue realizada en Tecnicolor. Pal también produjo otros clásicos como “La Guerra de los Mundos” (1953), “El Pequeño Gigante” (1958), y “El Tiempo en sus Manos” (1960). En las dos últimas también se encargó de la dirección.

La película tiene dos segmentos principales.

El primero es el inicio de la tumultuosa relación entre los dos personajes protagonistas, y la segunda la lucha contra el ataque de la marabunta. Charlton Heston no dudo en improvisar en diferentes escenas. Durante la escena de su ataque de celos y agresión al personaje de Joanna, el actor no tenía que derramar el perfume sobre Eleanor Parker, ya que dicha acción no estaba incluida en el guion. Sin embargo, la improvisación funcionó ya que la acción de la agresión resulto ser intensificada, y la sorprendida Parker supo reaccionar de forma acertada. En otra escena, el personaje de Christopher Leiningen tenía que untarse de aceite para conseguir cierto nivel de protección contra las hormigas. Sin embargo, se le comunicó a Charlton Heston que usar aceite arruinaría todo su vestuario, por lo que utilizó sirope como alternativa. Esto fue toda una pesadilla para el actor, ya que el sirope no dejó de atraer a todo tipo de insectos durante el rodaje en exteriores. William Conrad se encargó de interpretar al personaje del Comisario. Anteriormente, había otorgado su voz al personaje de Leiningen a una adaptación para la radio en el año 1948 titulada de igual forma que la historia de Stephenson, “Leiningen Contra las Hormigas”.

Buena parte de las escenas de exteriores fueron rodadas en Florahome, Florida. Algunas de estas escenas incluyeron las tierras alrededor de Río Negro, las de los puentes dinamitados, o las de los canales. Durante la explosión de uno de los puentes, un residente local falleció al caer de su caballo, espantado por el estruendo. Uno de los aspectos curiosos, es que aunque la acción tiene lugar en Sudamérica, no se hace mención de país alguno. En lo relativo a la marabunta, para conseguir el sonido único de la legión de hormigas mientras devoraban todo lo que encontraban en su camino, se hizo girar una paja en un vaso de agua con hielo machacado. Dicho sonido fue amplificado para conseguir el mencionado efecto. Las hormigas de una marabunta no son exactamente como se presentan en la película- No permanecen en estado latente durante un periodo de veintisiete años, y no consumen vertebrados de gran tamaño. También suelen estar acompañadas de pájaros hormigueros y otro tipo de aves que consumen aquellas cosas que las hormigas son incapaces de consumir.

Algunas tomas de escenas fueron reutilizadas en el sexto episodio, titulado “El Mundo de Trumbo”, de la primera temporada de la serie “MacGyver”. En dicho episodio, MacGyver y el dueño de una plantación luchaban contra un ejército de hormigas. Tres meses después del estreno de la película, “Lux Radio Theater” emitió una adaptación en la radio de sesenta minutos de duración. Charlton Heston volvió a interpretar al personaje de Christopher Leiningen durante dicha emisión

NOTA PERSONAL

Uno de esos clásicos que ya me impresionaron siendo muy jovencito, quizás en aquel momento por lo genial de la segunda parte del film que mostraba el ataque de la marabunta. Con los años también la primera parte me ha despertado un gran interés. Siempre he creído que la química entre Charlton Heston y Eleanor Parker es formidable, casi explosiva en determinadas escenas. La película nos otorga datos acerca de esa tumultuosa relación, hasta que resulta claro que el personaje de Christopher Leiningen es todavía virgen a la edad de treinta y cuatro años.

Esto se debe a que se instaló en Sudamérica con solo diecinueve años de edad, y todo lo que ha hecho desde entonces es dedicarse a hacer de su plantación todo un éxito. Lo curioso es que Christopher siente una fuerte atracción hacia Joanna, pero se siente intimidado o casi aterrado. Joanna es el primer personaje que representa tener experiencia en un aspecto que le es completamente nuevo al arrogante Leiningen. La película desarrolla la relación entre ambos personajes de una manera creíble, y resulta fascinante ver su evolución, la cual llega a su clímax ante la amenaza inminente de la Marabunta.

Me encanta el simbolismo de la película. Dos cosas desbordan a Leiningen, una mujer pelirroja y un ejército de hormigas… rojas. El resto de los personajes son verdaderamente secundarios y aportan poco a la trama de la película, que siempre gira alrededor de la pareja. La parte final de la película, que muestra la lucha contra la marabunta, siempre me ha parecido excepcionalmente realizada, y es que hay que tener en cuenta que el film data de 1954.

Evidentemente se exagera en exceso la amenaza que presenta una marabunta, pero es excusable para lograr una acción más trepidante. Es curioso como la pareja principal logra olvidar sus diferencias al verse amenaza por un peligro desconocido para ambos. Los últimos minutos muestran a un desesperado Charlton Heston enfrentándose a las hormigas para hacer volar la presa y acabar con la amenaza. Toda esa secuencia es magistral, aunque siempre he considerado que el final de la película resultaba un tanto apresurado, sin mostrar la consolidación final de ese romance que ha pasado por tantos baches.

En términos generales, la película es entretenida y contiene tanto dosis de acción como romance e interesantes aspectos culturales. Desde mi humilde punto de vista, la película no ha perdido su impacto con el paso del tiempo

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 1901, una joven de veinticinco años llamada Joanna llega a una plantación de cacao situada en Sudamérica. Joanna procede de Nueva Orleans y se ha casado por poderes con el propietario de la plantación, Christopher Leiningen. El hermano de Leiningen había colocado un anuncio en el periódico de Nueva Orleans, y de entre cincuenta aspirantes había seleccionado a Joanna. Inicialmente, Joanna no había solicitado la plaza, y se limitó a ayudar al hermano de Leiningen, a quien conocía desde hacía tiempo, a repasar las solicitudes para realizar la selección. A medida que Joanna le ayudaba, el interés de la joven hacia Christopher se incrementó, considerando que ella era la candidata ideal, y logrando convencer de esto al hermano de Leiningen. La razón básica del matrimonio, era que tanto Joanna como Christopher deseaban tener hijos. Cuando se celebró la boda en Nueva Orleans, el hermano de Christopher actuó en su representación; mientras que durante la boda en la plantación, Joanna fue representada por el comisario del gobierno en dicho lugar.

Christopher Leiningen se ha convertido en un hombre poderoso en Sudamérica, donde ha construido una plantación de cacao, haciéndose con miles de acres de tierra cercana a Río Negro. Sin embargo, a la edad de treinta y cuatro años, no tiene experiencia alguna con las mujeres. De camino a la plantación, Joanna conoce al Comisario que la representó y es recibida por Incacha, capataz de la plantación y encargado de llevar a la mujer allí. Joanna se muestra sorprendida de que su marido no haya acudido a recibirla, pero mantiene una actitud abierta y optimista. En la plantación, Joanna conoce a sus sirvientes y su nueva doncella. Esa misma noche, Christopher llega a la plantación y marido y mujer se conocen por primera vez. Christopher se muestra arisco, distante, y extremadamente cortante con su nueva esposa. Sin embargo, Joanna no se deja intimidar por este hecho, y realiza todos los esfuerzos posibles para agradar a su nuevo esposo. Tras la cena, Joanna toca un poco el piano para Christopher quien la interroga interesándose por su educación, capacidad de hablar idiomas.

El arisco hombre confiesa que la muestra demasiado perfecta, y que eso le hace sospechar. Joanna no se intimida y muestra su mal genio ante la arrogancia de su nuevo esposo, llegando a declarar que en el fondo Christopher tiene miedo de ella. Sin embargo, cuando Christopher descubre que Joanna estuvo casada y es viuda. Joanna explica que su primer marido era un buen hombre, pero se emborrachaba a menudo hasta que tuvo un accidente a caballo, perdiendo la vida. El hermano de Christopher le había ocultado este hecho, lo cual enfurece al hombre que se siente engañado.

A la mañana siguiente, Joanna presencia horrorizada como un hombre indígena es ejecutado por intentar robar una mujer ajena. Joanna se enfrenta a Christopher e Incacha por no intentar impedirlo, descubriendo que el hombre era hijo del segundo. Christopher lleva a su esposa a conocer la plantación, explicando cómo se enfrentó a viento y marea para construir todo lo que tiene, a pesar de que muchos le consideraban un insensato.

La visita tiene el propósito de mostrarle a Joanna que desconoce elementos básicos de la selva, y lo rápida es al juzgar lo que desconoce. Esa misma noche, Christopher se enfurece al ver que Joanna ha ignorado el perfume que le ha regalado. Christopher irrumpe en el dormitorio de Joanna, mostrándose agresivo y besándola a la fuerza. Antes de empeorar la situación, Christopher se detiene asegurándole a la mujer que lo que ha sucedido no tendrá lugar otra vez. También decide que Joanna abandoné Sudamérica, estando dispuesto a compensarla económicamente por todas las inconveniencias sufridas. Ante el orgullo y soledad de Christopher, Joanna solo es capaz de sentir compasión.

Al día siguiente, Christopher se encuentra con el Comisario e impide la muerte de dos indígenas que han sido maltratados por un hombre llamado Gruber, quien también tiene una plantación sometiendo a sus trabajadores al látigo. Esa misma noche, el Comisario visita la plantación, donde queda decepcionado al descubrir que Joanna abandonará el país en breve.

Cuando la mujer se retira, el Comisario le comunica a Christopher que viajará por el cauce del Rio Negro, pues corren rumores de que se acerca la Marabunta, un ejército de hormigas que arrasa toda tierra por la que pasa. Antes de acostarse, Christopher se disculpa con Joanna, y admite que ahora que desea que la mujer se quede, es cuando debe partir por su propia seguridad. A la mañana siguiente, Christopher, Joanna, el Comisario y varios indígenas parten para averiguar si verdaderamente es cierta la amenaza de la marabunta, y para dejar a la mujer en su barco. Pasando la primera noche en la selva, todos se preocupan porque ya no se puede escuchar a animal alguno por el lugar, todos han escapado.

A la mañana siguiente, la expedición descubre el esqueleto de Gruber, quien ha sido devorado por las hormigas. Christopher se percata de que no habrá barco para Joanna, y la mujer les acompaña un tramo más, hasta que todos pueden ver la amenaza de la marabunta avanzando. Al intentar hacer partir a Joanna, esta le hace ver que si lo hace todos los indígenas le abandonaran.

De esta forma, Joanna se queda ayudando a Christopher en lo posible para proteger su plantación. Para evitar que los indígenas escapen, Christopher quema sus canoas. Sin embargo, estos se quedan al ver el valor de Joanna. Christopher espera que la marabunta no sea capaz de cruzar el río, y coloca a un hombre para controlar la presa, y abrir la compuerta en caso de que sea necesario crear una inundación. Durante la espera, Christopher y Joanna por fin se enamoran y pasan la noche juntos.

Al día siguiente, la marabunta comienza a cruzar el río usando hojas de los árboles. El hombre de la presa es devorado por las hormigas por lo que no puede abrir la compuerta. Los Leiningen y nativos quedan cercados en la residencia, rodeándola con una hoguera. Tras declarar su amor hacia Joanna, Christopher decide acudir a la presa para abrirla e inundar la plantación. Christopher se cubre de aceite para protegerse y corre por encima de la marabunta que no cesa en su ataque. Sin embargo, el hombre logra hacer volar la presa provocando la inundación deseada. Una vez el nivel del agua desciende, Christopher y Joanna se reencuentran dispuestos a comenzar una nueva vida juntos.

ESCENA

Primera grave confrontación entre Christopher y Joanna, cuando el primero descubre que su nueva esposa ya había estado casada antes.

TITULO ORIGINAL

He-Man and the Masters of the Universe

DIRECTOR

Gwen Wetzler

CREADOR

Mattel

PRODUCCION

Gwen Wetzler

REPARTO ORIGINAL (VOCES)

John Erwin (He-Man, Príncipe Adam, Ram-Man, Beast Man, Webstor, Whiplash), Alan Oppenheimer (Skeletor, Man-At-Arms, Cringer, Battle-Cat, Mer-Man, Buzz-Off), Linda Gary (Sheila, Evil-Lyn, Reina Marlena, Hechicera), Lou Scheimer (Orko, Rey Randor, Stratos, Man-E-Faces, Mekaneck, Zodac, Sy-Klone, Moss-Man, Trap-Jaw, Tri-Klops, Kobra Khan, Clawful, Jitsu, Spikor, Two-Bad, Modulok)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 5 de Septiembre de 1983 al 21 de Noviembre de 1985

CANAL DE EMISION

Sindicación

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Shuki Levy, Haim Saban

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 65 episodios

TEMPORADA 2: 65 episodios

Un total de 130 episodios de veintiún minutos de duración aproximada

CURIOSIDADES

La idea de “He-Man y los Masters del Universo” no comenzó con está de serie de televisión. De hecho, la idea surgió en la forma de una serie de juguetes creados por la compañía de Mattel, que se inspiró en clásicos como “Conan el Bárbaro” y “Flash Gordon”. Las figuras de acción comenzaron a aparecer en el año 1981, y al año siguiente se publicaron tres cómics de la compañía “DC Cómics”. En estos cómics se narraba que Skeletor procedía de otra dimensión para conquistar el planeta de Eternia. La espada de poder estaba dividida en dos mitades, una era entregada a He-Man por la Hechicera, y la otra mitad caía en manos de Skeletor. Uniendo ambas mitades, se podía obtener la llave para acceder al Castillo Grayskull y hacerse con todo su poder.

Lou Scheimer, productor ejecutivo, fue esencial para desarrollar el concepto de la línea de juguetes de He-Man y su adaptación al cómic a manos de “DC Cómics”. Sin embargo, a Scheimer no le gustaba la idea original concebida en los mencionados cómics.

Fue él quien dio con la idea de que He-Man fuera en realidad el Príncipe Adam de Eternia, y el único poseedor de la completa Espada de Poder. También creó el personaje del hechicero Orko para que la historia fuera más adecuada para el público infantil. De esta forma, “Mattel” y “Filmation Animation Studio” presentaron la idea para una serie animada de televisión a la cadena ABC, que la rechazó. Sin embargo, la serie se realizó y estreno en septiembre de 1983 mediante sindicación. De hecho se convirtió en la primera serie sindicada basada en una serie de juguetes. A pesar de los cambios realizados por Scheimer, la serie sufrió un duro ataque por sectores que todavía la acusaban de ser extremadamente violenta. Llegaron a acusar a la serie de contener ocultos mensajes satánicos. A pesar de esto, la serie fue todo un éxito en Estados Unidos, y para el año 1984 había sido emitida en más de cien canales de Estados Unidos, y más de treinta países extranjeros.

A pesar de utilizar técnicas muy limitadas de animación, He-Man destacó por lograr romper las barreras de la censura que habían restringido la programación de las series infantiles en la década de 1970. Por primera vez en años, una serie de dibujos animados contenía a un héroe musculado al que se le permitía golpear a sus enemigos, aunque a menudo utilizaba técnicas de lucha libre para enfrentarse a ellos. Sin embargo, tampoco podía utilizar la Espada de Poder de forma ofensiva. También fue polémico acompañar a la serie con anuncios sobre la figuras de acción, ya que en aquella época era considerado inadecuado. Para contrarrestar esta imagen negativa, se decidió que al final de cada episodio aparecieran los héroes de la serie explicando la moral de la historia, la cual siempre iba ligada a la trama del capítulo.

Fue tal el éxito de la serie, que generó un spin-off titulado “She-Ra: Princesa de Poder”. Dicha serie seguía las aventuras de la hermana gemela de He-Man. Los personajes de He-Man, Orko, Skeletor y Battle-Cat aparecerían ocasionalmente en la mencionada serie, que se emitió desde 1985 hasta 1987.

La compañía Mattel aprovechó el éxito para seguir lanzando sus figuras de acción al mercado, las cuales incluyeron a los nuevos personajes creados para la serie. También se creó otra serie de cómics, que en esta ocasión recayó bajo equipos creativos de “Marvel Cómics”. En 1987, se estrenó una película de acción real, convirtiéndose en un fracaso de crítica y taquilla. A principios de la década de 1990, se creó otra serie titulada “Las Nuevas Aventuras de He-Man”, con un total de sesenta y cinco episodios. Sin embargo, no fue muy bien recibida al cambiar drásticamente el diseño de los personajes clásicos. En el año 2002, se relanzó la serie actualizada para las nuevas generaciones. En esta ocasión contó con dos temporadas, con un total de treinta y nueve episodios.

Regresando a la serie que tratamos hoy, se dejaron muchas tramas y misterios sin resolver. El primero de todos, la forma en la que el Príncipe Adam se había hecho con la Espada de Poder para convertirse de esta forma en He-Man.

Originalmente, Skeletor fue concebido como un demonio procedente de otra dimensión. Más tarde, un cómic de Mattel dejó a entender que había sido Keldor, hermano del Rey Randor, algo que podría haber sido también la intención original. A partir de la serie de 2002, se confirmó que era Keldor, siendo dicha serie la que dio varias pistas sin confirmarlo definitivamente. El personaje de Teela, que en España recibió el nombre de Sheila, también estaba rodeada de misterios. Aunque la serie establece que es hija de la Hechicera, nunca se revela quien es su padre, y la joven nunca descubre la verdad de sus origines, pues la única ocasión en la que lo hace la Hechicera borra dicha información de su mente.

NOTA PERSONAL

Debo comenzar aclarando que mi primer contacto con los “Masters del Universo” fue a través de los juguetes de Mattel.

En aquel entonces, solo había dos juguetes de figuras de acción que entusiasmaran a mi generación, los de “Star Wars” y los de “Masters del Universo”, aunque evidentemente los primeros eran más populares. Pero el caso es que yo comencé a hacerme con las figuras de acción, aunque siempre fue una frustración el no poder hacerme con el famoso Castillo de Grayskull, del que sí disfrutaron mis primos. Unos seis años más tarde pude ver la famosa película de acción real, la cual disfruté bastante a pesar de que supusiera ser un fracaso de taquilla y crítica.

Sin embargo, tardé muchos años en poder ver esta serie de dibujos animados. De hecho, no logré hacerlo hasta que me instalé a vivir en Estados Unidos por mis estudios. Allí emitían una y otra vez los episodios, así que por fin pude disfrutar de la serie al completo. Ahora bien, debo admitir que aunque me gustó mucho en su momento, es una de esas series que ahora no disfruto tanto.

No es un problema de lo limitado de la animación, algo comprensible, sino de la falta de tramas entrelazadas y el hecho de que gran número de episodios fueran excesivamente infantiles. Tampoco me gustó que a Skeletor se le mostrara como cobarde y ridículo en ocasiones. Sin embargo, me quedó con algunas tramas y episodios bastante interesantes, considerándola una serie que logró romper necesarias barreras.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: El Reino de Eternia es gobernado por Rey Randor y la Reina Marlena. Esta última era una astronauta procedente de la Tierra, llamada Marlena Glenn. Cuando su nave se estrelló en Eternia, se quedó allí casándose con Randor. Ambos tienen un hijo, el Príncipe Adam. Siempre pretende ser vago, torpe, despreocupado, irresponsable y algo cobarde. Siendo niño, Adam adoptó un tigre llamado Cringer, el cual es incluso más cobarde todavía. Sin embargo, Adam creció y se encontró con una espada mágica.

Cuando recita las palabras, “Por el Poder de Grayskull… Yo Tengo el Poder”, Adam se convierte en el hombre más poderoso hombre del universo, He-Man. Su tigre también es transformado en un fiero tigre de combate, y le sirve como montura.

Solo tres personas comparten dicho secreto, la primera es la Hechicera, protectora del Castillo Grayskull, fuente del poder mágico de Eternia. Los otros dos son Man-At-Arms, encargado de la tecnología y armamento del Reino de Eternia, y Orko, miembro de una raza de magos, pero cuyos poderes se han visto disminuidos debido a que perdió su poderoso amuleto mágico tiempo atrás. He-Man tiene otros aliados que desconocen su secreto, como Sheila, hija adoptiva de Man-At-Arms. Sheila es la hija de la Hechicera, quien borró este hecho de su mente hasta que esté preparada para ocupar su lugar. Otros aliados son Stratos, guerrero aliado procedente de una civilización de simios alados, o Ram-Man, el hombre ariete.

Sin embargo, Eternia tiene un poderoso enemigo en Skeletor, cuya obsesión es conquistar el Reino de Eternia y el Castillo Grayskull, para hacerse con todos sus poderes. Los miembros más destacables de su ejército son Beast-Man, capaz de controlar a bestias y animales, Mer-Man, gobernante de un reino submarino, la poderosa hechicera Evil-Lyn, Tri-Klops, rastreador que usa un visor de tres lentes, y Trap-Jaw, con mandíbula de acero y un brazo mecánico que se convierte en diferentes armas. Skeletor utiliza diferentes tretas para conquistar Eternia, pero siempre fracasa. Utiliza un diamante capaz de transportar a sus enemigos a otra dimensión, pero no tiene éxito. En otro plan hace uso de un rayo capaz de convertir a seres vivientes en estatuas, y reanimar otras como el gigante Coloso. Intenta usar a Beast-Man para controlar dragones en un ataque, e incluso llega a viajar al pasado para intentar cambiar la historia y poder conquistar Eternia. También intenta controlar otros reinos para hacerse más fuerte, como el de la Reina Elmora, de la Luna de Panthos, o hacerse con el poder de Stratos para controlar una criatura.

Todos sus planes fracasan. En otra ocasión, descubre que la Princesa Celice de Tauren mantiene a raya un monstruo llamado Yog. Skeletor la secuestra para que Evil-Lyn la hipnotice y así controlar al monstruo, pero He-Man la rescata.

El Príncipe Adam se ve en serios problemas cuando pierde su espada mágica, y es capturado por Skeletor. Sin embargo, Orko acude a ayudarle recuperando su espada para que pueda derrotar a Skeletor. El villano responde haciéndose con el mineral Coridite, material del cual la espada de He-Man fue forjada. Sin embargo, los héroes consiguen derrotarle de nuevo. Por su parte, Orko procede de una dimensión mágica llamada Trolla. Cuando Rey Randor es capturado por Beast-Man, el héroe acude al rescate; y en otra ocasión recibe la ayuda del hechicero Zagraz para impedir que un cometa destruya Eternia. Uno de los planes de Skeletor está a punto de tener éxito cuando transporta Grayskull a otra dimensión. Pero además, He-Man y sus aliados se deben a enfrentar a otras amenazas como Negator. Orlok tiene la oportunidad de conocer a su tío Montork, quien visita Eternia en dos ocasiones para enfrentarse a la amenaza de Tauron y Azrog.

Entre otros aliados surge Man-E Faces, a quien He-Man y sus aliados libran del control de Skeletor y sus secuaces. Otro aliado ocasional es el ser cósmico conocido como Zodac, que en ocasiones guía a He-Man, y llega a poner a prueba su integridad tentándole con un gran poder.

