MIS PELICULAS Y SERIES

FECHA DE ESTRENO

27 de Agosto de 1964

TITULO ORIGINAL

Mary Poppins

DIRECTOR

Robert Stevenson

PRODUCTOR

Walt Disney

GUION
Bill Walsh, Don DaGradi

Basado en los libros de Pamela Lyndon Travers

REPARTO

Julie Andrews (Mary Poppins), Dick Van Dyke (Bert, Dawes Senior), David Tomlinson (George Banks), Glynis Johns (Winifred Banks), Karen Dotrice (Jane Banks), Matthew Garber (Michael Banks), Hermione Baddeley (Ellen), Reta Shaw (Señora Brill), Reginald Owen (Almirante Boom), Don Barclay (Señor Binnacle), Elsa Lanchester (Katie Nanna), Marjorie Bennett (Señorita Lark), Arthur Malet (Dawes Junior), Ed Wynn (Tío Albert), Jane Darwell (Mujer de las palomas), Alma Lawton (Señora Corry), Marjorie Eaton (Señorita Persimmon), Jimmy Logan (Portero)

CINEMATOGRAFÍA

Edward Colman

BANDA SONORA

Richard M. Sherman, Robert B. Sherman

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Distribution

DURACIÓN
139 minutos

BERT: “Venid Conmigo, sentémonos. Escuchadme bien, yo a pesar de todo estoy de acuerdo con vuestro padre. Todo el día, encerrado en ese banco frío y triste, con montones de dinero tan frío y triste como el banco. Siempre me ha dado pena ver a un hombre enjaulado.”

JANE BANKS: “¿Papá está en una jaula?”

BERT: “Verás, hay jaulas de todas clases, algunas en forma de banco con alfombras y todo.”

JANE BANKS: “Pero papá no tiene problemas, y nosotros sí.”

BERT: “¿Estas segura? Yo creo que es al revés. Tenéis a vuestra madre que os cuida, a Mary Poppins, a George el guardia y a mí. ¿Pero quién cuida de vuestro padre? Contestadme. Cuando se encuentra en un apuro, ¿qué hace? Tiene que resolverlo el solo. ¿A quién se lo cuenta? A nadie. No habla de sus problemas en casa para no preocuparos. Él solo se las arregla y sale adelante sin quejarse, y en silencio.”

MICHAEL BANKS: “A veces hace mucho ruido.”

JANE BANKS: “Michael cállate. Bert, ¿tú crees que papá necesita que le ayudemos?”

BERT: “Pues no soy quien para decirlo, pero creo que un padre siempre necesita que le ayuden un poco."

CURIOSIDADES

La hija de Walt Disney era una gran admiradora de los libros de “Mary Poppins”, y le hizo prometerle que crearía una película basada en los mismos. Disney intentó hacerse con los derechos de los libros por primera vez en 1938, pero fracasó debido a que la autora Pamela Lyndon Travers no pensaba que fuera posible crear una película que hiciera justicia a su creación. Adicionalmente, en aquella época Disney era conocido primordialmente como productor de dibujos animados, y todavía no había logrado crear una gran película de acción real. Durante más de veinte años, Disney no cesó en nuevos intentos para convencer a Travers para que le cediera los derechos de sus libros. Finalmente, tuvo éxito en el año 1961, aunque Travers exigió que el guion tuviera que pasar por su aprobación.

El proceso de preproducción y de componer todas las canciones llevó alrededor de dos años.

Travers se convirtió en consejera durante el proceso de producción. Se mostró en contra de que las características estrictas de Mary Poppins dieran lugar a una personalidad más afable. También se mostró ambivalente acerca del uso de la música y las canciones, y mostraba un ferviente odio hacia el uso de animación. Tal fue este, que rechazó futuras encarnaciones cinematográficas basadas en posteriores novelas de “Mary Poppins”. Se mostró en contra de una serie de elementos, que a pesar de todo lograron incluirse en la película. En lugar de usar canciones originales, deseaba que la banda sonora se basara en música del periodo Eduardiano en que tenía lugar la trama. Disney logró prevalecer al citar estipulaciones del contrato, que señalaban que tendría la última palabra sobre el guion final.

En aquel entonces, Julie Andrews se encontraba iniciando su carrera cinematográfica, tras una exitosa carrera teatral.

Se hizo con el papel de Mary Poppins, tras haber sido ignorada por Jack Warner y reemplazada por Audrey Hepburn para el papel de Eliza Doolitle en “My Fair Lady”. Cuando Walt Disney se dirigió a Andrews para hablar del papel, la actriz ya estaba embarazada de tres meses, por lo que no sabía si podría asumir el papel, pero diversos retrasos de producción se lo permitieron. Andrews derrotó a Audrey Hepburn no solo en los Globos de Oro, sino también haciéndose con el Oscar a la Mejor Actriz. Hepburn ni siquiera logró hacerse con una nominación en los Oscars. Disney seleccionó a Dick Van Dyke para el papel de Bert, tras ver su trabajo en “El Show de Dick Van Dyke”. El actor también interpretó al anciano director del banco en el que trabajaba George Banks. Aunque es recordado con cariño por el papel de Bert, su intento de imitar el acento cockney, del este de Londres, fue considerado como uno de los peores acentos de la historia, citado como ejemplo de un mal trabajo. Van Dyke aseguró que su profesor de acentos era irlandés, con lo cual no era muy diferente del actor en ese terreno.

La película cambió la línea argumental en varias ocasiones. Cuando Mary Poppins llega a la casa de los Banks, es ella quien controla el viento en lugar de al contrario; y otro ejemplo se ve cuando George, en lugar de su esposa, le entrevista para el puesto. Otros cambios fueron necesarios para condensar la historia en una sola película. En la película, los Banks solo tienen dos hijos llamados Jane y Michael, mientras que en los libros son cuatro niños añadiendo a un par de gemelos. Los aspectos misteriosos y satíricos del libro fueron reemplazados por un tono más alegre, acorde con las creaciones de Disney. Julie Andrews interpretó a una Mary Poppins menos engreída y más amable y cariñosa hacia los niños; mientras que en la novela, el personaje es frío e intimidante. El personaje de Bert en la película fue una fusión de varios personajes procedentes de las historias de Travers. La autora exigió que cualquier sugerencia de posible romance entre Bert y Mary Poppins fuera eliminada, aunque Disney hizo que se dejaran ciertos “rastros” de esa posibilidad.

Travers no recibió invitación para el estreno de la película, pero logró hacerse con una gracias a un ejecutivo de Disney. Aunque Travers elogió la película tras su estreno, su opinión cambió cuando se negó a la creación de una secuela. La autora consideró que su obra no había sido tratada de forma adecuada, y se negó a producir más adaptaciones con Disney. Cuando se creó el musical “Mary Poppins”, Travers accedió bajo la condición que solo se contara con escritores ingleses, y nadie de la producción de la película participara en el proyecto. Como he mencionado, Julie Andrews se hizo con el Oscar a la Mejor Actriz. La película ganó otros cuatro Oscars en las categorías de Mejor Canción Original (“Chim Chim Cher-ee”), Mejor Banda Sonora, Mejor Montaje y Mejores Efectos Visuales. La película recibió otras nominaciones a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Cinematografía, Mejor Dirección Artística, Mejor Vestuario, y Mejor Adaptación Musical. En todas esas categorías perdió contra “My Fair Lady”, con la excepción de la categoría al Mejor Guion Adaptado, perdiendo contra “Becket”.

NOTA PERSONAL

Es innegable que estamos tratando con una película sobresaliente, aunque yo siempre disfruté más de “La Bruja Novata”. Lo que más destacaría de “Mary Poppins” es su dualidad, ya que la película contiene una lectura dirigida al público más infantil, y otra lectura de gran importancia para el público adulto. Los niños observan en ella la salvación de unos niños ignorados; mientras los adultos la ven como un recordatorio de lo breve de la infancia de los hijos. Yo nunca he leído los libros en los que está basada la película, pero no me sorprendió que Travers señalará que la intención de la niñera era la de salvar a George Banks. Creo que la película, aun considerando su controvertida adaptación, refleja este hecho de forma contundente.

Por su puesto, debo reconocer que siempre he sido un gran fan de Julie Andrews, mientras que disfrutó de Dick Van Dyke a tiempos limitados. Siempre me ha parecido un actor divertido, pero a larga termina cargándome.

Sin embargo, David Tomlinson siempre me ha parecido un actor excepcional, que he disfrutado en todas las películas de Disney. Sin embargo, Tomlinson destaca en esta película, sobre todo en esas escenas en las que su rígido personaje se viene abajo por la tristeza, percatándose de sus fallos.

Por otro lado, tenemos una serie de canciones memorables, contando con estilos tan dispares como el del humor o el drama. De niño descubrí un nuevo afán por las cometas, de adulto preferí dar de comer a las palomas. La escena de animación mezclada con los actores principales, me pareció excepcional; aunque creó que la misma en el famoso partido de futbol de “La Bruja Novata” logró darle mil vueltas. A parte de estos hechos, la película no deja de ser un viaje de fantasía para el público más infantil, así como para el niño que todo adulto lleva dentro. Ahora bien, siempre me fascinó Mary Poppins, aparentemente condenada a quedarse sola, tras ayudar al prójimo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En Londres, año 1910, el artista de variedades Bert se encuentra actuando con sus instrumentos, cuando se percata de un cambio en el viento. Tras esto, se presenta a los espectadores, a los que guía a la Calle del Cerezo, donde reside la familia Banks. George Banks regresa a casa tras un día de trabajo en el banco. Su esposa Winifred le informa que su niñera, Katie Nanna, ha dimitido después de que sus hijos, Jane y Michael, se han escapado de nuevo durante su paseo por el parce. Poco después, un agente de policía aparece en la casa con los dos niños, quienes explican que corrieron al perder la defectuosa cometa que habían fabricado. George decide escribir un anuncio para el Times, solicitando una nueva niñera que sea estricta, seria y capaz de moldear a sus hijos. Jane y Michael le entregan su propio anuncio, solicitando una niñera amable, dulce, que sepa cantar y jugar. Sin embargo, George rompe el anuncio y arroja los trozos a la chimenea, sin percatarse de que flotan a través de la misma dirigiéndose al cielo.

Al día siguiente, se forma una línea de niñeras de aspecto arisco a la espera de ser entrevistadas para obtener el puesto. Sin embargo, el viento comienza a soplar con fuerza, arrastrando a las niñeras hasta que desaparecen de la calle. Jane y Michael contemplan el suceso, así como a una joven niñera que desciende del cielo utilizando su paraguas. La joven se presenta ante George Banks como Mary Poppins, logrando confundirle lo suficiente para la contrate. Mary Poppins contiene el anuncio de los niños, cuyos trozos ha vuelto a pegar. La niñera explica que cumple con todos los requisitos del anuncio, pero que también sabrá ser firme con los niños. Mary Poppins acude a conocer a los niños, a los que sorprende con su comportamiento, y sacando multitud de objetos de su bolso sin fondo. La niñera les canta una canción, usando su magia para ordenar su habitación, tras lo cual lleva a Jane y Michael a dar un paseo por el parque.

En el parque se encuentran con Bert, trabajando pintando paisajes en el pavimento. Mary Poppins utiliza su magia para transportar al grupo a una pintura de una campiña.

Mientras los niños disfrutan de un carrusel, Bert y Mary Poppins dan un paseo y toman el té servidos por un cuarteto de pingüinos. Tras esto, Mary Poppins hace que los caballos del carrusel cobren vida, y el grupo rescata a un zorro de ser cazado, participando después en una carrera que la niñera gana. Cuando se le pregunta como describir su victoria, Mary Poppins utiliza la palabra “supercalifragilisticoespialidoso”. Durante otro paseo, los cuatro conocen al Tío Albert, quien sufre de una enfermedad que le hace flotar en el aire cada vez que ríe sin parar. Todos se reúnen en el techo para tomar el té mientras comparten chistes, hasta que tienen partir.

George Banks no se siente satisfecho con la atmosfera de alegría que ha impregnado a su familia, y se plantea despedir a Mary Poppins. Sin embargo, la niñera vuelve a manipularle, convenciéndole para que lleve a sus hijos a visitar el banco donde trabaja. Mary Poppins aconseja a los niños que visiten a una anciana que vende migas de pan para las palomas en la catedral cercana. George lleva a sus hijos al banco, prohibiéndole a Michael que gaste sus dos peniques en comida para las palomas.

En el banco, conocen al Señor Dawes, quien es el director, y su hijo. De forma agresiva, Dawes intenta que Michael invierta sus dos peniques en el banco, arrebatándole las monedas. Michael se las quita y los dos niños escapan, mientras otros clientes asumen que el banco se niega a devolver dinero ingresado, y exigen el suyo propio provocando el caos. Los niños se encuentran con Bert, quien ahora trabaja de deshollinador. El joven les hace ver que quizás su padre se sienta más solo que ellos, y que ellos podrían ayudarle. Tras esto, los tres acompañan a Mary Poppins en una excursión por los tejados de Londres, conociendo a muchos deshollinadores. Cuando George regresa a casa, Bert le hace ver que todas sus ambiciones le impiden ser feliz en compañía de sus hijos. Los niños deciden disculparse ante su padre entregándole los dos peniques, y logrando conmoverle por primera vez.

Esa misma noche, George recibe una llamada del banco. Allí se reúne con Dawes y el consejo, quienes proceden a despedirle.

George observa los dos peniques y contesta con la palabra “Supercalifragilisticoespialidoso”, cuenta uno de los chistes del Tío Albert, y se despide sintiéndose feliz por primera vez. Dawes comprende el chiste, y comienza a flotar en el aire al no poder dejar de reír. A la mañana siguiente el viento cambia de nuevo, y Mary Poppins se prepara para partir, percatándose de que ya no será necesaria, para disgusto de Jane y Michael. George se presenta en casa tras haber estado ausente toda la noche. Los niños se reúnen con su padre para descubrir que ha reparado su cometa. La familia sale a hacer volar la cometa al parque, donde Bert tiene un nuevo trabajo vendiendo cometas. Allí, George se encuentra con el hijo de Dawes, quien le informa que su padre falleció de un ataque de risa, nombrándole nuevo consejero del banco. Con su trabajo realizado, Mary Poppins parte volando con su paraguas. Bert se despide de ella, pidiéndole que vuelta pronto.

ESCENA

Para mí, una de las mejores canciones que he oído nunca, y en esta película hay muchas, es la de “Feed the Birds”. Siempre consigue conmoverme.

TITULO ORIGINAL

Spartacus

CREADOR

Steven S. DeKnight

PRODUCCION

Steven S. DeKnight, Robert Tapert, Sam Raimi, Joshua Donen

REPARTO ORIGINAL

Andy Whitfield & Liam McIntyre (Espartaco), John Hannah (Quinto Batiato), Manu Bennett (Crixo), Dustin Clare (Gannicus), Lucy Lawless (Lucrecia), Lesley-Ann Brandt & Cynthia Addai-Robinson (Naevia), Viva Bianca (Ilithya), Craig Parker (Claudio Glabro), Peter Mensah (Enomao), Craig Walsh Wrightson (Salonio), Nick E. Tarabay (Ashur), Erin Cummings (Sura), Jai Courtney (Varro), Dan Feuerriegel (Agron), Katrina Law (Mira), Pana Hema Taylor (Nasir), Simon Merrells (Marco Licinio Craso), Todd Lasance (Julio César), Anna Hutchison (Laeta), Christian Antidormi (Tiberio Craso)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 22 de Enero de 2010 al 12 de Abril de 2013

CANAL DE EMISION

Starz

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Joseph LoDuca

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 13 Episodios

TEMPORADA 0: 6 Episodios

TEMPORADA 2: 10 Episodios

TEMPORADA 3: 10 Episodios

CURIOSIDADES

El gladiador conocido como Espartaco fue un tracio que lideró una gran revuelta de los esclavos de la Republica de Roma desde el año 73 al año 71 Antes de Cristo. Dicha revuelta comenzó en Capua, donde residió como esclavo. Steven S. DeKnight y Robert Tapert, ambos productores ejecutivos, decidieron concentrarse en crear una estructura que sirviera de base a la vida de Espartaco antes de su vida como esclavo. Esto supuso todo un reto debido a que no existen documentos históricos con información acerca de ese periodo de su vida. De hecho, el personaje no menciona su nombre real durante la película, porque éste se desconoce. Se decidió intentar transmitir el realismo de la decadencia de la Republica, mediante el uso de violencia, lenguaje y escenas sexuales considerablemente gráficas.

La serie comenzó a rodarse a principios de 2009, y tras una campaña extensa de promoción se optó por estrenar la finalizada temporada en enero de 2010. Se optó porque cada temporada gozara de un título, y el de la primera fue “Sangre y Arena”.

Un mes antes del estreno, se decidió que la serie gozaría de una segunda temporada. La primera temporada se concentró en como Espartaco se convertía en gladiador y se veía inspirado a comenzar una revuelta de esclavos. Sin embargo, un mes después de que acabara de emitirse la primera temporada, los productores anunciaron que la segunda temporada sufriría un retraso indeterminado. El motivo era que el actor que interpretaba a Espartaco, Andy Whitfield, había sido diagnosticado con Linfoma no hodgkiniano, un tipo de cáncer. Debido a ese retraso y al no saber hasta cuando el mismo podría durar, se decidió crear una temporada que sirviera de precuela a la primera temporada, y que contara la historia de la Casa de Batiato previa a la llegada del famoso gladiador. De esta forma, se le concedía a Whitfield tiempo para ser sometido a tratamiento médico. La precuela contó con estrellas de la primera temporada, como John Hannah en el papel de Batiato y Lucy Lawless en el papel de Lucrecia. También se optó por presentar al personaje de Gannicus, interpretado por Dustin Clare, cuya primera aparición se había reservado para la segunda temporada.

En septiembre de 2010, cuando la precuela todavía no había sido estrenada, se anunció que el cáncer de Whitfield había vuelto a desarrollarse, y que el actor no sería capaz de participar en la segunda temporada, cuya fecha de estreno estaba planeada para septiembre de 2011. Sin embargo, también se optó por seguir adelante con la serie, comenzando a realizar las pruebas necesarias para buscar a otro actor que siguiera adelante con el papel. Cuando se le preguntó por su opinión al respecto, Whitfield declaró que era lo más sensato y que apoyaba la decisión al cien por cien. DeKnight y los productores explicaron que al principio tuvieron serias dudas acerca de si se debía seguir adelante o no con la serie sin Andy Whitfield. El equipo consideraba que el actor era el “centro de gravedad” de toda la serie. Buscar a otro actor para protagonizar una serie iniciada era un recurso muy poco utilizado, por lo que debatieron sobre el asunto hasta que el propio Whitfield expresó su opinión de la necesidad de completar la serie, y narrar la historia completa del gladiador tracio.

En enero de 2011, se anunció que Liam McIntyre había seleccionado para reemplazar a Whitfield. De hecho, no fue el único cambio de reparto. Debido al retraso de producción, la actriz Lesley-Ann Brandt no fue capaz de volver a interpretar a Naevia en la segunda temporada. La actriz fue reemplazada por Cynthia Addai-Robinson, y finalmente se anunció la que la segunda temporada se titularía “Venganza”, y se estrenaría en enero de 2012.

Andy Whitfield falleció el once de septiembre de 2011, año y medio después de su diagnóstico inicial, a la edad de treinta nueve años. La mayoría de los historiadores coincide en que Espartaco probablemente falleció a la edad de treinta y ocho años. El actor había desarrollado una gran amistad con el actorJai Courtney, quien había interpretado a Varro en la primera temporada. De hecho, Whitfield había explicado en más de una ocasión que esa la razón por la que la amistad entre Espartaco y Varro había resultado tan realista. Liam McIntyre se incorporó al necesario entrenamiento en el “Campamento de Gladiadores” creado para la serie.

Comenzó con un peso bastante inferior al necesario debido a otro papel que acababa de realizar. Originalmente, Lucrecia iba a fallecer en la Masacre del Ludus. Sin embargo, se optó por que sobreviviera y continuara su papel en la segunda temporada. Esto se debió a que su personaje se había convertido en muy popular, impresionando tanto al equipo como a los fans de la serie. También se decidió que era necesario incrementar el número de rostros familiares para la audiencia, tras la muerte de Whitfield. Se consideró realizar una película entre la segunda y última temporada, pero los guionistas se percataron de que tendrían que cortar mucho material sino querían que la película no fuera permitida para espectadores menores de dieciocho años.

La última temporada se tituló “La Guerra de los Condenados”. La primera abordaba un periodo de aproximadamente dos años, la segunda comenzaba unas semanas después de la masacre, y la tercera y última sufría el salto temporal más amplio, comenzando dos años después.

Se tomó esa decisión para avanzar la trama hasta el punto en el que Craso se veía involucrado, sin concentrarse en otros generales y batallas que tenían lugar mientras Espartaco incrementaba su ejército. Inicialmente, el guion reflejaba que Laeta besaba a Espartaco cuando este perdía la vida. Sin embargo, Dan Feuerriegel opinó que debía de ser su personaje de Agron quien debía hacerlo. El actor consideraba que sería un momento más emotivo si este gesto procedía de alguien a quien el gladiador considerara un hermano. Además de esto, Agron se convertía en el único superviviente de la Casa de Batiato.

Tras finalizar la serie, varios actores consiguieron papeles en la serie de televisión “Arrow”.

NOTA PERSONAL

Después de haber disfrutado considerablemente de la serie de “Roma” no creí que encontrara otra serie actual de temática similar que me volviera a impresionar.

Sin embargo, debo admitir al declarar que esta serie sobre Espartaco me sorprendió de forma contundente. Primero tengo que elogiar a sus productores, quienes se vieron enfrentados a numerosos contratiempos para poder contemplar la serie. Dicho esto, expresaré mi opinión sobre cada una de las temporadas.

La primera temporada es sin lugar a dudas mi favorita, con una trama interesante mezclada con la presentación de grandes personajes. La desgracia de And Whitfield fue tremenda, ya que su interpretación como el famoso gladiador me dejó completamente cautivado. La verdad es que su trabajo contrasta de forma evidente con el de otros actores que interpretan a gladiadores de forma bastante inferior. Además de ser una serie violenta y muy erótica, lo que más destacaría es su calidad como serie de intrigas, contando con formidables actores, sobre todo en el bando de los romanos. Destacaría a Lucy Lawless y Viva Bianca, que realizan una labor simplemente sobresaliente, y cuyas intrigas y tramas me tenían completamente enganchado.

John Hannah era también una gran baza, aunque reconozco que me costaba verle fuera de su cómico papel en la saga de “La Momia”.

Aunque la precuela despertó dudas iniciales, debo admitir que acabé por disfrutar de ella, al otorgarnos tramas que ayudaban a entender el comienzo de la primera temporada. Así mismo, Lucy Lawless seguía realizando una soberbia labor como l intrigante y manipuladora Lucrecia. Además, tenía la virtud de seguir sorprendiendo a pesar de narrar una historia previa a la primera temporada. Ahora bien, debo reconocer que nunca le encontré la gracia al personaje de Gannicus, quien no logró despertar interés alguno en mí.

Con la tercera temporada, Liam McIntyre se enfrentó a la dura tarea de reemplazar a Whitfield. Desde mi humilde punto de vista, se quedó muy corto a pesar de no ser un mal actor. Quizás por eso fue una buena idea el seguir contando con Lucy Lawless, ya que la calidad de los actores se había visto seriamente disminuida. La nueva Naevia tampoco me llamó demasiado la atención.

A pesar de ser una temporada de considerable acción, las tramas me parecieron bastante más pobres en lo relativo a Espartaco y los esclavos que lideraba.

El equipo de la serie debió pensar lo mismo, rectificando la situación con una excelente temporada que incluía a grandes actores como Simon Merrells y Todd Lasance. Las tramas de la rebelión se elaboraron todavía más, mostrando problemas internos y externos en la rebelión que encajaban bastante bien con la personalidad de los personajes. Las batallas como la toma de Sinuessa, la lucha cerca de Roma y la batalla final me parecieron magistrales. El único fallo que señalaría fue el del pésimo actor Christian Antidormi en el papel de Tiberio Craso.

En términos serios y generales, me pareció una serie excepcional, que logró mantenerme enganchado de principio a fin, y que colabora a la hora de corroborar que las obras de sandalia y espada no han pasado a la historia.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA- SANGRE Y ARENA: Bajo el mando del Legado Claudio Glabro, un soldado Tracio se ve involucrado en la lucha contra los Getas, enemigos comunes de los tracios y los romanos. Ilithya, esposa de Glabro le impulsa a ser más ambicioso atacando a Mitrídates VI, e ignorar las necesidades de los Tracios. El Tracio se siente traicionado e intenta escapar con su esposa Sura. Sin embargo, Glabro les localiza y condena a la esclavitud, separándoles. El Tracio es enviado a Capua, donde logra sobrevivir en la arena contra varios salvajes. Esto provoca que sea comprado por Batiato, un lanista ambicioso que desea triunfar en los juegos con sus gladiadores. El Tracio recibe el nombre de Espartaco, en honor al famoso rey tracio. Los Gladiadores de Batiato son entrenados por el Doctore Enomao, y entre ellos se encuentra un galo llamado Crixo, campeón de Capua, que se convierte en rival de Espartaco. Batiato parece incapaz de controlar a Espartaco, debido a su rebeldía, y lo promete reunirle con su esposa Sura si accede a cooperar.

Espartaco también inicia una gran amistad con otro gladiador llamado Varro. Tras pasar por duras pruebas, Espartaco logra convertirse en Campeón de Capua, destronando a Crixo. Batiato localiza a Sura, pero acaba con su vida para asegurarse la lealtad de Espartaco, quien renuncia a sus orígenes y sueños de libertad. Batiato incrementa su popularidad, logrando tender una trampa a su rival lanista, Salonio, quien es ejecutado por el propio Espartaco en la arena. Sin embargo, Espartaco se ve obligado a luchar y acabar con la vida de Varro durante una celebración en la Casa de Batiato, debido a las manipulaciones de Ilithya, dispuesta a todo para vengar la vergüenza provocada a su esposo. Esto vuelve a cambiar su actitud, sobre todo al descubrir que Batiato es el responsable de la muerte de su esposa. Lucrecia, esposa de Batiato, mantiene una relación secreta con Crixo, y logra controlar a Ilithya para que ayude a su marido a conseguir un cargo político. Al descubrir que Crixo mantiene una relación con la esclava Naevia, Lucrecia la vende y se decide a acabar con Crixo enloquecida por los celos.

Durante la proclamación del apoyo de Gabro a Batiato, Espartaco lidera una rebelión de los esclavos. Tanto Crixo como Enomao deciden apoyarle masacrando a todos los invitados. Crixo atraviesa con su espada a Lucrecia, quien esperaba su hijo; mientras Espartaco acaba con Batiato. Ilithya logra escapar, así como Ashur, un esclavo que ha traicionado y manipulado a sus compañeros para ascender en posición.

TEMPORADA PRECUELA- DIOSES DE LA ARENA: Antes de la llegada de Espartaco, Batiato se ve ensombrecido por la sombra de su padre, Tito, quien controla el negocio familiar de Gladiadores. Batiato solo tiene el apoyo de su esposa Lucrecia y su buen amigo Salonio, apostando todo en su campeón, Gannicus. Sus mayores oponentes son Tulio y Vettio, quienes han financiado la construcción del futuro anfiteatro. Tulio se indigna al no poder comprar a Gannicus de manos de Batiato, al que ataca y humilla constantemente, negándole un puesto en los juegos. Las cosas empeoran con la llegada de Tito, quien desaprueba los métodos de su hijo.

Sin embargo, Batiato continúa con sus planes, nombrando a su gladiador Enomao como nuevo Doctore, y organizando orgías para posibles patrocinadores. En una de ellas, Gannicus se ve obligado a hacer el amor con Melita, esposa de Enomao, descubriendo su amor hacia ella. Batiato también compra al galo Crixo, quien prueba ser un gladiador prometedor, y utiliza a Ashur en sus manipulaciones. Para acabar con los impedimentos de Tito, Lucrecia le envenena, provocando también la muerte de Melita, y atribuyéndolas al vino envenenado de Tulio. Batiato y Salonio se alían para matar a Tulio, pero Salonio traiciona a su amigo haciéndose con todos sus gladiadores, despertando la ira de Batiato. Durante los juegos, Crixo hiere crucialmente al traicionero Ashur, mientras que Gannicus se convierte en campeón de Capua. Salonio vuelve a minar las aspiraciones de Batiato, proponiendo que a Gannicus se le conceda la libertad. Ya libre, Gannicus abandona la Casa de Batiato, mientras que Batiato y Lucrecia deciden depositar sus esperanzas en Crixo.

SEGUNDA TEMPORADA- VENGANZA: Tras escapar de la Casa de Batiato, Espartaco y sus hombres se refugian en las cloacas de Capua, planeando su siguiente movimiento. Enomao aún se siente perturbado por sus actos, y no participa. Mientras tanto, Glabro e Ilithya se instalan en la Casa de Batiato, donde descubren que Lucrecia ha sobrevivido, aunque ha perdido a su hijo. Glabro está convencido de que es un símbolo enviado por los dioses, y comienza a utilizar a Lucrecia para apaciguar la inquietud de la plebe. Sin embargo, Glabro se ve entorpecido por la interferencia de su rival político Varinio. Lucrecia parece sumida en la locura, y parece no recordar nada, desarrollando lo que parece una renovada amistad con Ilithya. Pronto descubre que fue Ashur quien la salvó, y el esclavo comienza a trabajar con Glabro para ayudarle en su venganza contra Espartaco y sus hombres, capturando a Enomao. Por su parte, Espartaco ayuda a Crixo a rescatar a Naevia de las minas, aunque resulta capturado durante la misión.

Varinio organiza unos juegos especiales para ejecutar a Crixo y Enomao, que se ven enfrentados al propio Gannicus, contratado para la tarea. Espartaco lidera una misión de rescate, en la que los rebeldes hacen arder el anfiteatro de Capua, rescatando a Enomao y Crixo, quien comienza a entrenar a Naevia. Los rebeldes se instalan en un antiguo templo cerca del Vesubio, a donde Gannicus llega tras haber capturado a Ilithya, embarazada de su esposo. Gannicus intenta reconciliarse con Enomao, ya consciente de la aventura que mantuvo con su esposa. Ilithya es liberada cuando Glabro se niega a intercambiarla por armas. Varinio y Glabro atacan a los rebeldes en el Vesubio, donde Naevia se cobra su venganza acabando con Ashu, aunque Espartaco pierde a su nuevo amor, Mira. Rodeados, los rebeldes deciden contratacar. Durante el ataque, Enomao pierde la vida, aunque se reconcilia con Gannicus antes de caer. Varinio pierde la vida, mientras Espartaco por fin acaba con la vida de Glabro. Mientras tanto, la demente Lucrecia arranca al hijo de Ilithya mediante durante el parto, y se deja caer por el acantilado de la Casa de Batiato. Ilithya también pierde la vida debido a sus heridas.