El pasado de algunos personajes como Sheila se examina. Durante su época de estudiante fue el objeto de interés romántico de un gran hechicero llamado Malik. Este regresa realizando un pacto con un demonio llamado Locus para poder conquistarla, pero acaba traicionado. He-Man acude al rescate y Malik se da cuenta de su error, decidiendo intentar iniciar una nueva vida con otra hechicera que siempre le ayudado. Skeletor sigue intentando manipular a los líderes de otras tierras para conquistar Eternia, pero continúa fracasando. Otra visitante de Trolla es Dre-Elle, de la cual Orko termina por enamorarse. Sin embargo, Dre-Elle solo puede ayudar a Eternia en ocasiones, y debe regresar siempre a Trolla. He-Man descubre que Sheila siente un afecto igual hacia el Príncipe Adam y hacia He-Man, admirando cualidades de ambos que desearía residieran en una misma persona.

Esto sucede cuando se enfrentan al Gamesmaster, organizador de un torneo de gladiadores de seres de varios planetas.

La mayor amenaza llega a Eternia en la forma de Evilseed. Esta amenaza es tal, que la Hechicera y He-Man se ven forzados a cooperar con Skeletor para acabar con Evilseed. Otra amenaza surge en la forma de Shokoti, Señora de la Noche, pero los héroes consiguen derrotarla también. La Hechicera le da una nueva oportunidad al traidor Zanthor, que vendió Discos del Conocimiento a Skeletor. Zanthor los recupera con ayuda de He-Man y se une a Zodac como guardián cósmico.

SEGUNDA TEMPORADA: Los campeones de Eternia se enfrentan a nuevas amenazas como la Bestia de Energía en el Monte Eternia. Skeletor regresa intentando acrecentar el sentido de culpabilidad de Man-At-Arms cuando tiene un accidente en su laboratorio, pero fracasa. Un villano llamado Gamesman fracasa al intentar convertir a Sheila en su consorte a la fuerte. Fisto, un aliado de Eternia, narra cómo una vez fue un villano al servicio de Skeletor hasta que se arrepintió. La Hechicera revela su origen cuando la amenaza del hechicero Morgoth regresa a Eternia.

Durante el primer ataque de Morgoth, la hechicera era una mujer llamada Kuduk Ungol. La Hechicera era una humana normal, que se convirtió en la nueva guardiana de Grayskull a cambio del poder necesario para desterrar a Morgoth. Fue entonces cuando descubrió la existencia de las dos espadas de poder. Más adelante, Skeletor convoca una criatura de gran poder llamada Sh’Gora que conquista Grayskull. Las fuerzas de Eternia y las de Skeletor tienen que unir sus fuerzas para acabar con la amenaza de Sh’Gora. He-Man acompaña a Orko a Trolla para impedir que el nuevo guerrero de Skeletor, Whiplash, aprenda la magia de su raza. Durante esa misión, Orko se reencuentra con Dree Elle y su tío Montork.

Cuando la Reina Marlena es capturada por Skeletor, He-Man y sus aliados acuden al rescate con éxito. Sin embargo, en otra ocasión es la Reina Marlena quien acude al rescate de sus amigos. Cuando Adam le pregunta por qué le liberó primero, le revela que era consciente de que era el que podía ayudar. Esto da a entender que Marlena conoce el secreto de He-Man. También se revelan otros aspectos del pasado.

Un ejemplo es como siendo un niño, Adam rescató a Cringer del ataque de un Dientes de Sable, con lo que el tigre se convirtió en su mascota. Se explica cómo un tiempo después de convertirse en He-Man, Cringer comenzó a convertirse en Battle-Cat. En otra misión, el Rey Randor rescata a su padre, y el Príncipe Adam por fin tiene la oportunidad de conocer a su abuelo. En otra ocasión, Skeletor consigue enviar a la Hechicera a otra dimensión para hacerse con el Castillo Grayskull. El Espíritu de Grayskull contacta con Sheila para que tome el lugar de su madre por primera vez. Sheila no logra contener a las fuerzas de Skeletor, pero las mantiene entretenidas hasta que He-Man consigue traer de vuelta a la Hechicera. Sheila sigue desconociendo que la Hechicera es su madre.

Dos astronautas de la Tierra aparecen en Eternia accidentalmente, y reconocen a Marlena. Los astronautas explican que estaban en una misión crucial para salvar a la Tierra de un meteorito. Los héroes han de rescatar a uno de los astronautas de las garras de Skeletor, tras lo cual He-Man les ayuda a destruir el meteorito y salvar la Tierra. En un nuevo plan, Skeletor le hace creer a He-Man que ha provocado la muerte de un inocente. Esto provoca que el héroe rechace su poder y arroje la Espada de Poder por el acantilado de Grayskull. Como única defensa contra Skeletor, Sheila es capturada por el villano. Sin embargo, Orko revela el engaño al Príncipe Adam, que consigue recuperar la espada para transformarse en He-Man de nuevo. He-Man derrota a Skeletor y consigue rescatara a Sheila sana y salva.

ESCENA

Aquí dejo el opening de la serie en castellano, ya que es imposible encontrar una escena limitada que no contenga todo un episodio completo.

FECHA DE ESTRENO

18 de Noviembre de 1994

TITULO ORIGINAL

Star Trek Generations

DIRECTOR

David Carson

PRODUCTOR

Rick Berman

GUION
Ronald D. Moore, Brannon Braga

REPARTO

Patrick Stewart (Jean-Luc Picard), Jonathan Frakes (William T. Riker), Brent Spiner (Data), LeVar Burton (Geordi La Forge), Michael Dorn (Worf), Gates McFadden (Beverly Crusher), Marina Sirtis (Deanna Troi), Malcolm McDowell (Tolian Soran), William Shatner (James T. Kirk), James Doohan (Montgomery Scott), Walter Koenig (Pavel Chekov), Alan Ruck (John Harriman), Jacqueline Kim (Demora Sulu), Barbara March (Lursa), Gwynyth Walsh (B’Etor), Patti Yasutake (Alyssa Ogawa), Whoopi Goldberg (Guinan)

CINEMATOGRAFÍA

John A. Alonzo

BANDA SONORA

Dennis McCarthy

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
118 minutos

PRECEDIDA POR:

Star Trek VI: Aquel PaísDesconocido

SUCEDIDA POR:

Star Trek: Primer Contacto

JAMES T. KIRK: “Dice que la historia me da por muerto. ¿Quién soy yo para discutir con la historia?”

JEAN-LUC PICARD: “Un oficial de la Flota Estelar. Tiene un deber.”

JAMES T. KIRK: “No necesito que me sermonee. Yo estaba salvando la galaxia cuando su abuelo iba en pañales. Además creo que la galaxia me debe una. Está bien. Yo era como usted. Tan preocupado por el deber y la obligación que no veía más allá del uniforme. ¿Y qué es lo que obtuve? Una casa vacía.”

JAMES T. KIRK: “Pues le diré una cosa. No lo haga. No deje que le asciendan. No deje que le trasladen. No deje que hagan nada que le aparte del puente de esa nave. Porque mientras siga ahí, marcará diferencias.”

JEAN-LUC PICARD: “Regrese conmigo. Detengamos a Soran. Vuelva a marcar diferencias.”

JAMES T. KIRK: “¿Quién soy yo para discutir con el Capitán del Enterprise? ¿Cómo se llama ese planeta, Veridiano III.”

JEAN-LUC PICARD: “Sí.”

JAMES T. KIRK: “Y todo apunta en contra nuestra y la situación es cruda.”

“Digamos que sí.”

JAMES T. KIRK: “Si Spock estuviera aquí diría que soy un humano ilógico e irracional por emprender una misión así. Será divertido.”

CURIOSIDADES

Tras el estreno de “Star Trek VI: Aquel País Desconocido” en 1991, era esperado que la siguiente película de la franquicia contara con el reparto de la nueva serie “Star Trek: La Nueva Generación”. A finales de 1992, los ejecutivos se comunicaron con Rick Berman, productor de la serie, para planear la posibilidad de crear una película con el reparto de la misma. Esto sucedió cuatro meses antes de que se anunciara oficialmente que la película tendría lugar.

Berman procedió a informar a Ronald Moore y Brannon Braga que Paramount había aprobado un contrato para realizar dos películas con el reparto de “La Nueva Generación”. Moore y Braga, quienes estaban convencidos de que Berman les había llamado para comunicarles que la serie estaba cancelada, se encontraron con la misión de escribir el guion de la película.

Berman también trabajó con el antiguo productor de la serie, Maurice Hurley, para desarrollar posibles ideas para la trama. Al final, se optó por escoger la historia creada por Moore y Braga; y los guionistas dedicaron semanas a desarrollar la historia junto a Berman. El primer borrador del guion se completó en mayo de 1992.

Berman consideraba que era una buena idea el incluir al reparto original de las anteriores películas de la franquicia, ya que daría la sensación de que pasaban el relevo al nuevo reparto. En el borrador inicial del guion, el reparto original aparecía en un prólogo, mientras que el personaje de Guinan tenía la función de servir de enlace entre las dos generaciones. También se decidió que la nueva película supondría la última aparición del “Enterprise-D”. La idea de que la sección platillo de la nave se estrellara no era nueva. Se había considerado que dicha escena tuviera lugar en el último episodio de la séptima temporada, hasta que dicho episodio se convirtió en el último de la serie. Inicialmente, se consideró la posibilidad de que un miembro de la nueva tripulación falleciera durante la historia.

Fue entonces cuando se sugirió que fuera Kirk quien falleciera. Sin embargo, tanto el estudio como William Shatner estaban preocupados con dicha idea.

Al comenzar a pulir el guion, el equipo se vio enfrentado a la necesidad de recordar las limitaciones del presupuesto. La propuesta inicial incluía rodajes en Hawái, Idaho y el oeste de los Estados Unidos, y el presupuesto superó los treinta millones de dólares. Tras negociar, el presupuesto se vio reducido a veinticinco millones. Los guionistas cambiaron una secuencia en la que Harriman entrenaba a sus predecesores en la navegación del “Enterprise-B”, pero Shatner consideró que dicha escena trataba a la tripulación original como estúpidos. La tragedia de Picard se limitaba al fallecimiento de su hermano debido a un ataque al corazón, pero Stewart sugirió que toda su familia falleciera en un incendio para incrementar el impacto emocional sobre el Capitán. Tras el prólogo, se consideró iniciar la acción del siglo XXIV en el observatorio solar, poco antes del ataque de los Romulanos.

Pero se optó por iniciar la trama con una escena más divertida, optando por la de la promoción de Worf en la Holocubierta.

Aunque la idea era que en el prólogo apareciera la tripulación de las películas anteriores, solo se pudo contar con los personajes de Kirk, Scotty y Chekov. Leonard Nimoy rechazó la oferta de dirigir la película, así como de volver a interpretar al personaje de Spock. Aludió a que su participación era irrelevante debido al dialogo. DeForest Kelley, quien interpretaba a Bones, también rechazó la oportunidad de aparecer. Debido a esto, todas las frases de los actores pasaron a los personajes de Scotty y Chekov. La aparición de Scotty creó una discrepancia en la continuidad histórica de la franquicia. Esto se debía que había aparecido en la serie “La Nueva Generación”, al ser rescatado tras pasar setenta y cinco años en animación suspendida en uno de los transportadores. Al resurgir, Scotty rebelaba que Kirk podría seguir con vida. Esto se explicó alegando que al reaparecer de su estasis, estaba desorientado.

Finalmente, los productores optaron porque el británico David Carson dirigiera la película. Carson nunca había dirigido una película para el cine, aunque sí había dirigido varios episodios de Star Trek, incluyendo el episodio piloto de “Star Trek: Espacio Profundo Nueve”. La producción de la película comenzó cuando todavía se rodaba la serie “La Nueva Generación”. Debido a esto, se rodaron primero las escenas en las que el reparto de dicha serie no aparecía. Cuando la serie concluyó, solo quedaban seis meses antes de que la película fuera estrenada en los cines.

NOTA PERSONAL

Pues con esta película se dio el paso a la tripulación de la nueva generación, y a mí me pilló estudiando la carrera en Estados Unidos. De las cuatro películas que se hicieron con este reparto, está es la tercera en mi ranking personal.

Siempre he mantenido que está nueva tripulación carecía del enganche de la original. Evidentemente, la película me pareció de las más flojas de la franquicia, y si debo destacar algo es el aclamado encuentro entre el Capitán Picard y el Capitán Kirk, el cual me pareció servía de transición o pase de relevos. Otro momento impactante es sin duda la muerte del legendario capitán de la serie original, algo que provocó bastante polémica en su momento. A mí personalmente, me pareció una muerte poco memorable para un personaje de está categoría.

Con esto no quiero decir que la película me pareciera mala, pero opino que no fue un comienzo a la altura del evento que marcaba un cambio en la franquicia. Sin embargo hay aspectos muy remarcables en la trama del film. Particularmente, destacaría el desarrollo en el personaje del Capitán Picard, quien se enfrenta a la soledad familiar y el final de su propio linaje.

Me pareció genial usar al personaje de Guinan como enlace entre las dos generaciones, particularmente porque siempre me ha parecido un personaje poco aprovechado en la segunda serie. La primera experiencia de Data con los sentimientos también me pareció interesante, y reconozco que dio lugar a algún momento hilarante.

Los efectos sufrieron una mejoría evidente. Aunque hay solo una breve escena de batalla espacial, esta me pareció magistral, sobre todo la escena del Enterprise-D estrellándose en Veridiano III. De nuevo me reitero en que no es una mala película, pero no cumplió la mayoría de mis expectativas. Tendría que esperar a la siguiente película de la saga, la cual me pareció con creces la mejor de la Nueva Generación, y una de las mejores de toda la saga.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 2293, el Capitán Kirk ya se ha jubilado.

Junto a Montgomery Scott y Pavel Chekov, Kirk asiste al vuelo inaugural de la nave Enterprise-B, capitaneada por John Harriman. Durante el viaje, la nave recibe una llamada de auxilio procedente de dos naves que transportan refugiados El-Aurianos que han sobrevivido a la aniquilación de los Borg. El Enterprise solo consigue rescatar a algunos supervivientes de una de las naves, que explotan al haber estado atrapadas en una especia de cinta energética llamada el Nexus. Sin embargo, el Enterprise también se queda atrapado en la fuerza gravitacional de la cinta. Kirk acude a alterar el deflector para que la nave pueda escapar. Aunque tiene éxito, la sección donde se encontraba explota, y Kirk es dado por muerto.

En el año 2371, la tripulación del Enterprise-D, bajo el mando del Capitán Picard, recibe una llamada de auxilio procedente de un observatorio en órbita a la Estrella Amargosa. De camino, el Capitán Picard recibe una comunicación que le informa que su hermano y sobrino han fallecido en un incendio, quedando como el único superviviente de su familia.

Al llegar al observatorio, la tripulación descubre que todos sus científicos, excepto el Doctor Tolian Soran, han sido asesinados por Romulanos. El androide Data, que acaba de instalarse un chip que le permite experimentar emociones, y el ingeniero Geordi LaForge descubren un compuesto llamado trilithium en una cámara oculta. El Doctor Soran se transporta desde el Enterprise al observatorio, dejando a Geordi inconsciente y a Data incapaz de reaccionar debido al miedo que está experimentando por primera vez. Soran dispara una sonda de trilithium a la Estrella Amargosa, provocando que implosione, tras lo cual se transporta junto a Geordi a un pájaro de presa Klingon, capitaneado por las hermanas Duras. Estas son las que robaron el trilithium a los Romulanos para entregárselo a Soran, a cambio de que creara un arma para ellas con el compuesto. La onda de choque de la implosión de Amargosa destruye el laboratorio y todo el sistema solar, pero el Enterprise logra escapar tras rescatar a Data.

Guinan, camarera en el Enterprise, le explica a Picard que tanto ella como Soran fueron rescatados del Nexus por el Enterprise-B en 2293.

También explica que Soran está obsesionado por entrar de nuevo en el Nexus, un reino extradimensional que permite a aquellos que se encuentren en su interior revivir sus mayores sueños repetidamente. Guinan le confiesa que le llevó mucho tiempo superar su experiencia personal en el Nexus, pero que Soran, quien perdió a su mujer e hija a manos de los Borg, desea regresar pues ha perdido la razón. Picard y Data investigan para descubrir que Soran no puede introducir una nave en el Nexus, pues está terminaría por explotar. Debido a esto ja decidido alterar el curso de la cinta para que atraviese un planeta llamado Veridiano III. Para ello destruirá su estrella y su sistema solar, incluyendo un planeta poblado en dicho sistema. Al entrar en el Sistema Veridiano, el Enterprise contacta con el Ave de Presa Klingon.

Picard se ofrece como rehén a cambio de Geordi, con la condición de que primero le transporten a Veridiano III para encontrarse con Soran. Geordi regresa al Enterprise, pero su visor ha sido programado para retransmitir lo que vea a la nave Klingon.

Cuando Geordi entra en ingeniería, las hermanas Duras logran determinar la frecuencia de los escudos del Enterprise, y comienzan a atacar. El Enterprise consigue destruir la nave Klingon, pero El Enterprise ha sufrido serios daños que provocan una reacción en cadena en su núcleo. El Comandante Riker ordena la evacuación a la sección platillo de la nave, separándola del resto. Sin embargo, la onda de choque de la explosión del resto de la nave provoca que la sección platillo pierda el control, y se estrelle en la superficie de Veridiano III.

Mientras tanto, Picard ha fracasado en su intento de razonar con Soran, quien está en la superficie del mismo planeta dispuesto a lanzar su sonda de trilithium a su estrella.

Picard no puede acceder a Soran debido a que está protegido por un campo de fuerza. Aunque Picard consigue encontrar una manera de acceder al campo de fuerza, llega demasiado tarde. Soran destruye la estrella y altera el curso de la cinta del Nexus, que absorbe tanto a Soran como a Picard.

La onda de choque destruye todo el sistema, acabando con la vida de todos los tripulantes del Enterprise. Dentro del Nexus, Picar experimenta su mayor sueño, el de tener una familia que perpetúe su apellido. Un eco de Guinan, quien estuvo dentro del Nexus, le ayuda a percatarse de lo que está experimentado no es real; pero también le señala que hay alguien dentro del Nexus que puede ayudarle.

Esa persona resulta ser Kirk, quien está reviviendo su sueño de no sacrificar su relación amorosa por su carrera en la Flota Estelar. Picard logra razonar con Kirk, quien se percata de que lo que está experimentando no es real.

Ambos abandonan el Nexus voluntariamente, opción que nunca nadie había sido capaz de elegir, regresando instantes antes de que Soran dispare su sonda de trilithium. Kirk logra entretener a Soran el tiempo suficiente para que Picard sabotee la sonda, dejándola anclada a su plataforma de lanzamiento. Cuando Soran intenta lanzar la sonda, la plataforma explota acabando con la vida del villano. Sin embargo, Kirk ha caído desde otra plataforma tras enfrentarse a Soran, y Picard llega a tiempo para verle morir, asegurándole que ambos han logrado marcar la diferencia. Tras enterrar a Kirk, Picard parte con los supervivientes del Enterprise, al ser rescatados por naves estelares. A pesar de haber perdido su nave, Picard está seguro de que no será la última en llevar el nombre Enterprise.

ESCENA

Sin duda, la escena que más me impresionó fue la del Enterprise-D estrellándose en el Planeta Veridiano III.

FECHA DE ESTRENO

7 de Octubre de 1960

TITULO ORIGINAL

Spartacus

DIRECTOR

Stanley Kubrick

PRODUCTORES

Edward Lewis, Kirk Douglas

GUION
Dalton Trumbo

Basado en la novela de Howard Fast

REPARTO

Kirk Douglas (Espartaco), Laurence Olivier (Craso), Jean Simmons (Varinia), Charles Laughton (Graco), Peter Ustinov (Batiato), Tony Curtis (Antonino), John Gavin (Julio César), John Dall (Glabro), Nina Foch (Helena Glabro), John Ireland (Crixo), Herbert Lom (Tigrano), Charles McGraw (Marcelo), Joanna Barnes (Claudia), Harold J. Stone (David), Woody Strode (Draba), Robert J. Wilke (Capitán de la guardia), Nick Dennis (Dionisio), Paul Lambert (Gánico), Frederick Worlock (Lelio), Peter Brocco (Ramón)

CINEMATOGRAFÍA

Russell Metty

BANDA SONORA

Alex North

DISTRIBUIDA POR:

Universal Pictures

DURACIÓN
184 minutos

TIGRANO: “Si mirando una mágica bola de cristal, vieras a tu ejército destruido y a ti mismo muerto. Si vieras tan claro ese futuro, como creo que ya lo estás viendo, ¿continuarías luchando?”

ESPARTACO: “Sí.”

TIGRANO: “¿Aun sabiendo que perderéis?”

ESPARTACO: “¿Qué importa eso? Todo hombre pierde cuando muere, pero un hombre libre y un esclavo no pierden lo mismo.”

TIGRANO: “Ambos la vida.”

ESPARTACO: “El libre pierde el placer de vivir, el esclavo el sufrimiento. La muerte es la única liberación para el esclavo. Por eso no la teme. Por eso, venceremos.”

CURIOSIDADES

El proyecto de esta película se inició parcialmente debido a que Kirk Douglas no había conseguido hacerse con el papel protagonista de la película “Ben-Hur” de William Wyler.

Douglas había trabajado con Wyler en la película “Brigada 51” del año 1951, y se sintió defraudado cuando Wyler optó por darle el papel de Ben-Hur a Charlton Heston. Poco después, Edward Lewis, vicepresidente en la compañía cinematográfica de Douglas “Bryna Productions”, hizo que el actor leyera la novela “Espartaco” de Howard Fast. La novela tenía una temática parcialmente similar a la de “Ben-Hur”. Esto se debía a que trataba sobre un individuo que retaba al poder del Imperio Romano. Douglas quedó tan impresionado con la historia que decidió hacerse con los derechos de la novela mediante sus propios recursos financieros. Con el paso del tiempo, “Universal Studios” accedió a financiar la película. Esto fue gracias a que Kirk Douglas había convencido a Laurence Olivier, Charles Laughton y Peter Ustinov para que aparecieran en la misma. Edward Lewis se convirtió en el productor de la película, mientras que Douglas se acreditó como productor ejecutivo. Tras la experiencia, Lewis continuaría produciendo películas para Douglas.

Al mismo tiempo, Yul Brynner estaba planeando realizar su propia película sobre Espartaco para “United Artists”. El agente de Douglas, Lew Wasserman le sugirió que intentara que la película fuera producida por “Universal Studios”. El guion de Dalton Trumbo fue finalizado en solo dos semanas, por lo que Douglas y la “Universal” ganaron la carrera por la realización de la película. Inicialmente, se contrató al propio Howard Fast para que se encargara de adaptar su propia novela para crear un guion. Sin embargo, Fast se vio en serias dificultades a la hora de trabajar con el formato de un guion cinematográfico. Debido a esto, fue reemplazado por Dalton Trumbo, quien curiosamente había caído en la lista negra de Hollywood de la época. Para evitar problemas, utilizó el seudónimo de Sam Jackson. Kirk Douglas insistió en que Trumbo fuera acreditado en pantalla por su trabajo, un hecho que ayudaría a acabar con la mencionada lista negra. Trumbo había sido enviado a prisión por obstruir el trabajo del Congreso en el año 1950. Tras esta experiencia, pasó años escribiendo guiones mediante el uso de falsas identidades.

El hecho de que Douglas intercediera por él fue alabado como un acto de valor.