TERCERA TEMPORADA- LA GUERRA DE LOS CONDENADOS: Tras la caída de Glabro, Espartaco y sus generales han aumentado su ejército de forma considerable, liberando a un considerable número de esclavos, incluyendo los retenidos en algunas minas. Ante la llegada del inminente invierno, Espartaco decide tomar la ciudad costera de Sinuessa del Valle, masacrando a los romanos que viven en ella y liberando a sus esclavos. En la ciudad, Espartaco comienza a sentirse atraído hacia la joven Laeta, esposa del fallecido líder político de la ciudad. Gannicus termina por enamorarse de una joven esclava llamada Sibila, que cambia su actitud hacia la vida. Para proteger a los supervivientes, Laeta decide ayudar a Espartaco. Sin embargo, ciertas distensiones han surgido entre Espartaco y Crixo, por la merced que el primero muestra hacia los prisioneros romanos. La tarea de acabar con la rebelión recae en Marco Licinio Craso, ayudado por su hijo Tiberio y un joven Julio César. En particular, Tiberio siente resentimiento hacia la crueldad de su padre, quien le obliga a acabar con su mejor amigo como parte del ritual de la decimatio. Tiberio responde violando a Kore, esclava favorita de su padre que termina por escapar. Estos dos últimos desarrollan una gran rivalidad entre sí. Craso consigue retomar Sinuessa, en parte gracias a Cesar que se ha infiltrado en la ciudad, y expulsar al ejército de Espartaco. Sin embargo, considera a Laeta como una traidora, y la convierte en esclava. Gannicus consigue rescatar a Laeta escapando con Sibila. Llegado el momento, Espartaco decide liderar a los esclavos a la libertad, mientras Crixo lidera otro grupo para atacar la ciudad de Roma. El ataque de Crixo acaba en tragedia cuando César y Tiberio consiguen acabar con su vida. Más adelante, Tiberio es capturado por los rebeldes, y asesinado por Kore. Llegado el momento de la batalla final, Naevia es asesinada por César, mientras que Craso consigue herir de muerte a Espartaco. Gannicus es capturado y crucificado, así como la propia Kore. Espartaco fallece ante la presencia de Laeta, Sibila, Agron y Nasir, sus dos hombres de confianza restantes. Espartaco es recibido por Sura en el más allá, así como Gannicus es recibido por Enomao. Craso se reúne con Pompeyo, quien le ha arrebatado toda la gloria de su victoria sobre Espartaco. A pesar de la frustración de Julio César, Craso decide seguir la corriente, consciente de que Pompeyo puede ser un gran aliado en el futuro. Espartaco, cuyo nombre real nunca ha sido revelado, es enterrado por los supervivientes, que se encaminan hacia su libertad.

ESCENA

Aquí dejó una recopilación de grandes momentos de la primera temporada, la cual destaca considerablemente sobre sus sucesoras.

FECHA DE ESTRENO

25 de Noviembre de 1992

TITULO ORIGINAL

Aladdin

DIRECTORES

Ron Clements, John Musker

PRODUCTORES

Ron Clements, John Musker

GUION
Ron Clements, John Musker, Ted Elliott, Terry Rossio

REPARTO (VOCES)

Scott Weinger (Aladdin), Robin Williams (Genio, Mercader), Linda Larkin (Princesa Jasmine), Jonathan Freeman (Jafar), Frank Welker (Abu, Cueva de las Maravillas, Rajah), Gilbert Gottfried (Iago), Douglas Seale (Sultán), Jim Cummings (Razoul, Farouk), Charlie Adler (Gazeem), Corey Burton (Príncipe Achmed)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Alan Menken

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Pictures

DURACIÓN
90 minutos

CLASICO ANTERIOR

La Bella y la Bestia

CLASICO SIGUIENTE:

El Rey León

GENIO: “Dile la verdad”

ALADDIN: “Ni hablar. Si Jasmine se entera de que en realidad soy una despreciable rata callejera, se reirá de mí.”

GENIO: “A lo mejor le gustan los hombres claros como la luz. Al, bromas aparte mira, lo mejor es que seas tú mismo.”

ALADDIN: “Eso es lo último que quiero ser. De acuerdo, iré a verla. Tengo que ser sofisticado, hábil, seguro de mí mismo. ¿Qué aspecto tengo?”

GENIO: “Pues… de Príncipe.”

CURIOSIDADES

En el año 1988, el compositor de letras musicales Howard Ashman presentó a Disney la idea de crear una adaptación musical sobre Aladdin. Ashman escribió algunas canciones en cooperación con Alan Menken, así como un borrador sobre la trama, y un guion fue escrito por Linda Woolverton, quien había trabajado en “La Bella y la Bestia”. Tras esto, los directores John Musker y Ron Clements se unieron para producir el proyecto, escogiendo el de Aladdin de entre otros tres ofrecidos, los cuales incluían “El Lago de los Cisnes” y el “Rey de la Selva, que con el tiempo se convertiría en “El Rey León”.

Musker y Clements escribieron un borrador del guion y lo enviaron al jefe del estudio, Jeffrey Katzenberg en 1991. Katzenberg consideró que el guion no lograba enganchar, y exigió que todo el guion volviera s ser escrito. Finalmente, dio luz verde al proyecto cuando Ted Elliott y Terry Rossio reescribieron el guion.

Entre algunos de los cambios, se eliminó al personaje de la madre de Aladdin, Jasmine fue diseñada como un personaje más fuerte, la personalidad de Aladdin se volvió más intrépida, y el personaje del papagayo Iago se convirtió en uno cómico. Algunos personajes y elementos de la trama también se basaron en la versión de 1940 de “El Ladrón de Bagdad”, y muchos elementos de la historia tradicional fueron cambiados para la película. En lugar de establecer la trama en China, se decidió crear la ciudad ficticia de Agrabah.

Como muestra de gratitud por su éxito con la película “Buenos Días, Vietnam”, Robin Williams creó la voz del Genio por solo setenta y cinco mil dólares, a cambio de su imagen no fuera utilizada en la publicidad, y que su personaje no ocupara más del veinticinco por cierto del arte publicitario, ya que su película “Toys” se planeaba estrenar un mes después del estreno de “Aladdin”.

Por razones financieras, el estudio se echó atrás en el trato, especialmente en el arte de uno de los posters, en el que el Genio ocupaba más de una cuarta parte del mismo.

Esto provocó un desencuentro bastante amargo entre Williams y Disney, y por lo tanto el actor se negó a ceder su voz para la secuela “El Retorno de Jafar”, y la serie de televisión basada en la película. Para la tercera película, “Aladdin y el Rey de los Ladrones”, se utilizó su voz grabada previamente. Cuando Katzenberg abandonó Disney, fue reemplazado por Joe Roth, quien preparó una disculpa formal y pública de Disney para Williams.

La película recibió cinco nominaciones a los Oscars, dos a la mejor canción por “Un Mundo Ideal” y “No Hay un Genio tan Genial”, a la mejor Banda Sonora, Mejor Sonido y Mejor Montaje de Sonido. Logró hacerse con el Oscar a la mejor Banda Sonora y mejor canción por “Un Mundo Ideal”.

NOTA PERSONAL

Otro de los clásicos que vi por primera vez en Estados Unidos cuando vivía allí, aunque volví a verla con unos amigos al estar de vacaciones en casa.

El gran punto de la película, desde mi punto de vista, es lo inmensamente divertida que es, aunque pierde bastante si no se ve en versión original. Evidentemente, Robin Williams se lleva la palma por crear la voz del desternillante Genio, aunque siempre me ha encantado el personaje de Iago, que encuentro igualmente divertido. Curiosamente, es una de esas películas en las que los personajes secundarios son simplemente geniales, llegando a superar a los de Aladdin y Jasmine, aunque su historia de amor sea bastante buena. Tanto el Sultán como el mono Abu también tienen momentos sublimes y francamente divertidos. Jafar también me pareció un villano formidable, algo que en alguna de las últimas películas de la factoría se ha perdido y es esencial. La alfombra mágica también me pareció formidable, ya que se logró representar sus estados de ánimo, algo inverosímil.

Lo que más me impresionó en su momento fue la excepcional animación y lista de canciones. Hay escenas magistrales, en especial las del exterior e interior de la Cueva de las Maravillas, en las que destacaría a Aladdin escapando en la alfombra mágica, de una enorme ola de lava.

Otro ejemplo claro fue el de la lucha final entre Aladdin y un Jafar que se convierte en una Cobra gigante. En términos generales, es una gran película de acción, con la moraleja de la importancia de ser un mismo. El único defecto que le encontré fue el uso de bromas basadas en personajes y aspectos de la cultura americana de la época, que con el tiempo pueden no ser entendidas. Pero esto es algo mínimo, considerando la gran cantidad de atributos encomiables que la película contiene.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En una noche oscura, Jafar, Gran Visir del Sultán de Agrabah consigue que un ladrón le entregué la mitad de un escarabajo dorado, con ayuda de su mascota el papagayo Iago.

Al unir las dos mitades del escarabajo, éste le conduce a la Cueva de las Maravillas. Jafar le ordena al ladrón que entre para obtener una lámpara, y a cambio puede quedarse con los tesoros en su interior. La Cueva, en forma de gigante cabeza de tigre, le advierte que solo un diamante en bruto, alguien digno, podrá entrar en la cueva.

El ladrón no es digno, y es devorado por la Cueva. Jafar se percata de que debe encontrar a esa persona considerada diamante en bruto.

Al día siguiente, en Agrabah, un joven ladrón llamado Aladdin es perseguido por la guardia del Sultán, tras haber robado una barra de pan. Aladdin consigue escapar de los guardias, acompañado por su amigo el mono Abu. Sin embargo, al ver a dos niños hambrientos buscando comida en la basura, Aladdin decide entregarles la barra de pan. Tras esto, Aladdin observa como otro pretendiente para la Princesa llega a Agrabah. El pretendiente está a punto de atropellar a los niños, pero Aladdin les salva ganándose una patada del pretendiente, que le recuerda que siempre será una rata callejera.

Al día siguiente, el pretendiente abandona el palacio de Sultán, tras ser atacado por el tigre de la Princesa Jasmine. La Princesa tiene tres días, antes de su cumpleaños, para casarse con un Principe debido a una antigua ley, pero Jasmine sigue rechazando a sus pretendientes deseando casarse por amor. También se siente prisionera de su vida en palacio.

El Sultán está preocupado por las constantes negativas de Jasmine, por lo que pide consejo a Jafar. El Gran Visir le pide el místico diamante azul que lleva para poder ayudarle, e hipnotiza al Sultán para que se lo entregue. Esa noche, Jasmine escapa de palacio para evitar que sigan dirigiendo su vida. A la mañana siguiente, Jasmine explora el mercado y le regala una manzana a un niño, sin entender que tiene que pagarla. Cuando el mercador intenta cortarle una mano, Aladdin, que se ha quedado prendado de ella, la rescata del mercader haciéndola pasar por su hermana loca. Mientras tanto, Jafar e Iago utilizan el diamante para descubrir quién es el diamante en bruto, y la visión resultante muestra a Aladdin.

El joven lleva a Jasmine a su casa en un edificio derruido, donde Jasmine le revela que su padre intenta casarla a la fuerza. La atracción entre ambos es evidente, pero Jafar envía a sus guardias para que le capturen. Jasmine revela ser la Princesa, pero el Jefe de la Guardia le explica que son órdenes de Jafar, y no pude desobedecerlos.

De regreso en el palacio, Jasmine se enfrenta a Jafar, quien explica que el joven ha sido acusado de secuestrarla. Jasmine intenta aclarar lo que ha sucedido, pero Jafar le explica que Aladdin ya ha sido ejecutado. Esto provoca que Jasmine se sienta culpable. Sin embargo, Aladdin sigue vivo en prisión, donde conoce a un anciano que le ayuda a escapar explicándole la existencia de la Cueva de las Maravillas. El anciano no es otro que Jafar disfrazado. Aladdin accede y le acompaña a la Cueva de las Maravillas, donde el joven es considerado digno y consigue entrar. Sin embargo, la Cueva le advierte que no toque nada excepto la lámpara, precisamente el objeto que le ha solicitado el anciano. En el interior de la cueva, Aladdin y Abu conocen a una alfombra mágica, que decide ayudarles a encontrar la lámpara.

Sin embargo, mientras Aladdin obtiene la lámpara, Abu toca un enorme diamante, y la cueva comienza a colapsarse emitiendo grandes explosiones de lava. Aladdin y Abu consiguen llegar a la entrada gracias a la alfombra mágica, donde el anciano solicita la lámpara antes de ayudarle a salir.

Aladdin se la entrega, pero el anciano intenta matarle. Abu lo impide, pero ambos caen al interior de la cueva, quedando atrapados en su interior. En el exterior, Jafar se percata de que no tiene la lámpara.

Aladdin se recupera, y descubre que Abu le robó la lámpara al anciano antes de que ambos quedaran atrapados. Al frotarla, un Genio emerge de la lámpara, explicándole que puede concederle tres deseos, con la excepción de matar, hacer que alguien se enamore, o resucitar a alguien. Aladdin reta al Genio explicando que no puede ser tan hábil si tiene limitaciones, declarando que no podría sacarle de la cueva. El Genio les saca de la Cueva para probar su poder, y Aladdin le hace saber que no se lo había pedido. El Genio cede, pero le hace saber que a partir de ese momento los tres deseos tendrán lugar.

Aladdin le pregunta al Genio que pediría, y este le explica que desearía ser libre de la lámpara. Aladdin le promete que utilizará su tercer deseo para liberarle, tras lo cual le pide que le convierta en un Principe, para así poder conquistar a Jasmine. El Genio transforma a Abu en un gran elefante, para que Aladdin entre en Agrabah como un gran Principe.

En palacio, Jasmine le explica al Sultán lo que ha hecho Jafar. El Sultán se enfrenta a Jafar por lo sucedido, y el Gran Visir se disculpa convenciéndole. Jasmine le comunica a Jafar que cuando se Reina, lo primero que hará será deshacerse de él. Iago le propone a Jafar que consiga casarse con la Princesa, para así convertirse en Sultán, tras lo cual podrá asesinar tanto a Jasmine como a su padre. Jafar visita al Sultán y le hace saber que existe una cláusula de la ley, según la cual si Jasmine no elige pretendiente, y si el Sultán no encuentra un pretendiente adecuado, la Princesa tendrá que casarse con el Gran Visir. Ante la duda del Sultán, Jafar le hipnotiza para que acceda, pero es interrumpido por la espectacular entrada del Príncipe Ali, quien no es otro que Aladdin.

El Sultán queda impresionado por el Príncipe Ali, mientras que Jafar le ve como una amenaza. Sin embargo, Aladdin actúa de forma arrogante, provocando el rechazo de Jasmine.

Por la noche, el Genio le recuerda a Aladdin que debe ser el mismo, y que debería decirle la verdad. Aladdin no accede y visita a Jasmine y la invita a un paseo en la alfombra mágica.

Jasmine reconoce los gestos de Aladdin en el Príncipe y acepta. La pareja viaja por tierras lejanas, y Jasmine termina por enamorarse del Principe Ali. Tras el paseo, Jasmine revela saber que el Principe Ali es Aladdin, y este se excusa explicándole que en ocasiones se viste de plebeyo para escapar de las presiones de palacio. Tras despedirse con un beso, Aladdin es capturado por los hombres de Jafar, que le encadenan y arrojan al mar. Allí, Aladdin frota la lámpara y pide su segundo deseo, logrando ser rescatado por el Genio. En palacio, el hipnotizado Sultán le anuncia a Jasmine que deberá casarse con Jafar. Aladdin llega a tiempo para liberar al Sultán, y revelarle que ha sido manipulado por Jafar.

El Gran Visir se ve obligado a escapar, pero logra ver que el Príncipe Ali tiene la lámpara. Por su parte, el Sultán se deleita al descubrir que Jasmine ha elegido al Príncipe Ali.

Aladdin comienza a dudar de su capacidad para ser Sultán, y no siente listo para liberar al Genio, que queda decepcionado.

Poco después, Iago consigue robarle la lámpara y llevarla a Jafar. Cuando el Sultán anuncia el matrimonio de Jasmine y Ali, Jafar pide su primer deseo, ser Sultán de Agrabah. De esta forma, Jafar se presenta ante el Sultán, Ali y Jasmine como nuevo Sultán. Jafar pide su segundo deseo, ser el hechicero más poderoso del mundo, tras lo cual revela que Ali no es otro que Aladdin, un plebeyo pobre y ladrón de Agrabah ante el Sultán y la Princesa. Tras esto, Jafar envía a Aladdin a una tierra helada. Sin embargo, la alfombra mágica le lleva de regreso a Agrabah. Allí, Jafar le pide al Genio que Jasmine se enamore de ella, algo que no es posible. Sin embargo, Jasmine ve a Aladdin y finge que el deseo se ha cumplido.

Jafar descubre a Aladdin y se convierte en una enorme Cobra, dispuesta a matar a Aladdin. El joven usa su ingenio para hacerle ver que el Genio siempre será más poderoso que él. Por ello, Jafar pide su tercer deseo, convertirse en un Genio. Sin embargo, al obtener ese deseo Jafar se convierte en esclavo de su propia lámpara, quedando atrapado en ella junto a Iago.

Todo en Agrabah vuelve a la normalidad, y Aladdin utiliza su último deseo para liberar al Genio de la lámpara. Impresionado, el Sultán decreta una nueva ley según la cual la Princesa podrá casarse con quien considere digno. Jasmine elige a Aladdin, y ambos celebran su compromiso viajando en la alfombra mágica, mientras el Genio parte a explorar el mundo.

ESCENA

Pues no queda otra que escoger la escena de la canción “Un Mundo Ideal” en la que Aladdin y Jasmine viajan por el mundo, enamorándose.

FECHA DE ESTRENO

12 de Diciembre de 1980

TITULO ORIGINAL

Popeye

DIRECTOR

Robert Altman

PRODUCTOR

Robert Evans

GUION
Jules Feiffer, Robert Altman

REPARTO

Robin Williams (Popeye), Shelley Duval (Rosario Oliva), Paul L. Smith (Brutus), Paul Dooley (Pilón), Richard Libertiny (Geezil), Ray Walston (Padre de Popeye), Donald Moffat (Cobrador de impuestos), MacIntyre Dixon (Cole Oliva), Roberta Maxwell (Nana Oliva), Donovan Scott (Castor Oliva), Allan F. Nicholls (Rough House), Wesley Ivan Hurt (Cocoliso), Bill Irwin (Ham Gravy), Robert Fortier (Bill Barnacle), David McCharen (Harry Hotcash), Sharon Kinney (Cherry), Peter Bray (Oxblood Oxheart), Linda Hurt (Señora Oxheart), Geoff Hoyle (Scoop)

CINEMATOGRAFÍA

Giuseppe Rotunno

BANDA SONORA

Harry Nilsson

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
114 minutos

ROSARIO OLIVA: “Cuchi, cuchi, hola cuchi, cuchi.”

POPEYE: “No le diga esas tonterías a mi hijo. Mi hijo va a ser un hombre, no un niño repelente. Ven con papá Cocoliso.”

ROSARIO OLIVA: “¿Cómo?”

POPEYE: “Sí, tú eres Cocoliso, mi pequeño Cocoliso.”

ROSARIO OLIVA: “¿Cocoliso? Usted está loco.”

POPEYE: “Nada de eso. Tiene la cabeza como un coco pelado, y voy a llamarle Cocoliso. Le voy a llamar Cocoliso, y ese será su nombre. ¿De acuerdo?”

ROSARIO OLIVA: “Pues a mí Cocoliso me parece un nombre horrible para un niño.”

POPEYE: “¿Y cómo quiere que le llame? ¿Olivita?”

CURIOSIDADES

“Popeye el Marino” fue un personaje creado por Elzie Crisler Segar, apareciendo en tiras de cómics y dibujos animados, ya fueran series o películas, a lo largo de toda su historia.

Su primera aparición fue en las tiras cómicas “Thimble Theatre”, distribuidas por King Features el diecisiete de enero de 1929. En los años sucesivos, su popularidad aumentó provocando que las tiras llevaran su propio nombre como título. Aunque las tiras de “Thimble Theatre” ya llevaban diez años publicándose cuando Popeye apareció en ellas, el personaje no tardó en convertirse en su mayor punto de enfoque durante la década de 1930. En 1933, “Fleischer Studios” adaptó los personajes de las tiras en una serie de cortos de dibujos animados para ser estrenados en cines. Dichos cortos fueron de los más populares en la década de 1930, y el estudio continuó con su producción hasta el año 1957. En la actualidad, los cortos son propiedad de “Turner Entertainment”, una subsidiaria de “Time Warner”, y distribuidos por “Warner Bros Entertainment”.

La idea de convertir al personaje en un musical surgió debido a la guerra de pujas entre distintos estudios para hacerse con los derechos del musical de Broadway “Annie”, y convertirlo en una película.

Las dos mayores compañías que lucharon por los mencionados derechos fueron Columbia y Paramount. Cuando Robert Evans descubrió que Paramount había perdido la puja por “Annie”, organizó una reunión ejecutiva para informarse acerca de los personajes de tiras cómicas sobre los que tenían posesión de los derechos. Su idea era encontrar un personaje sobre el cual pudieran realizar una película musical, y uno de los asistentes a la reunión fue quien sugirió que utilizaran a Popeye el Marino.

Aunque en aquel entonces “King Features Syndicate” conservaba los derechos televisivos de Popeye y todos sus personajes, Paramount conservaba los derechos cinematográficos del personaje, ya que el estudio había producido los cortos antes mencionados desde 1933 hasta 1937. Por otro lado, “Hanna-Barbera” estaba produciendo la serie televisiva “The All-New Popeye Hour”, gracias a una licencia otorgada por “King Features”. Robert Evans contrató a Jules Feiffer para que escribiera un guion para la película.

En el año 1977, esperaba poder contar con Dustin Hoffman para que interpretara a Popeye, y con Lily Tomlin para interpretar a Rosario Oliva. También deseaba que John Schlesinger se encargara de la dirección. Sin embargo, la dirección terminó por recaer en Robert Altman, y el papel de Popeye fue interpretado por Robin Williams. De hecho fue la primera película protagonizada por el actor, y la segunda en la que participó. Al finalizar el rodaje, los encargados de editar el film se percataron de que la voz de Williams para el personaje apenas se podía entender, y el actor tuvo que volver a doblar la mayor parte del dialogo. El papel de Olivia, erróneamente doblada Rosario en el doblaje español, recayó en Shelley Duvall, quien afirmó que en el colegio todos la apodaban Olivia debido a su gran parecido con el personaje. Duvall también se encargó de cantar las canciones de su personaje. Por otro lado, todo el mundo intentó convencer a Robert Altman para que no trabajara con Harry Nilsson, encargado de la banda sonora, asegurando que siempre estaba borracho.

Robin Williams fue el único que le apoyó en aquella decisión, y al final Altman declaró que había sido muy fácil y agradable trabajar con Nilsson. Inicialmente se iba a incluir a Eugene, la mascota de Popeye, pero debido a los escasos medios se eliminó dicha idea. Algunos cambios incluyeron los poderes de predicción por parte de Cocoliso, e inicialmente se decidió que Popeye tuviera una gran aversión hacia las espinacas, que terminaría por consumir al final de la película.

En diciembre de 1979, Disney se unió al proyecto para coproducirlo tras llegar a un acuerdo con Paramount, que también incluiría la producción de “El Dragón del Lago de Fuego”. A través de “Buena Vista”, Disney se hizo con los derechos de la distribución en el extranjero. El acuerdo fue motivado gracias al poder de convocatoria que las películas del estudio tenían en Europa. La película fue rodada en Malta, y prácticamente todo el presupuesto se invirtió en la construcción de Puerto Dulce. De hecho, el pequeño pueblo todavía existe y se ha convertido en una atracción conocida como “El Pueblo de Popeye”.

La construcción de los decorados dejó el presupuesto seriamente esquilmado, lo que explica la poco creíble escena final en la que aparece el pulpo gigante, bastante poco logrado.

La película se estrenó en diciembre de 1980, en Los Ángeles, California. En su distribución en Europa se cortaron numerosas escenas, incluidos algunos números musicales, dejando una película de casi dos horas en una mera hora y media. El film recibió críticas diversas, y a pesar de lograr recaudar grandes beneficios, estos no fueron los esperados por el estudio, que la tildó de fracaso en taquilla. Por otro lado, la crítica fue mucho más favorable hacia su banda sonora.

NOTA PERSONAL

Esta es una de esas películas que curiosamente no vi en el cine, pero que alquilé en video. Había leído muchos cómics de Popeye, ya que mis primos los coleccionaban.

La verdad es que siempre me ha llamado la atención la diversa critica que la película recibió, porque a mí personalmente me pareció formidable. Si bien estoy dispuesto a aceptar que la trama fue considerablemente simplista, hay muchas factores que me enamoraron de esta película. Principalmente, siempre he considerado que las caracterizaciones de los personajes eran sencillamente brillantes y excepcionales. Por otro lado, el pueblo de Puerto Dulce también me pareció perfecto, el lugar idílico para vivir.

De entre todas las caracterizaciones, la de Shelley Duval como Olivia, Rosario en la versión española, me pareció la más espectacular de todas. La actriz parece un dibujo animado en carne y hueso, y consigue dotar al personaje de una personalidad muy similar a la de los cómics. También tenemos el clásico triángulo amoroso entre Popeye, Olivia y Brutus, muy similar también a lo visto en los cómics.

Y es que Olivia solía ser un personaje bastante capricho que a menudo jugaba a dos bandas con sus dos pretendientes, aunque siempre terminara por decantarse por Popeye. Los números musicales si podían haber sido mejorables según mi opinión, aunque hay canciones como “Popeye el Marino” que funcionan a la perfección, el resto me parecieron flojas. Esto me parece curioso, ya que por lo que he podido indagar, fue la banda sonora la que gozó de mayor popularidad, mientras que la película en sí obtuvo opiniones muy diversas.

Volviendo a los personajes, Pilón es otro personaje que me pareció muy bien reflejado, aunque su aporte a la película sea bastante plano. Dejo a Robin Williams para mi apreciación final. Siempre he sido fan del actor, que me parecía todo un maestro de la comedia, aunque curiosamente siempre me ha encantado en su papel de Profesor en “El Club de los Poetas Muertos”. Aunque no supera a Duvall en su interpretación, su Popeye me pareció igualmente fantástico, sobre todo considerando que solo tenía una película a sus espaldas, y que este era su primer papel protagonista.

Al personaje de Popeye le aporta una ternura bastante inusual al personaje, que en los cómics tiende a ser mucho más rudo. Sin embargo, su personaje está diseñado de forma mucho más completa, mostrando tenacidad, compasión e incluso fuertes valores morales, que se pueden apreciar cuando se niega a que Cocoliso sea utilizado en apuestas.

En términos generales, y concluyendo mi crítica personal, la película siempre me ha parecido muy buena, logrando llevar un mundo de cómic al mundo real de una forma mucho más que creíble, con momentos divertidos y algunas escenas de acción bastante logradas.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Tras una tormenta nocturna, un marino de nombre Popeye llega al pueblo de Puerto Dulce al amanecer.

Sin embargo, el marinero no es muy bien recibido y nada más llegar es acribillado a impuestos absurdos por el recaudador local. Todos los habitantes de Puerto Dulce reciben a Popeye de forma arisca, pero de todas formas el marino consigue alquilar una habitación en la casa de la familia Oliva. Allí residen Cole y Nana Oliva con sus hijos Castor y Rosario. La última esta prometida con un hombre llamado Brutus, y se muestra especialmente arisca hacia Popeye, a quien ve como un intruso. Durante la cena, Popeye también conoce a Pilón, un hombre glotón amigo de la familia Oliva. También descubre que el Capitán Brutus gobierna la ciudad debido a las constantes ausencias del Comodoro. Por otro lado, Popeye lleva treinta años buscando a su padre, quien le abandonó cuando solo era un niño.

A la mañana siguiente, Popeye le explica a Pilón los motivos de su llegada al pueblo, pero el resto de locales se burla del marinero. Ofendido, Popeye inicia una pelea durante el desayuno logrando vapulear a todos los presentes.

Sin embargo, esto provoca que el marino sea todavía más rechazado por los habitantes del pueblo. Por la noche se celebra la fiesta de compromiso en la familia de los Oliva, pero Rosario decide fugarse y plantar a su prometido Brutus. Al salir de su casa, Rosario se encuentra con Popeye, quien se ofrece a llevarle a sus maletas. Ambos se encuentran con una cesta que contiene un bebé abandonado con una nota dirigida al propio Popeye para que cuide de él. Mientras tanto, Brutus se ha enfurecido al esperar a Rosario, y comienza a destrozar la casa de los Oliva. Rosario y Popeye regresan con el bebé, lo cual provoca que Brutus malinterprete lo que está viendo y se enfurezca. Brutus ataca a Popeye, quien fracasa en su intento de explicarse, y consigue propinarle una severa paliza prometiendo que los Oliva pagaran impuestos aumentados a partir de ese momento.

A la mañana siguiente, Popeye decide que el bebé se llamará Cocoliso para disgusto de Rosario. Mientras tanto, la familia Oliva se ve en graves problemas económicos debido a la venganza de Brutus.

Para ayudar a su familia, Castor decide enfrentarse en combate al temible Oxblood Oxheart. Sin embargo, Castor es derrotado sin dificultad, por lo que Popeye decide ocupar su lugar en el ring logrando derrotar al matón en combate. Sin embargo, la recompensa se gasta en pagar los impuestos de la familia Oliva, que sigue con problemas económicos. Al día siguiente, la familia descubre que Cocoliso es capaz de adivinar resultados de combate, por lo que Pilón decide llevarle a una carrera de caballos. Popeye y Rosario acuden a recoger a Cocoliso, aunque al ver que el bebé ha adivinado un caballo ganador, Rosario decide que no es mal asunto utilizar su talento. Sin embargo, Popeye decide que utilizar a un bebé en ese tipo de apuestas no es correcto, e impone su moral llevándose a Cocoliso, y dejando la casa de los Oliva. Mientras tanto, Brutus ha observado lo ocurrido y hace que Pilón revele el talento de Cocoliso. Cuando el cobrador de impuestos vuelve a acosarle, Popeye le arroja al mar logrando la gratitud y reconocimiento del pueblo, pero Pilón aprovecha la celebración para llevarse a Cocoliso y entregárselo a Brutus.

Popeye queda desolado por la pérdida del bebé, y reconoce que necesita a Rosario, quien le escucha y queda encantada al sentirse necesitada por primera vez. Rosario descubre que Pilón participó en el secuestro de Cocoliso. Rosario y Pilón espían en el barco de Brutus descubriendo que Brutus mantiene cautivo al Comodoro, aficionado a comer espinacas, quien no es otro que el padre de Popeye. Rosario y Pilón le revelan a Popeye lo que han descubierto, así como el hecho de que su padre es un hombre resentido, que odia a todo el mundo. Popeye se niega a creerlo y acude al barco de Brutus. Allí, Popeye se reencuentra con su padre mientras Brutus secuestra a Rosario llevándola a la Gran Roca, un lugar peligroso. Popeye parte allí en un barco acompañado por su padre, la familia Oliva y sus amigos. En la Gran Roca, Brutus pretende utilizar el talento de Cocoliso para localizar un tesoro oculto del Comodoro. Brutus lo consigue sin percatarse de que ha despertado a un enorme pulpo que ataca a Rosario.

Popeye se enfrenta a Brutus en un duelo con sables, mientras Rosario es atacada por el pulpo gigante. Por su parte, el Comodoro encuentra su tesoro, que consiste en viejos recuerdos y latas de espinacas. Le arroja a Popeye una lata de espinacas indicándole que le ayudaran a vencer, pero el marino se niega a hacerlo debido a que le dan asco. Al oírlo, Brutus le obliga a comerlas. Sin embargo, Popeye desarrolla una gran fuerza con la que derrota a Brutus y al pulpo, salvando a Rosario. Brutus escapa derrotado, mientras Rosario besa a Popeye, y todos celebran la victoria del marino, que por fin ha descubierto el secreto de las espinacas.

ESCENA

Siempre me ha encantado está canción tan simple, interpretada por Duvall en el papel de Olivia.

FECHA DE ESTRENO

16 de Abril de 1934

TITULO ORIGINAL

Tarzan and His Mate

DIRECTOR

Cedric Gibbons

PRODUCTOR

Bernard H. Hyman

GUION
James Kevin McGuiness

REPARTO

Johnny Weissmuller (Tarzán), Maureen O’Sullivan (Jane Parker), Neil Hamilton (Harry Holt), Paul Cavanagh (Martin Arlington), Forrester Harvey (Beamish), Nathan Curry (Saidi), Yola D’Avril (Madame Feronde), Paul Porcasi (Monsieur Feronde), Desmond Roberts (Henry Van Ness), William Stack (Tom Pierce), Everett Brown (Portador), Ray Corrigan (Gorila)

CINEMATOGRAFÍA

Clyde De Vinna, Charles G. Clarke

BANDA SONORA

William Axt

DISTRIBUIDA POR:

Metro-Goldwyn-Mayer

DURACIÓN
104 minutos

PRECEDIDA POR:

Tarzán de los Monos

SUCEDIDA POR:

La Fuga de Tarzán

JANE PARKER: “Quiero que entiendas que nada será diferente.”

HARRY HOLT: “¿Diferente?”

JANE PARKER: “¿Quieres que vuelva? ¿No?”

HARRY HOLT: “Debes volver Jane.”

JANE PARKER: “¿Por qué?”

HARRY HOLT: “Porque no puedes quedarte. Supongamos que le pasase algo. No podrías vivir aquí.”

JANE PARKER: “No creo que quisiera.”

HARRY HOLT: “Qué tontería. Supón que muere.”

JANE PARKER: “¿Por qué iba a morir?”

HARRY HOLT: “Aquí puede pasar de todo Jane. ¿A dónde irías?”

JANE PARKER: “¿A dónde iría él si yo me fuera.”

HARRY HOLT: “Bueno… que venga con nosotros.”

JANE PARKER: “Tarzán en Londres, se moriría.”

CURIOSIDADES

Tras su estreno en 1932, “Tarzán de los Monos” había logrado recaudar dos millones de dólares en taquilla, con un presupuesto de alrededor de seiscientos cincuenta mil dólares. Edgar Rice Burroughs deseaba aprovechar el éxito de la película, así como la “Metro-Goldwyn-Mayer”, por lo que en marzo de 1932 comenzó a negociar la posibilidad de realizar más películas sobre el hombre de la selva. Las negociaciones tuvieron lugar entre Ralph Rothmund, representante de Burroughs, e Irving Thalberg y Sam Marx, ejecutivos de “Metro-Goldwyn-Mayer”. Como resultado de dichas negociaciones se firmó un nuevo contrato para realizar una segunda película en el mes de mayo, con una cláusula que dejaba abierta la opción para realizar dos más. Burroughs recibió cuarenta y cinco mil dólares y contactó con el productor Bernard H. Hyman para sugerirle que las películas de Tarzán fueran estrenadas estacionalmente. Se anunció que el antiguo productor independiente, Bud Barsky, había sido contactado para escribir el primer borrador de la segunda parte, con la ayuda de R.L. Johnson y Arthur S. Hyman.

Se realizaron conferencias en marzo acerca de la historia a tratar, contando con el autor teatral Leo Gordon, el productor Bernie Hyman, el director artístico Cedric Gibbons, y el productor Joe Cohn. Los primeros borradores jugaron con la idea de una pelea con un gran cocodrilo mecanico, y un espectacular incendio en la selva. Para mayo de 1933, la continuidad de un dialogo fue completado por Howard Emmett Rogers. Esto y las ideas previas de las conferencias se convirtieron en la base para varios borradores del que sería el guion final a manos de James Kevin McGuinness. Los efectos especiales cayeron en manos de la supervisión de Cedric Gibbons, y fueron realizados por Arnold Gillespie, Warren Newcombe, James Basevi e Irving Reis. Para aquel entonces, eran efectos complejos que incluían pinturas mate, miniaturas, grabaciones dividas y proyección trasera.

Se eliminaron los planes de rodaje en África, y se optó por utilizar localizaciones de los alrededores de Los ángeles como el Bosque Sherwood, el Lago Sherwood, Whittier, Big Tujunga y China Flats.

Bert Nelson y George Emerson, entrenadores de animales para la MGM, sirvieron como dobles de Weissmuller en escenas de acción complicadas. Los trapecistas Alfred Codona y los Codonas Voladores, que habían actuado en la primera película, también sirvieron como dobles de Weissmuller y O’Sullivan, y actuaron como la Chita anciana. Los Picchianis actuaron en la película utilizando trajes de gorilas, y uno de sus miembros sirvió de doble para Weissmuller para una escena de saltos entre árboles. Al igual que en “Tarzán de los Monos”, se utilizaron elefantes indios con prótesis en las orejas para hacerlos pasar por africanos. Durante la escena de la lucha contra el cocodrilo, se utilizó un cocodrilo mecánico equipado con sacos de nicotina coloreada para que pareciera sangre. La escena más complicada fue la de la lucha de los elefantes contra los leones, en la que se utilizaron tomas mate para mostrar los ataques entre los animales. En una escena Tarzán cabalga a lomos de un rinoceronte, algo que no había sido visto nunca.

Se utilizó a un rinoceronte hembra llamada Mary del Zoo Hagenbeck de Hamburgo, Alemania. Weissmuller realizó la escena y solamente sufrió rozaduras menores en la entrepierna debido a lo complicado de cabalgar sobre la piel dura de un rinoceronte.

La escena del baño de Jane y Tarzán fue controvertida por el nudismo de la actriz que doblaba a O’Sullivan, por lo que se crearon otras dos versiones en las que llevaba ropa. El rodaje no se completó hasta el final de marzo de 1934, debido a la necesidad de volver a rodar algunas escenas aéreas de Jane y Tarzán. Betty Roth, esposa de Louis Roth propietario de leones, dobló a O’Sullivan en las escenas en las que Jane se enfrentaba a los leones al final de la película. O’Sullivan estuvo ausente durante un mes recuperándose de una apendicetomía. La producción costó casi un millón trescientos mil dólares, y se cortaron catorce minutos y medio de la duración del film.

Aunque la película fue un éxito, no logró recaudar tanto como la primera en los Estados Unidos. A nivel internacional fue todo un éxito, a pesar de que fue prohibida en Alemania, debido a que mostraba a un hombre nórdico en un entorno brutal.

NOTA PERSONAL

Como ya he mencionado anteriormente, pude ver todas las películas de Weissmuller en el papel de Tarzán durante mi infancia, cuando las estrenaban en televisión. Nunca pude ver ninguna de las películas en el cine, y ni siquiera sé si fueron reestrenadas en algún momento. El curioso, porque a día de hoy me acuerdo de algunas películas del mítico personaje, pero esta no la recordaba muy bien. La curiosidad radica en el hecho que me parece la película más lograda de todas por diversas razones, aunque la anterior permanezca en la historia del cine como un clásico inmortal.

Ante todo me encanta la película por la cantidad de escenas de acción muy logradas, considerando los medios limitados de la década de 1930. Las escenas de Tarzán luchando con diversos animales de la selva están muy logradas, particularmente su duelo contra un rinoceronte. Por otro lado la lucha final entre elefantes y leones me parece simplemente magistral.

La relación entre Jane y Tarzán ha avanzado considerablemente con respecto a la anterior película, y destacaría la prodigiosa escena del nado artístico de los dos personajes. Al mismo tiempo, aunque Jane sigue siendo la figura que necesita ser rescatada, se la ve mucho más desenvuelta en la selva, particularmente al final cuando se ve enfrentada a los leones. Hay dos chimpancés con el nombre de Chita en la película. El mayor se supone que es el de la anterior película, que pierde la vida salvando a Jane del rinoceronte. El segundo es la cría del primero, que recibe el mismo nombre y sigue funcionando como figura cómica en la trama. Harry Holt regresa en un intento de cautivar a Jane, que fracasa, y termina por perder la vida. Sin embargo, el gran villano es Martin Arlington, que también fallece sin que el resto de personajes sepa nada de su intento de acabar con Tarzán.

En términos generales es una película de acción de lo más completa, que sin duda destaca sobre todas las películas de la saga.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En la selva, un año después de que Jane decidiera permanecer con Tarzán, Harry Holt recibe a su socio Martin Arlington, que ha llegado en barco acompañado de Monsieur Feronde y su esposa. Martin se despide de la pareja, dejando claro a su colega que ha mantenido relaciones con Madame Feronde durante el viaje. Martin le confiesa a su colega que se ha arruinado, y que está desesperado por recuperar su fortuna. Ambos son recibidos por Beamish, quien en el pasado recibió a Jane Parker cuando llegó por primera vez a la selva. Harry Holt sigue enamorado de Jane Parker, y le solicita ayuda a Martin para secuestrar y reconquistar a Jane, a cambio de ayudarle a encontrar un cementerio de elefantes, para hacerse con grandes cantidades de marfil. Saidi, un nativo, les informa que su equipo de safari les ha abandonado para unirse a una expedición de Tom Pierce y Henry Van Ness, quienes les han robado el mapa del cementerio de elefantes.

Harry solo se ve capaz de llegar a unas montañas de camino al cementerio, pero admite que más allá necesitaran la ayuda de Tarzán.

A la mañana siguiente, Harry y Martin parten con un nuevo equipo de nativos con la esperanza de superar a Tom y Henry. Pronto localizan al equipo de Pierce y Van Ness, que avanzan a unos cuatrocientos metros por delante de ellos, y deciden seguirles a una distancia prudente. Poco después divisan las montañas, pero Saidi descubre que la tribu de los Gaboni, caníbales, han matado a miembros de la expedición de Pierce y Van Ness. Un trecho más adelante, Van Ness aparece muerto con una flecha en la frente y colgado boca abajo. Pierce también aparece muerto, y los tambores de los Gaboni comienzan a escucharse. Tras recuperar el mapa, la expedición de Harry y Martin aceleran el paso hacia las montañas, mientras los Gaboni empiezan a masacrar a los miembros de su expedición. Al llegar al Monte Mutia, los Gaboni abandonan la persecución, ya que para ellos es un lugar sagrado.

Sin embargo, en la montaña son atacados por un grupo de gorilas que comienzan a arrojarles piedras, acabando con gran parte de la expedición. Sin embargo, Harry reconoce el grito de Tarzán, que ahuyenta a los gorilas y les permite subir a la cima.

En la cima, Tarzán, Jane y Chita se reúnen con Harry y Martin. Jane les informa que Tarzán les ayudará el resto del camino para que puedan encontrar su marfil. Al anochecer, mientras la expedición descansa, Harry intenta convencer para que regrese a la civilización, pero Jane le expresa que es muy feliz donde está. Harry le regala los vestidos que ha traído, intentando seducirla, pero Jane sigue negándose a regresar. Poco después, Martin baila con Jane y la besa de forma efusiva, sin embargo el hombre se disculpa inmediatamente al verla incomoda. Tarzán se muestra confuso al ver un gramófono tocando música y el aspecto de Jane con un vestido elegante, y se retira con la joven ante los atónitos Harry y Martin.

A la mañana siguiente, Tarzán y Jane van a nadar a un río, tras lo cual Jane es atacada por un león mientras se vuelve a vestir.

Jane profiere un grito como el de Tarzán, quien acude a salvarla acabando con la amenaza. La expedición vuelve a partir, y Tarzán envía un elefante para que abra camino entre la maleza. Poco después, Jane es atacada por un rinoceronte, y Chita resulta herida protegiéndola. Tarzán llega a tiempo para acabar con el rinoceronte, pero Chita pierde la vida dejando a su cría del mismo nombre atrás. Jane se enfrenta a un nuevo problema al ser atacada por un leopardo, y salta al río donde es atacada por un cocodrilo. Una vez más, Tarzán acude al rescate logrando acabar con el cocodrilo. Harry y Martin le solicitan a Jane más elefantes para transportar el marfil, pero cuando la joven se lo comunica a Tarzán, éste se muestra en contra de que se lleven el marfil. Tarzán accede a comunicar el camino de regreso a la expedición, pero se niega a llevarles al cementerio. Enfurecido, Martin acaba con el elefante que les estaba ayudando, y Tarzán le ataca. Jane impide que le haga daño y se marcha con Tarzán, mientras que la expedición decide seguir el rastro del elefante moribundo para que les lleve al cementerio.

Tras atravesar una cascada, el elefante conduce a la expedición al cementerio de elefantes, donde también está enterrado el padre de Jane. Sin embargo, Tarzán llega al lugar al mando de una manada de elefantes, y Jane intenta dialogar con Martin y Harry. Martin decide no llevarse el marfil, y Tarzán accede a que la expedición pase allí la noche, retirando a todos los elefantes. Tras el supuesto acuerdo, Jane visita la tumba de su padre en compañía de Tarzán y le regala una pulsera de su padre. A la mañana siguiente, mientras Tarzán se da un baño, Martin dispara sobre él y lo abandona. Tras esto, Martin le comunica a Jane que un cocodrilo ha acabado con Tarzán, al encontrar la pulsera de Tarzán, Jane decide acompañar a Martin y Harry a la civilización. Sin embargo, Tarzán ha sobrevivido y es rescatado por un hipopótamo. Chita y otros chimpancés atienden sus heridas, tras lo cual Chita le hace entender a Jane que Tarzán sigue con vida. Harry parece dispuesto a buscarle, pero la expedición comienza a oír tambores que anuncian la llegada de la tribu de los Hombres León que comienzan a atacarles.

Harry, Martin y Jane se refugian en unas rocas, y Saidi es capturado intentando recuperar la munición.

Chita logra escapar para buscar a Tarzán, sorteando varios peligros. Ya recuperado, Tarzán comienza a convocar a varios elefantes, gorilas y chimpancés; mientras los Hombres León convocan a varios leones y se disponen a sacrificar a Saidi. Harry intenta salvarle, pero fracasa y es herido por una lanza para terminar siendo devorado por los leones. Martin también es atacado por un león y acaba perdiendo la vida también. Jane enciende un fuego para protegerse y ahuyentar a los leones cuando Tarzán y sus animales llegan al rescate. Los elefantes hacen huir a los leones, y Tarzán acaba con uno salvando a Jane, mientras los Hombres León acaban por retirarse. Tras la lucha, los elefantes recogen el marfil robado para llevarlo de regreso al cementerio, y Jane y Tarzán regresan para reiniciar su vida juntos en la selva.

ESCENA

Sin duda me quedo con la preciosa escena de Tarzán nadando con Jane, desnuda, que tanta controversia provocó en su momento.

TITULO ORIGINAL

Adventures of Superman

CREADORES

Whitney Ellsworth, Robert J. Maxwell

Basándose en los personajes de Jerry Siegel y Joe Shuster

PRODUCCION

Whitney Ellsworth, Bernard Luber, Robert Maxwell, Barney A. Sarecky, Robert H. Justman

REPARTO ORIGINAL

George Reeves (Superman / Kal-El / Clark Kent), Phyllis Coates & Noel Neill (Lois Lane), Jack Larson (Jimmy Olsen), John Hamilton (Perry White), Robert Shayne (Inspector Henderson), Phillis Tead (Profesor Pepperwinkle), Sterling Holloway (Profesor Oscar Quinn), Dani Nolan, Aline Towne & Almira Sessions (Miss Bacharach), Everett Glass (Profesor Lucerne), Robert Rockwell (Jor-El), Aline Towne (Lara), Tom Fadden (Eben Kent), Frances Morris (Sarah Kent)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 19 de Septiembre de 1952 al 28 de Abril de 1958

CANAL DE EMISION

Sindicación

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Leon Klatzkin

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 26 episodios

TEMPORADA 2: 26 episodios

TEMPORADA 3: 13 episodios

TEMPORADA 4: 13 episodios

TEMPORADA 5: 13 episodios

TEMPORADA 6: 13 episodios

Un total de 104 episodios de veinticinco minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

En el año 1951, el productor de películas de “Serie B” Robert Lippert estrenó un film en blanco y negro, de una hora de duración titulada “Superman and the Mole Men”. El film estaba protagonizado por George Reeves y Phyllis Coates en los papeles de Superman y Lois Lane, y contaba con un guion de Robert Maxwell y estaba dirigida por Lee Sholem. La película provocó que se iniciara la producción de una primera serie de televisión titulada “Las Aventuras de Superman” en agosto del mismo año. Sin embargo, la producción se vio interrumpida en numerosas ocasiones, por lo que no fue estrenada hasta septiembre de 1952. Esto tuvo lugar cuando la marca de cereales “Kellogg’s” accedió a patrocinar la serie, tal y como la compañía había hecho previamente con la serie de radio sobre el superhéroe. El enorme éxito de la serie supuso toda una sorpresa para el reparto de la serie, y “Super-Man and the Mole Men” se reeditó y dividió en dos capítulos, titulados “La Gente Desconocida”, que sirvieron para poner punto final a la primera temporada.

Cuando el rodaje de la primera temporada se completó, la actriz Phyllis Coates se embarcó en otros proyectos, por lo que no pudo regresar en la segunda temporada para interpretar a Lois Lane. Noel Neill, quien había interpretado al personaje en el serial cinematográfico, se hizo con el papel, y continuó interpretando a Lois Lane hasta que la serie fue cancelada. El reparto principal permaneció intacto, contando de forma regular con Phillis Tead para interpretar al excéntrico Profesor Pepperwinkle en las últimas temporadas. Para promocionar y anunciar la serie, los miembros del reparto, Reeves, Hamilton y Larson, recibieron dinero extra para aparecer en anuncios de Kellogg’s durante la segunda temporada. Sin embargo, Noel Neill nunca recibió la misma oferta, porque los patrocinadores consideraban que mostrar a Clark Kent desayunando con Lois Lane podría resultar demasiado “sugerente”.

Desde sus comienzos, la serie fue rodada al estilo de un serial cinematográfico.

Su reparto principal usaba el mismo vestuario a lo largo de la serie, para ajustar tomas fuera de secuencia, y ahorrar costes en el presupuesto. Un ejemplo era que todas las escenas que tenían lugar en la oficina de Perry White eran rodadas de forma seguida, para ser ubicadas en futuros episodios. Esto resultaba confuso para el reparto. Se ahorraba más dinero utilizando la oficina de Clark como la de Lois, cambiando los cuadros de las paredes, de forma que no fuera necesario construir un nuevo decorado. En las últimas temporadas, se llevaron a cabo pocas escenas rodadas en exteriores, y la mayoría de los capítulos eran rodados en el estudio. Originalmente, el uniforme de Superman utilizado por Reeves era marrón, gris y blanco, para que adoptara tonos adecuados en las temporadas en blanco y negro. Tras esas dos primeras temporadas, los productores dieron luz verde al rodaje en color, algo inusual para la época. El rodaje de los episodios en color comenzó a finales de 1954, y fueron emitidos en monocromo, comenzando a comienzos de 1955.

Debido a los costes adicionales de rodar en color, los productores redujeron el número de episodios a la mitad, trece en lugar de los veintiséis de la primera y segunda temporada. Esas cuatro últimas temporadas fueron aumentadas con repeticiones de los episodios de las dos primeras temporadas. Las tomas en monocromo de los episodios en color tuvieron que ser tratadas para obtener un contraste similar en los colores del nuevo uniforme de Reeves, al de las dos primeras temporadas, aunque el contraste fue aumentado con cada temporada. De no ser así, los tonos grises de los colores azul y rojo no hubieran sido distinguibles.

Durante los cincuenta últimos episodios, se impuso una actitud apática hacia varios errores de producción. Esto fue resultado de un deterioro en la moral del reparto y el equipo por problemas relacionados con los sueldos, resultado de los costes adicionales de rodar en color.

NOTA PERSONAL

Debo admitir que esta es una de esas series que no ha logrado envejecer bien, quizás por ser el producto de una época muy determinada. A pesar de esto, no dejo de considerarla uno de esos clásicos que todavía disfruto viendo, a pesar de sus evidentes defectos. En la serie, tenemos a un Superman que no se enfrenta a supervillanos, siempre luchando contra gánsters y criminales. Siempre he echado de menos a Lex Luthor, pues no habría sido un personaje difícil de mostrar en la serie. Tampoco tenemos un desarrollo logrado de la relación entre Lois y Clark, que ni siquiera llegan a besarse durante la serie ni una sola vez. Los episodios son auto conclusivos, y no hay tramas que se prolonguen a lo largo de ninguna de las temporadas. Personalmente, mi temporada favorita es la primera, en la que opino que Phyllis Coates interpretaba una Lois Lane más decidida, y menos frágil en términos generales. El personaje de Perry White también me ha parecido siempre muy logrado. Sin embargo, y a pesar de su popularidad, nunca he logrado digerir a Larson como Jimmy Olsen, ya que hacía que el personaje pareciera bastante estúpido.

George Reeves siempre me ha parecido un buen Superman, si bien no es ni de lejos el mejor. Me gustaba la dualidad de Clark y Superman, aunque reconozco que con el paso de cada temporada, estaba cada vez más fondón, lo que hacía que las mallas le quedaran bastante ridículas. Su vuelo tampoco estaba tan mal, sobre todo considerando la época de la serie. Lamentablemente, el actor fallecería un año después del último episodio, supuestamente suicidándose. Pero a pesar de todos estos defectos, es innegable que la serie fue todo un éxito en su momento, logrando durar un total de cuatro temporadas, y se ha convertido en todo un clásico sobre el Hombre de Acero.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: El consejo del planeta Kriptón se reúne para analizar los estudios del científico Jor-El sobre recientes catástrofes en el planeta.

Jor-El anuncia que el planeta se enfrenta a una inminente destrucción, y que ha diseñado un cohete para transportar a toda la población a otro planeta. Sin embargo, el científico no es tomado en serio. De regreso a casa con su esposa Lara, Jor-El observa como el planeta está empezando a destruirse antes de lo previsto. El científico solo tiene un pequeño prototipo de cohete, y la pareja decide que su bebé Kal-El sea el que salve la vida. Tras lanzar el cohete, Kriptón explota acabando con toda su población. El cohete se estrella a las afueras del pueblo de Smallville, en la Tierra, donde Eben y Sarah Kent rescatan al bebé antes de que explote sin dejar rastro. Los Kent deciden adoptar al bebé, al que deciden llamar Clark. A los doce años, Clark descubre su verdadero origen, lo que explica sus habilidades sobrehumanas. Ya como adulto, Clark pierde a su padre, víctima de un ataque al corazón, y se prepara para trasladarse a Metrópolis, donde buscará un trabajo mientras usa sus poderes para luchar contra el crimen. Sarah Kent le despide entregándole un uniforme creado con las telas que le envolvían cuando era un bebé.

Clark consigue un trabajo como periodista en el Daily Planet, dirigido por Perry White. Allí se hace amigo de la periodista Lois Lane y el joven Jimmy Olsen. Clark utiliza sus poderes por primera vez para rescatar a un obrero que cae desde un dirigible, convirtiéndose en Superman, protector de Metrópolis. En su primera misión ayuda a Jimmy a acabar con una red de contrabandistas operando en un faro, y a menudo asiste a Lois y Jimmy mientras realizan sus investigaciones. Entre otras aventuras, Superman rescata a una niña impedida, derrota a gánsters que han robado una máquina de control mental, a un criminal que utiliza un suero hipnótico, y debe recuperar su uniforme robado. También derrota a un maestro inca del vudú, destruye un robot robado por criminales, y descubren la verdad tras la supuesta aparición de un supuesto hombre lobo. En Silsby, Tejas, Superman impide que los habitantes del pueblo acaben con Hombres Topo procedentes de las profundidades de la Tierra, a los que ayuda a regresar a su hogar.

SEGUNDA TEMPORADA: En sus nuevas aventuras, Superman salva a un hombre inocente llamado Winters de ser ejecutado, al probar su inocencia. También ayuda a un exconvicto a escapar de la amenaza de unos criminales y retomar su vida, detiene a un grupo de falsos magos dedicados a robar las casas de sus espectadores, y rescata al piloto Chris White de manos de unos criminales. Tras ayudar a un joven fotógrafo cuya foto delata las actividades criminales de una banda, Superman se enfrenta a Harry King, quien ayudado por un científico que ha descubierto que la Kriptonita puede dañar a Superman. Tras capturar a Lois y Jimmy atraen a Superman a una trampa, derrotándole con la Kriptonita. Sin embargo, Lois y Jimmy logran librarse de la Kriptonita, y los criminales perecen intentando escapar de Superman. Tras acabar con un desastre atómico, Superman debe exiliarse para eliminar los restos de radiación en su cuerpo. Entre otras aventuras detiene a un criminal Boulder, que se hace pasar por él; y tras un breve tiempo con amnesia, impide que un asteroide se estrelle contra la Tierra.

Superman también rescata al Profesor Oscar Quinn cuya máquina “Kelso” ha sido utilizada para planear crímenes. También rescata a una expedición secuestrada en la selva, enfrenándose a un gorila al que van a sacrificarles; tras lo cual detiene a un criminal llamado Crackers, con ayuda del payaso Rollo, antes de que robe la recaudación de dinero destinada a niños con distintas necesidades. Clark también ayuda a reformar a un joven llamado Frankie, con ayuda de Jimmy, antes de que acabe sumergido en una vida de crimen; y detiene a unos criminales que secuestran a Lois, quien ha comenzado a sospechar que Clark y Superman son la misma persona. Otras aventuras incluyen a Perry White trabajando como reportero y Superman derrotando al Destructor que fracasa en su intento de destruir un barco. Jimmy Olsen asume la dirección de Daily Planet por un día; y recibe ayuda de Superman para desenmascarar a una criminal que se hace pasar por un fantasma. También ayuda a derrotar al Capitán de un barco dedicado a robar tesoros antiguos.

Tras ayudar de nuevo al Profesor Quinn a recuperar una formula explosiva de manos de unos criminales; Superman ayuda a una joven ciega a recuperar la vista, la lleva volando por todo el mundo, y ayuda a que se reencuentre con su padre.

TERCERA TEMPORADA: El Profesor Twiddle ha inventado una máquina del tiempo, y accidentalmente envía a Clark, Lois, Jimmy, Perry y un gánster a la prehistoria. Gracias a Superman, todos logran regresar al presente y el gánster es arrestado. Superman también ayuda a probar la inocencia del hijo del Inspector Henderson en una supuesta asociación con un criminal, ayuda a Perry White a desenmascarar a un falso fantasma de Julio César, y al jefe de una tribu india a asumir el liderazgo de la misma. También logra evitar que unos criminales se hagan con una muestra de kriptonita. Jimmy experimenta por un tiempo breve lo que significa ser millonario, y los riesgos que conlleva. Cuando Clark es incriminado en un robo, se infiltra en la banda de ladrones para probar su inocencia.

Superman también desenmascara el uso de un falso talismán protector; y Jimmy es brevemente confundido con el Príncipe Gregorio de Burgonia, lo que le pone en peligro evitado gracias a Superman.

CUARTA TEMPORADA: Superman acaba con un grupo criminal que ha estado usando su influencia en carreras de caballos para obtener beneficios. Con ayuda del Doctor Watts, unos criminales congelan a Superman para anular sus poderes y hacerse con la victoria de unas elecciones para alcalde, pero el arrepentido científico ayuda al héroe a recuperarse. Cuando Perry White descubre un método de extraer uranio del agua del mar, unos criminales intentan hacerse con la formula, pero fracasan gracias a Superman. El Profesor Pepperwinkle crea un invento que afecta al sistema nervioso, y Superman impide que unos criminales lo usen para sus propósitos. El criminal Kid Collins, de igual aspecto que Olsen, se hace pasar por Jimmy para encontrar documentos y dinero en la oficina de Clark, pero termina siendo derrotado por Superman.

Lois tiene un sueño en el que Superman le pide matrimonio y confiesa ser Clark Kent, pero no tarda en despertarse decepcionada. Superman ayuda al Inspector Henderson contra criminales que intentan sobornarle; y también debe superar de nuevo los efectos de la kriptonita. Superman también se enfrenta y derrota al villano invisible llamado Espectro; e impide el bombardeo de unas islas del sur.

QUINTA TEMPORADA: Al ayudar a una mujer a huir del telón de acero, Superman se convierte en contrabandista de joyas de forma inadvertida, pero logra solventar la situación. Con ayuda de Jimmy y el Inspector Henderson, Superman resuelve el misterio de un pueblo que cambia de ubicación. Miembros del Culto de Zaharan confunden a Lois con su reina, y Superman debe acudir al rescate. Cuando un almacén del Daily Planet termina incendiado, Perry recibe la ayuda de Superman para detener a un dúo de criminales responsables que saquean sus objetivos. Un joven niño ayuda a Superman a resolver el robo de una elefanta llamada Suzy.

En el Daily Planet, Clark conoce a un pequeño marciano al que denominan Mister Cero. El extraterrestre tiene el poder de congelar a la gente brevemente al señalarles, y un grupo de criminales intenta explotar dicho poder. Sin embargo, Superman consigue evitarlo y ayudar a Mister Cero a regresar a casa. Accidentalmente, Jimmy crea un compuesto químico que brevemente elimina el efecto de la gravedad. Cuando criminales intentan hacerse con el compuesto, Superman lo impide. Sin embargo, el laboratorio de Jimmy con sus creaciones resulta destruido.

SEXTA TEMPORADA: Un grupo de criminales que se hace pasar por Caballeros de la Mesa Redonda captura a Lois y Jimmy, con la intención de hacerse con una joya. Cuando el líder de los Caballeros traiciona a sus compañeros, es Superman quien termina por derrotarle. Perry White y su equipo viajan a un país de Sudamérica con la idea de publicar una edición latina del Daily Planet. Durante la visita, Superman termina por salvar al Presidente Patillo de un golpe de estado a manos del vicepresidente Obreron.

Procedente del Telón de Acero, el Doctor Ladislav ha sido expuesto a productos radiactivos, y agentes secretos de su país intentan chantajearle para que cree una bomba nuclear para su gobierno. Superman derrota a los criminales, y usa sus poderes para que Ladislav deje de emitir radioactividad. El Profesor Pepperwinkle crea otro desastroso invento, un spray que borra recuerdos recientes. Superman debe evitar que un grupo de criminales se haga con el invento. Otro grupo de criminales se hacen con robot, con la idea de usarlo para atacar a Superman con Kriptonita, pero los criminales fracasan de nuevo. Una agente de policía se hace pasar como prometida de Superman, para que el héroe consiga arrestar al criminal conocido como Mister X. Finalmente, cuando el Profesor Pepperwinkle inventa una máquina capaz de convertir el metal en oro, convirtiéndose en objetivo de criminales. Durante la aventura, Jimmy queda inconsciente, y tiene una alucinación en la que él y Lois experimentan como sería tener poderes como los de Superman. El superhéroe acude al rescate de sus amigos, y Pepperwinkle decide terminar con su último invento.

ESCENA

Imposible encontrar escenas en español, aquí dejo simplemente la introducción de los episodios en blanco y negro.