David Lean rechazó la oferta de dirigir la película, por lo que se optó por contar con Anthony Mann, quien entonces era conocido por sus películas del oeste. Sin embargo, tras una sola semana de rodaje, Kirk Douglas decidió despedirle. Dicho despido todavía es parcialmente un misterio a día de hoy. Douglas declaró que parecía asustado ante la magnitud de la película, sin embargo Mann se embarcaría un año más tarde en otra película épica “El Cid”. Por otro lado, Anthony Man rodó la escena inicial, que curiosamente marcó el estilo de toda la película. Tras el despido, se contrató a Stanley Kubrick, quien tenía treinta años de edad, para dirigir la película. Ya había dirigido cuatro películas, entre las que se encontraba “Senderos de Gloria”, donde Kirk Douglas también era el protagonista. Sin embargo, “Espartaco” era un proyecto mucho mayor con un presupuesto de doce millones de dólares, que serían equivalentes a noventa y siete millones de hoy en día.

También contaba con reparto de diez mil quinientas personas, lo que suponía todo un reto para un joven director. “Senderos de Gloria” solo había contado con un presupuesto de poco más de novecientos mil dólares.

La película fue rodada usando el formato Technirama de 35 mm, que luego fueron aumentados a 70 mm. Esto supuso todo un cambio para Kubrick, que prefería utilizar el formato esférico estándar. El cinematógrafo Russell Metty se quejó acerca de las instrucciones detalladas y precisas, por otro lado inusuales, por parte del director. A pesar de esto, Metty permaneció con el equipo de rodaje y llegaría a conseguir el Oscar a la Mejor Cinematografía en una película de color. Para Kubrick, rodar en localizaciones reales supuso toda una distracción, prefiriendo rodar en estudios. Consideraba que los actores se beneficiaban y concentraban mejor en un espacio más reducido. Para crear la ilusión de grandes cantidades de personajes, esenciales en la trama de la película, se utilizó un equipo de sonido dotado de tres canales para rodar a setenta y seis mil espectadores en un estadio de football, gritando “Salve Craso” y “Yo Soy Espartaco”.

La película estuvo plagada de visiones conflictivas de Kubrick y Trumbo. Kubrick se quejaba de que el personaje de Espartaco carecía de defectos o excentricidades, y poco a poco se fue distanciando de la historia limitándose a rodar. Sin embargo, y a pesar de los problemas de rodaje, el éxito de crítica y taquilla de la película lograron establecer a Kubrick como un gran director. La película ganó cuatro Oscars al Mejor Actor Secundario (Peter Ustinov), Mejor Dirección Artística en Color, Mejor Cinematografía en Color, y Mejor Diseño de Vestuario. Recibió además dos nominaciones adicionales a Mejor Montaje y Mejor Banda Sonora, pero perdió contra “El Apartamento” y “Éxodo” respectivamente.

NOTA PERSONAL

Otro clásico indiscutible de las denominadas películas del género de “sandalia y espada”.

La verdad es que siempre me han encantado estos clásicos, con una ambientación clásica y grandes cantidades de extras para remarcar su grandiosidad. Realmente es una de esas películas que no entran dentro de las consideradas como “romanas bíblicas”, ya que la acción transcurre durante el último siglo antes del nacimiento de Jesucristo. En este caso, la trama se centra de forma más clara en una declaración de principios, dirigida en su ataque contra la esclavitud y el honor de recuperar la libertad a través de la libertad.

La figura de Espartaco representa esa lucha por la libertad. Kirk Douglas realiza una gran labor interpretativa, si bien siempre me ha parecido que su físico no convence demasiado como el de un gladiador. Siempre me gustó que en esta película se mostrara al personaje como un analfabeto, y su dependencia de Antonino para equilibrar esta desventaja. Sin embargo, también estoy de acuerdo de que el personaje se muestra como excesivamente perfecto a nivel moral, lo cual no dudo que es una consecuencia de la época en la que se desarrolla la acción.

Por supuesto, también debo elogiar a Peter Ustinov, quien siempre ha sido uno de mis actores favoritos. Al mismo tiempo, la película combina esa fuerte crítica contra la esclavitud con un examen muy acertado de la corrupción política, que en este caso todavía está reflejada en la época de la Republica. Analizando la acción, vemos el comienzo de un declive que desembocará en el auge del Imperio Romano.

Siempre he echado de menos un fiel reflejo de los gladiadores en la arena, algo de lo que la película carece, así como una muestra de la corrupción moral de la época. De nuevo nos enfrentamos a la problemática de una película de la época en la que fue rodada. Hay una escena que desafió a la censura, el mítico momento en el que Craso intenta seducir a Antonino mientras le da un baño. Al ver esa escena, no me extraña nada que en su momento fuera censurada.

Independientemente de estos aspectos, me sigue pareciendo una película excepcional, que siempre me ha mantenido enganchado durante sus tres horas de duración.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el siglo antes del nacimiento de Cristo, la Republica Romana se ha visto sumergida en la corrupción, y todo trabajo de baja categoría es realizado por grandes cantidades de esclavos. Uno de estos esclavos es un hombre llamado Espartaco, orgulloso e inteligente. Debido a su negativa a cooperar en sus trabajos serviles, Espartaco es condenado a una vida de gladiador. El esclavo es adquirido por un hombre de negocios llamado Batiato, y comienza su entrenamiento en su escuela de gladiadores. En entrenador, un esclavo llamado Marcelo, recibe las instrucciones de presionar a Espartaco al máximo y quebrar su espíritu. Soportando todo el abuso, Espartaco desarrolla una atracción hacia una esclava llamada Varinia, a quien se niega a violar cuando le es entregada para su propio placer en su celda.

Batiato recibe la visita del Senador Marco Licinio Craso, un conservador que aspira a convertirse en el dictador de Roma.

Como capricho personal, Craso decide comprar a Varinia, y para el divertimento de sus acompañantes convence a Batiato para que Espartaco y otros tres gladiadores luchen en parejas. Cuando Espartaco es desarmado por su oponente, el africano Draba, este decide perdonarle la vida como símbolo de compasión, y procede a atacar a los romanos que observan la lucha. Debido a esto, Craso y un guardia de la arena acaban con la vida de Draba. Al día siguiente, Batiato parte para llevar a Varinia a la residencia de Craso en Roma. Cuando Marcelo intenta burlarse del destino de la esclava, Espartaco acaba con su vida, provocando un motín. Los gladiadores superan a sus guardas y logran escapar a la campiña.

Los fugitivos escogen a Espartaco como su líder, y este decide liderarles para atravesar la península y escapar del Imperio Romano. A medida que avanzan, atacan varias ciudades romanas, logrando hacerse con varias riquezas en el proceso. Gracias a esto, Espartaco realiza un trato con Tigrano, un pirata de Cilicia.

Este accede a otorgarles varias naves para poder trasladar a los esclavos fuera del Imperio. El ejército de Espartaco se va incrementando a medida que más esclavos fugados, y otros liberados se van uniendo a él. Una de las nuevas incorporaciones es la de Varinia, quien ha logrado escapar mientras estaba siendo llevada ante Craso. Otro esclavo que se une al ejército es Antonino, quien también ha escapado de Craso cuando este intentaba seducirle. Espartaco se siente inadecuado para el liderazgo debido a que no ha recibido educación alguna durante sus años de esclavitud. Sin embargo, demuestra ser un líder excelente y organiza a todos sus seguidores en una fuerte comunidad. Antonino equilibra su falta de educación, redactando y leyendo comunicados para su líder, quien llega a considerarle como un hijo. Espartaco y Varinia confirman su relación, contrayendo un matrimonio informal. Varinia se queda embarazada de Espartaco.

Mientras tanto, el Senado Romano comienza a sentirse alarmado ante la rebelión, ya que Espartaco logra derrotar a todos los ejércitos que envían contra él.

El oponente populista de Craso, Graco, es consciente de que el senador intentara utilizar la crisis como justificación para tomar el control del ejército romano. Para intentar impedirlo, Graco canaliza tanto poder militar como le es posible a las manos de su propio protegido, un joven senador llamada Julio Cesar. Aunque Cesar carece del desprecio que Craso muestra hacia las clases inferiores, confunde su aspecto rígido con el de un hombre noble. De esta forma, cuando Graco revela que ha sobornado a los piratas de Cilicia para transportar al ejército de Espartaco fuera de Italia y librar a Roma de la amenaza, Cesar considera que esa táctica no es digna y acude a Craso.

Craso decide sobornar a los piratas por su cuenta para que abandonen a Espartaco y, en secreto, hace que el ejército romano obligue a los rebeldes a alejarse de las costas en dirección a Roma. El Senado comienza a temer que Espartaco saquee la ciudad de Roma, por lo que decide otorgarle a Craso poder absoluto.

Rodeado por tropas romanas, Espartaco convence a sus hombres para que mueran luchando. Los esclavos comprenden que solo por rebelarse y probar su humanidad, lograrán dar un golpe efectivo al concepto de la esclavitud. Durante la batalla final, la mayoría de los esclavos son masacrados por las fuerzas de Craso. Tras la derrota, Craso ofrece a los esclavos la oportunidad de salvar sus vidas y volver a una vida de servidumbre, si delatan al hombre llamado Espartaco. Todos los supervivientes responden gritando: “Yo soy Espartaco”. Debido a esto, Craso ordena que todos sean condenados a muerte, mediante crucifixión a lo largo de toda la Vía Apia.

Craso también localiza a Varinia, quien ya ha dado a luz al hijo de Espartaco, y se los lleva como prisioneros personales. Se enfurece al ver que Espartaco ha sido capaz de inspirar más amor y lealtad que él, e intenta compensar este hecho haciendo que Varinia le ame tanto como al esclavo.

Cuando Varinia le rechaza, Craso, sumido en la furia, logra localizar a Espartaco y Antonino entre los prisioneros. Les obliga a luchar a muerte para él, y el superviviente se unirá al resto de los esclavos para ser crucificado. Espartaco acaba con la vida de Antonino para que no sufra la muerte lenta de la crucifixión. Este incidente preocupa a Craso, ya que Espartaco tiene el potencial de convertirse en un mártir de su casusa. También le preocupa Cesar, quien teme que llegue a eclipsarle algún día.

Graco, al ver como Roma está cayendo en la tiranía, decide suicidarse. Antes de hacerlo, soborna a su amigo Batiato para que rescate a Varinia y su hijo, y que les ayude a escapar. De camino a la libertad, los tres han de pasar por la Vía Apia, donde todos los rebeldes están sacrificados. Entre lágrimas, Varinia localiza a Espartaco agonizante. Antes de marcharse, le muestra al hijo que ambos tenido, declarando que es libre y que nunca olvidará a su padre y lo que hizo.

ESCENA

Genial escena final en la que los esclavos capturados se niegan a delatar a Espartaco, declarando que todos los son.

FECHA DE ESTRENO

18 de Noviembre de 1988

TITULO ORIGINAL

Oliver & Company

DIRECTOR

George Scribner

PRODUCTOR

Kathleen Gavin

GUION
Jim Cox, Tim Disney, James Mangold

Basado en la novela “Oliver Twist” de Charles Dickens

REPARTO (VOCES)

Joey Lawrence (Oliver), Billy Joel (Dodger), Cheech Marin (Ignacio Alonso Federico de Tito), Richard Mulligan (Einstein), Roscoe Lee Browne (Francis), Sheryl Lee Ralph (Rita), Dom DeLuise (Fagin), Taurean Blacque (Roscoe), Carl Weintraub (DeSoto), Robert Loggia (Sykes), Natalie Gregory (Jenny Foxworth), William Glover (Winston), Bette Midler (Georgette), Frank Welker (Louie)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Jonathan Alfred Clawson Redford

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Pictures

DURACIÓN
73 minutos

CLASICO ANTERIOR:

Basil, el Ratón Superdetective

CLASICO SIGUIENTE:

La Sirenita

GEORGETTE: “¿Quién eres? ¿Qué quieres? ¡Winston!”

DODGER: “No, no, espera, no te asustes.”

GEORGETTE: “¡No! No te me acerques. Sabía que esto sucedería.”

DODGER: “Estás equivocada. No es a ti a quien quiero.”

GEORGETTE: “¿A no? ¡¿No?! ¿Y por qué no? ¿Acaso no soy un buen partido para ti manchitas? Apuesto a que no sabes quién soy yo. He ganado cincuenta y seis listones azules, catorce trofeos regionales. ¡He sido campeona nacional seis veces!”

DODGER: “Estamos muy impresionados.”

JENNY FOXWORTH: “¿Qué clase de persona es la que se roba a un gatito?”

FAGIN: “Pues yo… digo, tal vez era alguien que estaba entre la espada y la pared, con la soga al cuello. Ha de ser un hombre pobre y desesperado.”

JENNY FOXWORTH: “Aun así. Estoy asustada. No sé qué hacer. No sé qué hacer.”

FAGIN: “Tampoco yo.”

CURIOSIDADES

Se trata del vigésimo séptimo clásico animado de Disney, basado en la novela clásica de Charles Dickens, “Oliver Twist”, publicada en 1838. La novela ha sido adaptada en muchas ocasiones para el cine.

Tras el estreno de “Taron y el Caldero Mágico” en el año 1985, y su fracaso de taquilla, Michael Eisner y Jeffrey Katzenberg invitaron a varios animadores para ofrecieran ideas para futuras películas animadas. Ron Clements y John Musker sugirieron adaptar “La Sirenita” e incluso “La Isla del Tesoro” trasladando la acción al espacio. Sin embargo, Pete Young fue quien tuvo la idea de adaptar “Oliver Twist” utilizando perros para sus personajes. Katzenberg siempre había deseado producir una adaptación de acción real del musical “Oliver” para Paramount. Debido a esto, decidió aprobar dicha idea. Originalmente, el título para la producción fue “Oliver y Dodger”. Sin que nadie lo supiera esta sería la última película antes del denominado “Renacimiento de Disney”.

El círculo central original de animadores de Disney, conocido como “Los Nueve Ancianos”, se había jubilado a principios de la década de 1980. Esto significó la entrada de una nueva generación que incluyó a Glen Keane, Ruben Aquino, Mike Gabriel, Hendel Butoy, y Mark Henn. Estos se encargaron la supervisión de “Oliver y su Pandilla”. Durante un tiempo, se consideró que la película sirviera de continuación a “Los Rescatadores”, mostrando a Penny viviendo en Nueva York junto a Georgette y sus padres adoptivos. Esta idea terminó por ser descartada ya que se sintió que la historia no resultaría convincente.

Esta fue la primera película animada de Disney en hacer gran uso de la animación generada por ordenador. Los dos clásicos anteriores, “Taron y el Caldero Mágico” y “Basil, el Ratón Superdetective”, solo la utilizaron en determinadas secuencias. Estos efectos fueron usados para crear los rascacielos, los coches, los trenes, la scooter de Fagin y toda la escena de persecución en el metro.

También fue la primera película de Disney para la cual se creó un departamento para la animación generada por ordenador. Los productores también decidieron que la película fuera una prueba antes de que la compañía regresara a su formato clásico de películas animadas musicales. De hecho, “Oliver y su Pandilla” fue la primera película animada musical desde el vigésimo cuarto clásico, “Todd y Toby”. Durante la década posterior, a partir de “La Sirenita”, todas las películas animadas de Disney fueron musicales con la excepción de “Los Rescatadores en Cangurolandia”.

La película fue una de las primeras animadas de Disney que introdujeron nuevos efectos sonoros para ser utilizados regularmente, y que reemplazarían muchos de los sonidos de los clásicos originales. Sin embargo, “La Sirenita” haría uso de más efectos sonoros novedosos. Sin embargo, había una excepción. “Taron y el Caldero Mágico” ya había hecho uso de algunos efectos sonoros novedosos, descartados para el clásico posterior “Basil, el Ratón Superdetective”.

“Oliver y su Pandilla” también fue la primera película animada de Disney en utilizar productos anunciados en el mundo real. Algunos de estos productos fueron Coca-Cola, el periódico “USA Today”, y Sony entre muchos ejemplos. Se tomó esta decisión para dotar a la película de realismo, ya que la ciudad de Nueva York no parecería real sin mostrar estos productos habituales. Algunos animales de clásicos anteriores tuvieron apariciones esporádicas en la película. Un ejemplo eran algunos perros secundarios de “La Dama y el Vagabundo”, o Pongo de “101 Dálmatas”. El personaje de Anita Radcliff, de esta última película, también aparecía brevemente.

Inicialmente, Richard Rich iba a codirigir la película. Ya lo había hecho en los clásicos “Todd y Toby” y “Taron y el Caldero Mágico”. Sin embargo, su actitud hostil hacia el presidente de animación de Disney, Peter Schneider, provocó que fuera despedido en 1986. La película fue un éxito de taquilla, pero fue un fracaso por parte de la crítica. Se la consideró una película floja al ser comparada con clásicos anteriores, y con una animación que no estaba a la altura de sus predecesoras.

NOTA PERSONAL

Debo comenzar reconociendo que la película es uno de los clásicos que menos me han gustado en la historia animada de Disney. Esta critica la realizo al considerar que partía de un clásico de la literatura con grandes posibilidades. Esto no quiere decir que no haya aspectos positivos y divertidos de este clásico, pero en términos generales la historia me pareció floja y dotada de una animación muy por debajo de lo esperado. La verdad es que la película me había pasado desapercibida durante muchos años, y la me enteré de su existencia cuando ya era estudiante universitario, al alquilarla en video (Ya había visto “El Rey León” en el cine). Otro aspecto que siempre recordaré, es que pasé por una grave enfermedad cuando la vi. Quizás por este motivo, este sea el clásico de Disney que siempre me cuesta más volver a ver.

Pero como me considero fan incondicional de Disney, prefiero concentrarme en los aspectos positivos. Empezaré con Sykes, quien siempre me ha parecido un villano bastante memorable.

Era la primera vez que Disney mostraba a un hombre corrupto que bien podía representar a cualquier hombre de esas cualidades en la sociedad moderna. Tanto su muerte como la de sus perros me parecieron escenas bastante crudas, para lo que era una película bastante infantil. En lo relativo a escenas de humor, esta es otra de esas ocasiones en las que destacan más los personajes secundarios. En general me desternillaba con Tito y con la diva Georgette, genialmente doblada en su versión original por Bette Midler. Francis, con sus dotes “artísticas”, también protagoniza alguna escena francamente divertida.

Terminaré alabando el final, que se desmarcó de forma positiva del estilo de Disney. Debo reconocer que pensaba que íbamos a ver como la niña rica adoptaba a todos los perros amigos de Oliver. Sin embargo, podemos ver como los perros continúan su vida anterior en compañía de Fagin. Este fue el último clásico de Disney antes de que la compañía resurgiera de una época de calidad cuestionable.

El siguiente clásico sería “La Sirenita”, que supondría el comienzo de una nueva edad de oro en la historia de animación de la compañía.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

La historia se desarrolla en la Ciudad de Nueva York en la década de 1980. Oliver es una cría de gato, que se ha quedado huérfano. Oliver es colocado en una caja junto a otros gatos para ser vendidos en la calle, sin embargo todos los gatos son vendidos excepto Oliver, que acaba siendo abandonado en las calles. Tras una noche tormentosa, Oliver amanece descubriendo a un hombre vendiendo salchichas. Sin embargo, el hombre echa a Oliver negándose a darle comida. Oliver se encuentra con un perro callejero llamado Dodger, quien le engaña para que le ayude a robar unas salchichas del vendedor. Aunque ambos tienen éxito, Dodger se niega a compartir su botín y abandona a Oliver. Sin embargo, Oliver decide seguir a Dodge hasta una barcaza abandonada donde reside con otros perros.

De esta forma, Oliver conoce al rebelde Chihuahua Tito, al poco inteligente Gran Danés Einstein, la inteligente Saluki Rita, y el actor Bulldog Francis.

Oliver es aceptado por el grupo de perros, quienes tienen un dueño llamado Fagin. Los perros se dedican a robar para Fagin, que a pesar de ser un carterista, no es más que un hombre pobre y cariñoso llevado a la desesperación. De hecho, Fagin recibe a Oliver con mucho cariño, y el gato observa que el cariño del hombre hacia los perros es reciproco. La bienvenida es interrumpida por dos doberman llamados Roscoe y DeSoto. Estos perros pertenecen a Sykes, un despiadado agente de los astilleros y prestamista. Fagin le debe una gran cantidad de dinero, y Sykes le da un ultimátum. Durante la conversación, los doberman atacan a Oliver quien es protegido por sus nuevos amigos. Oliver le da un zarpazo a uno de los doberman, despertando el odio de los perros. Sin embargo, una vez dado su ultimátum, Sykes se marcha llamando a los perros para que le acompañen. Fagin entra en la barcaza deprimido, pero los perros intentan animarle.

Debido a esto, Fagin les lee un cuento y todos se duermen, Oliver acompañando a Dodger.

A la mañana siguiente, Fagin lleva a sus perros y a Oliver a la ciudad para que intenten robar algo de dinero que le saque del apuro. El grupo observa la llegada de una limusina, donde el mayordomo Winston lleva a una niña llamada Jenny Foxworth. Jenny está triste porque sus padres, que viajan mucho debido a sus negocios, no podrán estar en casa el día de su cumpleaños. Francis usa sus dotes artísticas para hacer creer a Winston que le ha atropellado. Mientras tanto, Tito y Oliver entran en la limusina con la intención de sabotearla, pero Tito recibe una descarga eléctrica al cortar unos cables, cuando Oliver arranca el coche accidentalmente. Tito sale expulsado fuera del coche, donde Oliver se queda solo. Winston vuelve a volante y parte con el gato, que es acogido cariñosamente por Jenny. Al llegar a su mansión, Jenny habla por teléfono con sus padres, quienes le permiten que se quede con Oliver. Sin embargo, Georgette, la malcriada perra caniche de la familia, se siente indignada ante la presencia del gato en la mansión.

Mientras tanto, Dodger y el resto de los perros planean rescatar a Oliver. Mientras Francis vuelve a distraer a Winston, los perros se introducen en la Mansión, donde conocen a Georgette. Esta decide ayudarles para librarse de Oliver, y los perros lo llevan de regreso a la barcaza. Allí, Oliver les explica que le estaban tratando muy bien, y que desea regresar con su nueva amiga Jenny. Dodger se siente ofendido al considera que Oliver ya nos le cree dignos de su compañía. Oliver está a punto de marcharse, pero Fagin llega y observa su reluciente collar, con la dirección donde ha estado residiendo. Desesperado, Fagin decide pedir un rescate por Oliver para poder pagar su deuda con Sykes. Jenny llega a casa del colegio y descubre la nota, decidiendo intentar recuperar a Oliver con sus escasos ahorros. Por su parte, Fagin le comunica su plan a Sykes, quien declara que por fin ha diseñado un plan de altas miras.

Esa misma noche, Jenny, en compañía de Georgette, acude al muelle donde se encuentra con Fagin. Este se preocupa al ver que la propietaria del gato es una niña que solo ha traído su hucha.

Sintiéndose mal por lo sucedido, Fagin decide devolverle a Oliver. Sin embargo, Sykes ha estado observando lo ocurrido, y secuestra a Jenny, a quien se lleva en su limusina. Tiene la intención de pedir un rescate por la joven, por lo que considera pagada la deuda de Fagin. Dodger reúne a todos los perros, incluida Georgette, y a Oliver para rescatar a Jenny. Durante la misión, Tito se siente atraído hacia Georgette, quien también parece apreciarle. EL grupo consigue rescatar a la niña, pero son acorralados por Sykes y sus doberman. Fagin les rescata recogiéndoles con su scooter, aunque Sykes les persigue en su limusina.