FECHA DE ESTRENO

12 de Febrero de 1931

TITULO ORIGINAL

Dracula

DIRECTOR

Tod Browning

PRODUCTORES

Tod Browning, Carl Laemmle Jr.

GUION
Garrett Fort

Basado en la novela de Bram Stoker y la obra de Hamilton Deane y John L. Balderston

REPARTO

Bela Lugosi (Conde Drácula), Helen Chandler (Mina Seward), David Manners (John Harker), Dwight Frye (Renfield), Edward Van Sloan (Van Helsing), Herbert Bunston (Doctor Seward), Frances Dade (Lucy Weston), Joan Standing (Enfermera Briggs), Charles K. Gerrard (Martin)

CINEMATOGRAFÍA

Karl Freund

BANDA SONORA

Inaplicable

DISTRIBUIDA POR:

Universal Pictures

DURACIÓN
85 minutos

CONDE DRÁCULA: “Yo soy Drácula.”

RENFIELD: “Mucho gusto en conocerle. Nos sé que ha pasado con el cochero ni con mi equipaje. Con todo esto, yo, yo… creía que me había equivocado de lugar.”

CONDE DRÁCULA: “Le doy la bienvenida. Escuche, los niños de la noche. ¡Que música la suya! Las arañas tejen sus telas para cazar moscas. La sangre es la vida, Señor Renfield.”

CURIOSIDADES

La novela de Bram Stoker ya había sido adaptada al cine sin permiso alguno en 1922, bajo el título “Nosferatu el Vampiro”, a manos del director alemán expresionista Friedrich Wilhelm Murnau. La viuda de Bram Stoker le denunció por plagió y violación de copyright, y logró ganar el juicio y una orden para destruir todas las copias de “Nosferatu el Vampiro”. Un joven y entusiasta productor de Hollywood, Carl Laemmle Jr, también vio el potencial económico de la obra de Stoker, y logró hacerse con los derechos de la novela de forma legal. Originalmente, deseaba que “Drácula” se convirtiera en un espectáculo de gran escala, al estilo de películas mudas como “El Jorobado de Notre Dame” (1923) o “El Fantasma de la Opera” (1925).

Una adaptación de “Drácula” en Broadway, a manos de Deane y Balderston, se convirtió en anteproyecto de la película mientras su producción avanzaba. Los guionistas también estudiaron cuidadosamente la versión no autorizada de Nosferatu para obtener inspiración para el nuevo proyecto. Ejemplo de ello fue la escena en la que Renfield se corta el dedo accidentalmente con un papel en el palacio de Nosferatu, y el Conde intentaba abalanzarse sobre el dedo para chupar la sangre, antes de sentirse ahuyentado por un crucifijo. Dicha escena no aparece en la novela de Stoker, y fue repetida en el nuevo proyecto.

El proceso de casting para determinar el reparto de la película resultó ser bastante problemático. Inicialmente, Laemmle no estaba interesado en Bela Lugosi, a pesar de las buenas críticas que había obtenido en su interpretación del personaje en Broadway en 1927. Laemmle consideró a otros actores que incluían a Paul Muni, Chester Morris, Ian Keith, John Wray, Joseph Schildkraut, Arthur Edmund Carewe y William Courtnay.

Lugosi tuvo la buena suerte de encontrarse en Los Ángeles con una compañía de la obra de teatro, cuando la película estaba atravesando el proceso de casting. En contra de las opiniones de todo estudio, Lugosi luchó duramente por hacerse con el papel y al final logró ganarse a los ejecutivos del estudio, en parte por aceptar el ridículo sueldo de quinientos dólares semanales, por siete semanas de trabajo.

La producción resultó ser un proceso bastante desorganizado, con el entonces meticuloso Tod Browning dejando que el cinematógrafo Karl Freund controlara la mayor parte del rodaje. Esto convirtió a Freund en una especie de director no acreditado de la película. Las escenas de los miembros de la tripulación del barco, pasando por dificultades en medio de una violenta tormenta, fueron tomadas de una película muda de Universal Pictures, “The Storm Breaker” (1925). La escena había sido rodada a la velocidad de proyección propia de una película muda, siendo acelerada a velocidad de película sonora, incluyendo escenas nuevas que incluían a los personajes de Drácula y Renfield.

El dramatismo histriónico de la obra de teatro también se reflejó en sus efectos especiales, que se limitaron a uso de niebla y luz artificiales, asó como grandes murciélagos flexibles. La transformación de Drácula en murciélago siempre tenía lugar fuera de cámara, y tampoco se mostraron sus colmillos o las señales en los cuellos de sus víctimas en momento alguno. La película también fue censurada, y aunque la muerte de Lucy no se iba a mostrar de forma directa, la escena en la que Van Helsing y Harker visitaban su tumba fue cortada. La muerte de Drácula tampoco se mostró, y el ataque del vampiro sobre Harker fue cortado por orden del estudio, el cual señaló que Drácula solo atacaba mujeres. Por otro lado, la película hizo uso de periodos extensos de silencio y primeros planos de los personajes para obtener un efecto dramático. Dicho estilo era propio de las películas mudas a las que el director Tod Browning estaba acostumbrado, ya que las había dirigido desde 1915. De hecho el director nunca se llegó a sentir cómodo con películas de sonido, y solo dirigió unas pocas más, la última en 1939.

Debido a las limitaciones de añadir una banda Sonora a una película durante la década de 1930, no se compuso ninguna específica para la película. En lugar de esto, se utilizó música clásica de Tchaikovski, Wagner o Schubert. Como era habitual en la película se produjo una versión en español de la película, haciendo uso de los mismos decorados. En dicho caso Carlos Villarías se encargó de interpretar al Conde Drácula, y George Melford se encargó de la dirección.

NOTA PERSONAL

Sin duda se trata de un clásico sobre el señor de los vampiros, aunque personalmente siempre he considerado que esto se debe a la magistral interpretación de Bela Lugosi. Siendo un gran fan de Drácula, debo reconocer que de entre sus clásicos antiguos, “Nosferatu el Vampiro” sigue siendo la película que más me ha inquietado siempre, y todavía lo sigue haciendo a través de ciertas escenas.

El problema de este clásico de Bela Lugosi es que no deja de ser una película en medio de la transición entre el cine mudo y el sonoro. Evidentemente, con los derechos de la famosa novela en mano, el equipo de producción consiguió realizar una versión bastante más fiel a la novela, aunque siguen existiendo diferencias. Más concretamente, el personaje de Renfield abarca gran parte del papel de Harker en la novela, siendo el abogado enviado a tratar con Drácula en Transilvania.

La película es una obra maestra, pero desde mi punto depende demasiado de la sugestión evitando cualquier escena de terror. Este defecto llega al extremo de convertirla en la única película del vampiro en el que no se pueden ver sus colmillos en ningún momento. Todo el “terror” depende de la interpretación de Lugosi, y ni siquiera el personaje de Lucy posee un mínimo protagonismo. Por otro lado, siempre me ha parecido que los decorados eran excepcionales, sobre todo para la época. El castillo de Drácula me pareció muy logrado, sobre todo en la entrada donde el Conde recibe a Renfield.

Sin embargo, también hay algunas incongruencias, como la presencia de armadillos, nativos de América, en un castillo de Transilvania. También me gustó mucho la ambientación de las catacumbas de su residencia en Carfax Abbey, Londres, donde tiene lugar el enfrentamiento final de la película.

Los efectos especiales son sencillos, pero en este caso no son el problema, originándose este en una censura propia de la época. Y es que ni siquiera podemos ser testigos del final del señor de los vampiros. Quizás se deba a lo que ha afirmado gran parte de la crítica, más concretamente la inexperiencia de Tod Browning realizando películas con sonido. Sin embargo, estas deficiencias más que justificables se solventan gracias a la brillante interpretación de Bela Lugosi, aunque siempre he sido más fan de Christopher Lee como Drácula. Con otro actor en el proyecto, no me cabe duda de que la película no habría funcionado.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Un abogado llamado Renfield llega a un pueblo de Transilvania, de camino al castillo del Conde Drácula, donde tiene negocios pendientes con él. Los habitantes del pueblo le advierten que no deben ir, advirtiéndole de la existencia de vampiros en el castillo, que se alimentan de la sangre humana. Renfield considera que todas esas historias son meras supersticiones, y anuncia que procederá a reunirse con el Conde Drácula. Una habitante de la aldea le regala un crucifijo, indicándole que le protegerá del mal. Mientras tanto, en el castillo del Conde Drácula, tres mujeres surgen de ataúdes ante la visión del Conde Drácula. El cochero lleva a Renfield hasta una encrucijada, donde le ordena bajar del carruaje arrojando su equipaje. Sin embargo, otro carruaje aguarda a Renfield, con Drácula haciéndose pasar por el cochero, indicándole que suba sin murmurar palabra. De camino al sombrío castillo, Renfield observa como el coche está siendo dirigido por un enorme murciélago, mientras que el cochero ha desaparecido.

El interior del castillo se encuentra en ruinas, lleno de alimañas y telas de araña. Allí, Drácula le da bienvenida a Renfield, al que conduce a sus aposentos a través del destartalado castillo. Ambos llegan a una parte más acogedora del castillo, donde le ha preparado algo de cenar. Drácula le solicita el alquiler solicitado para la mansión de Carfax Abbey en Londres, y le comunica que está listo para trasladarse al día siguiente. Manejando sus papeles, Renfield se corta un dedo que comienza a sangrar. Drácula se aproxima a él con una expresión amenazadora, pero no ataca al abogado al ver su crucifijo. Durante la noche, Renfield se siente mareado y abre una ventana por la que entra un murciélago. El abogado se desmaya mientras las tres esposas de Drácula se aproximan a él. Drácula les ordena que se retiren y procede a atacar a Renfield.

A bordo de la goleta Vesta, de camino a Londres, Renfield se ha convertido en un esclavo lunático del Conde Drácula, oculto en su ataúd, que procede a alimentarse de toda la tripulación.

Cuando la goleta llega a Inglaterra, las autoridades encuentran solamente a Renfield con vida, convertido en un demente. Renfield es enviado al manicomio del Doctor Seward, junto al lado de Carfax Abbey. Tras atacar a una joven florista, Drácula acude a un teatro de Londres, donde se presenta al Doctor Seward. El Doctor le presenta a su hija Mina, su prometido John Harker, y a Lucy Weston quien se siente fascinada por el Conde. Esa misma noche, el Conde Drácula se introduce en la habitación de Lucy Weston, donde se alimenta de su sangre.

Al día siguiente, y a pesar de recibir varias transfusiones de sangre, Lucy Weston fallece. Mientras tanto, en el manicomio, Renfield se ha obsesionado por consumir arañas y moscas. El Profesor Van Helsing analiza la sangre de Renfield y descubre marcas en el cuello de Lucy, por lo que le hace saber a Seward que el problema no es otro que la existencia de vampiros que se alimentan de la sangre de seres humanos.

Van Helsing y Seward se reúnen con Renfield, que se siente incómodo ante el primero. Renfield le suplica a Seward que le libere, o tendrá que sentirse responsable de lo que le suceda a su hija. Al anochecer, Drácula visita el dormitorio de Mina y se alimenta de su sangre, habiendo comunicado sus intenciones antes a un desesperado Renfield.

Al día siguiente, Mina le explica a Harker un horrible sueño en el que un hombre terrorífico la atacaba. Van Helsing la visita e inspecciona, descubriendo dos marcas en su cuello. Justo en ese momento, Drácula aparece para visitar a la familia. Seward saluda a Drácula y le presenta a Van Helsing, quien se percata de que el Conde no se refleja en un espejo. Van Helsing le muestra lo descubierto a Harker, y le muestra el espejo a Drácula quien lo arroja al suelo enfurecido y se retira tras disculparse ante el Doctor Seward. Tras su marcha, Harker se percata de que un lobo se está marchando. Van Helsing les explica a Harker y Seward que Drácula es el vampiro responsable de las últimas tragedias. Mientras tanto, Mina abandona su habitación y se reúne con Drácula en el jardín, donde vuelve a ser atacada.

Renfield, que ha escapado del manicomio, se presenta ante Harker y Seward, a los que comunica que Van Helsing tiene razón, y que Mina ha vuelto a ser atacada. Una doncella comunica a los caballeros que Mina se encuentra inconsciente en el jardín, y ambos acuden a recogerla.

Poco después, los periódicos anuncian que una mujer vestida de blanco está atrayendo a niños al parque durante la noche, para atacarles. Mina le comunica a Van Helsing que la mujer de blanco no es otra que la propia Lucy. Harker desea enviar a Mina a Londres para que se encuentre segura, pero Mina le convence para que le permita quedarse con Van Helsing. El profesor contrata a una enfermera para que cuide de Mina en su dormitorio, protegido por acónito, una planta que repele a los vampiros. Renfield es interrogado, y revela como Drácula le convenció para ingresar en el manicomio, a cambio de proporcionarle ratas cuya sangre le otorgarían vida. Mientras Renfield es llevado de regreso al manicomio, Drácula visita a Van Helsing e intenta atacarle, advirtiéndole que Mina le pertenece. Sin embargo, Van Helsing le promete que excavara todo Carfax Abbey hasta encontrar y destruirle.

Drácula fracasa en su intento de hipnotizar a Van Helsing, quien le obliga a escapar gracias a un crucifijo.

Harker se reúne con Mina en la terraza, y mientras ambos conversan un enorme murciélago aparece comunicándose con Mina. Tras esto, Mina ataca a su prometido, pero Van Helsing la espanta con un crucifijo salvando la vida de Harker. Mina confiesa que Drácula la ha estado acosando y atacando; y que Van Helsing ha deducido la verdad. Al anochecer, Drácula consigue hipnotizar a la enfermera que cuida de Mina, para que retire todo el acónito del dormitorio. Gracias a esto, Drácula es capaz de llevarse a Mina; mientras Harker y Van Helsing observan como Renfield se dirige a Carfax Abbey. Renfield se reúne con su amo, mientras Harker y Van Helsing observan la escena, y el joven intenta apelar a la hipnotizada Mina. Pensando que Renfield le ha traicionado, Drácula acaba con su vida. Sin embargo, ante el amanecer inminente, Drácula se ve obligado a refugiarse en su ataúd. Harker y Van Helsing le localizan, y el joven acude en busca de Nina, mientras Van Helsing acaba con el vampiro atravesando su corazón con una estaca. Tras la destrucción del Conde Drácula, Nina queda libre de su control y se marcha con su prometido, mientras Van Helsing permanece atrás para acabar con los restos.

ESCENA

Aquí dejo un tráiler de la película, con subtítulos en español.

FECHA DE ESTRENO

23 de Mayo de 2014

TITULO ORIGINAL

X-Men: Days of Future Past

DIRECTOR

Bryan Singer

PRODUCTORES

Bryan Singer, Lauren Shuler Donner, Simon Kinberg, Hutch Parker

GUION
Simon Kinberg

REPARTO

Hugh Jackman (Logan / Lobezno), James McAvoy & Patrick Stewart (Charles Xavier), Michael Fassbender & Ian McKellen (Erik Lehnsherr / Magneto), Jennifer Lawrence (Raven / Mística), Halle Berry (Tormenta), Nicholas Hoult & Kelsey Grammer (Hank / Bestia), Anna Paquin (Pícara), Ellen Page (Kitty Pryde), Peter Dinklage (Bolivar Trask), Shawn Ashmore (Bobby / Hombre de Hielo), Omar Sy (Bishop), Evan Peters (Peter / Mercurio), Josh Helman (William Stryker), Daniel Cudmore (Coloso), Fan Bingbing (Blink), Adan Canto (Mancha Solar), Booboo Stewart (Sendero de Guerra), Famke Janssen (Jean Grey), James Marsden (Scott Summers), Lucas Till (Kaos), Evan Jonigkeit (Sapo)

CINEMATOGRAFÍA

Newton Thomas Sigel

BANDA SONORA

John Ottman

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
131 minutos

PRECEDIDA POR:

Lobezno Inmortal

XAVIER PASADO: “Así que acabamos de este modo. Erik tenía razón, la humanidad nos hace esto.”

XAVIER FUTURO: “No si le enseñamos un camino mejor.”

XAVIER PASADO: “¿No has perdido la fe?”

XAVIER FUTURO: “Solo porque alguien tropiece y pierda el rumbo, no implica que sea un caso perdido. A veces todos necesitamos un poco de ayuda”

XAVIER PASADO: “Yo ya no soy el hombre que fui. Abro mi mente, y entonces siento que me sobrepasa.”

XAVIER FUTURO: “Tienes miedo, y Cerebro lo sabe bien.”

XAVIER PASADO: “Todas esas voces. Es mucho dolor.”

“No es su dolor lo que te asusta. Es el tuyo Charles. Pero aunque parezca aterrador, el dolor te hará más fuerte. Si consigues sentirlo como tuyo, aceptarlo, te hará más poderoso de lo que te puedas imaginar. Ese es el mayor don que tenemos, soportar el dolor de otros sin derrumbarnos, y nace del dolor más humano que existe, la esperanza. Por favor, Charles, necesitamos que no pierdas la esperanza.”

CURIOSIDADES

En agosto de 2006, la productora Lauren Shuler Donner declaró que continuar la saga de “X-Men”, tras “La Decisión Final” iba a requerir nuevas renegociaciones. Los nuevos miembros del reparto de la última película habían firmado para participar en una cuarta películas, pero los antiguos no lo habían hecho. Donner consideraba que había cuarenta años de publicaciones de grandes historias sobre los X-Men, aunque siempre había sentido una gran predilección por la saga de “Días del Pasado Futuro”. Tras el estreno de “X-Men: Primera Generación”, Donner le entregó a Bryan Singer una idea para realizar una cuarta película que continuara la trilogía original. Sin embargo, la “20th Century Fox” consideraba que “Primera Generación” debía ser la primera película de una nueva trilogía. Matthew Vaughn y Bryan Singer iban a encargarse de la dirección de la segunda parte, considerando que la primera había tenido la misión de presentar a una serie de nuevos personajes, y una segunda parte podía dar mucho más juego.

A la hora de discutir el comienzo del film, Vaughn consideró que sería divertido empezar con el asesinato del Presidente Kennedy, y revelar que la famosa “bala mágica” había sido controlada por Magneto. Singer opinaba que un buen tema a tratar era el de movimiento de derechos civiles de la década de 1970, o la mismísima Guerra de Vietnam. También consideró que se podía volver a usar al personaje de Lobezno, ya que era el que gozaba de más popularidad en la franquicia. Singer también consideró cambiar la historia de la franquicia, de forma que eliminaran las tramas de la línea temporal trilogía original.

Simon Kinberg se encargó de escribir el guion, con la intención de poner énfasis en el futuro de la franquicia de los X-Men. Haciendo uso del reparto de la trilogía original y la de “Primera Generación”, era necesario tener claro cuál era el destino de la nueva película. Kinberg estudió varias películas acerca de los viajes temporales, como la trilogía de “Regreso al Futuro”, o la franquicia “Terminator”.

Tras esto, Singer delineó unas normas y filosofía acerca de los viajes temporales, para que la historia fuera lo más plausible posible. A la hora de decidir quién viajaría al pasado, el equipo tuvo que descartar a Kitty Pryde, personaje que lo hacía en la famosa saga “Días del Futuro Pasado” de los cómics. La razón era que el personaje no había nacido todavía en 1973. Se consideró utilizar al personaje de Rachel Summers, pero se descartó para que solo existiera una única línea temporal, y no hacer uso de realidades alternativas. También porque en “La Decisión Final” Scott y Jean habían fallecido, por lo que resultaba imposible que tuvieran una hija. También se consideraron a personajes como Cable y Bishop, pero se optó por usar a Lobezno bajo la lógica del que personaje ya existía en 1973, y su factor curativo le permitía soportar el viaje mental. La tarea de enviar su consciencia al pasado recayó sobre Kitty, para honrar de alguna parte su papel en la saga, concediéndole el poder secundario usar su habilidad de fase para enviar consciencias al pasado. A la hora de hacer uso de personajes para la historia, se consideraron los de Juggernaut, Júbilo, Rondador Nocturno y Mariposa Mental.

Sin embargo se optó por usar los de Mancha Solar, Sendero de Guerra, Bishop y Blink en el futuro. En el pasado se optó por usar a Mercurio, con ciertas distinciones del mismo personaje que iba a ser utilizado para “Vengadores: La Era de Ultron”.

Originalmente, Pícara tenía un papel más relevante, usando sus poderes para tomar el relevo de una herida Kitty Pryde, pero sus escenas terminaron por ser cortadas. Para Singer había ciertos temas importantes en la película. El primero era que Magneto podría haber tenido razón con respecto a sus temores desde el principio. El segundo era mostrar a los personajes del pasado perdidos y sin rumbo en sus vidas, siendo esto una dificultad añadida para evitar un futuro desastroso. Los Efectos Visuales recibieron una nominación a los Oscar, pero el premio recayó en la película “Interstellar”.

NOTA PERSONAL

La verdad es que debo reconocer que esta nueva trilogía está superando la original, no solo en lo relativo a efectos especiales (algo lógico), sino también en la calidad de las historias.

Por otro lado, me ilusionó mucho la perspectiva del retorno del gran Bryan Singer como director. Lo genial de esta nueva trilogía es la relación tan bien reflejada de las historias de los mutantes con la historia en términos generales. Si bien es cierto que “Primera Generación” me gustó mucho más, el tono oscuro de esta película me pareció formidable, y también disfruté del regreso de los antiguos actores de la trilogía original. Por otro lado, la idea de cambiar toda la línea temporal me pareció formidable, por fin eliminando los sucesos de la nefasta “La Decisión Final”.

En cuanto a los personajes, Fassbender me sigue fascinando en el personaje de Magneto, pero debo añadir la genialidad de Evan Peters en un inusual Mercurio. Me defraudó un poco la presentación de personajes como Mancha Solar y Sendero de Guerra, pero el personaje de Blink me pareció muy logrado. Las ideas nuevas en relación a los Centinelas también me gustaron mucho. No quiero extenderme demasiado.

Aun sabiendo que hay puristas que nunca quedan conformes, yo disfruté mucho de la película, y no veo el momento de ver “X-Men: Apocalipsis”, que también promete.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

El futuro se ha tornado oscuro y fatal para todos los mutantes del planeta. Unos robots conocidos como Centinelas se dedican a exterminar mutantes, o cazarlos y someterlos en campos de concentración. Los Centinelas son igualmente radicales con aquellos humanos que siguen apoyando a los mutantes. Kitty Pryde, Coloso, Hombre de Hielo, Bishop, Sendero de Guerra, Mancha Solar y Blink se han convertido en un grupo de mutantes fugitivos, escapando constantemente de los Centinelas. Durante un ataque de los robots, Kitty utiliza sus poderes de fase para enviar la mente de Bishop unas horas antes del ataque, para que avise a sus compañeros del ataque y puedan escapar. De esta forma, el grupo logra escapar siempre, hasta llegar hasta China. Allí, el grupo se reúne con el Profesor Xavier, Magneto, Lobezno y Tormenta, para intentar formular un plan que acabe con la amenaza. Xavier explica que en 1973, Mística asesinó a Bolivar Trask, creador de los Centinelas.

El asesinato provocó que Mística pudiera ser capturada, y se utilizara su ADN para mejorar a los Centinelas, de forma que pudieran adaptarse a los poderes de los mutantes que atacaban, lo que les convertiría en invencibles. De esta forma, los mutantes planean enviar la mente de Lobezno a su cuerpo en dicho año, para que evite el asesinato de Trask, y así el futuro fatal pueda ser evitado. Xavier le recomienda que le busque en el pasado, así como a Magneto, para llevar a cabo la tarea. Kitty procede a usar sus poderes, y envía la mente de Lobezno al pasado.

En 1973, Lobezno despierta en su cuerpo más joven, todavía desprovisto de adamantium. Mientras tanto, Mística rescata a Kaos, Sapo, Tinta y Pincho de manos William Stryker en Vietnam. Logan se dirige a la Mansión X, donde se encuentra con Xavier y la Bestia. El instituto ha cerrado sus puertas con la mayoría de los profesores y estudiantes fueron reclutados para la Guerra de Vietnam.

Xavier ha estado usando un suero diseñado por la Bestia, que le permite caminar de nuevo pero anula sus poderes telepáticos. El Profesor también se ha sumido en una profunda depresión, considerando su plan de ayudar a los mutantes un fracaso. Logan consigue convencer a Xavier del fatídico futuro que le espera, y de que es necesario que colabore con Magneto para evitar que Mística asesine a Trask, y termine siendo capturada para ser utilizada en la creación de los mortales centinelas. Sin embargo, Magneto ha sido arrestado y está encerrado en una celda especial bajo el Pentágono. Magneto ha sido acusado de asesinar al Presidente Kennedy. Para liberarle, Logan sugiere que cuenten con un joven mutante capaz de moverse a gran velocidad, llamado Peter.

Logan, Xavier y Bestia consiguen convencer a Peter, un cleptómano adicto a misiones complicadas, para que les ayude. Con ayuda de Peter, el grupo consigue liberar a Magneto de prisión, y le explican todo lo sucedido.

A pesar de esto, Magneto se siente resentido, culpando a la inactividad de Xavier de las muertes de Ángel, Banshee, Emma Frost, Azazel y otros mutantes. Mientras tanto, Bolivar Trask presenta su programa de Centinelas al congreso, advirtiéndoles del peligro que los mutantes representan para la sociedad. A pesar de esto, el programa es rechazado por el congreso. Al mismo tiempo, Mística se infiltra en las oficinas de Trask, y descubre que el científico ha estado capturando a mutantes, y experimentando con ellos con la intención de mejorar sus Centinelas. También descubre que Trask viajara a Paris, durante su conferencia de paz, con la intención de vender sus Centinelas a naciones comunistas.

Xavier, Magneto, Logan y Bestia también viajan a Paris con la esperanza de interceptar a Mística, antes de que asesine a Trask. Mística ha capturado a un general vietnamita, para hacerse pasar por él e infiltrarse en la conferencia de presentación de Trask. El científico presenta su tecnología, la cual le hace ver que hay un mutante en la sala, y Mística se identifica para intentar asesinarle.

Justo en ese momento, Xavier y sus aliados llegan para impedirlo, provocando una confrontación. Logan pierde brevemente al ver a Stryker en la sala; mientras Magneto decide intentar asesinar a Mística para evitar que su ADN sea utilizado para mejorar a los Centinelas. La batalla se traslada a las calles, donde Bestia intenta retener a Magneto, otorgándole a Mística la oportunidad de escapar. Logan se recupera, pero Magneto logra escapar también, y la batalla entre mutantes ha sido grabada ante la presencia de civiles, preocupando al gobierno. Debido a esto, el Presidente Nixon decide aprobar el programa de los Centinelas de Trask.

Bolivar Trask recibe muestras de sangre del escenario de la batalla entre los mutantes, pero determina necesitar más muestras para mejorar sus Centinelas, que están siendo enviados a Washington DC para una demostración pública. Magneto acude a las instalaciones de Trask, donde consigue recuperar su casco, capaz de bloquear los poderes telepáticos de Xavier. Tras esto, intercepta el envío de los Centinelas, e inserta acero en sus estructuras de polímero para poder controlarlos.

En la Mansión-X, Xavier decide dejar de usar el suero que le permite caminar, recuperando sus poderes telepáticos. Sin embargo, se ve incapaz de utilizar Cerebro, por lo que Lobezno hace que Xavier conecte telepáticamente con su yo futuro, sirviendo de nexo entre pasado y futuro. El Xavier del futuro consigue inspirar a Xavier para que abandone sus frustraciones y vuelva a luchar por la paz entre humanos y mutantes. Ya capaz de utilizar a Cerebro, Xavier descubre que Mística se dirige a Washington DC con la intención de asesinar a Trask.

En el futuro, los Centinelas localizan a los X-Men en China y comienzan su ataque, acabando con la vida de muchos de sus miembros. En 1973, Xavier, Logan y Bestia llegan a la Casa Blanca, donde Nixon y Tras se preparan a presentar a los Centinelas en público. Magneto hace levitar todo un estadio de baseball, utilizando para rodear la Casa Blanca e impedir el acceso a la misma. Tras esto, toma el control de los Centinelas y ataca a los presentes, lo que impide a Mística acabar con Trask. Nixon y su gabinete son llevados a una habitación del pánico, donde Mística se infiltra también.

Xavier, Logan y Bestia se enfrentan a Magneto, quien sepulta al telépata con restos del estadio y atraviesa el cuerpo de Logan con vigas, enviándolo a las profundidades del Río Potomac. Después, Magneto extrae la habitación del pánico de la Casa Blanca con la intención de asesinar a Nixon. Sin embargo, Mística revela su presencia y hiere a Magneto en el cuello, logrando que pierda su concentración, tras lo cual se prepara para asesinar a Trask.

En el futuro, los Centinelas masacran a los X-Men y se internan en el monasterio, donde solo quedan Magneto, Xavier, y Kitty manteniendo su concentración sobre Logan para que permanezca en el pasado. Justo en ese momento, en el pasado, Xavier consigue convencer a Mística para que no acabe con la vida de Trask. Tras esto, Xavier permite que Mística y Magneto se marchen, con la esperanza de que vuelvan a estar unidos en el futuro. El Presidente Nixon considera que los mutantes han salvado su vida, y decide cancelar el Programa de Centinelas, enviando a Trask a la cárcel por intentar vender secretos militares de los americanos. Mística, haciéndose pasar por Stryker, localiza el cuerpo de Logan en el Río Potomac y se hace con su custodia. La consciencia de Logan regresa al futuro, donde descubre que ha logrado cambiar la historia, de hecho toda la línea temporal. La Mansión X sigue funcionando como escuela para mutantes, y tanto Cíclope como Jean Grey siguen con vida. Xavier le reconoce del pasado, y se prepara para explicarle la historia desde 1973.

En el pasado, en algún lugar de Egipto, una multitud de seguidores adoran a un hombre llamado En Sabah Nur, quien utiliza sus poderes para construir las pirámides, con cuatro jinetes observándole.

ESCENA

No tengo ninguna duda en esta ocasión, me quedó con la escena de Mercurio, que me pareció toda una genialidad.

FECHA DE ESTRENO

15 de Junio de 1994

TITULO ORIGINAL

The Lion King

DIRECTOR

Roger Allers, Rob Minkoff

PRODUCTOR

Don Hahn

GUION
Irene Mecchi, Jonathan Roberts, Linda Woolverton

REPARTO (VOCES)

Matthew Broderick (Simba), Jonathan Taylor Thomas (Joven Simba), James Earl Jones (Mufasa), Jim Cummings (Ed), Jeremy Irons (Scar), Moira Kelly (Nala), Niketa Calame (Joven Nala), Ernie Sabella (Pumbaa), Nathan Lane (Timon), Robert Guillaume (Rafiki), Rowan Atkinson (Zazu), Madge Sinclair (Sarabi), Whoopi Goldberg (Shenzi), Cheech Marin (Banzai)

CINEMATOGRAFÍA

Inaplicable

BANDA SONORA

Hans Zimmer

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Pictures

DURACIÓN

88 minutos

CLASICO ANTERIOR:

Aladdin

CLASICO SIGUIENTE:

Pocahontas

MUFASA: “Simba.”

SIMBA: “¿Padre?”

MUFASA: “Simba me has olvidado.”

SIMBA: “No, eso jamás.”

MUFASA: “Has olvidado quien eres, por lo tanto me has olvidado. Mira en tu interior Simba; eres más de lo que eres ahora. Debes ocupar tu lugar en el ciclo de la vida.”

SIMBA: “¿Cómo puedo regresar? No soy el mismo.”

MUFASA: “Recuerda quien eres. Eres mi hijo, el único y verdadero Rey. Recuerda quien eres.”

CURIOSIDADES

La idea de la película ya había sido concebida a finales del año 1988, durante una conversación entre Jeffrey Katzenberg, Roy Disney y Peter Scheneider. Los tres se encontraban en un avión de viaje a Europa para promocionar la película “Oliver y su Pandilla”. La conversación se concentró en la idea de crear una historia que tuviera lugar en África, y Katzenberg se sintió entusiasmado ante dicha posibilidad. Charlie Fink, vicepresidente de asuntos creativos de Disney, se encargó de desarrollar la idee de la historia.

Tras esto, Katzenberg se encargó de añadir elementos en la historia como la transición de la niñez a la adultez, la muerte, e incluso ideas extraídas de sus experiencias personales, como sus dificultades en el mundo de la política. De hecho, Katzenberg llegó a declarar que en cierto modo la película contenía varios aspectos de su propia vida. En noviembre de 1988, Thomas Disch, autor de “La Tostadora Valiente”, escribió un resumen titulado “Rey del Kalahari”; y después Linda Woolverton pasó todo un año escribiendo dos borradores titulados “Rey de las Bestias” y “Rey de la Selva”.

La versión original de la película fue muy diferente del resultado final. La trama estaba centrada en una batalla entre leones y babuinos. Scar era el líder de los babuinos, Rafiki era un guepardo, y Timon y Pumbaa los amigos de la infancia de Simba. Por otro lado, el personaje de Simba no abandonaba el Reino, sino que se convertía en alguien vago, descuidado y horrible debido a las manipulaciones de Scar, para poder ser derrocado cuando se convirtiera en un adulto.

Ya en 1990, el productor Thomas Schumacher, que había finalizado su trabajo con “Los Rescatadores en Cangurolandia”, y decidió unirse al proyecto debido a su fascinación por los leones. Schumacher terminó por adaptar el guion de “El Rey de la Selva”, para adaptarlo en la forma de un especial del National Geographic.

George Scribner, director de “Oliver y su Pandilla”, fue el primero en ser elegido para dirigir el proyecto. Más adelante, se le unió Roger Allers, quien había participado en “La Bella y la Bestia”. Tras esto, el equipo compuesto por Allers, Scribner, Hahn, Chapman, y el diseñador de producción Chris Sanders, viajaron al Parque Nacional Hell’s Gate, en Kenia. Allí se dedicaron al estudio y apreciación del medio ambiente que deseaban trasladar a la película. Tras seis meses trabajando en el desarrollo de la historia, Scribner decidió abandonar el proyecto. Mayormente se debió a enfrentamientos con Allers y los productores, qua habían decidido convertir el proyecto en un musical. La intención de Scribner siempre había sido la de crear una película al estilo de un documental, enfocado en aspectos de la naturaleza.

Rob Minkoff reemplazó a Scribner, y el productor Don Hahn se unió al proyecto. Hahn determinó que el proyecto estaba desenfocado y carente de una temática clara. Tras establecer que el tema principal era el de madurar y enfrentarse a la realidad del mundo, solicitó una restructuración final. Tras dos semanas de reuniones con Kirk Wise y Gary Trousdale, quienes habían dirigido “La Bella y la Bestia”, Allers, Minkoff, Chapman y Hahn reescribieron el guion. Los cambios incluyeron el del título, de “El Rey de la Selva” a “El Rey León”, escogiendo establecer la historia en la Savannah y no en la selva.

“El Rey León” se convirtió en la primera película animada de Disney con una historia plenamente original, sin estar basada en trabajos previos. El equipo creativo declaró que la película estaba inspirada en la vida de personajes bíblicos como José o Moisés, así como en el Hamlet de William Shakespeare. Durante el verano de 1992, la guionista Irene Mecchi se unió al equipo, y Jonathan Roberts lo hizo unos meses más tarde.

Ambos se encargaron de revisar el guion, arreglando temas emocionales que quedaban sin resolver, y añadiendo el toque químico con los personajes de Timon, Pumbaa y las hienas. Tim Racer, que había cooperado en la creación de las canciones de “Aladdin”, fue invitado a componer las canciones del film. Racer puso la condición de recibir ayuda, y cuando una invitación a ABBA fracasó, al final se optó por contar con Elton John, quien recibió con entusiasmo la oportunidad de contribuir con canciones pop que pudieran conectar con el público infantil. La película fue todo un éxito de taquilla, ganado el Oscar a la Mejor Banda Sonora, y a la Mejor Canción (“Can’t You Feel the Love Tonight”). Adicionalmente las canciones “Circle of Life” y “Hakuna Matata” también fueron nominadas.

NOTA PERSONAL

La verdad es que hay poco de decir de este pedazo de película, que figura entre mis favoritas de Disney.

Tuve la suerte de verla en un preestreno cuando era estudiante universitario en Carolina del Sur. Aunque inicialmente no me llamaba demasiado la atención, me sorprendió la excelente calidad de la animación, la escenografía tan formidable del comienzo, y la excelente banda sonora. Pero lo que más recuerdo, al margen de la historia, es lo divertida que fue la película. Cuando estábamos en el preestreno, todos los estudiantes no paraban de soltar carcajadas ante la genialidad de personajes como el de Timon, Pumbaa y las hienas. Creo que es una de las películas Disney en las que el aspecto cómico está perfectamente combinado con la trama más seria del film.

Ahora bien, diré que en términos generales la historia no me pareció muy original. Recuerdo perfectamente como salí de la película comparándola con “Bambi”, siguiendo de forma bastante fiel su trama.

La presentación del príncipe, la perdida de figura paterna o materna, la madurez en compañía de amigos, el enamoramiento, y el aceptar la responsabilidad del liderazgo, para acabar presentando a la próxima generación. Salvo leves discrepancias, las dos historias me parecían, y lo sigue haciendo, bastante similares. A pesar de esto, no veo esto como algo negativo, ya que la película sigue funcionando a todos los niveles. De hecho creo que se tocó techo en aquella era dorada de los clásicos animados de Disney, con pocos posteriores que lograran estar a ese nivel.

Es apasionante comprobar como el estilo pop de la música de Elton John se combina a la perfección con un entorno tan inusual como puede ser el de la sabana africana. Y resaltaré la alegoría del hundimiento en la inmadurez, y la necesidad de enfrentarse a las responsabilidades que conlleva la madurez. Por supuesto, también hay que alabar lo didáctico del film en lo relativo al equilibrio de la naturaleza.

La película no solo ha logrado sobrevivir al tiempo a la perfección, sino que además ha sobrevivido en forma de un formidable musical que ha logrado la aclamación de todo el público.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En la estepa africana, todos los animales se reúnen para acudir a la presentación del cachorro del Rey León, Musafa y la Reina Sarabi. El mandril Rafiki preside la ceremonia, presentando al cachorro, de nombre Simba. Poco después, el ave tropical Zazu acude a Scar, hermano del Rey, para llamarle la atención por no haber acudido a la ceremonia. Scar siente que Simba ha robado su derecho al trono, y está a punto de devorar a Zazu, pero Musafa llega a tiempo de evitarlo, advirtiendo a su hermano que cambie de actitud. Simba se muestra curioso por todo lo que le rodea, y Mufasa le explica cómo funciona el círculo de la vida, y que no debe adentrarse más allá de la zona de la frontera norte. Sin embargo, Scar, deseoso de librarse de su sobrino para recuperar el derecho al trono, le comunica que en dicha zona se encuentra un cementerio de elefantes, pero a donde solo deben acudir los valientes.

Decidido a probar su propia valentía, Simba decide acudir; tal y como planeaba Scar.

Simba recoge a su amiga Nala, con la excusa de acudir al manantial cercano, aunque Sarabi les ordena que acudan con la compañía de Zazu. Los dos cachorros consiguen despistar a Zazu, y adentrarse en el prohibido cementerio de elefantes. Zazu consigue encontrarles, pero antes de que puedan marcharse se encuentran con tres hienas llamadas Shenzi, Banzai y Ed. Las tres hienas se disponen a devorar a los tres intrusos, pero Mufasa llega a punto de impedirlo derrotando a las tres hienas y haciéndolas escapar. Scar ha presenciado toda la escaramuza, y se reúne con las tres hienas, que están a su servicio. Scar les comunica su plan de matar a Musafa y Simba para convertirse en Rey, prometiendo a todo un ejército de hienas que no pasaran más hambre bajo su reinado. Por su parte, Musafa reprende a Simba por sus acciones, inculcándole la necesidad de solo ser valiente cuando sea necesario.

Scar procede con su plan llevando a Simba a un desfiladero, asegurándole que su padre le tiene preparada una sorpresa. Tras dejarle allí para que espere por su sorpresa, le ordena a las hienas que provoquen una estampida de Ñus, dirigiéndola al desfiladero donde se encuentra Simba. Scar procede a avisar a Mufasa del peligro que Simba está corriendo, mientras el cachorro se aferra a la rama de un único y marchito árbol. Mufasa se adentra en el desfiladero entre la estampida, y consigue lanzar a Simba fuera del mismo, salvándole la vida. Sin embargo, cuando Mufasa intenta salir del desfiladero, su hermano le arroja de nuevo a su interior, y Mufasa pierde la vida. Simba no ha presenciado la traición de Scar, quien consigue que el cachorro se sienta culpable por lo sucedido, y le convence para que se aleje del reino. Tras esto, Scar ordena a las hienas que acaben con la vida del cachorro. Sin embargo, Simba consigue eludir a las hienas al introducirse en un zarzal. Mientras tanto, Scar comunica la muerte de Mufasa y Simba, convirtiéndose en el nuevo rey, e introduciendo a su ejército de hienas en el reino.

El mandril Rafiki observa la escena apesadumbrado.

Simba acaba desfallecido en medio del desierto, donde el Suricato Timon y su amigo el facóquero Pumbaa le encuentran y salvan. Los dos amigos ven la ventaja de hacerse amigos de un león que crecerá protegiéndoles siempre. Timon y Pumbaa le enseñan su moto “Hakuna Matata”, que describe una actitud de despreocupación absoluta de todo. Los tres se hacen grandes amigos, y los años pasan hasta que Simba se convierte en un león adulto. Durante ese tiempo, Scar ha convertido el Reino en un lugar desolado, sin vegetación y con una falta de comida absoluta, ordenando a las leonas que se encarguen de la caza. En busca de comida, la ya adulta Nala se adentra en la selva donde residen Timon y Pumbaa, a los que intenta cazar. Simba acude en ayuda de sus amigos, encontrándose con su amiga por primera vez en mucho tiempo. Nala le comunica que todos le dan por muerto, y que debe volver para convertirse en el nuevo Rey León. Aunque Simba y Nala no tardan en enamorarse.

Nala no consigue convencerle para que asuma sus responsabilidades y Simba se marcha enojado, sintiéndose incapaz de regresar a casa.

En ese momento, Rafiki encuentra a Simba y le comunica que su padre sigue con vida, indicándole que debe seguirle. Rafiki hace que Simba observe su propio reflejo en el agua, y le hace ver que Mufasa sigue viviendo en su interior. En ese momento, el fantasma de Mufasa se aparece ante Simba, señalando la importancia de que acepte su destino y recuerde quien es. Rafiki también le enseña que aunque el pasado pueda doler, es necesario enfrentarse al mismo y aprender de los errores cometidos. Decidido, Simba decide regresar al Reino y asumir su destino; y Rafiki le comunica dicha decisión a Nala, Timon y Pumbaa.

Al llegar al Reino, Simba lo encuentra completamente desolado. Nala, Timon y Pumbaa llegan tras él, decididos a ayudarle en lo necesario. Timon y Pumbaa distraen a las hienas que acuden en su persecución; mientras Simba le pide a Nala que reúna a las leonas mientras él busca a Scar.

En ese momento, Simba presencia como Scar se enfrenta a Sarabi, exigiendo a la antigua reina que localice comida y agrediéndole. Simba se presenta en ese momento, enfrentándose a Scar. El tirano revela ante las leonas que Simba fue el responsable de la muerte de Mufasa, y Simba lo admite aunque señala que solo fue un accidente. Se desata una tormenta y un rayo hace arder las zarzas, con Simba a punto de caer en las llamas. Asumiendo que ha vencido, Scar confiesa haber matado a Mufasa, y la revelación hace que Simba recupere sus fuerzas y se enfrente a Scar. Las leonas también escuchan la confesión y comienzan a luchar contra las hienas, y Timon, Pumbaa, y Rafiki se unen a la batalla.

Acorralado, Scar culpa a las hienas de lo sucedido y finge someterse. Simba le ordena que abandone el Reino, pero Scar lanza un nuevo ataque a traición. Simba consigue derrotarle, y las hienas, que han escuchado a Scar, acaban con la vida del león. La tormenta apaga las llamas; y Simba asume su lugar en el ciclo de la vida, convirtiéndose en el nuevo Rey León. Con el tiempo, el Reino recupera todo su esplendor. Los nuevos Reyes, Simba y Nala presentan a su cachorro, el futuro Rey, con ayuda de Rafiki.

ESCENA

La verdad es que la película tiene canciones y escenas memorables, pero siempre logré desternillarme con Timon y Pumbaa. Me quedo con “Hakuna Matata”.

TITULO ORIGINAL

Majinkaizā (マジンカイザー)

DIRECTOR

Masahiko Murata

CREADORES

Satoru Nishizono, Shinzo Fujita

PRODUCCION

Kôji Morimoto

REPARTO ORIGINAL (VOCES)

Hiroya Ishimaru (Koji Kabuto), Ai Uchikawa (Sayaka Yumi), Hiroshi Yanaka (Tetsuya Tsurugi), Kosei Tomita (Doctor Infierno), Fumihiko Tachiki (Boss), Joji Yanami (Profesor Yumi), Haruko Kitahama & Hidekatsu Shibata (Barón Ashura), Mitsuki Saiga (Jun), Sayaka Aida (Shiro Kabuto), Hideyuki Umezu (Profesor Nossori), Hidenari Ugaki (Profesor Nossori), Koichi Nagano (Profesor Sewashi), Ryoka Yuzuki (Gamia-Q)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 25 de Septiembre de 2001 al 25 de Septiembre de 2002

CANAL DE EMISION

Inaplicable, OVA

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Kazuo Nobuta

NÚMERO DE EPISODIOS

Un total de 7 episodios de treinta minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

Se trata de una OVA, serie creada para ser distribuida directamente en video, de siete episodios. La serie no forma parte de la trilogía original que consistía en “Mazinger Z”, “Gran Mazinger” y “Grendizer”, ni pretende continuar dichas series. De hecho, la serie toma aspectos de las dos primeras series y crea una nueva historia imaginada, en la que Koji Kabuto descubre el robot final creado por su abuelo Juzo Kabuto, el Mazinkaiser. Originalmente, el robot Mazinkaiser apareció en el videojuego “Super Robot Wars F Final”, cuando la compañía “Banpresto” le pidió a Go Nagai, creador de Mazinger Z, que creara un nuevo robot que fuera utilizado por el personaje de Koji Kabuto. De hecho, la idea original fue que Mazinger Z fuera actualizado y mejorado debido a su exposición a los Rayos Getter, adoptando una nueva forma monstruosa que sería denominada Mazinkaiser. La siguiente entrega de la franquicia de videojuegos fue “Super Robot Wars Alpha”, que recreó el origen del robot.

En esa ocasión, Mazinkaiser era el Super Prototipo original de Mazinger Z, que resultaba demasiado difícil de controlar a manos de Koji, por lo que quedaba oculto hasta que el joven lo encontrara y controlara. Dicha versión también servía para explicar una laguna de la mitología Mazinger, explicando cual había sido el accidente que había estado a punto de acabar con Kenzo Kabuto y su esposa.

La idea tuvo una gran acogida por los fans de la franquicia, por lo que Go Nagai la incorporó como oficial en forma de manga y Anime, utilizando la versión Alpha como su historia de origen. Ya con dichas premisas, se creó la OVA que hoy nos ocupa. De la serie original, “Mazinger Z”, se tomaron a los personajes de Koji, Sayaka, Shiro, el Profesor Yumi, los profesores del Instituto y Boss y sus amigos. Mazinger Z no solo quedaba destruido en el primer capítulo, sino que además llegaba a ser utilizado por el enemigo. Sayaka hacía uso de Afrodita A, aunque su diseño se inspiró más en el original del Manga. Su robot quedaba también destruido, pero en lugar de empezar a hacer uso de Diana A, Sayaka pasaba a pilotar a Venus A.

Dicho robot fue extraído de la serie “Gran Mazinger”, donde era pilotado por el personaje de Jun. El Robot Bochs también sigue apareciendo como recurso cómico, inexplicablemente sobreviviendo a toda la serie. En lo relativo a los villanos, se hizo uso del Doctor Infierno y del Barón Ashura. Sin embargo, el Conde Brocken no aparece en toda la serie, algo que algunos de los fans lamentaron. De la serie “Gran Mazinger” se extrajeron a los personajes de Tetsuya y Jun, el primero pilotando al Gran Mazinger aunque Jun se limita a ser jefa de seguridad del Instituto de Investigaciones.

Se crearon nuevos personajes como las hermanas gemelas Loru y Lori, que acudían al Instituto como ayudantes del Profesor Yumi. También se dio un giro, dándole al Doctor Infierno la oportunidad de utilizar algunas Bestias Mikene. También se hizo homenaje a algunos de los Brutos Mecánicos de la serie original, especialmente a Garada K7 y Doublas M2, los enemigos originales de Mazinger Z.

La serie también hizo combinación de momentos de extrema violencia, algo que no era nuevo, y un cierto contenido “erótico-picante” en toque de humor. Por primera vez se mostraban exuberancias femeninas, llegando a mostrar los pechos de Sayaka o trajes de baño provocativos de Lori y Loru. Una de las escenas más famosas muestra al Barón Ashura en la ducha, de forma bastante provocativa.

La serie tuvo una conclusión marcada, mostrando el final de los villanos. Debido al éxito que tuvo, se realizó una película a modo de continuación, titulada “Mazinkaiser Contra el General Negro”. En dicha película se tomaban a los personajes de los Mikenes, como el General Negro, el Duque Gorgón y los Siete Generales; aunque se eliminó al personaje del Señor de las Tinieblas.

NOTA PERSONAL

La verdad es que he sido un gran fan de Mazinger Z desde que tengo memoria.

Fue uno de los grandes héroes de mi niñez, y tuve que esperar décadas para poder ver todo el material antiguo que no habíamos disfrutados, acompañado de material nuevo que he disfrutado. Ahora bien, ser un gran fan de una franquicia no evita que uno pueda ser crítico con el material que surge del mismo, apreciando sin lugar a dudas sus buenas cualidades al mismo tiempo. En lo relativo a “Mazinkaiser”, destacaría la calidad de la animación. Resulta fascinante ver a esos personajes de la niñez, cuya animación ya era impresionante en aquel entonces, actualizados con dicha nueva calidad. Por otro lado, me encantó el toque picante de esta miniserie, que contribuyó a grandes momentos hilarantes. En ese sentido, el mundo de Mazinger Z siempre ha sido rompedor, ya que la serie original se enfrentó en su momento a duras críticas por lo que era considerado como altas dosis de violencia. En este caso, “Mazinkaiser” vuelve a ser provocativo, pero usando un erotismo leve que resulta desternillante. Por otro lado, me encantó el concepto del Mazinger Z en manos del enemigo, y corrompido para ser utilizado contra los héroes.

Ahora bien, para tratarse de una miniserie de solo siete episodios, creo que se desperdiciaron por lo menos tres que podrían haber abarcado grandes momentos de la serie original, que hubieran sido memorables. En ese sentido, siempre he alabado más el trabajo que se realizó con la serie “Edición Impacto”. Por otro lado, soy de esos fans que también echo en falta la presencia del Conde Brocken, que podría haber otorgado grandes momentos a la trama, y más dosis de humor en su clásica rivalidad con el Barón Ashura. Ahí también señalaría que lamenté que el doblaje no hiciera uso del clásico nombre de Ashler, al que estábamos acostumbrados en España. En cuanto al diseño del Mazinkaiser, protagonista evidente de la miniserie, no estoy seguro de que me haya convencido del todo. Ese look a lo samurái macizo no me parece encajar demasiado bien con el espíritu de la franquicia, aunque supongo que es una mera cuestión de actualizar al personaje.

De esta forma, la serie comienza con mucha fuerza, con grandes batallas que elogian a muchos brutos mecánicos de la serie original.

Después tenemos, los episodios intermedios que usan tramas menos impactantes como la de las androides asesinas, el secuestro del Profesor Yumi, o el secuestro de Sayaka. Sin embargo, en el episodio final vuelve a alcanzar momentos épicos. El más destacable de todos es algo que no se había visto antes, un enfrentamiento directo entre los personajes de Koji Kabuto y el Doctor Infierno. Solo por ese momento, la serie ya me pareció digna de elogios. No quiero acabar sin hacer una pequeña reseña a la película que sirvió de continuación a la serie, “Mazinkaiser Contra el General Negro”. La batalla contra los Mikenes y la crudeza de las pérdidas sufridas por los héroes me dejó mucho más impresionado que la miniserie en sí.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

Enviado por el Doctor Infierno, el Barón Ashura dirige un devastador ataque sobre Japón, al mando de un ejército de Bestias Mecánicas.

Koji Kabuto acude a los mandos de Mazinger Z para enfrentarse a la amenaza, logrando destruir a parte del ejército, pero pronto se ve superado. Tetsuya Tsurugi acude en su ayuda a los mandos del Gran Mazinger, Sayaka a los mandos de Afrodita A y Bochs a los mandos de Boss Borot. Sin embargo, los cuatro amigos se ven superados y un monstruo mecánico arranca el planeador de Mazinger, lanzándolo a un lugar desconocido. Ashura se marcha con Mazinger Z en su poder, mientras Tetsuya, Sayaka y Bochs regresan al Instituto de Investigaciones Fotoatómicas para preparar su defensa. El Doctor Infierno modifica a Mazinger Z, convirtiéndolo en Ashura Mazinger con el Barón a sus mandos. El Gran Mazinger no logra ser adversario del mejorado robot. Sin embargo, un nuevo robot llamado Mazinkaiser hace su aparición, logrando destruir al Ashura Mazinger. Sayaka deduce que Koji está a los mandos de Mazinkaiser, pero desconoce que el joven está inconsciente en su interior. Mazinkaiser comienza a atacar el Instituto de Investigaciones.

Gran Mazinger fracasa en su intento de detener al Mazinkaiser, y Tetsuya resulta bastante herido en la confrontación. Sin embargo, el Mazinkaiser deja de funcionar de forma misteriosa. Poco después, Koji despierta en una cama del Instituto de Investigaciones. El joven se reúne con el Profesor Yumi, y le explica que cuando el planeador fue arrojado, acabó en una cueva oculta. Allí, Koji activo un mensaje holográfico de su abuelo, el Doctor Kabuto. Éste le explica que ha concluido la construcción del Mazinkaiser, un robot muy superior al original para enfrentarse a las hordas del Doctor Infierno. Sin embargo, Koji no recuerda como lo piloto y llegó al Instituto. El Profesor Yumi descubre que Mazinkaiser requiere una conexión mental con su piloto, y dicha conexión es tan fuerte que Koji ha sido incapaz de controlar al nuevo robot. El Barón Ashura dirige un nuevo ataque usando la Fortaleza Volante Gool. El Gran Mazinger, Afrodita A y Boss Borot acuden a intentar detener el ataque, pero se ven incapaces de hacerlo.

Koji decide pilotar el Mazinkaiser de nuevo, y consigue controlar el robot; pero Afrodita A ha sido capturada por las fuerzas del Barón Ashura. Mazinkaiser consigue destruir la Fortaleza Gool, aunque Afrodita A es destruida, y el Barón Ashura consigue escapar. Tras la batalla, Tetsuya decide marcharse para recuperarse de sus heridas en compañía de su amiga Jun, dejando la protección de Japón a manos de Koji y Mazinkaiser.

El Doctor Infierno se siente desesperado ante la nueva resistencia presentada por la aparición de Mazinkaiser. El Barón Ashura decide intentar asesinar a Koji Kabuto, ya que sin el joven, el robot ya no será una amenaza. Para ello envía a sus tres “hijas”, las androides asesinas conocidas como Gamia Q. Las Androides Asesinas atacan por error a Bochs, hasta que Koji decide atacar a las tres. Al mismo tiempo, el Barón Ashura envía una Bestia Mecánica contra el Instituto de Investigaciones. Sayaka intenta detener dicho ataque a los mandos de su nuevo robot, Venus A, y con ayuda de Boss Borot, pero ambos no son rivales contra el monstruo.

Por su parte, Koji consigue destruir a las Androides Asesinas, y se pone a los mandos del Mazinkaiser, llegando a tiempo de ayudar a Sayaka y Bochs, y destruyendo a la Bestia Mecánica. Poco después de la batalla, dos gemelas llamadas Lori y Loru llegan desde América al Instituto de Investigaciones, donde trabajaran como ayudantes del Profesor Yumi.

Lori y Loru también crean bastante tensión debido a lo atractivas que son. Cuando Sayaka descubre a Koji dándoles crema solar, la joven se enfurece y parte a los mandos de Venus A. El Barón Ashura aprovecha dicha oportunidad, y consigue capturar a Sayaka y su robot. Mazinkaiser acude en ayuda de Sayaka, pero Koji se ve obligado a rendirse para que nada malo le suceda a Sayaka, y es encerrado en una de las prisiones de la Fortaleza Submarina Salude. Bochs consigue hacerse pasar por miembro de las Máscaras de Hierro, y rescatar a Koji. Juntos, los dos jóvenes consiguen rescatar a Sayaka y volver a los mandos de sus respectivos robots. Mazinkaiser, Venus A y Boss Borot consiguen escapar destruyendo la Fortaleza Submarina del Barón Ashura, que se ve obligado a escapar una vez más.

Regresando de una conferencia, el Profesor Yumi y Lori son atacados por un escuadrón de Máscaras de Hierro. Ambos logran escapar, aunque el Profesor Yumi está herido y no tiene modo de transporte quedando aislados en los bosques. Mientras tanto, el Barón Ashura se hace pasar por Yumi para infiltrarse en el Instituto de Investigaciones, para encontrarse con la celebración del cumpleaños del científico. Ashura intenta hacer explosionar el Instituto, pero no tarda en ser descubierto y se ve obligado a escapar derrotado una vez más. Mientras tanto, en la Isla del Infierno, el Doctor Infierno encuentra los Brutos Mecánicos originales de los Mikenes, parte máquinas, parte orgánicos. El Doctor Infierno envía a uno de los robots a destruir un bruto mecánico de Ashura, dejando que los científicos del Instituto observen el poder de la nueva amenaza. Cuando Ashura regresa a la Isla del Infierno, es encarcelado por sus repetidos fracasos.

El Doctor Infierno envía de nuevo a la bestia Mikene, y permite que parezca ser fácilmente destruida por Mazinkaiser. Sin embargo, la bestia ha sido capaz de infectar a Venus A, que comienza a atacar el Instituto para disgusto de Sayaka.

El Doctor Infierno también envía una Bestia Mecánica Combinada que consigue arrojar al Mazinkaiser en el volcán activo del Monte Fuji. Sin embargo, Boss Borot consigue evitar que el Profesor Yumi, Sayaka, Shiro y todos los miembros del Instituto de Investigaciones sean ejecutados por Máscaras de Hierro.

El Instituto de Investigaciones termina destruido por una nueva horda de Brutos Mecánicos, pero Tetsuya regresa al mando del Gran Mazinger definitivo para contener la amenaza. El Gran Mazinger que Tetsuya había pilotado anteriormente era solo un prototipo. Mientras tanto, Jun recoge a los científicos del Instituto y les lleva a una base secreta del Doctor Kabuto que había descubierto junto a Tetsuya. Allí es donde habían encontrado al Gran Mazinger definitivo, y también se encuentra el Káiser Scrander, que permitirá al Mazinkaiser volar. Al lanzarlo, el Káiser Scrander saca a Mazinkaiser del volcán, y Koji se une a Tetsuya en la batalla. Mientras Gran Mazinger logra destruir a todas las Bestias Mecánicas, Mazinkaiser llega a la Isla del Infierno dispuesto a acabar con el Doctor Infierno de una vez por todas. El Doctor Infierno funde al Barón Ashura con una Bestia Mecánica combinada final para que se enfrente al Mazinkaiser. Sin embargo, Koji descubre la última arma de Mazinkaiser, una gran espada que surge de su pecho. Con ella, consigue acabar con la Bestia y Ashura. El Doctor Infierno fracasa en un intento de convencer a Koji para que se una a su causa, y activa la destrucción de la Isla del Infierno. Sin embargo, el Doctor Infierno acaba atrapado en la explosión perdiendo la vida, mientras Mazinkaiser surge victorioso de la explosión para reunirse con sus amigos.

ESCENA

Fragmento del primer capítulo, en el que Mazinger Z y sus aliados son derrotados.

FECHA DE ESTRENO

11 de Diciembre de 1998

TITULO ORIGINAL

Star Trek: Insurrection

DIRECTOR

Jonathan Frakes

PRODUCTOR

Rick Berman

GUION
Rick Berman, Michael Piller

REPARTO

Patrick Stewart (Jean-Luc Picard), Jonathan Frakes (William T. Riker), Brent Spiner (Data), LeVar Burton (Geordi La Forge), Michael Dorn (Worf), Gates McFadden (Beverly Crusher), Marian Sirtis (Deanna Troy), F. Murray Abraham (Ru’afo), Donna Murphy (Anij), Anthony Zerbe (Almirante Dougherty), Gregg Henry (Gallatin), Daniel Hugh Kelly (Sojef), Michael Welch (Artim), Mark Deakins (Tournel), Stephanie Niznik (Perim), Michael Horton (Teniente Daniels), Breon Gorman (Teniente Curtis)

CINEMATOGRAFÍA

Matthew F. Leonetti

BANDA SONORA

Jerry Goldsmith

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
103 minutos

PRECEDIDA POR:

Star Trek: Primer Contacto

SUCEDIDA POR:

Star Trek: Némesis

JEAN-LUC PICARD: “Estamos traicionando los principios sobre los que se fundó la Federación. Es un ataque a su alma misma. Eso destruirá a los Ba’ku, como se han destruido muchas culturas en tantas otras reubicaciones forzosas a lo largo de la historia.”

ALMIRANTE DOUGHERTY: “Jean-Luc, solo vamos a trasladar a seiscientas personas.”

JEAN-LUC PICARD: “¿Cuántas personas hacen falta Almirante, para que se considere algo malo? ¿Un millar? ¿Cincuenta mil? ¿Un millón? ¿Cuántas personas hacen falta Almirante?”

CURIOSIDADES

Tras el éxito de “Star Trek: Primer Contacto”, Paramount Pictures deseaba un cambio de ritmo que otorgara a la siguiente entrega de un tono menos oscuro. Debido a que “Star Trek IV: Misión Salvar la Tierra” había sido la película de mayor éxito en taquilla, y con un tono más ligero, Paramount consideró que dicho éxito podía ser repetido.