La persecución continúa por los túneles del metro. Jenny cae sobre el capote del coche de Sykes, y Oliver salta sobre él para ayudarla mordiendo la mano del prestamista, quien le arroja a la parte de atrás. Allí, es atacado por Roscoe y DeSoto, pero Dodger acude a ayudarle. Durante la lucha, tanto Roscoe y DeSoto terminan por caer del coche sobre el tercer rail del metro, muriendo electrocutados.

Tito asume el control del scooter, mientras Fagin rescata a Jenny. Todos juntos en el scooter logran salir del rail justo cuando un tren se aproxima a ellos de frente. El tren arrasa el coche de Sykes, quien perece en la explosión. Dodger y Oliver saltan del coche a tiempo reuniéndose con Jenny y el resto de la pandilla.

Al día siguiente, todos celebran el cumpleaños en la mansión de Jenny, quien recibe una llamada de sus padres anunciando que llegaran al día siguiente. Oliver decide quedarse con Jenny, mientras Tito decide escapar de Georgette cuando amenaza con darle un baño. Fagin y todos sus perros regresan a casa libres de problemas, aunque Oliver promete que se mantendrá en contacto.

ESCENA

Sin duda mi escena favorita es la de Georgette cantando la canción “La Perfección Soy Yo”. Siempre me hace reír.

TITULO ORIGINAL

Star Wars: Ewoks

DIRECTOR

Raymond Jafelice

CREADORES

George Lucas, Raymond Jafelice, Dale Schott

PRODUCCION

Michael Hirsh, Patrick Loubert, Clive A. Smith

REPARTO ORIGINAL (VOCES)

Jim Henshaw & Denny Delk (Wicket Wysteri Warrick), Jari Kintaka (Princesa Kneesa), Eric Peterson & James Cranna (Teebo), Taborah Johnson & Sue Murphy (Latara), Alyson Court (Malani), George Buza & Rick Cimino (Jefe Chirpa), Paul Chato (Paploo), Doug Chamberlain (Maestro Logray), Jackie Burroughs (Bruja Morag), Daniel Cody Ryan (Rey Gorneesh), Melleny Brown (Reina Urga), Don Francks (Umwak), Richard Donat (Deej), John Stocker (Willy), Greg Swanson (Weechee)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 7 de Septiembre de 1985 al 13 de Diciembre de 1986

CANAL DE EMISION

ABC

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Patricia Cullen, David W. Shaw, Patrick Gleeson

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 13 episodios

TEMPORADA 2: 22 episodios

Un total de 35 episodios de 22 minutos de duración aproximada.

Algunos episodios de la segunda temporada duraban doce minutos, y fueron emitidos de dos en dos.

CURIOSIDADES

Después del éxito de “El Retorno del Jedi” (1983), que puso fin a la ya conocida como trilogía original, los personajes de los Ewoks adquirieron gran popularidad entre el público más joven. De hecho, antes de que está serie de animación tuviera lugar, se realizó una película de acción real estrenada para la televisión, titulada “Caravana de Valor” (1984). Dos meses después del estreno de la serie animada, se realizó una segunda película para la televisión titulada “La Lucha por Endor” (1985). En España “Caravana de Valor” se estrenó en los cines, mientras que “La Lucha por Endor” fue distribuida directamente en video. Las dos películas tienen lugar antes de los eventos de “El Retorno del Jedi”, al igual que la serie animada, que servía de continuación a las dos películas de la serie. Sin embargo, aunque Lucas explicó dicho orden, quedaron algunas inconsistencias. La más importante es que en “La Lucha por Endor”, Wicket ya era capaz de hablar un “inglés” básico, mientras que en “El Retorno del Jedi” no era capaz de comunicarse con la Princesa Leia cuando la encontraba.

La serie de animación se estrenó simultáneamente con otra serie de animación, “Star Wars: Droids” que narraba las aventuras de C-3PO y R2-D2. Sin embargo, la serie de los androides solo duró una temporada de quince episodios. La primera temporada de los Ewoks duró un total de trece episodios, pero fue tal su éxito que se realizó una segunda temporada de veintidós episodios. La primera temporada tenía un estilo de animación algo más sofisticada, el cual decayó en la segunda temporada. Las historias de la segunda temporada también iban dirigidas a un público más joven, con personajes más infantiles. Por otro lado, muchos de los episodios de la segunda temporada tenían una duración de once minutos, emitiendo en esos casos dos episodios de cada vez. En España se intercalaron los episodios de ambas series. Una semana teníamos un episodio de “Droids”, mientras que la siguiente teníamos uno de “Ewoks”. Cuando se emitieron todos los episodios de “Droids”, se continuó con la emisión del resto de los episodios de los Ewoks.

En Estados Unidos, los dos últimos episodios se emitieron en orden incorrecto, ya que el último debía ser uno en el que el Imperio, incluido el Emperador al que no se mostraba, llegaba por primera vez a la Luna de Endor, antes del inicio de la construcción de la segunda Estrellad de la Muerte. Sin embargo, se emitió ese capítulo como el penúltimo. Por esa razón, dicho episodio volvió a ser emitido tras finalizar la serie. En la primera temporada, la enemiga principal de los Ewoks era la Bruja Morag, una antigua enemiga del Maestro Logray, también aparecían los Duloks, una especie relacionada con los Ewoks que residía en los pantanos de la Luna de Endor, y que serían los antagonistas principales en la segunda temporada. El personaje principal era el de Wicket, quien ayudaría a la Princesa Leia en “El Retorno del Jedi”, a menudo acompañado por los miembros más jóvenes de la tribu de los Ewoks. Otros personajes también aparecían en la última película de la trilogía, aunque se crearon algunos nuevos. Principalmente, hubo que crear personajes femeninos para dar variedad a la tribu, como los de la Princesa Kneesa, hija del Jefe Chirpa, quien sí aparecía en “El Retorno del Jedi”.

Curiosamente, la serie de los Ewoks encontró mayor aceptación por parte de la audiencia, de ahí su duración de dos temporadas. El motivo probable fue el éxito entre el público infantil. En España sucedió algo parecido, aunque ambas series de animación contaron con sus álbumes de cromos respectivos, y se realizaron figuras de acción que añadir a la colección de la franquicia de “Star Wars”.

El apellido de Wicket, Warrick, se escogió como referencia a Warwick Davis, quien había interpretado al personaje en “El Retorno del Jedi”. Durante toda la serie, los Ewoks utilizan la palabra “Dengar” como grito de batalla. Curiosamente, Dengar es uno de los cazadores de recompensas que aparecen en “El Imperio Contraataca”, contratados por Darth Vader para localizar al Halcón Milenario. Durante el año 1985, Marvel Comics se encargó de publicar un cómic bimensual basado en la serie animada de los Ewoks. Fue publicado durante dos años, finalizando con su número catorce. Al igual que la serie de televisión, el cómic estaba dirigido a un público más joven.

Fue publicado junto a otro cómic basado en la serie “Droids”, que solo duró cuatro números. Se realizó un crossover entre el número cuatro de “Droids” y el número diez de “Ewoks”. Curiosamente, la serie nunca ha sido distribuida en video o DVD en su totalidad. Solo existe, a fecha de esta entrada, un DVD con algunos episodios seleccionados, y en inglés.

NOTA PERSONAL

Los Ewoks son unos personajes que siempre han despertado odio o pasión, no conozco a nadie que los haya evaluado en término medio. Muchos los han tildado de excesivamente infantiles, de haber dañado seriamente “El Retorno del Jedi”, e incluso de ser cargantes. Por supuesto, todas las opiniones son más que respetables, pero en mi caso debo decir que siempre me han encantado. En “El Retorno del Jedi” aportaron un toque de humor que me pareció formidable, aunque claro está, yo solo tenía diez años cuando vi la película. Luego hay que tener otro aspecto a tener en cuenta. En aquel entonces, no había tanto material de Star Wars disponible, y éramos muchos los que agradecíamos cualquier cosa por poca que fuera.

Tras el final de la primera trilogía, las series animadas fueron de las pocas cosas que sirvieron para calmar el apetito de algunos.

No voy a mentir, en mi caso me gustaba mucho más la serie animada de “Droids”, pues sus personajes y temáticas no se limitaban a un solo planeta, como era el caso de “Ewoks”. Sin embargo, también vi la serie de los Ewoks, disfrutándola aunque fuera a otro nivel. Debo reconocer que disfrute mucho más de los primeros trece capítulos de la primera temporada, y estoy de acuerdo con el hecho de que la siguiente ya era demasiado infantil, o yo ya me encontraba en la pre adolescencia. El personaje de la Bruja Tulgah Morag me parecía la villana perfecta para enfrentarse a los peludos personajes, mucho mejor que los a menudo ridículos Duloks. Añadido a esto, la primera temporada, a pesar de estar compuesta de capítulos independientes, contenía una trama desde su principio hasta su final, con la temática del enfrentamiento entre Morag y el Maestro Logray.

Reconozco que al volver a ver la serie, está no me provocó el mismo afecto que cuando era un chaval, pero siempre recuerdo aquellos años en los que la disfrutaba, con mucho cariño.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: En los bosques de la Luna de Endor reside una raza conocida como Ewoks. Estos viven en comunión con el bosque, construyendo sus hogares en lo alto de los árboles, más específicamente en la Aldea del Árbol Brillante. Son una civilización primitiva, que no hace uso de tecnología alguna. Chirpa es el líder viudo de los Ewoks, y padre de la Princesa Kneesa. La princesa tiene varios amigos, y el mejor de todos es Wicket, un joven Ewok hijo de Deej y Shodu. Wicket y Kneesa tienen otros amigos como Paploo, primo de la princesa, los hermanos Teebo y Malani y Latara. El Maestro Logray es el hechicero de la tribu. En su juventud, Logray se enfrentó a la mayor enemiga de los Ewoks, la Bruja Tulgah Morag.

Morag robó un poderoso artefacto a la tribu, conocido como la Piedra de la Luz Solar y la Sombra, para conquistar la Luna de Endor. Logray intentó detenerla para acabar esclavizado por la bruja. Sin embargo, Logray aprovechó la oportunidad para aprender la magia de Morag, enfrentándose a la bruja. Durante la confrontación, la Piedra se quebró en dos partes, y Logray escapó con la mitad de la Estrella Solar, usando sus poderes para proteger la aldea Ewok. Morag juró vengarse de Logray y los Ewoks.

Con el paso del tiempo, Morag estableció una alianza con la raza conocida como los Duloks, gobernados por el Rey Gorneesh y la Reina Urga y establecidos en un pantano. Umwak es el torpe Shaman de los Duloks. Con el paso de los años, Morag comienza sus nuevos ataques, intentando usar a Izrina, Reina de una raza de hadas para incendiar el bosque, pero encuentra oposición en la nueva generación liderada por Wicket, que salva el bosque de arder. Morag procede a intentar usar una criatura llamada Mantigrue en un nuevo ataque, ayudada por los Duloks.

Logray crea un jabón mágico que oculta los árboles Sunberry del ataque. Morag también intenta manipular a una raza de gigantes conocida como los Phlogs, pero cuando Wicket y sus amigos salvan a un bebé de dicha raza, los Phlogs se convierten en aliados de los Ewoks. Wicket y sus amigos también conocen a una criatura llamada Mring-Mring, que les ayuda a salvar al padre de Wicket. Más adelante, como agradecimiento, los Ewoks ayudan a Mring-Mring a salvar a su raza del ataque de unas criaturas llamadas Grass Trekkers. Otros aliados son los Jindas, nómadas dedicados al mundo del espectáculo, y que acogen a Latara durante un tiempo. Los Ewoks ayudan a los Jindas a acabar con una maldición que les somete al ataque del Hechicero de Roca. Kneesa logra establecer la paz entre los Jindas y el Hechicero.

Los Duloks intentan destruir el Árbol de la Luz de los Ewoks, pero fracasan cuando Wicket, Kneesa y Latara se unen a una expedición para evitarlo.

Morag vuelve a atacar logrando capturar a los jóvenes Ewoks para enfrentarse a Logray.

Morag logra obtener la Piedra de la Luz Solar, convirtiéndose en una poderosa criatura de lava viviente. Logray logra destruir a Morag convocando agua que la petrifica, para luego quebrar su forma rocosa. La piedra vuelve a manos de los Ewoks, y Teebo se convierte en aprendiz de Logray durante la aventura. Los Duloks son los siguientes en atacar, usando un vagón de combate creado por Wicket, pero este lo destruye con ayuda de Kneesa. Cuando un accidente provoca que una planta carnívora llamada Stranglethorn crezca en tamaño, Kneesa, Wicket y unas criaturas llamadas Tromes recolectan los ingredientes para devolver la planta a su tamaño original. Umwak, el shaman de los Duloks intenta hacer que una criatura Phlog, llamada Hoona distraiga a Wicket para conquistar la aldea de los Ewoks. Sin embargo, el joven Ewok consigue hacer que Hoona se vuelva contra los Duloks, expulsándolos de la aldea. Kneesa descubre que su perdida hermana, Asha, sigue con vida. Asha ayuda a los jóvenes Ewoks a impedir un ataque de los Duloks, tras lo cual regresa a la aldea.

SEGUNDA TEMPORADA: Wicket es nombrado aprendiz de guerrero, recibiendo un cinturón y una nueva capucha de color verde. Por otro lado, Teebo ha avanzado bastante como aprendiz del Maestro Logray. Para mostrar su valía, los jóvenes recuperan y destruyen la capa de cristal robada por un ser llamado Gracca. Kneesa recibe la tarea de cuidar de una planta de los deseos de la Reina de las Hojas. Sus amigos abusan de los poderes de la planta, aunque Kneesa logra restaurarla. Wicket tiene un enfrentamiento con su madre, y decide marcharse de casa. Al conocer a un Shriek llamado Larry, se da cuenta de su error y decide regresar. Latara descubre que ser princesa como Kneesa conlleva grandes responsabilidades, cuando sus amigos deben rescatarla de la malvada Reina Slugga. Otra amenaza surge en la forma de Raich, una criatura que estaba aprisionada en la forma de un árbol, a quien Wicket libera accidentalmente. Sin embargo, con ayuda de sus amigos consigue derrotarle. Otro hechicero llamado el Maestro captura a Latara y Teebo convirtiéndolos en sus esclavos, parte de un tótem mágico. Una vez más, Wicket consigue derrotar la amenaza con ayuda de Kneesa.

Para el cumpleaños de su madre, Wicket consigue una joya de la guarida de un dragón, enfrentándose a los Duloks de nuevo en el proceso. Sin embargo, la joya resulta ser el huevo de una cría de dragón, la cual Wicket lanza contra los Duloks derrotándoles.

Una entidad llamada el Fantasma consigue robar la Piedra de la Luz Solar con ayuda de los Duloks. Sin embargo, Logray consigue derrotar al Fantasma con ayuda de toda la tribu Ewok, recuperando la joya. Wicket consigue otros aliados, los diminutos Mimphs, a los que salva de una criatura llamada Hanadak. Zarrak, un antiguo aprendiz de Logray, intenta manipular a Teebo capturándolo. Teebo es rescatado por Wicket y sus amigos, consiguiendo usar magia para derrotar a Zarrak. Mientras Wicket prosigue con su entrenamiento como guerrero, Teebo decide que ese no es futuro y que proseguirá intentando aprender magia. El Rey de la Nieve es presionado por una villana llamada Odra para que congele los bosques de Endor. Wicket y sus amigos consiguen restaurar el equilibrio de las estaciones al recuperar el Cetro de las Estaciones. Los Duloks vuelven a atacar, y los jóvenes Ewoks le derrotan de nuevo mientras recuperan el símbolo de proa de la canoa de Chirpa.

La hechicera Jadru envía a un monstruo Quarf para que se haga pasar por una inofensiva mascota y capture a Kneesa, pero una vez más, Wicket acude al rescate. Wicket y sus amigos también se enfrentan a sus temores tras una visita a la Cabaña de los Horrores de Horville. Latara es capturada por una criatura marina debido a su avaricia. Tras pasar unas pruebas con ayuda de sus amigos, Latara es liberada. Por su parte Wicket está apunto de rendirse en su sueño de convertirse en guerrero, pero sus amigos le enseñan a perseverar. Wicket se hace amigo de una criatura llamada Norky, cuando esta pasa un tiempo con su familia.

El Imperio Galáctico llega a Endor, y entre ellos se encuentra el Doctor Raygar, quien tiene la intención de hacerse con la Piedra de Luz Solar. El villano logra hacerse con la piedra, capturando a Wicket, Kneesa, Latara y Teebo, a los que lleva a su nave. Los jóvenes Ewoks logran escapar y se enfrentan a Raygar, y durante la lucha este dispara accidentalmente sobre la nave del Emperador. Los Ewoks escapan en una capsula llevándose la piedra. Raygar es arrestado y llevado ante el propio Emperador. En la aldea, los Ewoks celebran su victoria mientras el Imperio Galáctico se retira.

ESCENA

A falta de escenas, solo puedo dejar aquí el opening de la serie con la famosa canción de los Ewoks.

FECHA DE ESTRENO

27 de Julio de 2001

TITULO ORIGINAL

Planet of the Apes

DIRECTOR

Tim Burton

PRODUCTORES

Richard D. Zanuck, Ralph Winter

GUION
William Broyles Jr, Lawrence Konner, Mark Rosenthal

Basado en la novela de Pierre Boulle

REPARTO

Mark Wahlberg (Leo Davidson), Tim Roth (General Thade), Helena Bonham Carter (Ari), Michael Clarke Duncan (Coronel Attar), Paul Giamatti (Limbo), Estella Warren (Daena), Cary-Hiroyuki Tagawa (General Krull), Kris Kristofferson (Karubi), David Warner (Senador Sandar), Lisa Marie (Nova), Erick Avari (Tival), Luke Eberl (Birn), Evan Parke (Gunnar), Glenn Shadiox (Senador Nado), Freda Foh Shen (Bon), Chris Ellis (Karl Vasich), Charlton Heston (Senador Zaius)

CINEMATOGRAFÍA

Philippe Rousselot

BANDA SONORA

Danny Elfman

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
119 minutos

PRECEDIDA POR:

La Conquista del Planeta de los Simios

SUCEDIDA POR:

El Origen del Planeta de los Simios

SENADOR ZAIUS: “En un tiempo anterior a todos, nuestra especie era esclava y los humanos eran los amos.”

GENERAL THADE: “Eso es imposible.”

SENADOR ZAIUS: “Lo que tienes en las manos es la prueba de su poder, el poder de invención, su poder tecnológico. Contra eso, nuestra fuerza no sirve de nada. Eso tiene el poder de un millar de lanzas. Te lo advierto, su inteligencia va pareja a su crueldad. Ninguna criatura es tan retorcida, tan violenta. Debes encontrar a ese humano en seguida, no dejes que llegue a Calima.”

GENERAL THADE: “¿La Zona Prohibida?”

SENADOR ZAIUS: “Calima guarda el secreto de nuestros orígenes. Yo les maldigo.”

GENERAL THADE: “Te aseguro que le detendré padre.”

SENADOR ZAIUS: “Les maldigo. Mándalos a todos al infierno.”

CURIOSIDADES

La última película de la franquicia original, “La Conquista del Planeta de los Simios”, se había estrenado en el año 1973. Se pasarían por varias dificultades para poder resucitar la exitosa franquicia. En el año 1988, un gran fan de la franquicia llamado Adam Rifkin consideró que era el momento de crear una secuela, aunque no para la quinta película de la saga, sino una secuela alternativa para la primera. Deseaba mostrar como el “Planeta de los Simios” alcanzaba lo equivalente a la era del Imperio Romano. En esa historia, un descendiente del personaje de Charlton Heston, iniciaría una revuelta de los esclavos humanos contra los simios “romanos”. El proyecto se aprobó, y se consideraron a actores como Tom Cruise o Charlie Sheen para el papel protagonista. Días antes de comenzar la preproducción, se instauraron nuevos ejecutivos en Fox, que tuvieron diferencias creativas con Rifkin. Aunque este tenía la misión de reescribir el guion, abandonó el proyecto.

El proyecto continuó abandonado hasta que Peter Jackson y Fran Walsh ofrecieron su propia idea, en la que los Simios atravesarían una era de Renacimiento. El gobierno simio intentaría localizar un nuevo hibrido medio simio, medio gorila, protegido por otros simios más liberales. La idea fue abandonada.

En el año 1993, Fox contrató a Don Murphy y James Hamsher como productores, con Sam Raimi y Oliver Stone como posibles directores. La historia se centraba en el descubrimiento de simios congelados, los cuales poseían códigos numéricos como referencias bíblicas, que señalan el final de la civilización. Stone hizo que Terry Hayes escribiera un guion titulado “El Regreso de los Simios”, en el que en un futuro cercano, una plaga estaba provocando la extinción de los seres humanos. Un genetista llamado Robinson descubría que la plaga era una bomba genética temporal procedente de la Edad de Piedra. Tras viajar al pasado, descubría que los humanos paleolíticos estaban en guerra con simios evolucionados. También descubrían que una chica llamada Aiv era el siguiente paso en la evolución, y que los simios creaban el virus para destruir a la raza humana.

Para proteger a la raza humana de la extinción, era necesario proteger a Aiv. La Fox se sintió frustrada por el cambio de temática, terminando por despedir a Hayes.

Tras esto, se decidió contar con Chris Columbus, quien hizo que Sam Hamm escribiera el guion. En este, la historia era un homenaje a los elementos de las cinco películas originales, pero incorporando gran cantidad de material de la novela de Pierre Boulle. En la historia, un simio astronauta procedente de otro planeta se estrellaba en la bahía de Nueva York, liberando un virus que ponía en peligro a la raza humana. Dos doctores utilizaban la nave para regresar al planeta de origen del simio, con la esperanza de encontrar un antídoto. En el planeta encuentran una ciudad en la que los simios armados se dedican a la caza de seres humanos. Los villanos principales eran Lord Zaius y el Coronel Ursus. Tras encontrar el antídoto, los doctores regresaban a la Tierra, para descubrir que durante su ausencia los simios habían conquistado el planeta. La idea tampoco fue acogida por Fox.

Tras esto, James Cameron estuvo a punto de escribir y producir otra historia, pero tras el éxito de “Titanic”, abandonó el proyecto.

Finalmente, en el año 1999, William Broyles envió una historia titulada “El Visitante”, que servía como primer episodio de “Las Crónicas de Ashlar”. El guion llamó la atención de Tim Burton, que fue contratado como director en febrero del año 2000. Burton no estaba interesado en realizar un remake o una secuela, pero sentía que podía revisitar ese mundo y volver a imaginar toda la franquicia original. Sin embargo, el guion ya revistado de Broyles requería de un presupuesto de doscientos millones de dólares. Fox exigió que dicho presupuesto fuera reducido a la mitad. Con la ayuda de Lawrence Konner y Mark Rosenthal, Broyles reescribió el guion final. Se consideraron varios finales alternativos para la película, uno de ellos mostraba a Leo llegando al Estadio Yankee, donde encontraba a los simios jugando a un partido de baseball. La producción de la película fue una experiencia de gran dificultad para Burton, debido a que Fox no cedió en que la película se estrenara en julio de 2001.