Michael Piller fue el encargado de escribir el guion, y tuvo el deseo de darles a los miembros de la tripulación una unión similar a la de una familia. Rick Berman deseaba ver a Picard llevar a cabo una misión de rescate similar a la película “El Prisionero de Zenda”, de 1937. También sugirió la idea de una historia en la que Picard fuera secuestrado y reemplazado por un impostor modificado quirúrgicamente. Piller tuvo dudas acera de las ideas de Berman, sobre todo porque dudaba que los espectadores desearan ver una película en la que Picard no fuera el protagonista, el personaje tendría su aspecto pero sería diferente. Otra idea de Berman sugería el retorno del personaje de Lore, el androide “hermano” de Data que aparecía en la serie. De esta manera podría crearse una película de tono similar al de “Star Trek II: La Ira de Khan”. Inicialmente, Piller pensó escribir una historia que se basara en la búsqueda de una Fuente de la Juventud, ya que según su opinión todo el mundo se veía consumido por imágenes de la juventud debido a los medios y la misma cultura.

Su enfoque inicial fue denominado “Heart of Lightness”. Eric Stillwell se convirtió en su ayudante ejecutivo, encargado también de coordinar el progreso del guion.

Piller procedió a crear un primer borrador titulado “Star Trek: Stardust”, inspirándose en la canción de Hoagy Carmichael para el mismo, tras oír la versión de Nat King Cole en la radio. La historia trataba sobre como Picard dimitía de la Flota Estelar tras ser enviado a trasladar a la población de un planeta, y adquirir su poder de eterna juventud, y enviarles a las manos de un gobierno extraterrestre. La historia también incluía la traición de un colega de Picard en la Flota Estelar. El borrador pasó por varias versiones en las que lo único que no se cambio fue la misión de la tripulación y los aspectos de la fuente de la juventud. Berman fue quien sugirió que Data se convirtiera en el miembro renegado de la tripulación, con el que Picard tuviera que lidiar. La trama era similar a un episodio de “La Nueva Generación”, en el que un grupo de personas eran reubicadas mediante el uso de la tecnología de la Holocubierta.

En uno de los borradores iniciales, Picard acababa con la vida de Data al principio de la película, y el androide era devuelto a la vida al final para poder ayudar al Capitán. Los dos primeros borradores incluían la aparición de los Romulanos, ya que la raza antagonista no había aparecido con protagonista en ninguna de las películas de la franquicia. El segundo borrador fue revisado por Jonathan Dolgen en el estudio, quien se mostró en contra de la idea, con el apoyo de Patrick Stewart que solo lo consideraba aptó para un capítulo televisivo. En el tercer borrador se incluyó la idea de que los Son’a fueran los hijos de los Ba’ku, deseando expoliar el planeta como venganza. Dicha versión también incluyó tramas secundarias como la del romance entre Troi y Riker, y la breve regeneración de la visión de La Forge. Sin embargo, Stewart se mostró preocupado opinando que la idea no estaba a la altura de la anterior película. Por ello, se le consultó acerca de cómo abordar y mejorar la historia.

Con ayuda de Steven Behr, productor ejecutivo de “Espacio Profundo Nuevo”, Piller revisó todo el borrador una vez más. El propósito era que los Son’a fueran una amenaza mayor de la inicial, así como la de añadir un romance entre Picard y Anij, una mujer de la raza Ba’ku. También se creó una escena final en la que Picard se enfrentaba a Ru’afo, líder de los Son’a. Tras esto, se comenzó un debate para dar con el título adecuado, considerando los de “Directiva Primaria”, “Negligencia”, “Deber y Apostasía”, “Dimisión”, o “El Enemigo Interior” entre otros. Incapaces de decidirse, presentaron el proyecto como simplemente “Star Trek IX”. El Estudio se mostró a favor del guion, sin haber visto los anteriores. Simplemente indicaron su deseo de que se otorgara una resolución al romance entre Riker y Troi, y que se aumentara un poco más el papel de los personajes de la Doctora Crusher y Worf. Patrick Stewart siguió sugiriendo más cambios, como que la tripulación defendiera la aldea de los Ba’ku al estilo de la Batalla del Álamo, en lugar de escapar a las montañas.

Sin embargo, Piller consideró que dicha idea era inviable debido al presupuesto con el que se contaba. Piller consideró entonces que el título “Star Trek: Honor Sagrado”, era el más adecuado, pero el estudio lo rechazó opinando que sonaba demasiado religioso.

La versión final del guion fue distribuida al reparto, pero Patrick Stewart no recibió una copia. Berman temía que si cualquier miembro del reparto tenía un problema con el guion, se lo comunicaría a Stewart, y que el actor podía pensar que se le había dejado al margen por criticar el guion. LeVar Burton llamó a Stewart para elogiar el guion, tras lo cual el actor recibió una copia y solicitó una reunión para discutir algunos cambios. Piller se temía lo peor, pero tras solo veinte minutos de reunión, el guion fue aprobado por Stewart cambiando solo algunos fragmentos del dialogo. Regresando al problema de un título, se consideró el de “Star Trek: Revolución”; pero Alan Spencer, amigo de Piller, sugirió “Star Trek: Insurrección”, que terminó por ser el definitivo.

Una vez se completó el rodaje, se realizaron algunas proyecciones de prueba, y el equipo de producción se vio enfrentado a un problema con el final. Originalmente, el villano Ru’afo era expulsado al vacío del espacio. Sin embargo, deseando crear una escena de acción en la que el Enterprise apareciera, se optó porque el villano falleciera al estar dentro de la instalación de drenaje mientras la nave transportaba a Picard salvándole a tiempo. Debido a que el equipo de producción deseaba estrenar la película en Navidad, no se realizaron más cambios.

NOTA PERSONAL

Reconozco que de todas las películas de la Nueva Generación, esta es la que menos me gustó. Evidentemente, el film tenía la gran dificultad de suceder a “Primer Contacto”, que está entre mis favoritas.

El mayor problema, desde mi punto de vista, era la falta de acción a lo largo de trama. Tampoco destacaría la relación entre Picard y Anij, que me pareció poco elaborada y menos creíble. Sin embargo me agradó el tema central, que abordaba la posible corrupción de todo lo que la Federación de Planetas debía representar. La película si logra presentar un dilema moral, y la dificultad de arriesgarse a perderlo todo por hacer lo correcto en ocasiones cruciales. Al mismo tiempo, La película también aborda la obsesión con la eterna juventud y el paso del tiempo. Un gran acierto fue transmitir ese mensaje de vivir y disfrutar de la intensidad del momento.

Sin embargo, el énfasis en la ya mencionada historia de amor de Picard, provoca que el resto de la tripulación pase a un plano completamente secundario. Uno de los propósitos era otorgar a la tripulación de unos lazos más familiares; y creo que esto no se consiguió en ninguna de las cuatro. Sin embargo, la película sigue siendo entretenida, como todos los films de la franquicia.

Curiosamente, la siguiente, “Némesis”, fue más criticada cuando personalmente la encontré mucho más interesante.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

El Teniente Comandante Data ha sido transferido temporalmente a un planeta, donde un equipo de la Flota Estelar tiene la misión de observar a una pacífica raza conocida como los Ba’ku, sin ser detectados. Durante su estancia en el planeta, Data sufre un malfuncionamiento y decide revelar la presencia del puesto de observación, deshabilitando los proyectores holográficos que lo ocultaban. De esta forma, los Ba’ku descubren la presencia de la Flota Estelar en su pacífico planeta.

El Almirante Matthew Dougherty contacta con el Enterprise-E, solicitándole a Picard las esquemáticas del androide Data para lidiar con la situación, asegurando que la presencia de la nave en el planeta no será necesaria. El Capitán Picard decide ignorar las órdenes y acudir al planeta para lidiar con Data. Con la ayuda de Worf, Picard consigue capturar a Data y desactivarle, tras una persecución en ambas naves.

Tras lograr dicho objetivo, el Almirante Dougherty insiste en que la presencia del Enterprise-E ya no es necesaria en el planeta, lo cual comienza a despertar las sospechas de Picard. Los miembros de su tripulación investigan que ha podido suceder con Data, mientras Picard acude al planeta. Allí, descubre que los Ba’ku poseen capacidad de curvatura y conocimientos de alta tecnología, pero que han decidido rechazar el uso de los mismos para llevar unas vidas simples en comunión con la naturaleza. Durante la estancia en el planeta, los miembros de la tripulación comienzan a experimentar síntomas de rejuvenecimiento. Geordi La Forge descubre que está recuperando la vista y no requiere de su visor. Riker y Deanna Troi retoman la relación que ambos habían abandonado años atrás; mientras Worf experimenta los síntomas de la pubertad Klingon. Por su parte, Picard observa como su piel ha adquirido una tonalidad más joven, y desarrolla un interés romántico hacia una mujer de los Ba’ku llamada Anij.

El Almirante Dougherty mantiene una alianza con una raza conocida como los Son’a.

Los miembros de dicha raza están sumidos en la decrepitud, requiriendo el uso de técnicas médicas para continuar con vida. El uso excesivo de cirugía cosmética les ha otorgado un aspecto casi momificado. En el planeta, Picard visita a Anij, quien le explica la razón de los cambios que ha experimentado su tripulación. Los anillos del planeta emanan partículas metafasicas de una radiación única, la cual hace que los que habitan allí mantengan una juventud prácticamente eterna, convirtiéndoles en casi inmortales. Picard se da cuenta de que lo que ha descubierto convierte el planeta en un tesoro de valor incalculable, y decide investigar más. Data recuerda haber sufrido un disparo mientras investigaba un lago cercano; y la tripulación y algunos de los Ba’ku acuden al lugar. Allí descubren una nave de la Federación con un sistema de ocultación. Dentro, se encuentra una enorme Holocubierta que reproduce la aldea de los Ba’ku. La tripulación es atacada por algunos Son’a, y tras someterlos Data recuerda que fueron ellos quien le atacaron al descubrir la nave.

Picard se enfrenta al Almirante Dougherty para descubrir que algunos oficiales superiores de la Federación se han aliado con los Son’a para usar la nave y trasladar a los Ba’ku a otro planeta a la fuerza. Esto permitirá que los Son’a recolecten la radiación de los anillos, aunque el proceso envenenara el planeta. El Almirante le ordena a Picard que el Enterprise se marche, pero el Capitán declara que dicho plan viola los principios de la Federación. Picard decide quedarse a proteger a los Ba’ku para que no sean trasladados, y parte de su tripulación decide quedarse a ayudarle. Mientras tanto, Riker parte en el Enterprise para alertar a la Federación de lo que está ocurriendo. Picard dirige a los Ba’ku a las montañas, donde no podrán ser transportados. Sin embargo, los Son’a envían sondas robóticas para transportarles. El líder de los Son’a, Ru’afo, consigue convencer al Almirante para que sus naves persigan y ataquen al Enterprise.

Durante el asedio al planeta, Picard, Anij y varios Ba’ku son transportados y capturados por los Ba’ku. Picard le revela a Dougherty que los Son’a y los Ba’ku son la misma raza, y que ha involucrado a la Federación en un enfrentamiento personal.

Los Son’a son los hijos de los Ba’ku, que decidieron abandonar el planeta un siglo atrás para abrazar el uso de la tecnología. Tras haber intentado tomar el planeta por la fuerza, los Son’a fueron exiliados del planeta, perdiendo el efecto rejuvenecedor de sus anillos. El Almirante decide detener toda la operación, pero Ru’afo responde acabando con su vida, decidiendo seguir adelante con el plan, aunque queden personas en el planeta.

Picard consigue convencer a un guarda Son’a, llamado Gallatin, para que le ayude a detener a Ru’afo. Mientras tanto, Riker consigue destruir las naves Son’a que perseguían al Enterprise. Picard consigue transportar a Ru’afo y su tripulación a la Nave Holocubierta, y detiene el proceso de recolección iniciado en otra nave. Sin embargo, Ru’afo descubre el engaño y acude a la nave para reiniciar el proceso. Picar le sigue, y tras un enfrentamiento consigue programar la autodestrucción de la nave. El Enterprise llega a tiempo de transportar a Picard a lugar seguro; y Ru’afo muere en la explosión. Los Son’a restantes son perdonas; y los Ba’ku les dan la bienvenida de nuevo al planeta. Riker le informa a Picard que la Federación ha sido informada de lo ocurrido y ha puesto a fin a cualquier plan relacionado con los Ba’ku. Tras despedirse, Picard y su tripulación abandonan el planeta.

ESCENA

Riker consigue destruir a las naves Son’a que persiguen el Enterprise.

FECHA DE ESTRENO

13 de Diciembre de1989

TITULO ORIGINAL

Driving Miss Daisy

DIRECTOR

Bruce Beresford

PRODUCTORES

Richard D. Zanuck, Lili Fini Zanuck

GUION
Alfred Uhry

REPARTO

Morgan Freeman (Hoke Colburn), Jessica Tandy (Daisy Werthan), Dan Aykroyd (Boolie Werthan), Patti LuPone (Florine Werthan), Esther Rolle (Idella), Joann Havrilla (Miss McClatchey), William Hall Junior (Oscar), Alvin M. Sugarman (Doctor Weil), Clarice F. Geigerman (Nonie), Muriel Moore (Miriam), Sylvia Kaler (Beulah), Carolyn Gold (Vecina), Crystal R. Fox (Katie Bell), Bob Hannah (Red Mitchell), Jack Rousso (Slick), Fred Faser (Agente de Seguros), Indra A. Thomas (Solita), Ray McKinnon (Policía), Ashley Josey (Policía)

CINEMATOGRAFÍA

Peter James

BANDA SONORA

Hans Zimmer

DISTRIBUIDA POR:

Warner Bros.

DURACIÓN
100 minutos

DAISY WERTHAN: “Esto no es un regalo de Navidad.”

HOKE COLBURN: “No señora.”

DAISY WERTHAN: “Ya sabes que no hago regalos de Navidad.”

HOKE COLBURN: “Sí señora.”

DAISY WERTHAN: “Lo encontré esta mañana por casualidad. Vamos ábrelo.”

HOKE COLBURN: “Vaya, que sorpresa. Nunca me habían regalado un libro Señorita Daisy. Método Tunner de Escritura.”

DAISY WERTHAN: “Es el método que siempre he utilizado. Me quedaban algunos ejemplares. Es anticuado, pero es eficaz.”

HOKE COLBURN: “Sí señora.”

DAISY WERTHAN: “Si practicas acabarás escribiendo bien.”

HOKE COLBURN: “Sí señora.”

DAISY WERTHAN: “Pero tienes que practicar.”

HOKE COLBURN: “Sí señora.”

DAISY WERTHAN: “Enseñé al Alcalde Hartsfield con ese mismo libro.”

HOKE COLBURN: “Muchas gracias Señorita Daisy.”

DAISY WERTHAN: “No es un regalo de Navidad. Los judíos no hacemos regalos de Navidad.”

CURIOSIDADES

“Paseando a Miss Daisy” surgió como obra de teatro, creada por Alfred Uhry. El director basó la historia de Daisy y Hoke en la de su propia abuela, Lena Fox, y su chofer Will Coleman. La obra de teatro data de 1987, y formó parte de su denominada “Trilogía de Atlanta”, siendo la primera. La trilogía abordaba historias de judíos que residían en Atlanta, estado de Georgia. Fue seguida por “The Last Night of Ballyhoo”, una obra acerca de una familia que se preparaba para un cotillón judío de sociedad en Atlanta. La tercera obra, del año 1998, fue un musical sobre la falsa condena y linchamiento de Leo Frank, en el año 1915, director de una fábrica en Atlanta.

Volviendo a la obra “Paseando a Miss Daisy”, fue estrenada el quince de abril de 1987.

Dana Ivey interpretó al personaje de Miss Daisy; mientras que Morgan Freeman interpretaba el papel de Hoke. La producción fue estrenada en Playwrights Horizons en la calle 42 de Nueva York. Más adelante, la producción fue transferida al Teatro John Houseman. Alfred Uhry recibió el Premio Pulitzer a un Drama en el año 1988. La obra de teatro se representó hasta el tres de junio de 1990. Fue mostrada en mil ciento noventa y cinco ocasiones.

El título original es “Driving Miss Daisy”, no solo haciendo referencia a que Hoke ejerce de chofer para la anciana, sino también al hecho de la maneja sutilmente para lograr hacerse con su confianza y afecto. A la hora de crear el proyecto de la película, muchas actrices se mostraron interesadas por interpretar a Miss Daisy. Entre otras se encontraban Katharine Hepburn, Bette Davis, Lucille Ball y Angela Lansbury. Los ejecutivos del estudio consideraron a Bette Midler y Eddie Murphy para los papeles protagonistas. En la película se puede ver a tres hombres que cruzan unos railes de Atlanta. Los tres son verdaderos descendientes de Will Coleman, el hombre en el que el papel de Hoke está basado.

El personaje de Florine, interpretado por Patti LuPone no existía en la obra de teatro original. Alfred Uhry creó el personaje específicamente para la actriz, opinando que lograría otorgar un contraste efectivo en el reparto. La utilizó particularmente en la escena de la celebración de la Navidad, algo extraño considerando que el personaje es judío. El guionista explicó que durante las décadas de 1940 y 1950, mientras crecía como niño judío en Atlanta, muchos judíos de la ciudad celebraban la Navidad, como Boolie y su mujer, en un intento de formar parte de una comunidad en la que los judíos eran una minoría.

La película obtuvo nueve nominaciones a los Oscar, logrando hacerse con el premio a la Mejor Película, Mejor Actriz (Jessica Tandy), Mejor Maquillaje y Mejor Guion Adaptado. Norman Freeman fue nominado como Mejor Actor, perdiendo contra Daniel Lee-Lewis por su papel en “Mi Pie Izquierdo”. Dan Aykroyd fue nominado como Mejor Actor Secundario, perdiendo contra Denzel Washington por su papel en “Tiempos de Gloria”.

La película también recibió nominaciones a Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario y Mejor Montaje, perdiendo contra “Batman”, “Enrique V” y “Nacido el Cuatro de Julio” respectivamente. Jessica Tandy estaba convencida de que no iba a lograr hacerse con el Oscar. De hecho llegó a apostar cien dólares con su agente a que no lo conseguiría. La noche en la que logró hacerse con el Oscar, le pagó los cien dólares a su agente, declarando que era la mejor apuesta que había podido perder.

NOTA PERSONAL

Es sin duda una de las películas más emotivas que he visto hasta la fecha. Recuerdo perfectamente la primera vez que la vi, alquilándola en video. Desde entonces siempre he sido un gran fan de Jessica Tandy, y he examinado todo el excelente trabajo que realizó como actriz. Comenzaré por elogiar no solo su excelente interpretación, sino también la de Morgan Freeman.

Ambos mantienen una química sobresaliente durante toda la trama, logrando desatar emociones diversas mientras el espectador se ve sumergido en el desarrollo de su conmovedora amistad.

La película está repleta de emotivas reflexiones, pero destacaría el análisis reflexivo sobre el racismo y el adentrarse en la vejez. La amistad de los dos personajes se basa en estos dos aspectos, y crece a partir de esos cimientos. Comenzando con Hoke, el personaje es quien verdaderamente experimenta el sufrimiento de la discriminación racial, encarándola con una actitud amable, positiva y decidida. Es todo un ejemplo de hombre trabajador, que ha pasado toda su vida enfrentado a las adversidades con una sonrisa en los labios. Por otro lado, Miss Daisy es una viuda rica, aunque también procede de un pasado pobre. Ha trabajado como maestra, y ha perdido a su marido. Aunque su hijo la quiere, resulta evidente que se encuentra sola, enfrentándose al mundo con una actitud arisca. Curiosamente, al principio se declara como una mujer sin prejuicios, aunque pronto se nos revela que si los tiene en cierta medida.

Su personaje evoluciona de forma positiva. Me parecieron formidables esos momentos en los que empieza a comprobar lo horrible que resulta sufrir prejuicios. La primera ocasión es cuando comprueba como dos agentes de policía tratan a Hoke. La segunda es cuando el Templo es atacado. Es el momento más crucial, en el que descubre que todos pueden ser víctima de los prejuicios de alguien. También es destacable la escena en torno a la cena de Martin Luther King. Genial esa mezcla de secuencias de Hoke escuchando el discurso en el coche; mientras Daisy se percata de sus propios errores y prejuicios en la cena. Otro aspecto que sufre es el de sentirse inútil, debido a su avanzada edad. No puede conducir, no puede trabajar, y se siente desencajada en el mundo que la rodea. De esta forma, tenemos otro momento excepcional cuando Daisy comienza a enseñar a Hoke a leer. Esos dos pilares, su reconocimiento ante los prejuicios y el volverse a sentirse útil, provocan que vuelva a encarar la vida con optimismo.

Sería imposible enumerar todos los momentos magistrales de un film, que yo definiría lleno de capas a analizar. Cabe destacar una banda sonora formidable, que desde mi punto de vista también habría merecido una nominación. El mensaje definitivo es el de la importancia de la amistad, y lo dañino de una soledad impuesta. Otro mensaje esencial, es el de como dos personas aparentemente diferentes pueden encontrar aspectos en comunes. Solamente bastan unos pocos para crear los cimientos necesarios para una sólida amistad. Las escenas finales son conmovedoras, recordándonos la alegoría del viaje que todos emprendemos en nuestras vidas, y el cómo evolucionar puede evitar que tomemos un rumbo equivocado.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 1948, Miss Daisy Werthan es una antigua profesora judía de setenta y dos años y viuda, que vive sola con la compañía de asistenta Idella.

Una tarde, Miss Daisy se prepara para salir en su coche, pero se equivoca de marcha y lo estrella. Preocupado, su hijo Boolie intenta hablar con ella del tema, pero la mujer se niega en redondo, asegurando que ha sido culpa del coche y no de ella. Boolie trabaja en una fábrica, donde uno de sus trabajadores queda atrapado en un ascensor. Es entonces cuando conoce a Hoke Colburn, un chofer negro que trabajaba para el Juez local hasta su fallecimiento. Boolie decide contratarle para que trabaje como chofer para su madre, haciéndole saber que será una tarea difícil debido a su testarudez.

Miss Daisy se muestra fría y distante con Hoke, prohibiéndole que hable con Idella o ayude en tareas de la limpieza, negándose a utilizar sus servicios como chofer. Sin embargo, Hoke no se viene abajo ante esa actitud mostrándose amable en todo momento. Una tarde, Miss Daisy necesita ir a realizar unas compras, pero se niega a que Hoke le acompañe. Cuando el hombre se refiere a ella como mujer rica, Miss Daisy le hace saber que comenzó su vida en la pobreza, y que su hermana tuvo que sacrificarse para que pudiera realizar sus estudios de magisterio.

Persistente, Hoke la sigue en el coche, hasta que Miss Daisy accede a subirse al ver como sus vecinas observan la situación. Sin embargo, la mujer se sigue mostrando fría y tajante, criticando su forma de conducir y las rutas que emplea. En una ocasión en la que Hoke la lleva al Templo, Miss Daisy le reprende por haberla esperado a las puertas a los ojos de todo el mundo.

Una mañana, Miss Daisy llama a su hijo, acusando a Hoke de haber robado una lata de salmón. Boolie no la toma en serio, y mucho menos cuando Hoke al llegar señala que comió una lata de salmón pues la carne estaba un poco dura, y le ha comprado una para reemplazarla. Por primera vez, Miss Daisy muestra síntomas de sentirse avergonzada. Un mes después, Hoke la lleva al cementerio para que visite la tumba de su marido. Miss Daisy le pide que lleve unas flores en la tumba de un conocido, descubriendo que el chofer no sabe leer o escribir cuando éste no puede localizar la lápida. Tras unas lecciones básicas, indicando la primera y última letra del nombre, Hoke es capaz de encontrar la lápida.

En 1953, se celebran las Navidades en casa de Boolie y su esposa Florine. Miss Daisy nunca ha apreciado a Florine, y como judía desprecia su afición a celebrar la Navidad. Sin embargo, le regala a Hoke un libro que siempre usó para enseñar a sus alumnos a leer y escribir. Un tiempo después, cuando Boolie decide comprar un coche nuevo para su madre, Hoke decide comprar el antiguo para su uso. Al llevar a Miss Daisy al noventa cumpleaños de un familiar, Hoke es detenido por dos policías que piden su identificación. Miss Daisy observa el trato racista que Hoke ha recibido con disgusto, percatándose por primera vez de la crudeza de los prejuicios. Sin embargo, Hoke se siente cada vez más seguro de sí mismo, reafirmando su autoridad cuando Miss Daisy se muestra intransigente.

En 1963, Hoke le hace saber a Boolie que un amigo de la familia le ha ofrecido trabajo y la posibilidad de fijar su propio sueldo. De esta forma, consigue que Boolie acceda aumentarle el sueldo. Poco después, Idella fallece en la cocina mientras pelaba judías y veía la televisión.

Toda la familia Werthan y Hoke acuden al funeral. Miss Daisy se niega a contratar a otra asistenta, comenzando a cocinar y cuidar de la casa ella misma, con la ayuda de Hoke. La pérdida de Idella provoca que Miss Daisy y Hoke afiancen más su amistad. En 1966, la Bolsa de Comercio de Atlanta elige a Boolie como “Hombre del Año” por su labor en su compañía. Una mañana lluviosa, de camino al Templo, Hoke y Miss Daisy descubren que han puesto una bomba en el templo. Por primera vez, la anciana se percata de que es tan víctima de los prejuicios y el odio como Hoke, pero se niega a aceptarlo ante su chofer y amigo.

Poco después, Miss Daisy intenta organizar una visita a una cena en honor de Martin Luther King, invitando a Boolie y Florine. Sin embargo, Boolie teme la reacción de sus clientes si asiste, y le sugiere que invite a Hoke para que le acompañe. Miss Daisy declara que Hoke no querrá asistir, aunque su hijo le pide que se lo pregunte. La anciana acude a la cena, pero no llega a invitar a Hoke, al que le hace saber la sugerencia de Boolie tildándola de absurda.

Esto enoja a Hoke, por enterarse a última hora, quien le hace saber a Miss Daisy que debería habérselo dicho. Escuchando a Martin Luther King, Miss Daisy se siente arrepentida de su forma de actuar; mientras Hoke escucha el discurso en la radio del coche.

En el año 1971, Hoke llega a casa de la Señora Daisy para encontrarla en un estado agitado, con síntomas de demencia. La anciana piensa seguir siendo maestra, y que ha perdido sus exámenes. Hoke se lo comunica a Boolie, pero intenta razonar con la anciana, para que no la ingresen. En ese momento, Miss Daisy le confiesa que se ha convertido en su mejor amigo. Dos años después, Miss Daisy ha sido ingresada en un asilo, a la edad de noventa y siete años. Con ochenta y un años, Hoke se ha retirado y visita a Boolie, quien ha puesto la casa de su madre a la venta. Ambos acuden al asilo para visitar a la anciana el Día de Acción de Gracias. Miss Daisy le pide a Boolie que la deja a solas con Hoke. Tras conversar un rato, Hoke la ayuda a comer un trozo de pastel, mientras en la lejanía se vislumbra un coche que sigue su rumbo.

ESCENA

Me encanta esta escena en la que Hoke le planta cara por primera vez a Miss Daisy.

FECHA DE ESTRENO

29 de Septiembre de 1994

TITULO ORIGINAL

Muriel’s Wedding

DIRECTOR

Paul John Hogan

PRODUCTORES

Lynda House, Jocelyn Moorhouse

GUION
Paul John Hogan

REPARTO

Toni Collette (Muriel Heslop), Rachel Griffiths (Rhonda Epinstall), Bill Hunter (Bill Heslop), Sophie Lee (Tania Degano), Jeanie Drynan (Betty Heslop), Gennie Nevinson (Deidre Chambers), Daniel Lapaine (David Van Arkle), Matt Day (Brice Nobes), Roz Hammond (Cheryl), Belinda Jarrett (Janine), Pippa Grandison (Nicole), Dan Wyllie (Perry Heslop), Gabby Millgate (Joanine Heslop), Chris Haywood (Ken Blundell), Nathan Kaye (Peter Vernell), Cecily Polson (Madre de Tania), Rob Steele (Leo Higgins), Katie Saunders (Penelope Heslop), Dene Kermond (Malcolm Heslop)

CINEMATOGRAFÍA

Martin McGrath

BANDA SONORA

Peter Best

DISTRIBUIDA POR:

Miramax Films

DURACIÓN
106 minutos

RHONDA EPINSTALL: “Tania. Que maravillosa sorpresa.”

TANIA DEGANO: “No puedo creerlo. No te había visto desde que te fuiste de Porpoise Spit.”

RHONDA EPINSTALL: “¿Cómo estás?”

TANIA DEGANO: “Casada.”

RHONDA EPINSTALL: “Muriel me lo ha dicho, Chucky.”

TANIA DEGANO: “Chuck.”

RHONDA EPINSTALL: “Chuck, eso es. Felicidades

TANIA DEGANO: “Toma una copa con nosotras.”

RHONDA EPINSTALL: “¿En serio? ¿Queréis tomar una copa conmigo?”

TANIA DEGANO: “No podemos dejar que pases tus vacaciones sola. Ya no estamos en el instituto, no tienes por qué pensar que no eres lo suficientemente buena para nosotras.”

RHONDA EPINSTALL: “No lo pienso.”

TANIA DEGANO: “Veo que has cambiado. Créeme, soy honesta. Digo lo que pienso, no como otras.”

RHONDA EPINSTALL: “¿Eso es verdad?”

TANIA DEGANO: “Sí.”

RHONDA EPINSTALL: “Yo soy sincera. Nicole folla con Chuck. Muriel les vio como lo hacían el día de tu boda. Metete tu copa donde te quepa, antes me tragaría cuchillas de afeitar que tomarme una copa contigo. Y por cierto, no estoy sola. Estoy con Muriel.”

CURIOSIDADES

Se trata de una película australiana de gran éxito. De hecho fue una de las grandes sorpresas del año 1994, ya que un presupuesto de nueve millones de dólares, logró recaudar casi sesenta. Se trata de la primera película de Rachel Griffiths, y la segunda de Toni Collette. La película logró que ambas actrices fueran reconocidas y saltaran a la fama. El escritor del guion y director, Hogan, deseaba hacer uso de la música del grupo ABBA en la película. Sin embargo, el permiso para utilizar la música del grupo le fue denegado inicialmente. Cuando Hogan prometió volar a Europa para presentar su petición a los fundadores de la banda, se le concedió el permiso con la condición de que la banda recibiera un porcentaje de los beneficios de la película.

Cuando la película se convirtió en todo un éxito internacional, el uso se la música de ABBA se propagó. De esta forma, el uso de la música del grupo se expandió, y provocó que inspirara el exitoso musical de Broadway, “Mamma Mia”, que en el año 2008 se convertiría en una película de igual éxito.

Inicialmente, se consideró contar con la actriz Gina Riley para el papel de Muriel Heslop. Sin embargo, Toni Collette terminó por hacerse con el papel, para el cual tuvo que engordar veinte kilos en siete semanas con ayuda de un dietista. Bill Hunter, actor de gran relevancia en Australia, se hizo con el papel de Bill Heslop. Al mismo tiempo que trabajaba en “La Boda de Muriel”, Bill Hunter trabajaba en la película “Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto”, en la que interpretaba al personaje de Bob. Los dos personajes que interpretaban tenían diferente longitud de pelo, y uno necesitaba barba. Para Hunter fue todo un reto combinar su trabajo en ambas películas, que lograron convertirse en grandes éxitos. Ambas películas hicieron uso de la música de ABBA, y se convirtieron en clásicos de culto.