La película fue un éxito de taquilla, pero la crítica se mostró en contra. Aunque se suponía que iba a haber una segunda parte, nunca se llevó a cabo. En dicha segunda parte se iba a explicar que el viaje temporal de Ashlar a la Tierra era inverso al de la Tierra a Ashlar. En la primera película se mostraba como el primero en viajar en el tiempo era Pericles, luego Leo, y luego la estación Oberón. Sin embargo, la estación espacial era la primera en llegar a Ashlar, seguida de Leo, y finalmente de Pericles. Sin embargo, la segunda parte iba a explicar que el General Thade escapaba de su confinamiento y lograba reconstruir la cápsula original de Leo, viajando a la Tierra, pero llegando antes. De ahí que Leo se encontrara a la Tierra dominada por los Simios. Sin embargo, el proyecto se estancó, hasta que en el año 2011 se volvió a relanzar la saga con “El Origen del Planeta de los Simios”.

NOTA PERSONAL

Peliaguda película que aunque funcionó muy bien, no contó con el respaldo de la crítica. A mí no me pareció una mala película, aunque evidentemente siempre he notado ciertos fallos que podrían haber sido evitados. La considero la segunda película de toda la saga que menos me ha gustado. Es evidente que veintiocho años después del estreno de la anterior película de la franquicia, lo más evidente eran unos excelentes efectos especiales. Los simios estaban muy logrados, con expresiones faciales verdaderamente sobresalientes. La ambientación del Planeta de Ashlar también me pareció excepcional. Pero sobre todo, me encantó el análisis que la película ofrecía sobre los viajes temporales, y la forma en que los mismos funcionaban.

Sin embargo, hay varios aspectos que fallaron y que me parecieron muy por debajo del nivel que una película de Tim Burton debía mostrar. Mark Wahlberg me pareció muy plano a la hora de interpretar al personaje protagonista. También me pareció ridícula su insistencia de no mostrar su torso, algo que Charlton Heston había hecho en la película original, para distanciarse de su carrera como modelo de ropa interior.

Lo que mostró es que no debía haber abandonado dicha carrera por la de actor. Algunos diálogos y escenas de la película intentaban añadir un toque de humor que no funcionaba con la película. El personaje del General Thane era bastante intenso, pero casi diría que demasiado. Me hubiera gustado ver una combinación de inteligencia maquiavélica con su demencia, pero era un villano excesivo. Nada que ver con el Doctor Zaius de la película original, que aunque adamante en su mentalidad, no rechazaba ciertos intentos de razonamiento. Había un aspecto filosófico, del que el General Thane carecía. Por eso no me gustan los personajes excesivamente buenos o malos, me gusta ver combinaciones interesantes. Lo mismo alego acerca de los personajes humanos, que parecen muebles que no aportan nada en toda la trama.

Aunque para mi es evidente que Tim Burton no se lució al máximo de su capacidad, admito que partía de un clásico del cine difícil de imitar.

A pesar de esto, logré disfrutar mucho de la acción de la película, la cual no dudé en ir a ver al cine. Considerando que nací el año en que se había estrenado la anterior, fue la primera película de la franquicia que pude disfrutar en la gran pantalla.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 2029, el Capitán Leo Davidson trabaja en la estación espacial Oberón de las Fuerzas Aéreas. Leo trabaja con primate que están siendo entrenados para realizar misiones espaciales; y su favorito es un chimpancé llamado Pericles. Cuando una letal tormenta electromagnética se acerca a Oberón, se utiliza una pequeña capsula sonda pilotada por Pericles para analizar la amenaza. La cápsula de Pericles desaparece en la tormenta. En contra de las órdenes de sus superiores, Leo pilota una segunda cápsula para acudir en busca de Pericles. Al entrar en la tormenta, Leo pierde el contacto con Oberón y se estrella en un planeta llamado Ashlar en el año 5021. Allí, Leo es capturado junto, a otros humanos que viven como salvajes, por simios dotados de la capacidad del habla.

El planeta está dominado por los simios, que tratan a los humanos como esclavos.

Los prisioneros son llevados a la ciudad de los simios, donde Leo observa como una chimpancé llamada Ari protesta por el maltrato al que son sometidos los humanos. Los prisioneros son llevados ante Limbo, un orangután dedicado a la trata de esclavos. Ari decide comprar a Leo y a una mujer llamada Daena para que trabajen como sirvientes en la casa de su padre, el Senador Sandar. Esa misma noche, Sandar recibe invitados para cenar, entre los que se encuentran el sádico General Thade y el Coronel Attar. Thade se siente atraído hacia Ari, pero enfurecido por el rechazo de la joven. Tras la cena, Leo y Daena logran escapar con la familia de esta y la ayuda de Ari, y su ayudante y protector Krull. Este último había sido tutor de Attar, pero había caído en desgracia debido a las manipulaciones del General Thade. Mientras tanto, Thade ha descubierto la existencia de la cápsula de Leo hundida en un lago.

Al regresar a la ciudad se entera de la fuga, pero es convocado al lecho de muerte de su padre, quien le explica que tiempo atrás los humanos dominaban el planeta gracias a su tecnología, hasta que el simio llamado Semos se rebeló contra ellos. Antes de morir, le recuerda el peligro de que los humanos vuelvan a hacerse con el poder.

Leo llega a los restos de su cápsula y se hace con una pistola, que usa para amedrentar a Limbo, quien les ha seguido. Krull destruye el arma al considerarla una amenaza para todos, aunque permite que Limbo se una al grupo como prisionero. Perseguidos por Thade, el grupo logra escapar de su ejército de simios al atravesar un lago en dirección a la Zona Prohibida, conocida como Calima o Templo de Semos. Es en ese lugar donde se inició el dominio de los Simios. Calima resulta ser los restos de la estación espacial Oberón, que se estrelló en el planeta hace miles de años. Leo deduce que al entrar en la tormenta en último lugar, la estación llegó antes, y al ser el segundo en entrar, apareció más tarde. Solo queda por saber el destino que sufrió Pericles. Al activar el diario de abordo, Leo descubre que inicialmente la tripulación y los simios vivían en paz.

Sin embargo, los simios evolucionaron y liderados por Semus se rebelaron contra los humanos, acabando con la vida de toda la tripulación. Los humanos y simios del planeta son descendientes de la tripulación de Oberón.

Ari fracasa en su intento de razonar con Thade, quien la marca como esclava y devuelve junto a los humanos. Varias tribus de humanos se unen bajo el liderazgo de Leo para revelarse contra los simios. El ejército de Thade llega a las ruinas, donde Leo activa la poca energía que queda para acabar con parte del ejército. Durante la batalla, Attar acaba con la vida de Krull. Cuando Thade está a punto de matar a Leo, la cápsula de Pericles aterriza, y todos le consideran el propio Semus, que ha regresado cumpliendo una antigua profecía. Esto confirma la teoría de Leo, los primeros en entrar en la tormenta, llegaron más adelante en el tiempo, de forma inversa. Los simios se arrodillan ante Pericles, excepto Thade quien ya se ha vuelto completamente loco. Pericles entra en Oberón, seguido por Leo y Thade.

El simio ataca a Leo y hiere a Pericles cuando el chimpancé intenta ayudar a su amigo. Leo se ha hecho con una pistola de la cápsula de Pericles, pero Thade le desarma y salta para hacerse con el arma. Sin embargo, Leo atrapa al demente general en una cámara de cristales blindados, donde Thade dispara sin conseguir nada. Leo le explica a Attar el verdadero origen de los simios, y este decide cooperar para que ambas especies vivan en paz.

Leo parte en la cápsula de Pericles, quien se queda en el planeta. La cápsula llega al pasado de la Tierra, estrellándose en frente de la Estatua en Memoria de Lincoln, en Washington DC. Sin embargo, el monumento es ahora una estatua en honor al General Thade quien aparentemente ha llegado más atrás en el tiempo, ayudando a que los simios evolucionen y conquisten la Tierra. Leo es rodeado por multitud de oficiales de policía, todos simios.

ESCENA

Sin duda, la película ofreció un final impactante, aunque no tanto como el de la película original, que inicialmente dejó a muchos muy confundidos.

FECHA DE ESTRENO

8 de Julio de 1938

TITULO ORIGINAL

Marie Antoinette

DIRECTOR

Woodbridge Strong Van Dyke Jr.

PRODUCTOR

Hunt Stromberg

GUION
Donald Ogden Stewart, Ernest Vajda, Claudine West

REPARTO

Norma Shearer (María Antonieta), Tyrone Power (Conde Hans Axel de Fersen), John Barrymore (Rey Luis XV), Robert Morley (Rey Luis XVI), Anita Louise (Princesa de Lamballe), Joseph Schildkraut (Duque de Orleans), Gladys George (Madame du Barry), Henry Stephenson (Conde Mercey), Cora Witherspoon (Condesa de Noailles), Barnett Parker (Príncipe de Rohan), Reginald Gardiner (Conde d’Artois), Henry Daniell (Nicholas de la Motte), Joseph Calleia (Drouet), George Meeker (Robespierre), Scotty Beckett ( EL Delfín), Ruth Hussey (Duquesa de Polignac), Marilyn Knowlden (Princesa Teresa)

CINEMATOGRAFÍA

William H. Daniels

BANDA SONORA

Herbert Stothart

DISTRIBUIDA POR:

Metro- Goldwyn-Mayer

DURACIÓN
157 minutos

LUÍS XV: “No olvidéis, primo, que vuestro bisabuelo fue regente de Francia. Poseéis su ambición, pero no su talento. No me causáis temor ni los nobles, ni el pueblo, ni las ideas. El estado durará lo que yo dure, y después de mí, el diluvio.”

DUQUE DE ORLEANS: “Con vuestro permiso, Majestad.”

LUÍS XV: “Y andad con cuidado primo, los liberales que alentáis para vuestros fines, pueden destruiros para los suyos.”

DUQUE DE ORLEANS: “¿Debo entender que hemos terminado? Muy bien señora, perderéis el caso, el tribunal supremo calificará a la Reina de Francia de mujer frívola y malgastadora que acude a una cita de medianoche para satisfacer…”

LUÍS XVI: “¡Fuera! Iros, si no queréis que os de un puñetazo. Fuera.”

DUQUE DE ORLEANS: “Au Revoir, Luís. Cuidad de que ese famoso collar no se enrosque en vuestro rollizo cuello y os saque a rastras del trono. Señora, au revoir.”

MARÍA ANTONIETA: “Cuando cae un trono, los príncipes suelen caer con él, primo. Adiós.”

CURIOSIDADES

Mientras Irving Thalberg era el jefe de producción de MGM, se embarcó en el proyecto de crear una película sobre la vida de María Antonieta. Sin embargo, Thalberg falleció en 1936, cuando la película todavía estaba siendo planeada. Su viuda, Norma Shearer, decidió honrarle tomándo un interés especial en la película hasta su finalización en 1938, convirtiéndose en la protagonista del film. Shearer declaró que este fue su papel favorito.

Inicialmente, William Randolph Hearst había planificado que la película sirviera como vehículo a la fama de Marion Davies en el año 1933. Sin embargo, tras un enfrentamiento con Louis Mayer por el fracaso de su película “La Espía Número 13”, provocó que la pareja abandonara la MGM para comenzar a trabajar con Warner Brothers. La dirección originalmente iba a recaer en Sidney Franklin, pero acabó por serle otorgada a W.S. Van Dyke. Irving Thalberg había planeado que Charles Laughton interpretara el papel de Luis XVI, y que su esposa Elsa Lanchester interpretara a la Princesa de Lamballe.

Sin embargo, embarazo de Norma Shearer y la muerte de Thalberg retrasaron la producción de la película. Para cuando esta comenzó a ser rodada, los Laughton dejaron de estar disponibles para la película. De ahí que, Norma Shearer acabara interpretando a María Antonieta.

La película contó con miles de trajes y vestidos, así como lujosos decorados. Adrian Adolph Greenburg, encargado del vestuario, visitó Francia y Austria en el año 1937, para realizar una profunda investigación del periodo en el que se desarrollaba la trama de la película. Estudió varios cuadros de María Antonieta y llegó a usar un microscopio para que los bordados y la fábrica fueran idénticos. Las fábricas habían sido tejidas y bordadas con puntadas tan delicadas que no podían ser percibidas a simple vista. El cuidado de los detalles fue extremo, desde la infraestructura hasta los peinados. Algunos vestidos pesaban bastante debido a los bordados, volantes y piedras preciosas empleados para su creación. Los vestidos de Norma Shearer tenían un peso combinado de ochocientos kilos, siendo el más pesado el vestido de boda.

Desde el momento en que se concibió la película hasta que las cámaras empezaron a rodar, la idea era que fuera rodada en Tecnicolor. De hecho, tanto los decorados como el vestuario habían sido diseñados con la idea de que serían mostrados en color. MGM llegó a enviar una de las capas de Norma Shearer para que fuera teñida de forma que quedara a juego con el color de sus ojos. Pero, cuando el equipo se percató de que rodar en color excedería en demasía al presupuesto con el que se contaba, se optó por rodar en blanco y negro.

Aunque la película fue muy popular, generó pérdidas de alrededor de setecientos cincuenta mil dólares. Recibió cuatro nominaciones a los Oscar. Norman Shearer fu nominada como Mejor Actriz, perdiendo contra Bette Davis por la película “Jezabel”. Robert Morley fue nominado como Mejor Actor Secundario, pero perdió contra Walter Brennan por “Kentucky”. La película fue nominada a la Mejor Dirección Artística y Mejor Banda Sonora Original, perdiendo contra “Robin de los Bosques” en ambos casos.

NOTA PERSONAL

El personaje de María Antonieta siempre me ha fascinado, y he consumido estudios, libros y películas basadas en su vida. De hecho, fue cuando estaba en la universidad cuando vi este clásico por primera vez, ya que estaba analizando varias fuentes para realizar una tesis. Evidentemente, la película se toma grandes licencias históricas a favor de una trama más pasional y llevadera. Sin embargo, la película otorga una visión acertada sobre los eventos de la Revolución Francesa. Más allá de este aspecto, siempre he admirado el trabajo de Norma Shearer. La actriz realiza una labor excepcional desarrollando el personaje de una manera convincente, desde la inocencia de su adolescencia, pasando por su superficialidad en los primeros años en Versalles, hasta una madurez tardía, ya sumida en la desesperanza.

El personaje es extremadamente complejo, desarrollando varias capas durante su proceso de desarrollo, y Shearer no fracasa en ningún momento.

Esto se aprecia contrastando esa inocencia inicial de una niña, al principio de la película, con la desesperación de una Reina caída en su final. También hay un cambio radical en su forma de ser, entre las dos secciones en que está dividida la película. La primera examina más la inocencia, juventud, y superficialidad de María Antonieta, hasta la coronación. La segunda nos muestra a una mujer más madura, dispuesta a tomar las riendas ante las crisis que se suceden, y resignada ante su destino final. Norma Shearer consigue que el espectador viaje a través su impecable interpretación. Consigue que una película de gran duración parezca más corta.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En Viena, la Emperatriz María Teresa de Austria convoca a su hija de quince años, María Antonieta, para informarla de que se ha concertado su matrimonio con el Delfín de Francia, Luis XVI.

Dicho matrimonio supondrá una importante alianza entre Austria y Francia; y por su parte, María Antonieta está entusiasmada ante la idea de convertirse en la futura Reina de Francia. A pesar de su actitud positiva, María Antonieta se enfrenta a varios problemas ante su nueva vida en Versalles. El Delfín, Luis XVI, es un hombre tímido que parece incomodado ante su matrimonio concertado. Resulta ser un joven introvertido que prefiere evitar las fiestas de la corte en Versalles, y solamente se concentra en su afición a la caza y la cerrajería. También conoce al ambicioso Duque de Orleans, quien se convierte en su más cercano aliado, aunque por motivos egoístas. Por otro lado, la joven también se hace con enemigos, especialmente Madame du Barry, la amante del Rey Luis XV.

Tras la boda, María Antonieta hace todo lo posible por serle agradable a Luis XVI, quien con el tiempo decide confiar en su nueva esposa. De esta forma, María Antonieta se entera de que su nuevo esposo no puede tener hijos. Aunque a menudo distanciados, ambos se llevan bien.

El día del segundo aniversario de su boda, María Antonieta es insultada por Madame du Barry, quien le envía una cuna de juguete vacía. El regalo tiene el propósito de simbolizar la inutilidad de María Antonieta a la hora de concederle un heredero al trono. A pesar de sentirse enfurecida, Luis XVI es demasiado débil como para exigirle a su padre que castigue a su amante. Debido a estos problemas, María Antonieta se sumerge en una vida superficial. Durante una fiesta de disfraces, María Antonieta conoce al Conde Axel Fersen de Suecia, al que hace pasar por un ruso para ganar una apuesta que forma parte de un juego. Ante su superficialidad, el Conde de Fersen no duda en ofender a María Antonieta. El Conde Mercey, embajador de Austria, comienza a reprender a María Antonieta por su comportamiento.

En el cuarto aniversario de boda de Luis XVI y María Antonieta, se organiza un baile con el propósito de que María Antonieta se reconcilie con Madame du Barry. María Antonieta accede a dirigirse a la amante del Rey, para complacer al Conde Mercey.

Sin embargo, ante la grosería de du Barry, María Antonieta no duda en volver a enfrentarse a la mujer, ofendiéndola ante el mismísimo rey. Luis XV decide anular el matrimonio de su nieto con María Antonieta, en parte por la ofensa a du Barry y en parte porque la pareja aún no tiene hijos tras cuatro años de matrimonio. María Antonieta es informada de esto por el propio Rey. Al ver que el Duque de Orleans solo era su amigo debido a su futuro como Reina de Francia, María Antonieta parte a la embajada de su país de origen. Por su parte, el suceso provoca que Luis XVI por fin se enfrente a su abuelo, ya enfermo de viruela, y amenace a Madame du Barry con enviarla a la Bastilla.

En la embajada, María Antonieta se encuentra con el Conde von Fersen, quien admite haberla querido siempre, descubriendo aspectos de su vida a través de terceras personas. El sentimiento es reciproco y María Antonieta accede a compartir su vida con él, una vez el matrimonio sea anulado. María Antonieta regresa a Versalles para comunicarle su decisión a Luis XVI.

Sin embargo se encuentra con que el Rey Luis XV está muriendo. Luis XVI le comunica que le ha cogido mucho aprecio, y que no debe partir para asumir su destino como Reina de Francia. Luis XV fallece, ante lo que Luis XVI y María Antonieta se convierten en Rey y Reina de Francia. María Antonieta le comunica lo sucedido al Conde von Fersen, explicándole que pueden encontrarse en secreto, pero el hombre se niega a esto, considerando que María Antonieta debe asumir su papel de Reina con dignidad.

Finalmente y contra todo pronóstico, María Antonieta da a luz al nuevo Delfín de Francia, acto que tiene lugar ante toda la corte de Versalles. Sin embargo, el pueblo de Francia comienza a mostrar descontento, y a sufrir hambre. Varios campesinos apedrean el carruaje de María Antonieta cuando regresa a Versalles, ya con sus dos hijos. El Duque de Orleans decide aprovechar ese descontento y anima a un joyero a intentar vender un collar de diamantes a la Reina. María Antonieta se niega a comprar el collar explicando que el pueblo está pasando demasiada hambre como para que ella se permita esos caprichos.

Nicholas de la Motte y su esposa manipulan al Príncipe de Rohan para que crea haber sido elegido por la Reina para tramitar la compra en secreto. Cuando el pueblo se entera de la compra mediante el Duque de Orleans, se enfurece con la ya denominada Reina extranjera.

Al enterarse, María Antonieta se enfrenta al Príncipe de Rohan por haber pensado que ella aprobaría una compra clandestina de ese tipo. El Príncipe de Rohan es arrestado y sometido a juicio, aunque la historia resulta demasiado inverosímil para el tribunal. María Antonieta y Luis XVI intentan razonar con el Duque Orleans para que les ayude, ofreciéndole un cargo de ministro a cambio. Sin embargo, el Duque se limita a sugerirle a Luis XVI que abdique a favor de su hijo, recayendo sobre el Duque la regencia temporal. Los Reyes de Francia se niegan, ante lo cual el Duque de Orleans se limita a ofender a la Reina y partir. Al finalizar el juicio, el Príncipe de Rohan es absuelto, lo que provoca que el odio del pueblo hacia la Reina María Antonieta crezca fuera de control. Aconsejado por sus ministros, Luis XVI disuelve la asamblea, lo que dispara la Revolución Francesa de forma definitiva.

El Rey fracasa en su intento de hablar con el ejército, que simpatiza con el pueblo. La muchedumbre invade Versalles, y arresta a la familia real, que es trasladada al Palacio de las Tullerías en París. El Duque de Orleans adopta el nombre del ciudadano Philippe Égalité para formar parte de la asamblea. Sin embargo, aún queda gente leal a la familia real. El Conde von Fersen realiza un plan con ayuda de algún soldado leal para que la familia escape de las Tullerías. De esta forma, Luis XVI, María Antonieta, sus dos hijos y la Princesa de Lamballe escapan en un carruaje. Sin embargo, cuando paran en Sainte-Menehould, el joven Delfín declara que su padre es cerrajero y Luis XVI paga con un Luis de Oro por un cambio de caballos. El carruaje parte, pero poco después dos soldados se percatan de que se trataba del Rey, al ver la imagen en la moneda. Ambos corren en sus caballos a la frontera, donde logran que una escolta de soldados que espera a la familia real parta a otro lugar, al comunicarles que la familia está en problemas. Sin escolta, el carruaje llega a Varennes, donde la familia es arrestada.

De regreso en París, la familia real es llevada a la prisión de la Torre del Temple, con la excepción de la Princesa de Lamballe, que es asesinada por la muchedumbre. Luis XVI es sometido a juicio y condenado a muerte en la guillotina. El propio Duque de Orleans vota a favor de la ejecución. Tras pasar una última noche con su familia, el Rey es ejecutado. Tras esto, María Antonieta es separada de sus hijos para ser sometida a otro juicio. El Conde von Fersen acude a la embajada de Austria, donde descubre que María Antonieta ha sido condenada a morir en la guillotina, y que durante el juicio tuvo que ver como su propio hijo declaraba contra ella. También descubre que el propio Duque de Orleans ha pasado por la guillotina, debido a la locura del Reinado del Terror que se ha hecho con el control de París. El Conde con Fersen consigue visitar a María Antonieta el día antes de su ejecución. Ambos declaran el amor que sienten el uno por el otro, y se despiden por última vez. Al día siguiente, María Antonieta es ejecutada, recordando su entusiasmo al descubrir, con quince años de edad, que sería la Reina de Francia.

ESCENA

No hay demasiadas escenas disponibles, y ninguna en castellano, pero aquí dejo la de la boda, donde se puede apreciar el nivel derrochado en el vestuario.