“La Boda de Muriel” logró hacerse con cuatro premios del Instituto de Cine Australianos y siete nominaciones adicionales.

NOTA PERSONAL

Poco que decir de una de mis películas favoritas. Es curioso, pero cuando hablo de ella, todo el mundo recuerda con intensidad sus elementos cómicos. Sin embargo, con el paso del tiempo no he podido evitar fijarme más en el drama que la comedia oculta. Se trata de un claro ejemplo de familia disfuncional, en la que nada parece funcionar. Muriel puede ser insegura, mentirosa, e incluso ladrona, pero es el resultado de esa familia disfuncional que ha influido en su vida. Bill Hunter realiza una formidable interpretación, como el clásico hombre supuestamente moralmente perfecto, pero que oculta la más grande de las corrupciones. Los aspectos de la comedia ayudan a que el viaje del personaje de Muriel, histriónico pero hilarante, se adentre en el camino de la madurez, antes de que termine por convertirse en una copia de su propio padre.

Sin adentrarme más en mi análisis, la película combina lo dramático y lo divertido de una forma excepcional, sumergiéndonos en la conquista de la ausencia de autoestima.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Muriel Heslop es una joven inadaptada, a menudo marginada y despreciada por aquellas que considera sus amigas. Reside en la pequeña comunidad costera de Porpoise Spit. En la boda de una de sus supuestas amigas, Tania, Muriel consigue hacerse con el ramo de la novia. Sin embargo, sus amigas le hacen ver que nunca conseguirá pareja, y que es mejor que le entregue el ramo a una de las damas de honor, a pesar de que acaba de finalizar su relación. Durante la boda, Muriel descubre al novio, Peter Vernell, manteniendo relaciones sexuales con una de las amigas de Tania, Nicole. Lamentablemente, Muriel también es arrestada acusada de haber robado el vestido de leopardo que llevaba a la boda. Muriel vive en compañía de su familia.

Su padre es Bill Heslop, un concejal corrupto, su introvertida madre Betty, y sus hermanos Perry, Joanine, Malcolm y Penelope, no aportan nada ya que los dos primeros están en el paro, y los dos últimos son niños. Debido a sus contactos, Bill consigue que no le ocurra nada a Muriel, pero mantiene una actitud de desprecio hacia toda su familia, particularmente hacia su esposa. Su actitud es la de constante abuso psicológico hacia su familia, restregando todo lo que consigue por ellos, y despreciando cualquier oportunidad que tienen. Muriel solo consigue evadirse escuchando la música de ABBA que tanto adora. Deidre Chambers, amiga de Bill y representante de cosméticos, le ofrece un trabajo a Muriel.

Durante una cena, Tania le confiesa a sus amigas Cheryl, Janine y Nicole, que su recién marido la está engañando, aunque no es consciente de que es con Nicole. El grupo la anima a que cancele su luna de miel y vaya de viaje con ellas a Bali, menospreciando a Muriel, que está presente. Aunque Muriel desea ir, las cuatro le confiesan que se sienten avergonzadas de su presencia, y que no desean su compañía.

Muriel se siente hundida; y su padre le entrega un cheque en blanco para los cosméticos que Deidre le encargue que vende. Al mismo tiempo, Betty le confiesa a Muriel que su padre se ve enfrentado a ataques de la oposición, y supuestas falsas acusaciones. Sin embargo, Muriel decide utilizar el cheque en blanco para acudir a Bali. Allí, no es bien recibida por Tania, Cheryl, Janine y Nicole, que se sienten indignadas por su presencia. Sin embargo, Muriel se encuentra con Rhonda Epinstall, una antigua compañera de instituto. Una mentirosa compulsiva, Muriel le cuenta que esta prometida pero que está de vacaciones disfrutando de sus últimos momentos de libertad. Rhonda también le comenta su desprecio hacia Tania, Cheryl, Janine y Nicole, por como la trataban en el instituto, y se sorprende al ver que también están allí. Muriel le relata como Nicole ha mantenido relaciones con Peter, sin que Tania lo supiera. Al día siguiente, Rhonda se presenta ante las chicas, que aprecian el cambio estético que ha sufrido, e intentan separarla de Muriel para que se una al grupo.

Sin embargo, Rhonda rechaza la oferta, revelándole a Tania la aventura de su marido con su amiga Nicole. Esa misma noche, Muriel y Rhonda interpretan el Waterloo de ABBA en playback ganando un concurso; mientras Nicole y Tania se pelean entre el público.

En Porpoise Split, Deidre le comunica a la familia de Bill que Muriel apenas ha logrado ganar treinta dólares vendiendo cosméticos. Bill se percata de que su hija ha usado su dinero para pagar sus vacaciones, y que le ha mentido. Al mismo tiempo, Bill le pide a Deidre que necesita más tiempo para consolidar su aventura con ella; aunque Betty ya sospecha lo que está ocurriendo y calla resignada. De regreso en Porpoise Split, Muriel se encuentra con su madre, quien le revela el enfado de su padre, pues ha gastado doce mil dólares. Ante la situación, Muriel decide trasladarse a Sidney, dejando atrás a su familia. Allí, consigue un trabajo en un videoclub, justo enfrente de donde trabaja Rhonda, en una tintorería. En el trabajo, un joven llamado Brice le pide a Muriel una cita.

Entusiasmada por su nueva vida, Muriel le cuenta a Rhonda que ha decidido cambiar su nombre por el de Mariel. Todavía mintiendo, le explica a Rhonda que su antiguo novio era un policía que no aceptó su ruptura. Por la noche, las dos amigas salen de copas. Muriel está acompañada por Brice; mientras Rhonda ha logrado ligar con dos americanos. De regreso en el apartamento que comparten, Muriel y Brice ven las noticias, descubriendo que Bill Heslop ha sido acusado de tramas de corrupción. Los dos jóvenes intentan mantener relaciones provocando varios destrozos que llaman la atención de Rhonda y sus ligues. En el altercado, Rhonda se da un golpe contra la pared y descubre que no puede mover las piernas. Desde el hospital, Muriel llama a su madre confesando haber robado el dinero de su padre; y Betty le explica que Bill ha abandonado a la familia. Tras la conversación, Muriel descubre que Rhonda tiene un tumor, lo que ha provocado que pierda el uso de sus piernas, y no el golpe recibido.

Abrumada por todo lo sucedido, Muriel comienza a visitar tiendas de vestidos de novia.

Allí miente de nuevo, asegurando a las dependientas que va a casarse, y que su madre no puede ver como se prueba los vestidos debido a que tiene un tumor en la espina dorsal y necesita ser operada. Conmovidas, las dependientas de varias tiendas permiten que se saque varias fotos con los vestidos de novias, y Muriel las colecciona en un álbum personal. Rhonda es operada y comienza una dura rehabilitación, pidiéndole a Muriel que nunca regresen a Porpoise Split. Sin embargo, Rhonda descubre el álbum de Muriel, y deduce que se ha reconciliado y va a casarse con su “supuesto novio”. Rhonda la descubre en una tienda de vestidos de novia, donde Muriel confiesa que nunca ha estado prometida y que lo inventó todo. Esto provoca una brecha en la amistad de las dos jóvenes; y Muriel decide reunirse con su padre. Bill la recibe humillándola de nuevo y mostrando una ausencia de cariño absoluta. Bill exige que regrese a Porpoise Split con él, donde trabajara para devolverle todo el dinero. Deidre también aparece por allí, ante lo que Muriel descubre la aventura de ambos y les obliga a admitirla ante ella.

Bill y Deidre declaran que iniciaran una nueva en común, y que Muriel tendrá que cuidar de su madre. Al descubrir que la operación de Rhonda no ha funcionado, y que la joven no volverá a andar, Muriel comienza a consultar anuncios por palabras de hombres que buscan esposas. De esta forma conoce a un atractivo nadador olímpico llamado David Van Arkle. Su entrenador, Ken Blundell, ha puesto el anuncio ya que el nadador procede de Sudáfrica y necesita un matrimonio de conveniencia para adquirir la nacionalidad australiana. La familia de David está dispuesta a lo que sea para que su hijo triunfe, pagando diez mil dólares a quien esté dispuesta a casarse con él. David siente considerable repulsión hacia Muriel, pero su entrenador le hace ver que es la única posibilidad. Tras la boda, Muriel tendrá que vivir en su apartamento y fingir estar enamorada de él durante cuatro meses. Llegado el día de la boda, Rhonda acude a regañadientes, pues ha rechazado la oferta de ser dama de honor y vuelve a residir con su autoritaria madre.

Para más inri, Tania, Cheryl y Janine han sido elegidas como damas de honor. Brice también acude disgustado, pues todavía se sentía atraído hacia Muriel. La joven disfruta de una boda de ensueño, al compás de una canción de ABBA, con todos los que la despreciaban pendientes de ella. Su pobre madre llega tarde y no tiene tiempo ni de saludar a su hija.

Tras la ceremonia, Rhonda le reprocha a Muriel lo que ha hecho, anunciando que regresa a Porpoise Split con su madre. Muriel se muestra insensible, y Rhonda declara su desprecio hacia la nueva persona que Mariel es, no estando a la altura de Muriel. La joven se instala con su nuevo marido, quien se muestra frio y distante y le indican que usaran dormitorios separados. Sin embargo, ambos han aceptado el matrimonio por que han querido ganar en diferentes terrenos de su vida. Desolada, Betty olvida pagar unas zapatillas en un supermercado y es acusada de robo. Tras evitar el escándalo, Bill la desprecia abandonándola y solicitando el divorcio. Betty fallece de un ataque al corazón, y Muriel regresa a casa para el funeral.

Allí, descubre que su madre se suicidó con pastillas para dormir, pero que su padre inventó la historia del ataque al corazón. Escandalizada al ver como su padre manipula el funeral para sus intereses, Muriel abandona la ceremonia. David se muestra comprensivo, y mantiene relaciones con Muriel. Sin embargo, ambos deciden de mentir y solicitar el divorcio, partiendo como buenos amigos.

Finalmente, Muriel se enfrenta a su padre, a quien exige que cuide del resto de la familia, entregándole el dinero obtenido por la boda, ya que su carrera política se ha venido abajo. Bill Heslop cede, reconociendo todos sus errores por primera vez. Tras esto, Muriel acude a casa de Rhonda donde se disculpa por su actitud ante su madre, Tania, Cheryl y Janine. Muriel declara haber rechazado la falsedad de Mariel, y le pide a Rhonda que regrese a Sidney con ella. Alegre, Rhonda acepta la oferta, y las dos amigas parten para iniciar juntas su nueva vida.

ESCENA

Sin duda la mejor escena, Muriel y Rhonda interpretan el “Waterloo” de ABBA en playback.

TITULO ORIGINAL

Batman

CREADOR

William Dozier

PRODUCCION

William Dozier, Howie Horwitz

REPARTO ORIGINAL

Adam West (Bruce Wayne / Batman), Burt Ward (Dick Grayson / Robin), Alan Napier (Alfred), Neil Hamilton (Comisario James Gordon), Stafford Repp (Jefe O’Hara), Madge Blake (Harriet Cooper), Yvonne Craig (Barbara Gordon / Batgirl), Cesar Romero (Joker), Burgess Meredith (Pingüino), Frank Gorshin & John Astin (Enigma), Julie Newman & Eartha Kitt (Catwoman), George Sanders, Otto Preminger & Eli Wallach (Mister Frío), Victor Buono (King Tut), David Wayne (Sombrerero Loco), Vincent Price (Cabeza de Huevo), Carolyn Jones (Marsha, Reina de Diamantes), Cliff Robertson (Shame), Anne Baxter (Olga, Reina de los Cosacos), Rudy Vallee (Lord Marmaduke Ffogg), Glynis Johns (Lady Penelope Peasoup)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 12 de Enero de 1966 al 14 de Marzo de 1968

CANAL DE EMISION

ABC

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Neal Hefti

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 34 episodios

TEMPORADA 2: 60 episodios

TEMPORADA 3: 26 episodios

Un total de 120 episodios de 25 minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

A principios de la década de 1960, “Ed Graham Productions” se hizo con los derechos del popular cómic “Batman”, y planeó crear una serie de aventuras dirigida a los jóvenes, al estilo de “Las Aventuras de Superman” o “El Llanero Solitario”. La idea era que se emitiera los sábados por la mañana en la CBS. Mike Henry, antiguo jugador de football y actor, fue inicialmente escogido para interpretar a Batman en un estilo más dramático. Sin embargo, no llegó a firmar contrato alguno. Yale Udoff, ejecutivo de la ABC y gran fan de Batman desde su infancia, fue quien tuvo la idea de que la serie tuviera un tono más camp, alegre y distendido, y contactó con otros ejecutivos. Cuando las negociaciones entre la CBS y la Graham Productions quedaron suspendidas, “DC Comics” recuperó los derechos del personaje y llegó a un trato con la ABC para que se creara la serie con dicho estilo. La serie sería producida por “20th Century Fox”, la cual entregó el proyecto a William Dozier y su compañía. La cadena ABC y la “20th Century Fox” esperaban que la serie fuera divertida, pero que también tuviera elementos serios.

Sin embargo, Dozier nunca había leído los cómics de Batman, y tras examinar algunos consideró que la serie tendría que tener un tono exagerado, divertido así como un estilo pop. Inicialmente, se consideró que el novelista Eric Ambler escribiera el guion de una película televisiva, la cual sirviera para lanzar la serie. Pero Ambler se retiró al descubrir el estilo que Dozier había escogido para la serie. Con el paso del tiempo, se grabaron dos pruebas, una con Adam West y Burt Ward, y la otra con Lyle Waggoner y Peter Deyell. Los primeros se hicieron con los papeles de los héroes del cómic.

Lorenzo Semple Jr firmó para convertirse en el guionista principal, encargándose del episodio piloto. Tuvo colaboraciones por parte de guionistas como Stanley Ralph Ross, Stanford Sherman, y Charles Hoffman expertos en comedia y sátira. La serie se concibió con una estructura de episodios de una hora de duración. Sin embargo, la Cadena ABC no tenía espacio para episodios de dicha duración, por lo que cada uno fue dividido en dos partes, con el mismo villano.

De esta forma, la primera parte terminaba con un final de suspense, con los héroes en situaciones peligrosas. La segunda parte se emitía mostrando el éxito de Batman y Robin a la hora de derrotar al villano en cuestión. Se hizo uso de villanos de los cómics como Joker, Pingüino, Enigma, Catwoman, Mister Frío y el Sombrerero Loco. También se crearon gran cantidad de villanos para la serie. Se creó una película del mismo título para ser estrenada en el cine. La idea era que se emitiera en los cines antes del comienzo de la serie, pero el estreno de la última se adelantó, por lo que la película se estrenó tras la primera temporada, durante el verano. El film no funcionó bien en el cine, aunque el éxito de la serie permitió un presupuesto mayor para crear la Batlancha y el Batcoptero.

La participación de Semple fue menor durante la segunda temporada, en parte debido a que fue la de mayor duración, llegando a contar con sesenta capítulos. William Dozier y Howie Horwitz tuvieron que acelerar la producción de dicha temporada por los mismos motivos.

Esto provocó que no tuvieran el tiempo necesario para planear las tramas con la suficiente antelación, y que los villanos populares no aparecieran tan a menudo como en la primera temporada. Como consecuencia de estos problemas, la audiencia de la segunda temporada comenzó a bajar, y el futuro de la serie se vio en peligro. Para atraer a nuevos espectadores, Dozier decidió introducir a un personaje femenino para la serie. Tuvo la idea de usar a Batgirl, que en su identidad civil sería la hija del Comisario Gordon, Barbara. Dozier también le pidió al editor de los cómics de Batman que desarrollara más dicho personaje, que había aparecido por primera vez en un cómic de la serie “Detective Comics”, de 1966. Procedió a crear un corto promocional con Yvonne Craig interpretando a Batgirl, para convencer a los ejecutivos de la ABC de la necesidad de introducir dicho personaje como regular en la tercera parte. La serie pasó a emitirse solamente una vez por semana; y en esa ocasión la mayoría de los episodios eran auto-conclusivos.

Simplemente se elaboraron algunas frases que se pronunciaran al final de cada episodio, para animar a los espectadores a ver el siguiente.

El personaje de la Tía Harriet pasó a tener apariciones esporádicas, debido a la frágil salud de la actriz Madge Blake. Otro cambio en el reparto fue el de Julie Newmar, que había adquirido gran popularidad interpretando a Catwoman. La actriz tuvo que retirarse debido a que estaba comprometida con la película “El Oro de Mackenna”. Fue reemplazada por la cantante y actriz Eartha Kitt, que se convirtió en la segunda actriz de color de gran popularidad en una serie, al estilo de Nichelle Nichols que había interpretado a Uhura en “Star Trek”. Eartha Kitt llegó a flirtear con Adam West en varios episodios, algo inusual para los espectadores de la época. De hecho, su interpretación de Catwoman inspiraría a Halle Berry en su interpretación del personaje para la película “Catwoman” de 1004. Berry llegó a imitar el ronroneo de Kitt a la hora de interpretar al personaje. Eartha Kitt también continuó utilizando el ronroneo de Catwoman en varias canciones posteriores.

Frank Gorshin, el actor que había interpretado a Enigma en la primera temporada, regresó para realizar una única aparición, ya que John Astin había interpretado al villano en la segunda temporada.

La naturaleza de los guiones y las interpretaciones comenzó a adquirir un tono surrealista. Los decorados de fondo se convirtieron en cortes de dos dimensiones. La serie también comenzó a hacer referencia a temas hippies que habían sido evitados anteriormente. Para el final de la tercera temporada, la audiencia había bajado considerablemente, y la cadena ABC optó por cancelar la serie. Sin embargo, la serie había adquirido gran popularidad entre los más jóvenes, y pasó a convertirse en todo un clásico de culto. Los ciento veinte episodios han sido reemitidos de forma prácticamente continua desde que la serie fue cancelada. Cuando Tim Burton relanzó el interés del personaje con su película “Batman” (1989), la franquicia siguió adelante con tonos mucho más serios. Sin embargo, muchos actores como Jack Nicholson, Danny DeVito, Michelle Pfeiffer o Jim Carrey se inspiraron en las interpretaciones de los actores de la ya clásica serie, para interpretar a sus respectivos villanos.

NOTA PERSONAL

No cabe duda que esta es una de las series más frikis que he podido disfrutar. Y quiero subrayar disfrutar, porque de lo campy y ridícula que llega a ser en ocasiones, no deja de ser particularmente divertida. Todo esta tan exagerado de forma voluntaria, desde los uniformes de licra de los héroes a lo pintoresco de las aventuras, que resulta genial e hilarante. Evidentemente, Batman es un personaje mucho más serio y sombrío en el mundo de los cómics; sin embargo, esta mucho más enfocada en lo histriónico e hilarante. De hecho, la serie fue todo un éxito en su época, y todavía permanece como todo un fenómeno de culto.

Lo único que criticaré es la falta de un poco de continuidad para la serie fuera algo más interesante. Ninguno de los orígenes de los villanos es narrado, y eché en falta que apareciera alguno de los clásicos, cuando además se crearon tantos villanos que no aparecían en los cómics.

El origen de Batman y Robin tampoco se explica, y es que la serie comienza dando el pasado por sentado, quizás porque los orígenes en los cómics son demasiado oscuros. Al margen de todo, la serie es todo un festival campy lleno de diversión, con situaciones de lo más inverosímiles, y enfocada para que este dotada de cierto toque educativo y cívico para los más jóvenes.

Es verdad que el tono exagerado se fue incrementando con el paso de los episodios, pero aun así no puedo evitar considerar la serie como todo un clásico del que todavía disfruto.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: En la Ciudad de Gotham, el millonario Bruce Wayne reside en su mansión con Dick Grayson, un joven sobre el cual tiene tutela. En secreto, ambos son Batman y Robin, luchadores contra el crimen.

Solamente su mayordomo, Alfred, es consciente de sus identidades secretas, ayudándolos a menudo desde su guarida secreta, la Batcueva. En la mansión también reside la Tía Harriet, quien desconoce la doble identidad de ambos. Batman y Robin poseen una línea directa con el Comisario Gordon, quien les informa a menudo de cualquier crimen que ha surgido en Gotham. En su primera aventura se enfrentan al villano conocido como Enigma, frustrando su intento de robar el famoso Mamut de Moldavia. Enigma vuelve a enfrentarse a ellos en otras dos ocasiones, fracasando nuevamente. Otro villano al que se enfrentan en varias ocasiones es el Pingüino, quien llega a robar el Batmóvil, pero es incapaz de controlarlo gracias al control remoto de Batman. En otra ocasión intenta fingir haberse reformado y convertido en un héroe, y hacer que Batman y Robin sean considerados criminales, pero fracasa nuevamente siendo llevado a prisión de nuevo. Otro enemigo notable es Joker, que ataca al dinámico dúo en varias ocasiones.

En una intenta robar un nuevo barco de la Ciudad de Gotham, y en otra intenta corromper a los estudiantes del colegio de Robin para que se dediquen a una vida de crimen, y vivan cómodamente. Sin embargo, siempre fracasa y es enviado a prisión.

Los héroes se enfrentan a Mister Frío, incapaz de vivir a temperaturas normales, debido a que en un previo enfrentamiento con Batman fue expuesto a compuestos químicos. Batman y Robin consiguen derrotarle de nuevo. El Sombrerero Loco también escapa de prisión, dispuesto a secuestrar y vengarse del jurado que lo condenó. Aunque consigue capturarles, Batman y Robin llegan a tiempo de derrotarle y rescatar a los cautivos. Catwoman realiza una serie de robos para conseguir pistas que la lleven a un tesoro oculto. Batman y Robin la derrotan en unas cavernas; y Catwoman cae por una grieta sin fondo, aparentemente perdiendo la vida. Batman y Robin también se enfrentan a King Tut, un antiguo profesor de Arqueología que sufrió un accidente que le hizo creer ser un antiguo faraón.

Tras derrotarle, el villano sufre un golpe y recuerda su vida anterior como profesor. Los héroes se enfrentan a otros criminales como Zelda, Bookworm o Rostro Falso, siempre logrando hacerse con la victoria.

SEGUNDA TEMPORADA: Batman y Robin se enfrentan al Arquero, un villano dedicado a robar a los ricos para dárselo todo a los pobres. Logran derrotarle, descubriendo que sus intenciones no eran tan honorables. Catwoman reaparece, habiendo sobrevivido al accidente en la caverna. Robin está a punto de perder la vida al intentar detenerla, pero Batman acude al rescate y Catwoman es arrestada y llevada a prisión. Tras derrotar a un genio de la electrónica conocido como Trovador, Batman y Robin se enfrentan a King Tut, quien ha vuelto a perder la cordura. Los héroes impiden que utilice un suero que somete a sus víctimas bajo su control, y el villano es enviado a prisión. La criminal conocida como Ma Parker y su familia logran hacerse con el control de la prisión de Gotham, pero Batman y Robin también consiguen derrotarles. Los héroes también impiden que Clock King se haga con un poderoso reloj atómico.

Los héroes impiden que el villano Cabeza de Huevo tome el control de Gotham, y detienen al cantante Chandell y su hermano Gángster, Harry. También impiden que el Pingüino fracase en su intento de convertirse en alcalde de Gotham, y derrotan de nuevo a Mister Frío. El Joker regresa con un invento que manipula el tiempo, pero es derrotado de nuevo. Batman derrota a Marsha, Reina de Diamantes, con quien está a punto de casarse a la fuerza.

Tras enfrentarse a Catwoman, quien ha diseñado un mecanismo para robar la voz de sus víctimas, la villana parece dispuesta a reformarse, esperando iniciar una relación con Batman al salir de prisión. Sin embargo, Catwoman parece cambiar de opinión, pues se alía con Sandman para combatir al dinámico dúo, y en otro plan logra controlar a Robin con una droga creada por ella. Sin embargo, todos sus planes fracasan de nuevo. El Pingüino también realiza varias alianzas. La primera es con el Joker, y ambos están a punto de hacerse con el control de la Batcueva, fracasando en el intento. El villano también se alía con Marsha, fracasando una vez más. Batman y Robin también tienen un encuentro con el Avispón Verde, un héroe que se hace pasar por criminal para apresar a otros.

Los héroes se enfrentan brevemente mientras detienen al Coronel Gumm, aunque Batman llega a sospechar que verdaderamente el Avispón es un luchador contra el crimen. El dúo también se enfrenta a la Viuda Negra, evitando sus sucesivos robos en bancos, así como contra King Tut, Joker, y Mister Frío una vez más.

TERCERA TEMPORADA: Barbara Gordon, hija del Comisario Gordon, llega a Gotham para trabajar en una biblioteca tras finalizar sus estudios. Sin embargo, no tarda en comenzar a luchar contra el crimen adoptando la identidad de Batgirl. Solamente Alfred conoce la verdadera identidad de Batgirl, accediendo a no revelarla ni a Batman ni a Robin. El dúo de héroes no tarda en confiar en Batgirl, aunque nunca llega a descubrir la identidad secreta de la joven. De esta forma, Batgirl les ayuda contra distintas amenazas, ganándose la enemistad de Catwoman de forma especial. Las aportaciones de Batgirl terminan por convertirse en esenciales en algunas de las aventuras. Los tres se enfrentan a villanos como el Pingüino, Joker, Enigma, Egghead o King Tut. Batgirl también resulta determinante para derrotar a la Sirena, quien fracasa al intentar utilizar sus poderes hipnóticos sobre la joven heroína. El trio de héroes también viaja a Londres para frustrar los planes de los villanos Lord Marmaduke Ffogg y Lady Penelope Peasoup. En su última misión se enfrentan a la villana Minerva, alzándose una vez más con la victoria.

ESCENA

Recopilación de algunas luchas de Batman y Robin contra algunos villanos de la serie.

FECHA DE ESTRENO

5 de Agosto de 2011

TITULO ORIGINAL

Rise of the Planet of the Apes

DIRECTOR

Rupert Wyatt

PRODUCTORES

Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver

GUION
Rick Jaffa, Amanda Silver

REPARTO

James Franco (William Rodman), Freida Pinto (Caroline Aranha), John Lithgow (Charles Rodman), Brian Cox (John Landon), Tom Felton (Dodge Landon), David Oyelowo (Steven Jacobs), Tyler Labine (Robert Franklin), Jamie Harris (Rodney), David Hewlett (Douglas Hunsiker), Chelah Horsdal (Irena), Andy Serkins (César), Karin Konoval (Maurice), Terry Notary (Rocket), Richard Ridings (Buck), Devyn Dalton (Cornelia), Jay Caputo (Alpha), Christopher Gordon (Koba)

CINEMATOGRAFÍA

Andrew Lesnie

BANDA SONORA

Patrick Doyle

DISTRIBUIDA POR:

20th Century Fox

DURACIÓN
105 minutos

PRECEDIDA POR:

El Planeta de los Simios (2001)

SUCEDIDA POR:

El Amanecer del Planeta de los Simios

DODGE LANTON: “Quítame tu sucia pata de encima, mono asqueroso.”

CÉSAR: “¡No!”

WILL RODMAN: “César, lo siento. Todo esto es por mi culpa, pero tiene que acabar. Esta no es la manera. No sabes de lo que son capaces. Por favor vuelve a casa. Si vuelves yo te protegeré.”

CÉSAR: “César está en casa.”

CURIOSIDADES

El proyecto surgió en el año 2006, cuando el productor y guionista Rick Jaffa buscaba inspiración para una nueva idea. Al mirar varios artículos de periódico, se fijó en uno acerca de cómo los chimpancés usados como mascotas se convertían en problemáticos para sus dueños, y sufrían al no ser capaces de adaptarse al mundo de los humanos. El artículo le dejó intrigado, y Jaffa decidió que encajaba muy bien dentro de la saga de “El Planeta de los Simios”. Procedió a contactar con su mujer y compañera guionista, Amanda Silver, para explicarle su idea de cómo un chimpancé utilizado como mascota podía terminar por iniciar la revolución de los Simios, y ambos comenzaron a desarrollar el personaje de César.

Rick Jaffa señaló que la idea no sería la base para una precuela, prefiriendo que fuera una reinvención de la saga. La idea era crear una historia que pudiera sostenerse por sí sola, pero que también rindiera homenaje y honrara las películas previas. Jaffa y Silver escribieron un guion y se lo vendieron a la Fox, productora de la franquicia de “El Planeta de los Simios”. El guion incluía otros elementos que la pareja había investigado, como la ingeniería genética. También añadieron varios tributos a escenas específicas, personajes, actores y equipo de rodaje de las anteriores películas de la franquicia. Particularmente, el trato que se le otorgaba a César en el centro de acogida era una referencia al trato que el personaje de Taylor recibía en la película original.

Rupert Wyatt no dudó en aceptar dirigir la película, habiendo quedado impresionado ante la originalidad de la trama.

También declaró que se había optado por incluir elementos de “La Rebelión de los Simios” (1972), cuarta película de la franquicia original, sobre todo en lo relativo a como los Simios comenzaban su rebelión. El rodaje comenzó en julio de 2010, en Vancouver. También tuvo lugar en San Francisco, California, donde tenía lugar la mayor parte de la acción de la película, y en Oahu, Hawái, que sirvió de escenario para la selva africana del principio de la película, ya que el presupuesto y horario de la misma no permitía que se rodara en África.

Se decidió que los Simios de la película debían de ser reales, por lo que los productores optaron por no utilizar actores llevando trajes y disfraces como en todas las películas anteriores. Inicialmente se consideró utilizar Simios de verdad, pero al final se decidió que la compañía “Weta Digital” creara a los Simios mediante tecnología digital, y en la mayor parte se complementara la creación mediante la captura de movimientos de actores.

Los avances en la tecnología permitieron que el uso de captura de movimientos tuviera lugar en ubicaciones exteriores, lo que permitió que el equipo de producción pudiera rodar en dichas ubicaciones con los actores, en lugar de en decorados diseñados para ello. El mayor avance consistió en una camera que permitía grabar los puntos de movimiento de captura a plena luz del día, y fue utilizada para la batalla del Puente Golden Gate. Solo un máximo de seis actores podían tener sus movimientos capturados, mientras que las grandes cantidades de Simios que aparecían era animales creados digitalmente, usando la biblioteca de movimientos de Weta.

Primero se procedió a rodar a los actores que interpretaban a seres humanos interactuando con otros que llevaban trajes de captura de movimiento. Terry Notary, un especialista, guiaba a los actores para que crearan movimientos de los simios lo más realistas posibles, mientras miembros del equipo Weta estudiaba a los chimpancés del Zoo Wellington para que sirvieran de referencia.

Los simios digitales también fueron dotados de modelos con esqueletos, músculos y capas de tejido nervioso para que la animación fuera lo más detallada posible. Se crearon modelos de escayola de las cabezas y extremidades de los simios para que ayudaran al departamento de textura a replicar detalles de la piel como arrugas y poros. También se prestó cuidadosa atención a que los ojos fueran lo más expresivos posibles, incluyendo la retracción de las pupilas, lágrimas y refracción de la luz.

La película fue alabada por la crítica, y fue nominada al Oscar por los Mejores Efectos Visuales, perdiendo la estatuilla contra “Hugo”.

NOTA PERSONAL

La verdad es que esperaba esta película con gran expectación, sobre todo después de la decepción que me había llevado con la versión de Tim Burton. La espera mereció la pena, pues el nuevo relanzamiento de la saga me pareció sencillamente formidable.