TITULO ORIGINAL

Return to Eden

DIRECTOR

Karen Arthur

CREADOR

Michael Laurence

PRODUCCION

Hal McElroy

REPARTO ORIGINAL

Rebecca Gilling (Stephanie Harper, Tara Welles), James Reyne (Greg Marsden), Wendy Hughes (Jilly Stewart), James Smilie (Dan Marshall), Olivia Hamnett (Joanna Randall), Nicole Pyner (Sarah Harper), Jayson Duncan (Dennis Harper), Jennifer Nairn-Smith (Lisa), Jackie Byrne (Suzi), Patricia Kennedy (Katy Basklain), Chris Haywood (Jason Peebles), Peter Gwynne (Bill McCaster), John Lee (Phillip Stewart), Charles McCallum (Matey), Charles Lathalu Yunipingu (Christopher), Steve Djati Yunipingu (Sam), Harry Jervis (Sargento Jim Gully), Bill Kerr (Dave Welles)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 29 de Septiembre de 1983 al 13 de Octubre de 1983

CANAL DE EMISION

Network Ten

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Brian May

NÚMERO DE EPISODIOS

Miniserie de tres episodios de hora y media de duración cada uno

CURIOSIDADES

Se trata de una miniserie de tres episodios, al estilo de una telenovela, creada en Australia. Con un presupuesto de dos millones y medio de dólares australianos, la miniserie fue rodada en Sidney, Darling Downs, Barrier Reef y Arnhem Land. El título de la serie hace referencia a una mansión que ha pertenecido a la familia protagonista de los Harper. Todas las escenas rodadas en Edén tuvieron lugar en Jimbour, Darling Downs. Jimbour es una enorme granja de ganado, y una de las más antiguas de Australia, cuyos terrenos datan de la época colonial.

La serie se limitó a tres episodios, aunque cada uno de ellos tenía la duración de una película de hora y media. La serie se convirtió en un éxito de audiencia inmediato en Australia, por lo que no tardó en ser exportada por todo el mundo. Durante la década de 1980, las tres grandes telenovelas de éxito, “Dallas”, “Dinastía” y “Falcon Crest” procedían de Estados Unidos. “Retorno a Edén” había decidido imitar el lujo y derroche que estas tres telenovelas habían utilizado.

Quizás por ese motivo, el éxito de crítica y audiencia de “Retorno a Edén” no tenía procedente en el género de las telenovelas. Cuando la serie se estrenó en España, dicho éxito se repitió, así como en otros países. Por este motivo, se decidió estirar dicho éxito. En el año 1985 se comenzó a rodar una serie de televisión de mayor duración, la cual contó con veintidós episodios, de tres cuartos de hora de duración cada uno. Dicha serie se estrenó el once de febrero de 1986, finalizando el ocho de julio del mismo año. La serie contó con un presupuesto de ocho millones de dólares australianos.

Los eventos de dicha serie tenían lugar siete años después de los eventos de la miniserie. Stephanie ya se había casado con el Doctor Marshall y ambos residían en Nuevo Edén, una mansión en Sídney. Sarah y Dennis, los hijos de Stephanie, ya se habían convertido en adultos. En su primer episodio, Jilly lograba salir de prisión para descubrir que era medio hermana de Stephanie.

De esta forma, una nueva trama se formaba basada en los celos y rivalidad que Jilly desarrollaba hacia Stephanie, y el cómo intentaba tomar el control de lo que consideraba que era suyo por derecho. Otra de las tramas más importantes se basaba en los intentos de Stephanie por mantener el control de la compañía de la familia, enfrentándose al despiadado hombre de negocios, Jake Sanders. Jake se aliaría a Jilly con ese objetivo, descubriéndose que el hombre de negocios no es otro que el hermano del difunto Greg Marsden en busca de venganza.

El reparto era el mismo, con la excepción del personaje de Jilly, en esta ocasión interpretado por Peta Toppano. La serie que servía de continuación comenzó con una gran audiencia, quizás en parte debido a que habían pasado tres años desde la miniserie. Sin embargo, a medida que la serie avanzaba, el interés comenzó a decaer. En los últimos episodios la audiencia había descendido excesivamente. A pesar de que el último episodio acababa con un cliffhanger, la planeada segunda temporada fue cancelada.

NOTA PERSONAL

En España tuvimos la suerte de poder ver la miniserie y la posterior serie de forma seguida. Fue de esas series que vi en familia en mi adolescencia, ya que nos enganchó a todos considerablemente. Sin embargo, debo admitir que soy de los que preferí, y lo sigo haciendo en la actualidad, la mini serie. Es un hecho que cada vez que se intenta estirar una serie, se termina por arruinar su calidad, y esto ha ocurrido con algunas de mis favoritas. El secreto de esta mini serie es que tiene una trama muy desarrollada, con un final claro y preciso que pone fin a todas las intrigas creadas. Evidentemente, la escena que más me impresionó fue la famosa secuencia de Stephanie siendo arrojada al cocodrilo por su despiadado esposo. Fue la escena de la que hablaba todo el mundo, y que nos dejó muy sobrecogidos en casa.

Luego tenemos la trama principal, que siempre me ha parecido muy acertada. El personaje de Stephanie está excelentemente desarrollado, para ser una serie de tres capítulos.

Pasa de ser una mujer poco atractiva, insegura, pero de gran corazón, a pasar por una experiencia que la convierte en toda una superviviente. Dicho suceso, y el largo periodo de recuperación al que se tiene que ver sometida, la ayudan a convertirse en una mujer segura de sí misma. Esto eclipsa su belleza, obtenida mediante la cirugía estética, y que es secundaria. Lo genial de Stephanie es que no considera que lo importante sea el haberse convertido en una mujer hermosa, sino segura de sí misma. Este tipo de mujeres no eran muy habituales en las series de la década de 1980, y mucho menos en una telenovela.

Todos los personajes están muy bien elaborados, y me sorprendió el jovencísimo Jayson Duncan en el papel del hijo de la protagonista. Toda la ambientación en Australia en formidable, logrando mezclar ese estilo moderno de Sídney con el ambiente rural más profundo del país. Combina la visión de personajes más urbanos con las de los dos empleados aborígenes de Edén, que tienen algunos momentos geniales.

En términos generales, “Retorno a Edén” viene a probar lo acertado que puede ser tener una serie planificada desde su principio hasta su final, sin estirarla de forma innecesaria.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMER CAPITULO: A la edad de veintitrés años, Stephanie Harper pierde a su padre, quien fallece dejándola como heredera de su enorme fortuna. Diecisiete años más tarde, Stephanie ha pasado por dos matrimonios fracasados. La mujer tiene dos hijos, Sarah es la mayor, del primer matrimonio, y Dennis es el hijo de su segundo matrimonio. A la edad de cuarenta años, Stephanie es una mujer simple, poco atractiva, y con grandes problemas de autoestima. Sin embargo, es una mujer generosa y cariñosa con aquellos que la aprecian. Stephanie se enamora de Greg Marsden, un campeón de tenis extremadamente atractivo. A pesar de que sufre de problemas de autoestima, y nunca está segura de sí es apreciada por su fortuna o por ella misma, Stephanie se promete en matrimonio con Greg.

El día de la boda, Stephanie habla con su abogado, Bill McMaster, para que le proporcione un trabajo a Greg en la compañía minera familiar, con el que puede llevar una vida económicamente independiente.

La felicidad de Stephanie es inmensa al considerar que por fin ha encontrado el amor verdadero. A la boda acuden sus dos hijos. Dennis mantiene siempre una actitud alegre y positiva, deseando que su madre sea feliz. Sin embargo, Sarah se muestra fría y distante, convencida de que su madre está cometiendo un nuevo error. A la boda llega Jill Stewart, acompañada de su marido Phillip, la mejor amiga de Stephanie desde la infancia. Stephanie le presenta a Greg, quien siente una atracción inmediata hacia Jill. Poco después de la boda, ambos inician una aventura a espaldas de Stephanie. Para la luna de miel, Stephanie y Greg acuden a la casa de campo de los Harper, una enorme finca con grandes terrenos llamada Edén. Katy Basklain, una mujer de edad avanzada y amiga de la familia Harper se ocupa de cuidar sus entornos. Cuando Greg comienza a planear un viaje en barca para ver la puesta de sol y observar a los cocodrilos de la zona, Stephanie decide invitar a Jill.

Esa misma noche, Greg y Jill mantienen relaciones en la finca, que son presenciadas por un aborigen llamado Sam que trabaja en la finca. Al día siguiente, Greg, Stephanie y Jill parten en su viaje en barca, a pesar de las objeciones de los locales que lo consideran demasiado peligroso. Durante el viaje, Stephanie se levanta para grabar a un enorme cocodrilo que se acerca a la barca. Greg no lo duda y arroja a Stephanie al cocodrilo ante una aterrorizada Jill, pero que tampoco hace por ayudar a su amiga. El cocodrilo ataca salvajemente a Stephanie y se lleva su cuerpo. Greg y Jill regresan para organizar una búsqueda del cuerpo. Greg calma a Jill indicándole que ahora podrán iniciar su vida juntos, y que una vez Greg herede toda la fortuna de los Harper Jill podrá divorciarse de su marido.

Sin embargo, Stephanie ha sobrevivido. El cocodrilo la ha dejado en un pantano al borde de la muerte. Cuando el animal regresa para devorarla, Stephanie es rescatada por un ermitaño llamado Dave Welles.

Dave vive solo en el pantano, y usa varias plantas medicinales y barro para salvar la vida de Stephanie. Sin embargo, la mujer ha quedado desfigurada con terribles cicatrices. Una vez Stephanie recupera sus fuerzas, Dave insiste en que debe regresar a la civilización y enfrentarse a sus miedos. Como Stephanie no le ha revelado su identidad, decide adoptar el nombre de una antigua novia del ermitaño y el apellido del mismo. De esta forma, toma el nombre de Tara Welles. Dave le regala unas gemas de gran valor que obtuvo por su cuenta.

Stephanie vende las gemas, por las cuales le dan tres mil dólares, y decide ingresar en una clínica en una isla. Allí conoce al cirujano plástico, el Doctor Dan Marshall, al que le explica que quedó desfigurada en un accidente de coche. También le indica que no solo quiere que restaure su rostro, sino que además le otorgue un nuevo rostro con el que pueda empezar de cero. Aunque Dan sospecha que hay más motivos y que no ha sido del todo sincera, la somete a varias operaciones de cirugías, tras las cuales es sometida a intensos ejercicios para recuperar su forma.

Mientras tanto, Greg se enfrenta a varios problemas. Como el cadáver de Stephanie no ha sido localizado, debe esperar siete años para heredar parte de su fortuna. Bill también le informa que si se casa de nuevo perderá todo, ya que logró convencer a Stephanie para que incluyera esa cláusula en su testamento. De regreso en Sídney, Stephanie cambia su imagen por completo convirtiéndose en una hermosa mujer. También observa de lejos a sus hijos, a Dennis mientras juega al futbol en el colegio, y a Sarah en un recital. Tras realizar llamadas a las que no contesta, confirma que Greg y Jill mantienen una aventura. Tras esto, visita a la famosa representante de modelos, Joanna Randall. Presentándose como Tara Wells, le pide que la represente y consiga que aparezca en la portada de Vogue en menos de seis meses. Sus planes de venganza han comenzado.

SEGUNDO CAPITULO: Dotada de una nueve y sorprendente confianza en sí misma, Stephanie se convierte en una famosa modelo avanzando rápidamente en su nueva carrera.

Mientras tanto, Bill ha conseguido que Greg haya sido expulsado del consejo de la compañía. Aunque aún tiene acceso a los gastos de manutención, a la residencia de Sídney y a Edén, no tendrá más dinero para sus gastos personales. Esto provoca que su relación con Jill comience a deteriorarse seriamente, por lo que ella comienza a darse seriamente a la bebida. Por otro lado, Greg intenta retomar su carrera como tenista, pero no está al nivel adecuado. Stephanie acude a uno de sus partidos junto a Joanna, y tras la competición, Greg se presenta a Tara. Greg se ha quedado prendado de la belleza de la mujer, sin saber que no es otra que Stephanie. Ambos se ven de nuevo en un pase de modelos, y la pareja comienza a salir, tal y como Stephanie había planeado. Sin embargo, Jill no tarda en descubrirlo y se enfrenta a Tara, quien le asegura que solo son amigos. En parte conmovida por la decadencia de quien fue su amiga, y en parte por sus planes de venganza, Stephanie se muestra cercana a Jill intentando ayudarla con sus problemas.

Gracias a un investigador amigo suyo, Dan ha conseguido deducir que Tara Wells no es otra que Stephanie Harper. Sin embargo, decide ocultar su descubrimiento decidiendo que es mejor que sea ella quien termine por confiar en él. Dan visita a Tara y le declara su amor. Aunque es reciproco, Stephanie se ve incapaz de iniciar una relación debido a sus planes de venganza. Jill visita a su marido y le pide el divorcio, a lo que Phillip accede siendo consciente de su aventura con Greg. Sin embargo, se sorprende al descubrir que la aventura ya había comenzado antes de que Greg y Stephanie se casaran. Por su parte, Greg decide intentar impresionar a Tara con su falsa imagen de hombre de familia y la invita a la residencia Harper en Sídney, donde se encuentran Dennis y Sarah. Dennis se muestra muy amistoso con Tara, pero Sarah la rechaza por completo. Sin embargo, Tara consigue ganarse su afecto al explicarle que no tiene nada con Greg, y haciéndole ver que la belleza está en el interior, al comprobar los problemas de autoestima de la adolescente. Sin embargo, Jill se presenta en la residencia, sufriendo un enorme ataque de celos.

Al comunicarle a Greg que va a obtener el divorcio, este se limita a abofetearla.

Dan regresa para pedirle matrimonio a Tara, pero esta le rechaza a pesar de haber descubierto que le quiere de verdad. Tras esto, Stephanie llama a Greg convenciéndole para que la lleve a pasar unos días a Edén. Antes de partir, Stephanie llama a Jill para contarle que viajará a Edén junto a Greg.

TERCER CAPITULO: Dan visita a Joanna y le explica que Tara Wells no es otra que Stephanie Harper, y que si esta junto a Greg corre peligro. Sorprendida, Joanna le confirma que está con él. Greg y Stephanie llegan a Edén, donde Katy logra deducir que Tara y Stephanie son la misma persona al verla montar a caballo. Aunque ella se lo niega, Katy le comunica que estará allí cuando la necesite. En un arranque de pasión, Greg le confiesa a Tara que solo se casó con Stephanie por su dinero, y que la mujer le producía asco. Jill llega también a Edén enfurecida enfrentándose a Greg, y amenazándole con ir a la policía para contar que asesinó a Stephanie si no hace que Tara se vaya. Es entonces cuando Greg le explica que si se casan perderá toda su fortuna. Katy escucha toda la conversación, horrorizada al descubrir que Greg intentó asesinar a Stephanie.

Esa misma noche, Stephanie mantiene relaciones sexuales con Greg, acto que Jill descubre.

En Sídney, Dan visita a Dennis y Sarah. Dennis lleva tiempo sospechando que Tara es su madre, y Dan se lo confirma a los dos muchachos, a los que abraza para consolarles. Dennis le explica que Stephanie y Greg han acudido a Edén, pero que allí están incomunicados. También le explica que la finca tiene pista de aterrizaje. Los niños le piden que les lleve con ellos, y Dan accede.

En Edén amanece un nuevo día, y Stephanie comienza su venganza final. Para alejar a Greg de la finca, hace que Katy le explique que ha acudido a un lugar a tres horas a caballo. Greg parte en su busca, y antes de partir está a punto de arrollar a Jill con su caballo. Stephanie coloca un somnífero en la bebida de Katy, y comienza a atormentar a Jill, que se ha quedado en Edén incapaz de partir, ya que Christopher ha partido a buscar a la policía siguiendo sus instrucciones. Stephanie utiliza un micrófono para dirigirse a Jill, quien se desespera al oír la voz de su antigua mejor amiga. Esa misma noche, Greg regresa enfurecido al no haber encontrado a Tara. Es entonces cuando usando una peluca, Tara se presenta ante Greg y Jill explicándoles cómo logró sobrevivir a su intento de asesinato y revelando haber sido Tara todo el tiempo.

Enfurecido, Greg intenta acabar con la vida de Stephanie. Cuando Greg está a punto de matar a Stephanie, Jill le dispara en el hombro para impedírselo. Greg intenta escapar en la avioneta, pero está seriamente herido y pierde el conocimiento. La avioneta se estrella acabando con la vida del asesino. A la mañana siguiente, la policía llega a Edén arrestando a Jill. Dan llega junto a Dennis y Sarah, quienes abrazan a su madre emocionados. Tras recibir a sus hijos, Stephanie corre hacia Dan, a quien abraza y besa, dispuesta a iniciar su nueva vida.

ESCENA

La escena más impactante de la serie es sin duda cuando Greg empuja a Stephanie para que sea víctima de un cocodrilo.

FECHA DE ESTRENO

26 de Junio de 1979

TITULO ORIGINAL

Moonraker

DIRECTOR

Lewis Gilbert

PRODUCTOR

Albert R. Broccoli

GUION
Christopher Wood

Basado en la novela de Ian Fleming

REPARTO

Roger Moore (James Bond), Lois Chiles (Holly Goodhead), Michael Lonsdale (Hugo Drax), Toshiro Suga (Chang), Richard Kiel (Tiburón), Corinne Cléry (Corinne Dufour), Bernard Lee (M), Geoffrey Keen (Frederick Gray), Desmond Llewelyn (Q), Lois Maxwell (Señorita Moneypenny), Emily Bolton (Manuela), Michael Marshall (Coronel Scott), Walter Gotell (General Gogol), Blanche Ravalec (Dolly)

CINEMATOGRAFÍA

Jean Tournier

BANDA SONORA

John Barry

DISTRIBUIDA POR:

United Artists

DURACIÓN
126 minutos

PRECEDIDA POR:

La Espía que me Amó

SUCEDIDA POR:

Sólo para sus Ojos

HUGO DRAX: “Señor Bond, ha desafiado usted todos mis intentos de proporcionarle una muerte interesante. No tiene usted espíritu deportivo. ¿Por qué no ha luchado noblemente con mi serpiente pitón?”

JAMES BOND: “Se ponía pesada, empezaba a enrollarse.”

CURIOSIDADES

A pesar de que al final de “La Espía que me Amó” se había anunciado que la siguiente película de James Bond sería “Solo para sus Ojos”, los productores cambiaron de opinión. Se escogió la novela “Moonraker” como base para la siguiente película, debido al gran éxito de taquilla de “La Guerra de las Galaxias” en 1977. Curiosamente, cuando Ian Fleming había escrito la novela, publicada en 1955, ya tenía la intención de que se convirtiera en una película. Sin embargo, tal y como pasó con muchas de las novelas del agente adaptadas para el cine, poco quedó de la novela original del escritor, a excepción de algunos detalles como el nombre del villano, Hugo Drax. Estos cambios se produjeron para mantenerse más a favor con el estilo de la ciencia ficción.

De hecho, la película “Muere Otro Día”, estrenada en 2002, haría un uso más extenso de las ideas y personajes de la novela. El guion de “Moonraker”, escrito por Christopher Wood, era tan diferente de la novela en la que estaba basado, que “Producciones Eon” permitió que el guionista escribiera una novelización de la película titulada “James Bond y Moonraker”. Fue publicado en el año 1979, de forma simultánea al el estreno de la película.

Tom Mankiewicz, quien había cooperado en la elaboración de varios guiones para la franquicia del agente británico, escribió un pequeño borrador para “Moonraker” que fue descartado. Según Mankiewicz, las tomas rodadas en las bases de Drax eran mucho más detalladas de lo que fueron editadas para la versión final de la película. El equipo había rodado una escena en la que Drax se reunía con otros financiadores en su base de la selva del Amazonas, utilizando la misma sala bajo la Moonraker en la que Bond y Goodhead eran encerrados.

También se rodó otra escena en la que los dos agentes entraban en una sala de meditación en la estación espacial de Drax, que no llegó a ser incluida en la película. Sin embargo, se distribuyeron fotogramas de dichas escenas en una colección de cartas de la editorial Topps en 1979. Algunas ideas del borrador de Mankiewicz serían utilizadas en películas futuras. Una de ellas, fue usada en la escena antes de los créditos iniciales de “Octopussy” y otra en la escena de la Torre Eiffel en “Panorama para Matar”.

Inicialmente, el actor británico James Mason iba a ser quien interpretara al villano Hugo Drax. Sin embargo, al decidirse que la película iba a ser una coproducción con Francia, se consideró que era más adecuado darle el papel al actor francés Michael Lonsdale. También se eligió a la actriz francesa Corinne Cléry para interpretar a Corinne Dufour. La actriz americana Lois Chiles había recibido la oferta de interpretar a Anya Amasova en “La Espía que me Amó”, sin embargo, en aquella época rechazó el papel ya que había decidido retirarse de la profesión temporalmente.

Obtuvo el papel de Holly Goodhead debido a una casualidad, al coincidir con Lewis Gilbert en un avión. Gilbert pensaba que la actriz era ideal para interpretar a la agente y científica de la CIA. En esta ocasión, Chiles aceptó la oferta. El productor Michael Wilson había sido pupilo del instructor de aikido Toshiro Suga, por lo que le recomendó para recibir el papel de Chang, el matón de Drax. Debido a la popularidad del personaje de Tiburón, interpretado por Richard Kiel, se optó por volver a incluirle en la película, aunque está seria su última aparición. Sin embargo, su papel en “Moonraker” evolucionó para culminar en un efecto más humorístico. El director, Lewis Gilbert, explicó que la idea original era que Tiburón fuera un villano y asesino hasta su final. Sin embargo, Gilbert había recibido mucho correo por parte de niños pequeños que preguntaban por qué Tiburón no podía ser bueno. Esa insistencia provocó que Tiburón terminara por convertirse en aliado de Bond al final de la película. Blanche Ravalec, una diminuta actriz francesa, recibió el papel de Dolly, la pareja de Tiburón.

Aunque parte de la crítica no se mostró a favor de la historia espacial de James Bond, la película tuvo un excelente resultado en taquilla. Con un presupuesto de treinta y cuatro millones de dólares, la película logró recaudar doscientos diez. La película fue nominada a un Oscar por los Mejores Efectos Visuales, pero perdió contra “Alien: El Octavo Pasajero”.

NOTA PERSONAL

Quizás se debe a que era solo un chaval cuando vi está película, pero debo reconocer que siempre ha sido una de mis favoritas. En su momento me encantó la temática del espacio, Hugo Drax me pareció un villano sobresaliente con un plan diabólico, y me encantó la evolución del asesino Tiburón. No voy a negar que quizás mi opinión hubiera sido distinta de haber visto la película siendo un adulto, pero el caso es que la vi con solo doce años tras alquilarla. De hecho fue la segunda película del agente secreto que vi. Roger Moore realiza un excepcional trabajo, al que personalmente cualquiera debería estar acostumbrado.

Aunque reconoceré que no puedo ser demasiado objetivo, pues siempre ha sido mi James Bond favorito.

Hay escenas que me dejaron muy impactado al verla por primera vez. Sin duda tengo que nombrar la muerte de Corinne Dufour al principio de la película, cuando es perseguida por perros que le dan caza. Michael Lonsdale realiza una gran interpretación del villano Hugo Drax, siempre tranquilo y sosegado, diabólico pero sin perder la calma en ningún momento. Su plan es de los más dementes que he podido ver en la saga de James Bond. Sorprendentemente, la película combina estos momentos de verdadera tensión con otros verdaderamente humorísticos. Tiburón pasa a convertirse en un gran héroe, y su historia de amor con Dolly es simplemente desternillante. Aunque habría que plantearse sin un asesino que ha acabado con tantos agentes y gente inocente merece un final feliz. Independientemente de estas curiosidades, la película entretiene y te deja pendiente de principio a fin, gracias a sus grandes dosis de acción.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Mientras es trasladado desde Estados Unidos a Inglaterra, el Transbordador espacial llamado “Moonraker” es robado por dos hombres desconocidos. Al robarla, los hombres provocan la destrucción del avión que se encargaba del traslado. M convoca a James Bond después de que este sobreviva a un nuevo ataque de Tiburón durante una misión. M le explica a Bond, que han analizado los restos del avión, y no han encontrado restos de la Moonraker entre los mismos. Para cubrir el robo, la explicación oficial es que tanto la nave como el avión se han estrellado. La Moonraker fue construida por Industrias Drax, una poderosa compañía dirigida por el millonario Hugo Drax y localizada en California.

Bond se dirige allí para iniciar su investigación, y es recibido por la atractiva piloto personal de Drax, Corinne Dufour, quien le enseña las instalaciones y mansión personal de Drax. Tras esto, Bond conoce en persona a Hugo Drax y su asistente Chang. Drax se muestra indignado por el robo de la nave que fue construida por su compañía, pero ofrece su cooperación a Bond.

El agente es enviado ante la Doctora Holly Goodhead, una astronauta enviada por la NASA, quien le da toda la información posible, y le invita a probar un simulador de fuerza de gravedad. Sin embargo, Drax desea librarse de Bon y le ordena a Chang que acabe con su vida. Chang sabotea el simulador, pero Bond logra sobrevivir al intento de asesinato. Durante su estancia en la mansión de Drax, Bond seduce a Corinne, quien le ayuda a localizar los diseños de un objeto de cristal, para la Cristalería Venini en Venecia. Sin embargo, Chang les ha estado observando. Al día siguiente, Bond es invitado por Drax a una cacería de faisanes durante la que sobrevive a otro intento de asesinato, disparando sobre un francotirador. De esta forma, le hace saber a Drax que es consciente de que está detrás del robo de la Moonraker. Enfurecido, Drax hace que sus doberman persigan a Corinne y acaben con su vida.

En Venecia, Bond vista la cristalería Venini, la cual incluye un museo, y observa la existencia de unos contenedores hexagonales, como los que reflejaban los planos que fotografió.

También se encuentra de nuevo con Holly Goodhead, quien le aclara que ha acudido a una convención. Poco después es perseguido por los hombres de Drax por los canales de la ciudad logrando. Tras escapar, Bond descubre un laboratorio secreto en el museo de la cristalería. Allí se está diseñando un gas letal, y Bond provoca de forma involuntaria que los científicos dejen caer una muestra que libera el gas. La cámara donde se encuentran los científicos queda sellada y estos fallecen pero, el gas no afecta a los animales que se encontraban allí. Bond se lleva una muestra, y a la salida es atacado por Chang, al que logra matar en combate. Durante la lucha, Bond observa que la operación está siendo trasladada a Río de Janeiro. Tras encontrarse de nuevo con Goodhead, le hace saber que ha logrado deducir que la doctora es una agente de la CIA, e intenta convencerla para que cooperen sin demasiado resultado. Tras llevar a M y al Ministro de Defensa británico al laboratorio, Bond se encuentra con que este ha desaparecido y se ha convertido en una lujosa oficina donde se encuentra Drax.

El ministro se disculpa avergonzado ante Drax, y los tres se retiran. Sin embargo, Bond le entrega la muestra del gas con la que se hizo a M, para que la analice. M se percata de que el agente no ha mentido, y le permite que acuda de forma no oficial a Río de Janeiro. Por su parte, Drax contrata a otro asesino para reemplazar a Chang, quien resulta ser no otro que Tiburón.

Bond se reúne con la agente Manuela en Río de Janeiro, con quien acude a inspeccionar el almacén de Drax en pleno carnaval. Ambos apenas sobreviven a un intento de asesinato por parte de Tiburón, escapando entre la multitud. Bond acude al teleférico del Monte Pan de Azúcar, desde donde observa el movimiento de aviones de Industrias Drax, trasladando su material a algún lugar desconocido. Bond se vuelve a encontrar con Goodhead, y ambos acceden a cooperar. Los dos son atacados por Tiburón, quien fracasa en su intento de acabar con sus vidas, estrellándose en su teleférico. Una joven llamada Dolly ayuda a Tiburón a salir de entre los escombros, y ambos se enamoran de forma instantánea.

Por su parte, Bond y Goodhead son capturados por agentes de Drax. Aunque Bond logra escapar, los agentes se llevan a la agente de la CIA. Bond se reúne con M y Q en la base del MI6 en Brasil. Allí descubre que la toxina ha sido fabricada mediante el uso de la Orquídea Negra, una planta natural de la selva del Amazonas. El gas tiene la capacidad de matar a todo ser humano, pero no hace daño alguno a plantas o animales.

Bond se dirige al Río Amazonas, donde explora en una lancha motora siendo atacado de nuevo por Tiburón y los hombres de Drax. Bond logra sobrevivir escapando de su lancha antes de que esta se estrelle contra las Cataratas del Iguazú. Allí localiza la base secreta de Drax, donde es atacado por una serpiente pitón con la que consigue acabar. Sin embargo, es capturado por Tiburón y llevado ante Drax. En la base, Bond observa como un escuadrón de Moonrakers comienza a despegar de la Tierra. Drax le explica que una de sus naves mostró un defecto de ensamblaje, razón por la que tuvo que robar la Moonraker que se dirigía a Inglaterra.

Bond es llevado a una sala donde se encuentra Goodhead, justo debajo de un Moonraker listo para despegar que les incinerara al hacerlo. Ambos consiguen escapar gracias a un reloj explosivo del agente, y juntos se infiltran en el sexto Moonraker, que despega de la base oculta.

Todas las naves llegan a una estación espacial, la cual ha permanecido oculta a los radares de la Tierra gracias a un mecanismo de ocultamiento. Una vez a bordo de la estación, Bond y Goodhead consiguen desactivar el mecanismo, por lo que la estación es detectada en la Tierra, y los Estados Unidos envían una nave con Marines para atacarla. Mientras tanto, Tiburón localiza a Bond a Goodhead, capturándoles y llevándoles ante Drax. Este les explica que planea aniquilar a todos los seres humanos de la Tierra, enviando cincuenta capsulas a la órbita del planeta para liberar el gas mortal en su atmosfera. Las Moonrakers han trasladado a varias docenas de hombres y mujeres genéticamente perfectos a la estación espacial, donde residirán hasta que la Tierra sea habitable de nuevo. Sus descendientes serán la semilla de una nueva raza perfecta.

Bond consigue que Drax admita que aquellos que no alcancen dicha perfección serán exterminados. Al oír esto, Tiburón se percata de que tanto él como Dolly no vivirán de acuerdo al plan de Drax, lo cual era la intención de Bond. Tiburón decide ayudar a Bond y Goodhead atacando a los soldados de Drax. A la batalla se unen los marines que llegan a la estación espacial, acabando con todos los soldados y miembros de la raza superior de Drax. Por su parte, Bond dispara un dardo impregnado de cianuro sobre Drax, tras lo cual le empuja a un compartimento estanco, desde el cual lo lanza al vacío del espacio.

Tiburón ayuda a que Bond y Goodhead escapen de la estación espacial a bordo de una de las Moonrakers. Tras esto, Tiburón y Dolly logran escapar de la estación cuando una de sus secciones se desprende. La estación queda completamente destruida. Bond y Goodhead logran destruir las capsulas de gas letal que han sido lanzadas antes de que se activen. Con la amenaza neutralizada, M accede a que se realice una conexión con la nave de los agentes de forma simultánea en Estados Unidos y en el Reino Unido. Al conectar, todos observan a la pareja manteniendo relaciones en la nave.

ESCENA

Este es un tráiler elaborado por el usuario “Claalc”, que resume la película a través de sus mejores escenas.

FECHA DE ESTRENO

16 de Abril del 1988

TITULO ORIGINAL

Tonari no Totoro (となりのトトロ)

DIRECTOR

Hayao Miyazaki

PRODUCTOR

Toru Hara

GUION
Hayao Miyazaki

REPARTO (VOCES)

Noriko Hidaka (Satsuki Kusakabe), Chika Sakamoto (Mei Kusakabe), Shigesato Itoi (Tatsuo Kusakabe), Sumi Shimamoto (Yasuko Kusakabe), Tanie Kitabayashi (Nanny), Toshiyuki Amagasa (Kanta Okagi), Hitoshi Takagi (Totoro), Naoki Tatsuta (Gatobús), Hiroko Maruyama (Madre de Kanta), Shigeru Chiva (Labrador), Yûko Mizutani (Mujer del tractor), Daiki Nakamura (Hombre del tractor), Machiko Washio (Profesora)

CINEMATOGRAFÍA

Hisao Shirai

BANDA SONORA

Joe Hisaishi

DISTRIBUIDA POR:

Toho Company

DURACIÓN
86 minutos

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El Castillo en el Cielo

SIGUIENTE PELÍCULA DE MIYAZAKI:

Nicky, la Aprendiz de Bruja

MEI KUSAKABE: “No me creéis.”

TATSUO KUSAKABE: “Te equivocas hija. Satsuki y yo creemos que nos estas diciendo la verdad. Es probable que hayas conocido al Rey del Bosque; y sin duda es una señal de buena suerte. Pero no puedes encontrarle siempre que quieras. ¡Venga! A ver si lo encontramos entre los tres.”

SATSUKI KUSAKABE: “¿Qué vamos a hacer?”

TATSUO KUSAKABE: “Mei lo encontrará por nosotros.”

SATSUKI KUSAKABE: “Papá, el Alcanforero. Que árbol más bonito.”

MEI KUSAKABE: “Lo encontré.”

SATSUKI KUSAKABE: “¿Seguro que es aquí? Date prisa papá no te quedes atrás.”

MEI KUSAKABE: “Ya no está el agujero.”

SATSUKI KUSAKABE: “¿Había un agujero?”

TATSUO KUSAKABE: “Recordad que solo podéis verle cuando él quiera.”

SATSUKI KUSAKABE: “¿Le veremos? Yo quiero conocerle.”

TATSUO KUSAKABE: “¿Quién sabe? Tal vez lo veamos. Que árbol tan hermoso. Este árbol lleva aquí miles de años. Hace mucho tiempo los hombres y los árboles eran buenos amigos. ¿Sabéis? Nada más verlo me convencí de que debíamos comprar la casa. A vuestra madre le encantará en cuanto la vea.”

CURIOSIDADES

La película es parcialmente autobiográfica. Cuando Hayao Miyazaki y sus hermanos eran niños, su madre sufrió de tuberculosis espinal durante nueve años, y pasó mucho tiempo hospitalizada. De hecho, Miyazaki escogió utilizar a niñas como protagonistas en lugar de niños, pues hubiera sido demasiado doloroso utilizar a niños como él y sus hermanos. Originalmente, los personajes de Satsuki y Mei fueron concebidos como una sola niña. Sin embargo, Miyazaki deseaba crear suspense durante la segunda mitad de la película, y determinó que solo lo conseguiría con dos chicas separadas. La chica original tenía rasgos tanto de Satsuki como de Mei y siete años de edad, la media de sus sucesoras.

Hayao Miyazaki le mostró un boceto original de Totoro al director artístico Kazuo Oga, con la intención de retarle a elevar su nivel. Al contemplar el boceto, Kazuo Oga se sintió muy interesado en la película, y aceptó en convertirse en su director artístico, lo cual dispararía su carrera. Miyazaki y Oga procedieron a establecer intensos debates acerca del uso de los colores en la película. Oga deseaba utilizar el barro negro característico de la Prefectura de Akita; mientras que Miyazaki prefería los tonos rojizos propios de la región de Kanto. Al final decidieron fundir sus preferencias para crear lo que se definiría como la naturaleza pintada con colores translúcidos. Al abordar el proyecto de animación, Kazuo Oga desarrolló un estilo que sería definido como una actualización del sentido animista tradicional japonés, de un mundo que desde su naturaleza despierta una vida espiritual.

Aunque no se menciona, la trama de la película tiene lugar en el año 1955, estableciendo un ambiente tanto moderno como nostálgico, que se fusionara con un mundo de criaturas sobrenaturales de una forma creíble.

Para remarcar ese sentimiento, Oga cuidó los fondos con todo detalle. Cada árbol tenía su forma y movimiento característico, y los caminos y paisajes fueron diseñados para crear una sensación de calidez, capaz de generar vida por sí solo. El trabajo del director artístico fue de tal nivel en la película, que dio lugar a que continuara colaborando con el Estudio Ghibli. El estudio continuó asignándole trabajos en los que pudiera destacar, uno de los más importantes “La Princesa Mononoke”, donde todavía consiguió superarse más. Esto provocó que su estilo se convirtiera en una característica habitual de las películas del estudio.

La secuencia inicial de la película no partió de un guion gráfico como es habitual en muchos films de animación. Miyazaki explicó que la secuencia fue determinada mediante permutaciones y combinaciones a raíz de hojas de registro. Sin embargo, para los créditos finales se optó por mostrar imágenes congeladas que determinaban el final de la historia. En ellas se mostraba el regreso a casa de la madre de Satsuki y Mei, y el cómo iba recuperando la salud al jugar con ellas.

Aunque la película no lo mencionaba, la enfermedad que la madre de las niñas sufría era la tuberculosis. Miyazaki declaró que Totoro no era un espíritu, sino simplemente un animal con habilidades místicas que ejerce de protector del bosque. Para crear al personaje de Mei, Miyazaki escogió a su propia sobrina como modelo. Aunque inicialmente la película iba a durar solamente una hora, terminó por expandirse a medida que la trama se iba desarrollando más. Entre otras cosas, Miyazaki deseo elaborar más el contexto social, e incluir el motivo por la mudanza y la situación laboral del padre de las dos niñas.

Curiosamente, la película no funcionó demasiado bien en taquilla al principio. Pero cuando los peluches de Totoro comenzaron a distribuirse en las tiendas, la taquilla de la película se disparó. Totoro llegó a convertirse en un personaje tan famoso para los niños japoneses como Winnie Pooh para los niños británicos. El personaje ha llegado a ser considerado uno de los mejores de la historia de la animación, y se convirtió en símbolo del Estudio Ghibli.

Totoro también apareció en la película de Pixar, “Toy Story 3”.

NOTA PERSONAL

Ester es uno de esos casos en los que resulta evidente que una película es un proyecto muy personal del director que la ha creado. Con esto no quiero decir que no me gustara el film, de hecho disfruté mucho de la trama y me reí ante ciertas genialidades de la misma. Sin embargo, debo admitir que la película no es de mis favoritas de Miyazaki. Cuando alguien dirige un proyecto tan personal, suele suceder que el espectador no perciba determinados detalles íntimos intrínsecos en la trama.

De todas formas, tal y como he mencionado, la película me pareció muy acertada en ciertos aspectos. Evidentemente tengo que empezar por la genialidad de un personaje como Totoro. Me encanta su diseño, su personalidad, todo en el personaje es perfecto para el amigo de fantasía que cualquier niño puede desear. La escena del paraguas en la parada del autobús no deja de arrancarme una sonrisa más característica del niño que una vez fui.

Su reacción de alegría ante el sonido de las gotas de lluvia que caen sobre el paraguas viene a probar el nivel de genialidad que tiene Miyazaki, a la hora de convertir detalles mundanos en experiencias completamente diferentes. También me gustó mucho la relación entre las dos hermanas, y la curiosidad de Mei es mostrada en todo su esplendor en otra genial escena, que nos muestra cómo llega a conocer a las criaturas del bosque.

Por lo tanto, la película cumple en general si se la considera únicamente dirigida a un público más infantil, y en ciertos aspectos también a los adultos. Sin embargo, hay ciertos detalles que como adulto nunca me han quedado demasiado claros. ¿Por qué esa hostilidad inicial del personaje de Kanta hacia las hermanas? La película le muestra malhumorado y reticente a forjar una amistad con ellas, a pesar de ciertos actos de amabilidad. No se otorga ninguna explicación, y al final de la película la amistad surge sin ninguna adicional. La trama se centra tanto en las dos hermanas, que parece obviar lo que el resto de los personajes humanos aportan.

Sin embargo, me fascina ese escape de las dos hermanas a un mundo fantástico, para poder lidiar de forma alegórica con la ausencia de su madre. La cuestión es que la película está cargada de dramatismo, pero el director no se arriesga a ser demasiado explicito, lo cual no le cuesta trabajo en películas como “El Viaje de Chihiro” o “El Viento se Levanta”. No hay nada malo en ello, pero me extraña tratándose de un proyecto tan personal del director, que no deja de narrar la angustia que pudo sentir como niño ante la posible pérdida de su madre.

Juntando todos estos argumentos, me percató de que esta película no se encuentra entre mis favoritas del genial director, aunque tampoco es de las que menos me han gustado. Claro que tratándose de Miyazaki, el film que menos me haya gustado sigue siendo simplemente excepcional. En este caso, es un viaje al mundo de fantasía que todo niño puede necesitar en un momento de dificultad con el que es incapaz de lidiar.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Tatsuo Kusakabe es un profesor de universidad que acaba de mudarse a una nueva casa de campo en compañía de sus dos hijas, Satsuki y Mei. Al llegar a la casa, las dos niñas descubren que está habitada por unas pequeñas criaturas oscuras y parecidas a motas de polvo. Solo pueden ser vistas cuando se trasladan desde lugares iluminados a lugares oscuros. Cerca de la casa también se puede ver un Alcanforero, un árbol de enormes dimensiones. Nanny, una anciana que vive en una granja cercana, acude a la casa para ayudar la familia a instalarse. Nanny les explica a las niñas que las criaturas que han encontrado son duendes del polvo, que a menudo residen en casas abandonadas. Satsuki también conoce a un joven niño llamado Kanta, nieto de Nanny, aunque este es bastante arisco al principio. Esa misma noche, se levanta una gran ventisca, pero la familia ya es feliz residiendo en su nuevo hogar, por lo que los duendes del polvo parten en busca de un nuevo hogar.

A la mañana siguiente, Tatsuo lleva a las niñas al hospital cercano para que puedan visitar a su madre Yasuko. Esa es la razón por la que la familia Kusakabe se ha traslado a su nueva casa de campo, para estar cerca de su madre, quien ha sido enviada al campo para que su tratamiento sea más efectivo. Satsuki comienza a ir a colegio, mientras que Mei pasa las tardas jugando y explorando por el campo. De esta forma, Mei se encuentra con una extraña criatura de orejas puntiagudas y tonalidad blanca. Esta parece ser un espíritu ya que se desvanece y vuelve a aparecer. Tras seguir a la criatura hasta una casa abandonada, Mei observa como ahora parte en compañía de otra parecida, pero de color azul y algo más grande. Mei sigue a ambas criaturas hasta el Alcanforero, introduciéndose en el árbol a través de un hueco en el tronco. Allí descubre a otra criatura parecida, pero de un tamaño mucho más grande. Debido a los extraños sonidos que la criatura hace, Mei asume que su nombre es Totoro. La niña se queda dormida encima de la enorme criatura.

Cuando Satsuki regresa del colegio, su padre se percata de que Mei no ha regresado. Ambos la encuentran dormida en un claro entre zarzas. Mei les explica lo que ha pasado, pero es incapaz de llevarles al lugar donde encontró a Totoro. Mei se disgusta al ver que no la creen, pero su padre le explica que probablemente se ha encontrado con el rey del bosque, y que no siempre se le puede encontrar. Solo se le puede ver cuando él lo desee. De hecho, al llegar al Alcanforero, el hueco del tronco esta sellado. Al día siguiente, Tatsuo debe partir a la universidad, por lo que Mei debe permanecer con Nanny. Sin embargo, Mei hace que la anciana la lleva hasta el colegio para poder estar en compañía de su hermana. Al volver del colegio, las niñas deben refugiarse debido a una tormenta, pero Kanta les regala su paraguas para que puedan regresar. Tras esto, las niñas acuden a la parada del autobús para recoger a su padre, pero este no aparece. Mei queda dormida a espaldas de su hermana mayor, ante la cual aparece Totoro en la misma parada de autobús. A la parada llega el Gatobús, un espíritu gato en forma de autobús que se lleva a Totoro.

Una vez parten, Tatsuo llega disculpándose por su tardanza. Las niñas han recibido un pequeño envoltorio de Totoro que contiene nueces mágicas y semillas. Las dos niñas deciden plantar las semillas a las afueras de su casa de campo.

Unos días más tarde, Satsuki y Mei descubren a Totoro y sus dos compañeros de menor tamaño bailando alrededor de la zona donde han plantado las semillas. Las niñas se unen a las criaturas en el baile, y las semillas comienzan a crecer a toda velocidad convirtiéndose en un enorme árbol. Para celebrarlo, Totoro lleva a las niñas levitando por todo el bosque, subido a una peonza mágica. A la mañana siguiente, el árbol ha desaparecido, pero las semillas han germinado. Tatsuo parte a la universidad, y Satsuki y Mei pasan el día con Nanny. Sin embargo, pronto reciben un telegrama del hospital solicitando a Tatsuo que se ponga en contacto con el médico de Yasuko. Kanta lleva a Satsuki hasta una casa con teléfono para que pueda ponerse en contacto con su padre. El médico les comunica que Yasuko no puede ir a casa todavía, pues podría empeorar.

Mei agarra un berrinche al enterarse, lo que acaba con paciencia de Satsuki. Nanny intenta calmar a Satsuki, quien acaba llorando al temer por la vida de su madre.

Mei parte en dirección al hospital con maíz fresco, esperando que ayude a que su madre se sienta mejor. La desaparición de Mei provoca que todos comiencen a buscarla, preocupándose por lo que puede haber ocurrido. Desesperada, Satsuki acude a pedirle ayuda a Totoro, quien inmediatamente convoca al Gatobús. Totoro hace que Satsuki suba a bordo, y el Gatobús indica que la próxima parada será Mei. De esta forma, Satsuki encuentra a Mei, quien se había perdido de camino al hospital. El Gatobús decide seguir ayudando a las dos niñas y las lleva hasta el hospital. Desde un árbol, Satsuki y Mei observan a sus padres y se dan cuenta de que se encuentra bien. Tras dejarle la mazorca de maíz, las niñas regresan a casa, donde Nanny y Kanta las esperan. Una semana más tarde, Yasuko recibe el alta y regresa a casa con su familia.

ESCENA

Mei conoce a Totoro en una desternillante escena, aunque solo haya encontrado un pequeño fragmento de la misma.

TITULO ORIGINAL

True Blood

CREADOR

Alan Ball

Basado en las novelas de Charlaine Harris

PRODUCCION

HBO

REPARTO ORIGINAL

Anna Paquin (Sookie Stackhouse), Stephen Moyer (Bill Compton), Sam Trammell (Sam Merlotte), Ryan Kwanten (Jason Stackhouse), Rutina Wesley (Tara Thornton), Alexander Skarsgård (Eric Northman), Nelsan Ellis (Lafayette Reynolds), Chris Bauer (Andy Bellefleur), Carrie Preston (Arlene Fowler Bellefleur), Jim Parrack (Hoyt Fortenberry), Kristin Bauer van Straten (Pam Swynford de Beaufort), Todd Lowe (Terry Bellefleur), Deborah Ann Woll (Jessica Hamby), Joe Manganiello (Alcide Herveaux), Lauren Bowles (Holly Cleary)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 7 de Septiembre de 2008 al 24 de Agosto de 2014

CANAL DE EMISION

HBO

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Jace Everett

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 12 episodios

TEMPORADA 2: 12 episodios

TEMPORADA 3: 12 episodios

TEMPORADA 4: 12 episodios

TEMPORADA 5: 12 episodios

TEMPORADA 6: 10 episodios

TEMPORADA 7: 10 episodios

Un total de 80 de episodios de 50 minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

Alan Ball creó la serie basándose en la popular saga de libros de Charlaine Harris, conocida como “Los Misterios de los Vampiros del Sur”. Ball ya había trabajado previamente con el canal HBO, encargándose de la serie “A Dos Metros Bajo Tierra”, la cual duró un total de cinco temporadas. Cuando dicha serie finalizó en octubre de 2005, Ball firmó un contrato de dos años con HBO para desarrollar y producir programas originales para la cadena. Tras familiarizarse con los libros de Charlaine Harris, “True Blood” (También conocida como Sangre Fresca en España) se convirtió en su primer proyecto bajo ese contrato. Un día, mientras echaba un vistazo en una librería de la cadena “Barnes & Noble”, encontró una copia de “Muerto Hasta el Anochecer”, el primer libro de la saga de Harris. Tras leerlo, siguió con los sucesivos libros de la serie y desarrolló interés en llevar la visión de Harris a la pequeña pantalla. Sin embargo, Harris ya había recibido dos ofertas para que sus libros fueran adaptados.

A pesar de esto, Charlaine Harris terminó por decantarse por Alan Ball, ya que se sintió más convencida por él. Harris declaró que sentía que Ball era quien verdaderamente entendía lo que estaba haciendo con sus libros.

Alan Ball escribió, produjo y dirigió el episodio piloto del proyecto, de una hora de duración, justo al mismo tiempo que finalizaba el mencionado trato con HBO. Los miembros del reparto Anna Paquin, Ryan Kwanten y Sam Trammell se anunciaron en febrero de 2007, y se anunció a Stephen Moyer en abril del mismo año. Moyer ya había interpretado a un vampiro anteriormente, en la serie inglesa “Ultraviolet” (2008). El episodio piloto fue rodado a principios del verano de 2007, y se aprobó que la serie siguiera adelante en agosto. Para entonces, Ball ya había escrito el guion de varios episodios. La producción de la serie comenzó en otoño del mismo año, pero se realizó un cambio en el reparto. Originalmente, el personaje de Tara era interpretado por Brook Kerr, quien llegó a grabar el episodio piloto. Sus escenas tuvieron que ser rodadas de nuevo cuando fue reemplazada por Rutina Wesley.

Después de rodar dos episodios más, le producción se vio retrasada al tener lugar la Huelga de Guionistas durante finales de 2007 y principios de 2208. Sin embargo, la serie terminó por ser estrenada en septiembre de 2008, y tras emitir solo dos episodios de la primera temporada, HBO encargó una segunda temporada de 2008.

La serie transcurre en el sur de Estados Unidos, el denominado “Sur Profundo” o “Cinturón de la Biblia”. Curiosamente, la mayoría de actores de la serie ni siguiera son estadounidenses. Anna Paquin es canadiense y criada en Nueva Zelanda; Stephen Moyer es británico; Ryan Kwanten es australiano; y Alexander Skarsgård es sueco. A medida que la serie avanzó, se fue convirtiendo en todo un éxito de audiencias, aunque curiosamente iba alejándose cada vez más de la narrativa de los libros, trece en total, de Charlaine Harris. Las diferencias más radicales surgieron de los personajes. Casi todos los personajes fueron extraídos de los libros, excepto el de Jessica que fue creado para la serie. En las novelas, Lafayette fallecía al comienzo de la saga, pero el personaje gozó de tal popularidad que se optó por conservarlo.

La importancia de Tara en las novelas era mínima, pero también se incrementó su importancia en la serie debido a su popularidad. El resto de los personajes se mantuvieron similares a los de los libros, y fe a partir de la tercera temporada cuando se comenzó a mezclar tramas de distintas novelas. Los personajes secundarios sufrieron más cambios, y algunos fueron reinventados por completo.

Anna Paquin y Stephen Moyer comenzaron a salir desde el rodaje del episodio piloto, y terminaron por casarse en agosto de 2010. La serie contenía contenido sexual de “alto voltaje”, y fue elogiada por muchas asociaciones homosexuales por contener muchos personajes gays, y no dudar en mostrar dichas relaciones de forma explícita. Anna Paquin llegó a declararse bisexual durante el rodaje de la serie. A pesar del gran éxito y las impresionantes audiencias, el final de la serie cosechó bastantes críticas negativas.

NOTA PERSONAL

Debo comenzar declarando que nunca he leído ninguno de los libros de la saga en la que se basa la serie, así que me resulta imposible hacer una comparación. Conozco a personas que sí los han leído, y entiendo que a algunos les haya molestado que la serie se desviara tanto de lo experimentado a través del papel. En mi caso, descubrí la serie a través de mi mejor amigo Javier, al poco de haberse estrenado la misma. Me sentí enganchado instantáneamente. La mayor razón de mi interés fue que residí en el sur de Estados Unidos durante cuatro años, mientras cursaba mis estudios universitarios. Más específicamente estuve en Charleston, Carolina del Sur, donde me sumergí completamente en la cultura del sur de dicho país en los que todavía considero los mejores años de mi vida. Por eso la serie me enganchó, porque representaba a la perfección dicha cultura sureña, y además la mezclaba con el mundo de los seres sobrenaturales. De hecho, la tercera temporada la vi en Charleston, cuando regresé de vacaciones tras muchos años ausente, y me afectó de forma particular.

Además del mundo de los vampiros, licántropos, brujas, ménades y demás seres mitológicos, la serie abordaba de manera osada la sexualidad, y no dudaba en representar de forma explícita la homosexualidad. Esto incrementó aún más mi interés en la serie, pues fue en el sur donde también salí del armario. Hay ocasiones en que una película o una serie te llega por contener determinados elementos relacionados con nuestras vidas, pero en esta ocasión eran demasiados. Ahora bien, debo reconocer que de todas las temporadas, mi favorita fue la segunda por incluir mitología griega, y porque Maryanne Forrester fue mi villana favorita de toda la serie, seguida de cerca por Russell Edginton. A partir de la quinta temporada, mi interés fue decreciendo, y aunque seguía la serie debo admitir que las nuevas historias no me parecían tan interesantes. Finalmente, la séptima temporada me pareció apresurada, muy pobre, y con un final bastante deficiente y decepcionante. Ese ha sido siempre el problema de estirar demasiado alguna que otra serie. Es como cuando estiras un chicle, acaba por romperse.

A pesar de esto, al ponerlo todo en una balanza, creo que me equivoco al determinar que esta ha sido una de mis series favoritas.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: Los vampiros siempre han existido entre nosotros, pero finalmente “salen del ataúd” cuando científicos japoneses inventan una bebida de sangre sintética denominada “Tru Blood”. Esto les permite vivir entre los humanos ya que no requieren de su sangre para sobrevivir. Sin embargo, no todos los vampiros desean reintegrarse, ni todos los seres humanos están dispuestos a aceptarles.

Dos años después de este cambio social, Sookie Stackhouse reside en el pueblo de Bon Temps, Luisiana. Sookie posee poderes telepáticos que hacen que su vida social sea complicada. Solo sus seres queridos más cercanos son conscientes de esto. Su hermano Jason, su abuela Adele, y su mejor amiga Tara Thornton.

Sookie trabaja en el Bar Merlotte, donde su jefe Sam siempre se ha sentido atraído hacia ella. Una noche, un vampiro llamado Bill Compton entra en el bar, y Sookie se siente intensamente atraída hacia él, sobre todo porque no puede leerle la mente de los vampiros. Sookie le salva la vida a Bill, cuando una pareja intenta drenar su sangre vampírica, la cual es comercializada por sus propiedades curativas, y como droga. Bill le devuelve el favor cuando Sookie sufre un ataque, dejando que beba su sangre para curarla. Ambos inician una relación para desesperación de los locales.

Las cosas se complican cuando varias mujeres comienzan a aparecer asesinadas, teniendo en común el haber mantenido relaciones sexuales con vampiros. Cuando las sospechas caen sobre Jason, Bill ayuda a Sookie a investigar llevándola al bar Fangtasia. Allí, Sookie conoce al Eric Northman, sheriff local de los vampiros, y su ayudante Pam. Todo empeora cuando la abuela de Sookie es asesinada, y Bill debe partir para someterse a un juicio al haber matado a un vampiro que amenazaba a Sookie.

Como condena, Bill debe convertir a una joven llamada Jessica en vampiro, mientras Sookie descubre que Sam es un teriántropo capaz de adoptar la forma de distintos animales. Por su parte, Jason se convierte en adicto a la sangre de vampiro, que inicialmente obtiene de Lafayette, primo de Tara, y acaba arrestado por los asesinatos.

Pronto se descubre que el asesino es René, amigo de Jason y prometido de Arlene, amiga de Sookie. Cuando René intenta matar a Sookie, esta recibe la ayuda de Bill y Sam, y acaba con la vida del asesino. Por su parte, Tara acaba hundida en una fuerte depresión después de que su madre se recupere de su alcoholismo mediante un exorcismo realizado por Miss Jeanette. Aunque la mujer resulta un fraude, el exorcismo funciona atrayendo a la misteriosa mujer Maryann a Bon Temps. Maryann acoge a Tara en su residencia, y dos semanas después, Miss Jeanette aparece asesinada.

SEGUNDA TEMPORADA: Tara reside con Maryann, conociendo a otro protegido de la misteriosa mujer, llamado Eggs.

Por otro lado, Sam se siente tenso, pues siendo joven y tras fugarse de casa, tuvo un encuentro con Maryann, descubriendo que es un ser de ciertos poderes. Aterrado, escapó tras robarle, e intenta pagarle su deuda, aunque Maryann tiene otros planes. Sookie es herida por Maryanne, aunque desconoce que ha sido ella. Sam se enamora de otra teriántropo llamada Daphne, sin embargo, esta resulta estar al servicio de Maryann en intenta capturar a Sam, quien debe de servir de sacrificio para el dios que Maryann adora. Cuando Daphne fracasa, es asesinada.

Sookie está ausente durante esos eventos, ya que accede ayudar a Eric a encontrar a su creador Godric en Las Vegas. Pronto se descubre que ha sido capturado por el Reverendo Newlin y su esposa, líderes de la Hermandad de Luz. Jason, confuso tras los traumas por los que ha pasado, se ha unido a la Hermandad dejando que la secta termine por controlarle. Sin embargo, reacciona a tiempo al enterarse de que Sookie ha sido capturada, y ayudando a Eric y Bill a rescatarla.

Por otro lado, Eric ha convocado a Lorena, creadora de Bill, para que la aleje de Sookie, pero Godric la obliga a partir. Godric, que tiene más de dos mil años de edad, decide morir exponiéndose al sol, dejando a Eric desolado.

De regreso en Bon Temps, Bill, Sookie y Jason descubren que los habitantes del pueblo están bajo el control de Maryann. Bill descubre que Maryann es una ménade, adoradora de Dionisio, y que solo morirá cuando se encuentre con su dios en forma de toro sagrado, momento en el que abandonará su mortalidad. Está información procede de la Reina de los vampiros en Luisiana, Sophie Anne. Durante la confrontación contra la ménade, Sookie descubre que tiene la capacidad de emitir destellos de luz a través de sus manos. Sam finge ser sacrificado para adoptar la forma del toro sagrado. De esta forma engaña a Maryann que se vuelve mortal, logrando matar a la criatura. Por otro lado, Arlene comienza una relación con Terry, primo del ayudante del Sheriff, Andy Bellefleur. Jessica inicia otra con Hoyt, aunque ambos sufren una crisis.

Eggs descubre que fue el quien mató a Daphne y Miss Jeanette, y en su locura está a punto de acabar con Andy, pero Jason le dispara acabando con su vida. Andy decide cubrirle, explicando que él le disparó en defensa propia. Bill le pide matrimonio a Sookie, pero poco después es secuestrado.

TERCERA TEMPORADA: Bill ha sido secuestrado por hombres lobo al servicio de Russell Edginton, vampiro rey de Misisipi de tres mil años de edad. Russell desea expandir su reino absorbiendo utilizando a Bill. Para ello ha investigado sus actividades enviando a un vampiro detective llamado Franklin, quien descubre que Sophie Anne tiene un gran interés en las habilidades de Sookie, y que Bill fue enviado para adquirir a la joven para la reina. Bill trata de impedir que Russell secuestre a Sookie, quien cada vez desarrolla más sus poderes de fotoquinesis, por lo que el rey le entrega a Lorena para que le ejecute. Por su parte, Franklin demuestra ser un psicópata, secuestrando a Tara y violándola repetidamente. Llevada a la mansión de Edginton, Tara logra escapar con Sookie y con ayuda de un hombre lobo llamado Alcide.

Los tres rescatan a Bill, y Sookie acaba con Lorena. Eric descubre que Russell fue quien asesinó a su familia siglos atrás, y acaba con su amante Talbot como venganza. Esto hace que Russell se vuelva loco declarando la guerra a los humanos.

Bill y Eric descubren que Sookie es un hada, y que su sangre permite que los vampiros caminen a la luz del día. Al mismo tiempo, Sookie contacta con un hada llamada Claudine, encargada de protegerla. Jason acaba con Franklin cuando este intenta volver a capturar a Tara, y le revela a la joven que mató a Eggs. Afectada, Tara decide abandonar Bon Temps. Jason también inicia una relación con una mujer pantera llamada Crystal, que opta por dejarle para partir con su medio hermano y prometido. Lafayette inicia una relación con un brujo llamado Jesús, descubriendo que también tiene la brujería en la sangre. Hoyt y Jessica se reconcilian, y Andy se convierte en Sheriff. Sam conoce a su familia, y acoge a su hermano Tommy al descubrir que sus padres le obligaban a participar en peleas de perros. Sin embargo, el joven le roba y Sam acaba disparando sobre él.

Eric y Bill consiguen detener a Russell encadenándole con plata y enterrándole con vida en cemento. Sin embargo, Sookie descubre que Bill fue enviado por Sophie Anne y rompe su relación con él. A pesar de esto, Bill decide acabar con Sophie Anne para que el secreto de Sookie siga a salvo. Arlene espera un hijo de René, pero Terry decide apoyarla proponiéndole matrimonio. Deprimida, Sookie parte a la dimensión de las Hadas acompañada por Claudine.

CUARTA TEMPORADA: Sookie descubre que la tribu de hadas de Claudine desea atrapar a todos los híbridos en su dimensión, pero logra escapar reapareciendo un año más tarde de cuando partió. Bill acabó con Sophie Anne convirtiéndose en Rey de Luisiana. Eric ha comprado la casa de Sookie. Jason se ha convertido en agente de policía, y Tara regresa tras pasar un año fuera. Una nueva amenaza aparece en la forma de una bruja llamada Marnie, quien consigue controlar los poderes de una bruja medieval llamada Antonia. La intención de Marnie es acabar con los vampiros, y recluta a Tara y Holly entre otras personas.

Lafayette descubre ser médium con la ayuda de su pareja Jesús. Marnie ataca a Eric borrando sus recuerdos, y Sookie acaba de enamorarse con el ahora inocente vampiro. Sam acaba por aceptar a Tommy cuando este mata a sus padres, al intentar estos capturarle de nuevo. Sin embargo, Tommy es asesinado por un hombre lobo llamado Marcus. Sam ha estado saliendo con la antigua pareja de Marcus, Luna, conociendo a su hija Emma. Las dos viven amenazadas por Marcus, y cuando Sam descubre que ha matado a Tommy, acaba con él.

Alcide ha vuelto con su pareja Debbie, pero esta pronto recae en su agresividad debido a sus celos hacia Sookie. Jessica y Hoyt rompen, y la vampira comienza una relación con Jason. Este tiene un reencuentro con Crystal y Fenton, quienes fracasan en su intento de convertirle en hombre pantera. Jason acaba con Fenton. Sookie logra usar sus poderes para restaurar a Eric, quien coopera con Bill para acabar con la vida de Marnie. Aunque Marine regresa usando a Lafayette como vehículo, matando a Jesús en el proceso, Sookie, Holly y Tara convocan a varios espíritus en Halloween para que se la lleven.

Debbie visita a Sookie disparando sobre Tara. Sookie acaba con Debbie.

QUINTA TEMPORADA: Pam convierte a Tara en vampiro, y ambas acaban desarrollando una relación afectuosa. Bill, Eric, y la hermana del último, Nora, son llevados ante la Autoridad, que desarrolla un nuevo plan para conquistar el planeta y someter a los humanos. Para ello, la nueva líder Salomé ha liberado a Russell Edginton, quien se convierte en amante del Reverendo Newlin, también convertido en vampiro. La Autoridad conserva un frasco con la sangre de Lilith, el primer vampiro. Al probar una sola gota todos se convierten en fanáticos seguidores de Lilith, de quien tienen visiones, con excepción de Eric y Nora, quienes escapan gracias a una visión de Godric.

Terry logra sobrevivir al ataque de un ser de fuego llamado Ifrit, resultado de una maldición que sufrió mientras estaba en Irak. Hoyt abandona Bon Temps. Alcide consigue convertirse en líder de su manada, evitando que los hombres lobos dejen de consumir sangre de vampiros.

Jason y Sookie descubren que sus padres fueron asesinados por un vampiro llamado Warlow. Sam ayuda a Luna a rescatar a su hija Emma, capturada por la autoridad. Russell ataca una guarida de hadas, pero acaba siendo asesinado definitivamente por Eric. Andy se convierte en padre de cuatro hadas que crecen a gran velocidad. Bill asesina a Salomé para beber toda la sangre de Lilith, y convertirse en su nuevo profeta, justo cuando Sookie, Eric, Jason, Tara y Nora llegan para rescatar a Jessica y Pamela de las cárceles de la Autoridad. Bill fallece siendo reducido a un charco de sangre, pero surge del mismo reencarnado.

SEXTA TEMPORADA: Bill conserva su personalidad, pero tiene los poderes de Lilith con la misión de salvar a los vampiros, en grave peligro. Las hadas de Andy alcanzan la adolescencia, pero Jessica acaba con la vida de cuatro al perder el control. La superviviente adopta el nombre de Adilyn. Sam accede a entregar a Luna a su abuela, mientras que Alcide abandona su manada harto de su falta de control. Sam establece una relación con una joven llamada Nicole.

Terry no puede superar sus traumas y organiza su propio suicidio con éxito. Sookie conoce a un ancestro llamado Niall Brigant, un hada de gran poder. Warlow llega a Bon Temps y masacra a las hadas que allí residen consiguiendo conquistar a Sookie, hasta que ella se percata de su demencia. El Gobernador Burrell y Sarah Newlin capturan a varios vampiros en un campo de concentración, y proceden a contaminar la “Sangre Fresca” con un virus letal llamado Hepatitis V. Nora y el Reverendo Newlin pierden la vida en el campo, pero el resto es liberado por Eric y Bill, quien pierde los poderes de Lilith en el proceso. Jessica inicia una relación con un vampiro llamado James, y Jason con una vampira llamada Violet. Seis meses después, los vampiros infectados con Hepatitis V son una amenaza, Sam es el acalde, y Sookie ha iniciado una relación con Alcide.

SEPTIMA TEMPORADA: Los vampiros infectados atacan Bon Temps, y Tara pierde la vida en el ataque.

Pam localiza a Eric, quien está infectado de Hepatitis V, y ambos regresan a Bon Temps, ayudando en el rescate de varios humanos. Andy le pide matrimonio a Holly; mientras que James rompe con Jessica para iniciar una relación con Lafayette. Arlene es salvada por un vampiro llamado Keith, con quien inicia una relación. Violet se vuelve loca de celos y acaba por secuestrar a Adilyn, su hermanastro y pareja Wade, Jessica y al propio Jason. Hoyt regresa a Bon Temps y acaba con Violet rescatando a todos. Pronto reinicia su relación con Jessica, y termina por casarse con ella; mientras que su prometida Brigitte se casa con Jason. Tara se comunica con su madre desde el más allá para ayudarla a que siga adelante con su vida. Eric y Pam se unen a los Yakuza al descubrir que la sangre de Sarah Newlin contiene la cura para la Hepatitis V. Traicionados por los Yakuza, Eric y Pam acaban con sus miembros para comercializar la “Sangre Nueva” a través de la sangre de Sarah. Bill acaba infectado, pero decide fallecer para que Sookie siga adelante con su vida. Sookie ayuda a Bill a acabar con su propia vida. Tres años más tarde, Eric y Pam han comercializado la “Sangre Nueva”, mientras que Sookie se ha casado con un hombre desconocido, y está embarazada. Junto a sus amigos más queridos, celebran el Día de Acción de Gracias.

ESCENA

Es difícil escoger porque hay muchas escenas memorables, pero he optado por la amenaza de Russell Edginton en las noticias, y su peculiar y divertido final. Lamento la mala calidad, pero las inserciones están desactivadas en casi todos los vídeos de youtube.

FECHA DE ESTRENO

3 de Marzo de 1954

TITULO ORIGINAL

The Naked Jungle

DIRECTOR

Byron Haskin

PRODUCTOR

George Pal

GUION
Ranald MacDougall, Ben Maddow, Philip Yordan

Basado en una historia de Carl Stephenson

REPARTO

CINEMATOGRAFÍA

Ernest Laszlo, ASC

BANDA SONORA

Daniele Amfitheatrof

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
95 minutos

CHRISTOPHER LEININGEN: “Lo mejor es dejar de discutir, no nos pondríamos de acuerdo. Lamento de veras todas las molestias que le he causado.”

JOANNA LEININGEN: “Si trata de echarme, no se moleste.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “¿Por qué?”

JOANNA LEININGEN: “Me quedó aquí.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “De ningún modo. Irá en ese barco.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “Es toda una mujer.”

JOANNA LEININGEN: “Desde luego.”

COMISARIO: “¿Cómo? ¿Se han vuelto locos? Leiningen va a enfrentarse a un monstruo de treinta kilómetros de largo por tres de ancho, a una ola de muerte aterradora. Es inútil su empeño.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “Es absurdo tener miedo de simples hormigas.”

COMISARIO: “Están bien organizadas constituyen un ejército bien instruido, con inteligentes generales. Eso es lo más temible de todo, que tienen inteligencia.”

CHRISTOPHER LEININGEN: “Yo también.”

CURIOSIDADES

La película tiene dos segmentos principales.

NOTA PERSONAL

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

ESCENA

Primera grave confrontación entre Christopher y Joanna, cuando el primero descubre que su nueva esposa ya había estado casada antes.

WILL & GRACE

BASIL, EL RATÓN SUPERDETECTIVE

NOSFERATU EL VAMPIRO

TARZÁN DE LOS MONOS

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

LOBEZNO INMORTAL

CUANDO RUGE LA MARABUNTA

HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO

STAR TREK: LA PRÓXIMA GENERACIÓN

ESPARTACO

OLIVER Y SU PANDILLA

STAR WARS: LOS EWOKS

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (2001)

MARIA ANTONIETA

RETORNO A EDEN

MOONRAKER

MI VECINO TOTORO

TRUE BLOOD

CUANDO RUGE LA MARABUNTA