La película lograba triunfar en varios aspectos, no solo visuales sino además en torno a la trama. James Franco y John Lithgow lograron conmoverme en su relación padre e hijo, y la forma en la que experimentación con animales, aunque evidentemente por un buena causa, desataba problemas que empujaban al espectador a la reflexión. Pero sin duda, lo más encomiable de la película era el realismo de los simios. Sin despreciar a los simios de la franquicia original, siempre geniales, el trabajo realizado por el equipo de efectos visuales fue excepcional, y mucho más merecedores del Oscar que los de “Hugo”.

Andy Serkins realizó un trabajo sobresaliente logrando dotar a César de una humanidad que superaba con creces la de muchos personajes humanos del film. La evolución de César se lleva a cabo con el mayor de los cuidados, logrando que se convierta en el personaje más interesante de toda la película. Pero todos los simios están cuidados al más perfecto detalle. La batalla del puente me pareció sencillamente excepcional, dejándome completamente pendiente de cada detalle, ya que todos estaban muy cuidados.

En términos generales, la nueva saga comenzó de forma insuperable.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

El Doctor Will Rodman trabaja en la compañía Gen-Sys, especializada en biotecnología. Allí trabaja en la búsqueda de una cura contra la enfermedad de Alzheimer. Una chimpancé recién capturada, y denominada Ojos Claros, es sometida a pruebas con una droga denominada ALZ-112. La droga incrementa su inteligencia considerablemente, por lo que el jefe de Will, Steven Jacobs, autoriza que el proyecto sea presentado a la junta directiva, para que la droga sea presentada a seres humanos. Sin embargo, Ojos Claros demuestra una inusual agresividad durante la presentación, escapando y creando un gran caos hasta llegar a la sala de reuniones. Ojos Claros recibe varios disparos de un guardia de seguridad. Considerando que la droga ha provocado dicha agresividad, Jacobs ordena al cuidador Franklin que sacrifique al resto de los chimpancés.

Sin embargo, Franklin y Will descubren que Ojos Claros se había vuelto agresiva al haber dado a luz a una cría a la que estaba protegiendo.

Will lleva al pequeño chimpancé a su casa, donde reside con su padre Charles, que sufre de Alzheimer. Charles y Will se encariñan con el chimpancé, que demuestra una gran inteligencia, y le llaman César. En varios años, César demuestra la capacidad de comunicarse con signos, jugar al ajedrez y grandes dotes cognitivas ya que ha heredado la ALZ-112 de su madre. Al mismo tiempo, la condición de Charles se ha deteriorado considerablemente, por lo que Will decide probar la droga con él. La droga funciona a la perfección, reestableciendo las habilidades cognitivas de Charles a la perfección, incluso mejorando su inteligencia. Al mismo tiempo, la casa empieza a ser pequeña para César que escapa para intentar jugar con unos niños, siendo agredido por el padre de estos. Will lleva a César a la primatóloga de un zoo, la Doctora Caroline Aranha, que trata el pequeño corte que César ha sufrido. Will y Caroline comienzan a salir, y la doctora le toma gran cariño a César, señalando que el chimpancé no podrá vivir en la casa siempre, pues necesita espacios abiertos.

Will, Caroline y Charles le llevan a un bosque de secuoyas, a las afueras de San Francisco, a donde acuden a menudo.

Cinco años después, Will y Caroline se cruzan con una pareja con un perro en el bosque, y César muestra agresividad cuando el perro le ladra. Ya capaz de comunicarse con gestos, César le cuestiona a Will si también es una mascota. Will decide explicarle sus orígenes, enseñándole Gen-Sys y narrando como su madre murió allí, así como los experimentos que se realizaron y como ha heredado la droga. Sin embargo, el estado de Charles ha comenzado a deteriorarse de nuevo, y a gran velocidad, habiendo desarrollado una resistencia a la ALZ-112. Una mañana, Charles intenta conducir su coche, chocando con los coches aparcados por sus vecinos, uno de los cuales se enfrenta al anciano. César acude a ayudarle agrediendo al vecino y mordiéndole. Esto provoca que César tenga que ser llevado a un centro de acogida para chimpancés dirigido por John Landon. Sin embargo, el hijo de Landon, Dodge, se muestra agresivo con César y el resto de simios que se encuentran en la instalación.

Will decide revelarle a Jacobs sus logros con el fármaco, y el como lo ha probado con su padre con éxito hasta su deterioro. Jacobs decide aprobar el uso de la ALZ-112 en chimpancés una vez más. Entre los nuevos sujetos se encuentra un chimpancé con cicatrices llamado Koba, que ha pasado casi toda su vida en laboratorios y siente ira hacia los humanos. Koba no tarda en ser capaz de escribir el propio de nombre de Jacobs, a quien odia. En el centro de acogida, Dodge se muestra cada vez más agresivo con César, aunque su ayudante Rodney muestra más amabilidad hacia los animales. Al interactuar con el resto de chimpancés, César se ve enfrentado al macho Alpha que lo rechaza y ataca. Sin embargo, César desarrolla amistad con un orangután llamado Maurice, con quien se comunica mediante signos. Will y Caroline visitan a César y ven signos de maltrato, amenazando a John Landon con hacer que le cierren el centro si descubren que el chimpancé ha sido maltratado. Al ver que no le llevan con él, César se enfurece y comienza a hacer planes.

César aprende a abrir la cerradura de su jaula y libera al único gorila del centro, Buck, con quien establece una alianza. Buck se muestra agradecido y declara lealtad hacia César, y juntos consiguen que César se haga con el liderazgo de los simios, cuando el Alpha se ve sometido. Mientras tanto, Will ha desarrollado una mejorada forma gaseosa del ALZ-112, pero Charles se niega a ser tratado y muere durante la noche. En la compañía, Jacobs aprueba nuevos experimentos sin el consentimiento de Will, que teme que la mejorada droga sea peligrosa. Will decide dimitir, harto de las ansias de dinero de Jacobs y su falta de ética. Franklin ha enfermado seriamente, e intenta contactar con Will sin éxito, estornudando sangre sobre su vecino. Will soborna a John Landon para llevarse a César, pero el chimpancé se niega a acompañarle. César continúa entrenando a los chimpancés del centro, enseñándoles a apoyarse los unos a los otros, estableciendo una comunidad unida. Esa misma noche, César escapa del recinto y acude a casa de Will, donde roba sus muestras del ALZ-112. De regreso al recinto, César expone a todos los simios al gas. Mientras tanto, Franklin ha fallecido debido a su exposición al virus.

A la mañana siguiente, todos los simios del centro han desarrollado una gran inteligencia. Dodge descubre a César fuera de su jaula, e intenta obligarle a regresar a la jaula con violencia, y César habla por primera vez diciendo la palabra “no” y noqueándole. Tras encerrar a Dodge, César libera a todos los simios, pero impide que estos dañen a Rodney, a quien también encierra en una jaula. Dodge logra escapar e intenta atacar a César con un aturdidor eléctrico, pero el simio le rocía con una manguera electrocutándole. César descubre que el centro ha suministrado chimpancés a Gen-Sys, y los simios se dirigen a San Francisco. Al mismo tiempo, una nave lanzada al espacio se ha perdido sin dejar rastro.

Will y Caroline acuden al centro para encontrar a Dodge sin vida, y los viales del ALZ-112 vacíos, Rodney les explica que César ha hablado. Mientras tanto, los simios atacan Gen-Sys, liberando a los chimpancés, Koba entre ellos. Jacob se ve rodeado y se ve obligado a escapar en un helicóptero. Los simios proceden a liberar a los simios del zoo, tomando los barrotes de las jaulas como lanzas, dirigiéndose al puente Golden Gate para intentar llegar al bosque de secuoyas.

Allí se enfrentan a un bloqueo de la policía y fuerzas de seguridad, mientras Jacobs observa desde el helicóptero. Will también llega al puente con la esperanza de llegar hasta César e impedir una masacre. César dirige el ataque y la policía no tarda en verse desbordada, mientras Jacobs dirige un ataque desde el helicóptero. El gorila Buck salva a César recibiendo disparos dirigidos a él, y provoca que el helicóptero se estrelle quedando colgando de un puente. Jacobs sigue con vida, pero César permite que Koba le deje caer a su muerte.

Los simios llegan al bosque de secuoyas seguidos por Will, que es atacado por Koba. César impide el ataque. Will intenta convencer a César para que vuelva a casa, pero el simio le responde que ya está en casa. Mientras tanto, el vecino de Will sale de viaje en avión, portador de un virus que es fatal para los humanos. Con el tiempo, el virus se extiende por todo el planeta.

ESCENA

La película está repleta de grandes momentos, pero para mí el más esperado era ese momento en el que César gritaba “¡No!”.

FECHA DE ESTRENO

18 de junio de 1962

TITULO ORIGINAL

Hatari!

DIRECTOR

Howard Hawks

PRODUCTORES

Howard Hawks, Paul Helmick

GUION
Leigh Brackett

REPARTO

John Wayne (Sean Mercer), Hardy Krüger (Kurt Müller), Elsa Martinelli (Anna Maria “Dallas” D’Alessandro), Red Buttons (Pockets), Gérard Blain (Charles “Chips” Maurey), Bruce Cabot (Little Wolf), Michèle Girardon (Brandy de la Court), Valentin de Vargas (Luis Francisco Garcia Lopez), Eduard Franz (Doctor Sanderson)

CINEMATOGRAFÍA

Russell Harlan

BANDA SONORA

Henry Mancini

DISTRIBUIDA POR:

Paramount Pictures

DURACIÓN
157 minutos

POCKETS: “Sean, el cohete funcionó bien. ¿Verdad?”

SEAN: “Ta te lo dije. Nadie pondrá en duda ahora que tus inventos funcionan.”

POCKETS: “Gracias Sean. No lo vi. Estaba detrás del árbol, tapándome los ojos con las manos.”

SEAN: “Sí, lo sé.”

POCKETS: “Cuéntamelo Sean.”

KURT: “Ya te lo ha contado dos veces.”

POCKETS: “Cuéntamelo otra vez.”

SEAN: “Pues, el cohete subió como dijiste que haría, y cayó encima del árbol arrastrando la red con él, justo en el centro como dijiste que haría.”

POCKETS: “Como yo dije que haría. ¿Se escaparon los monos Sean?”

SEAN: “Tenemos cerca de quinientos en jaulas.”

KURT: “Valen seiscientos dólares.”

POCKETS: “Cuéntamelo de nuevo, anda.”

CURIOSIDADES

La película surgió de un guion considerablemente impreciso y poco definido. Al igual que la mayoría de los trabajos más famosos del director Howard Hawks, esta mayormente estructurado a partir de las relaciones de los personajes. Sin embargo, posee una misión principal, la captura de un rinoceronte que fracasa al principio de la película, y se lleva a cabo al final de la misma. De esta forma, se otorga a los personajes esa sensación de llevar a cabo dicha captura para darles un sentido de clausura. La película refleja la captura de animales vivos en África para zoológicos, por lo que la trama se desarrolla alrededor de escenas de persecuciones a los animales en jeeps y camionetas por llanuras de dicho continente. Todos los animales perseguidos estaban vivos, en estado salvaje y no estaban entrenados. Esto es un proceso completamente prohibido en la época actual debido a las preocupaciones en torno al agotamiento y posibles muertes de animales utilizados en películas. Con las escenas de acción grabadas, el equipo de producción regresó de África, y el guion fue concebido y escrito por Leigh Brackett, la escritora favorita de Hawks.

Al comienzo del proceso de producción, todo lo que el director sabía era que deseaba realizar una película sobre como un equipo se dedicaba a la captura de animales salvajes en África para ser destinados a zoológicos. El director consideraba que esta era una profesión peligrosa con escenas emocionantes que nunca habían sido llevadas a la gran pantalla. Para documentarse, Hawks investigó acerca de esas capturas estudiando los trabajos del famoso ecologista sudafricano, el Doctor Ian Player. En el año 1952, Sudáfrica se dedicaba a la eliminación de gran cantidad de animales salvajes para proteger el ganado, y como consecuencia solo trescientos rinocerontes blancos sobrevivieron. Fue entonces cuando el Doctor Player ideó su popular técnica de captura de rinocerontes blancos para salvarlos y reubicarlos. Su proyecto recibió el nombre de “Operación Rino”, y quedó grabado en una conocida y popular película documental del mismo nombre. Hawks estudió la película con gran atención, para incorporar alguno de sus aspectos en su película.

Originalmente, Hawks deseaba contar con Clark Gable en la película, pero su muerte provocó que tuviera que descartar dicha idea. Michèle Girardon, que interpretaba al personaje de Brandy, no hablaba inglés cuando logró hacerse con el papel. Durante el rodaje, aprendió el idioma de forma autodidacta. Willy de Beer era un cazador de animales con licencia gubernamental, y fue contratado para que sirviera de consejero técnico. Su equipo de ayudantes se convirtió en el reparto de experto en lo relacionado a la capturad de animales. Hawks también se vio inspirado por la famosa fotógrafa de animales Ylla, razón por lo que le solicitó a la guionista Brackett que añadiera el personaje de Dallas. El director declaró que el personaje se basaba en parte en la historia de un personaje real, una joven alemana que había sido la mejor fotógrafa de animales del mundo, haciendo clara referencia a Ylla.

El rodaje en África fue peligroso tanto para el equipo de producción como para los actores. Según el director, todas las capturas de animales de la película fueron realizadas por los actores, sin hacer uso de especialistas y expertos en el manejo de animales que aparecieran ante la cámara.

El rinoceronte blanco realmente se escapó durante el rodaje, y los actores tuvieron que recapturarlo. Sin embargo, Hawks decidió incluir la escena al considerar que estaba dotada de gran realismo. Gran parte del audio de las secuencias de acción tuvieron que ser redobladas, debido a que John Wayne profería constantes palabrotas mientras lidiaba con los animales. Sin embargo, se utilizó a una doble llamada Mildred Lucy Walkley para algunas escenas de Elsa Martinelli.

Hawks también declaró que John Wayne había admitido estar asustado durante algunas escenas de acción, particularmente aquellas en las que quedaba enganchado en su jeep mientras intentaba capturar a los animales. Temía que cualquier bache le hiciera caer, y sentía que todo era imprevisible debido a los obstáculos del terreno, que bien podrían haber provocado cualquier desastre. Cuando el director entrevistó a De Vargas para su papel en la película, le señaló que el trabajo sería peligroso y le mostró un documental. El actor no tuvo doble, y como el resto del reparto participó en las escenas de captura de animales.

Durante una tarde, Buttons y Wayne estaban jugando a las cartas fuera, y uno leopardo surgió de entre los arbustos. Buttons señaló lo que acababa de ocurrir, ante lo que Wayne le indicó que debía preguntarle al animal que era lo que quería. De Vargas declaró que el consejero técnico, Willy de Beer, fue atacado por un cachorro de leopardo que saltó desde un árbol, sin consecuencias fatales.

Debido a que los animales no emitían sonidos en los momentos necesarios, particularmente los pequeños elefantes, hubo que contratar a un equipo adicional para que recrearan dichos sonidos. La película introdujo la memorable pieza musical de Henry Mancini titulada “Marcha de Bebés Elefantes”. Otro momento musical memorable fue el dueto de Stephen Foster titulado “Old Folks at Home”. En la escena el personaje de Dallas tocaba el piano mientras el de Pockets tocaba la harmónica.

NOTA PERSONAL

Es sin duda una de mis películas favoritas, y antes de realizar cualquier argumento sobre el uso de animales en una película, hay que entender el año del que la misma procede. Siempre me han gustado las películas en las que se incluye a un grupo de amigos con una misión, trabajo, o algo similar. Y es que la película cuenta con ese grupo del que cualquiera quisiera formar parte, con personajes bien definidos, que se apoyan los unos a los otros, pasan por aventuras emocionantes, y momentos divertidos. El film está cargado de dos elementos que me encantan, secuencias de acción trepidante, y momentos simplemente hilarantes. Además aporta una cualidad característica de los mejores documentales, mostrando como se conseguían los cupos de animales que eran enviados a zoológicos. De esta forma, la acción no es solo emocionante sino interesante desde un punto de vista informativo.

La primera vez que vi la película fue en la televisión, y era solo un chaval.

Siempre he considerado que es un film para todas las edades, pero también que puede enganchar considerablemente más a los más jóvenes. Sin duda, mis personajes favoritos son los de Pockets y Dallas. La última representa la persona que comienza como una extraña en el grupo, y que poco a poco va encajando sin dificultad. Todas las secuencias con los elefantes son simplemente brillantes, y la música las hace perfectas. Pockets representa el aspecto cómico, y destacaría toda la escena de la captura de los monos. En términos generales es una película sobresaliente, que no ha perdido cualidad alguna con el paso de los años.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el este de África, cerca del pueblo de Arusha, Sean Mercer dirige a un equipo de cazadores dedicados a la captura de animales para ser enviados a zoológicos.

En su equipo cuenta con el Indio, un veterano en safaris, los conductores Pockets y Kurt, y un mejicano experto en el uso de lazos llamado Luis. Una joven llamada Brandy reside con ellos ya que su fallecido padre era miembro del equipo. Los miembros del equipo tienen un pedido de animales para la temporada, entre los cuales el más difícil de capturar es un rinoceronte. En un intento de capturar uno, el Indio resulta herido de gravedad, y es transportado al Hospital de Arusha. Mientras sus amigos esperan noticias, conocen a un joven francés que se ha enterado de lo ocurrido y solicita el puesto del Indio hasta que se recupere. Esto ofende gravemente a Kurt, que no duda en noquear al Francés. Justo en ese momento, el Doctor Sanderson les comunica que el Indio puede morir si no recibe una transfusión de sangre AB. Solamente el Francés posee este tipo de sangre, y accede a la trasfusión, pero exigiendo antes que Kurt se lo pida. Sean decide contratar al Francés, pues el Indio no podrá operar con el grupo durante un tiempo.

Tras regresar a su base de operaciones, tras celebrar que el Indio haya sobrevivido, Sean y Pockets se sorprenden al encontrar a una joven durmiendo en la cama del primero. A la mañana siguiente, la mujer se presenta como Dallas, una fotógrafa enviada por el Zoo Basel para realizar un reportaje sobre la captura de los animales que han sido encargados. Sean se muestra en contra de esto, ya que considera que Dallas no será más que una carga, pero se ve obligado a acomodarla como parte de su contrato con el zoo. Sin embargo, Dallas no tarda en hacerse buena amiga del resto del equipo, especialmente Pockets. La joven comienza a acompañar al equipo para fotografiar cada una de sus capturas y el proceso de los mismos. Dallas no tarda en sentirse atraída hacia Sean, aunque duda de que sea reciproco debido a la brusquedad con la que el hombre la trata. Pockets le explica que años atrás, Sean estaba prometido a una mujer que llegó al complejo, pero que le abandonó de forma brusca. Desde aquel entonces, Sean desconfía de todas las mujeres, especialmente aquellas a las que se siente atraído.

De esta forma, le explica que Sean no sería brusco con ella si no sintiera algún tipo de atracción.

Aunque impedido, el Indio regresa al complejo donde le pide a Sean que desista de capturar el rinoceronte encargado esa temporada. Le señala que anteriormente un joven belga perdió la vida intentando capturar un rinoceronte, y que lo mismo le sucedió al padre de Brandy. Le señala que debe haber algún tipo de maldición relacionada con intentar capturar un rinoceronte, pero Sean solo cede a esperar a su captura al final de la temporada. Aunque Dallas progresa en su relación con Sean, sigue existiendo una evidente fricción entre ambos. Esto empeora cuando Dallas termina por adaptar tres pequeños elefantes huérfanos que la acompañan a todas partes. Esto provoca que la tribu local de los Warusha la bauticen como Mama Tembo, Madre de Elefantes. Aunque la situación es enojosa, Sean no puede evitar ese vínculo que la fotógrafa ha desarrollado con los animales.

Por su parte, Kurt y el Francés comienzan a competir por el afecto de Brandy, ya que Sean se ha percatado que se ha convertido en una atractiva mujer.

Sin embargo, Brandy termina por enamorarse de Pockets, dejando a los dos hombres frustrados, aunque ambos se convierten en buenos amigos. En las siguientes expediciones, el grupo logra capturar a una cebra, una jirafa, una gacela, un búfalo y un ñu. También logran capturar a un leopardo en una jaula con cebo. Durante un vuelco del jeep en un río, el Francés dispara sobre un cocodrilo que amenaza la vida de Kurt, consolidando más su amistad con él. Otro de los pedidos del equipo es una gran cantidad de monos para el zoo. Pockets pasa varios días ideando un sistema para capturarlos en el taller del complejo, sin permitir que nadie entre. Finalmente revela su invento, un cohete que enviara una enorme red sobre un árbol lleno de monos para que sean fácilmente capturados. Todos dudan de la eficacia del invento, incluido Pockets que se niega a ver si el experimento funciona. Sin embargo, resulta todo un éxito y el equipo logra capturar quinientos monos. Sin embargo, Pockets se lleva un gran disgusto al no haber podido ver como su idea funcionaba.

Llegado el final de la temporada, todos los pedidos han sido cumplidos excepto el del rinoceronte. Sean decide llevar a cabo la captura, la cual conlleva algunas dificultades. En un primer intento, el rinoceronte consigue escapar, pero el equipo consigue capturarlo sin provocar accidentes. Una vez logrado, el Indio decide que la maldición ha sido eliminada. Con todo el pedido completo, el grupo decide acudir a Arusha para celebrar el final de la temporada. Sin embargo, Dallas se niega a acudir ya que a pesar de haber desarrollado más cercanía con Sean, éste nunca ha declarado sentimiento alguno hacia ella. Cuando Sean intenta convencerla para que acuda a la celebración, Dallas se niega mostrando su indignación y comenzando a llorar ante un perplejo Sean.

A la mañana siguiente, el grupo descubre que Dallas se ha marchado dejándole a Pockets una carta de despedida. Sean decide llevar a todo el grupo a Arusha para buscar a Dallas e impedir que se vaya. El equipo también lleva a los tres elefantes para que ayuden a localizarla, y los animales no tardan en hacerlo persiguiendo a la joven por todo el pueblo. Finalmente, los elefantes la acorralan en un local, y todo el equipo llega a tiempo para detenerla. Dallas decide quedarse y comienza una relación con Sean, con quien termina por casarse. Esa noche, Dallas y Sean se preparan para pasar su primera noche juntos para ser interrumpidos por un bebido Pockets, que descubre que se han casado, y los tres elefantes que entran en la habitación hundiendo la cama de la pareja al intentar subirse a la misma.

ESCENA

Siempre me ha encantado esta escena, con su genial música, en la que Dallas lleva a los elefantes a la charca para que se den un baño.

FECHA DE ESTRENO

19 de Julio de 2008

TITULO ORIGINAL

Gake no Ue no Ponyo (崖の上のポニョ)

DIRECTOR

Hayao Miyazaki

PRODUCTOR

Toshio Suzuki

GUION
Hayao Miyazaki

REPARTO (VOCES)

Yuria Nara (Ponyo), Hiroki Doi (Sosuke), Jòji Tokoro (Fujimoto), Tomoko Yamaguchi (Lisa), Kazushige Nagashima (Koichi), Yuki Amami (Granmamare), Tomoko Naraoke (Yoshie), Kazuko Yoshiyuki (Toki), Akiko Takeguchi (Noriko), Tokie Hidari (Kayo), Emi Hiraoka (Kumiko)

CINEMATOGRAFÍA

Atsushi Okui

BANDA SONORA

Joe Hisaishi

DISTRIBUIDA POR:

Toho

DURACIÓN
103 minutos

ANTERIOR PELÍCULA DE MIYAZAKI:

El Castillo Ambulante

SIGUIENTE PELÍCULA DE MIYAZAKI:

El Viento se Levanta

FUJIMOTO: “¿Acaso no os he enseñado mil y una veces lo sucios que están el agua y el aire de los humanos? Anda comete esto, toma. ¿Qué pasa, no me oyes Brunilda?”

PONYO: “Quiero jamón.”

FUJIMOTO: “¿Jamón? ¿Dónde has probado tú una cosa tan horrenda? Dime. Confiesa Brunilda.”

PONYO: “Yo no soy Brunilda, me llamo Ponyo.”

FUJIMOTO: “¿Ponyo?”

PONYO: “A Ponyo le gusta Sosuke, y por eso quiero tener un cuerpo humano.”

FUJIMOTO: “¿Humano has dicho? ¿Qué tiene de bueno una especie que es estúpida, sucia y asquerosa? No saben hacer otra cosa que no sea arrebatarle vidas al mar.”

GRANMAMARE: “Sosuke, Ponyo tenía tantas de convertirse en ser humano, que para ello ha recurrido a la magia. Pero para que la conversión sea completa necesita de un niño que la quiera de verdad, a pesar de su condición de criatura marina. ¿Tú sabías que Ponyo, antes de ser una niña, era un pez?”

SOSUKE: “Sí.”

GRANMAMARE: “Fue la sangre que lamió de tu mano lo que la dio su forma semihumana.”

SOSUKE: “¿De verdad? Porque gracias a Ponyo se me curó la herida, no quedó ni rastro. Lo que no sabía es que eso la hubiera transformado.”

GRANMAMARE: “¿Te da igual que Ponyo sea una criatura medio pez y medio humana?”

SOSUKE: “Sí. Porque a mi Ponyo me gusta igual en todas sus formas, como pez, como mitad y mitad, y también cuando es humana.”

CURIOSIDADES

Se trata de la décima película de animación dirigida por Hayao Miyazaki, que también se encargó de escribir el guion de la misma. Para ello se inspiró en “La Sirenita” de Hans Christian Andersen, aunque su intención era la de crear una historia mucho más abstracta. Junto al director de animación, Katsuya Kondo, y el director artístico, Noboru Yoshida, Miyazaki diseñó una serie de objetivos para la película, como el uso de animación tradicional.

La intención era mostrar la calidad del trabajo artístico de Yoshida y celebrar la inocencia y alegría del universo de un niño, sin sentir la presión de un estricto horario de producción. La producción de la película comenzó en mayo de 2006, mientras que la animación clave comenzó en octubre del mismo año. Miyazaki se involucró de forma íntima con la animación creada a mano para la película. Prefirió encargarse de dibujar el mar y las olas, y disfrutó experimentando con el modo de expresar esa parte esencial de la película. El nivel detallado de la calidad de los dibujos provocó que crearan ciento setenta mil imágenes diferentes, un record en cualquiera de las películas de Miyazaki.

El nombre de Ponyo es una onomatopeya, basada en la idea de Miyazaki del sonido suave y sentimental de algo cuando es tocado. El pueblo costero en el que la historia tiene lugar se vio inspirado en el verdadero pueblo de Tomonoura, del Parque Nacional Setonaikai en Japón, donde Miyazaki había estado en el año 2005.

El personaje de Sosuke se basó en el hijo de Miyazaki, Gorō, cuando solo tenía cinco años. El nombre de Sosuke fue extraído del héroe de la novela “The Gate”, del famoso novelista japonés Natsume Sōseki. El personaje de la anciana cascarrabias, la Señora Toki, se creó como homenaje a la propia madre de Miyazaki. La película también contiene repetidas referencias a la serie de óperas de Richard Wagner, “El Anillo del Nibelungo”. El verdadero nombre de Ponyo es Brunilda, el personaje principal, que además es un ser sobrenatural que se enamora del humano llamado Sigfrido. Dicha relación es similar a la de Ponyo, una criatura marina, que se enamora del niño Sosuke. Cuando Ponyo persigue a Sosuke y su madre Lisa en el coche, durante la tremenda tormenta, se puede escuchar un tributo musical a Wagner, “Cabalgata de las Valquirias”.

Una vez la película fue completada, se organizaron una serie de proyecciones de prueba. Hayao Miyazaki se quedó muy sorprendido cuando la reacción inicial de los niños, fue la de la indiferencia.

Esto se debía en parte a que el proyecto era de gran importancia para el director por sus referencias familiares. Sin embargo, el resultado en taquilla fue impresionante. Con un presupuesto de treinta y cuatro millones de dólares, logró recaudar cerca de doscientos dos millones de dólares. Tal era el carió que Miyazaki le tenía al proyecto, que decidió que la siguiente película sería una segunda parte de ésta. Esto era algo que nunca había hecho anteriormente. Sin embargo, el productor Toshio Suzuki le convenció para que se concentrara en un nuevo proyecto, que se convertiría en el de la película “El Viento se Levanta”.

NOTA PERSONAL

La verdad es que inicialmente me quedé bastante decepcionado con la película. Después de la profundidad de Miyazaki en “El Viaje de Chihiro” y “El Castillo Ambulante”, me pareció excesivamente infantil. Además, muchos de los personajes no me convencían demasiado.

Miyazaki había tenido anteriores creaciones más infantiles, particularmente “Mi Vecino Totoro”, pero dentro de ese estilo me habían dejado considerablemente satisfecho. En este caso, el personaje de Ponyo me parecía bastante irritante en ocasiones, y muy poco definido al margen de su deseo de ser humana y su cariño hacia Sosuke. Fujimoto tampoco es un villano al uso, y lamenté que no se explorara más su pasado y las motivaciones que le habían llevado a dejar de ser humano. Sin embargo, el personaje del niño me pareció fascinante, y me resultó claro que Miyazaki había triunfado al reflejar el mundo fascinante de un niño y sus entornos. Aunque la animación regresó a un estilo más básico, me pareció sobresaliente. Todas las escenas del mar revuelto con peces de todos los tamaños me parecieron formidables. Sin embargo, la película me pareció de las más flojas de Miyazaki, algo sorprendente considerando el tremendo afecto que le tenía al proyecto.

Una vez dicho esto, he vuelto a ver la película en repetidas ocasiones.

Reconozco que tiene un encanto especial, más dirigido al público más infantil, con algunas escenas verdaderamente divertidas. Al mismo tiempo es didáctica, enviando un mensaje positivo acerca del medio ambiente, y sobre todo el respeto a las personas mayores. Es curioso porque este último punto siempre ha sido muy cuidado por Miyazaki, que a menudo hace uso de personajes de edad avanzada de gran importancia en la vida de sus protagonistas. Es una película entretenida con algunos momentos notables, pero siempre me ha parecido que la trama ha sido desaprovechada, algo inusual en Miyazaki que tiene particular cuidado en estos aspectos. Cuando pude ver su siguiente película, “El Viento se Levanta”, reconocí más ese estilo en el director que tanto me gusta, mezclando aspectos de los niños que tanto apreciamos con otros de gran profundidad dirigidos a los adultos.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el fondo del mar reside un hechicero y científico llamado Fujimoto. Con él residen varias criaturas de todo tipo de clases, entre las que se encuentra su hija, una niña-pez acompañada de sus numerosas hermanas. Un día, la niña pez decide escaparse utilizando una medusa como transporte. Al llegar a la costa observa una casita en una colina, de la cual surge un niño llamado Sosuke con su barco de juguete. La niña pez queda atrapada en las redes de un barco pesquero, y aunque logra escapar lo hace dentro de un pequeño tarro de cristal en el que llega hasta la costa. Dispuesto a jugar con su barco, Sosuke encuentra el tarro y lo rompe para liberar a la niña pez, cortándose el dedo en el proceso. Fujimoto envía espíritus de las olas para recuperar a la niña pez, pero estas llegan demasiado tarde y advierten al hechicero que la niña pez ha sido capturada por un humano. La pequeña niña pez lame el corte en el dedo de Sosuke, que queda curado de forma inmediata. Sosuke vive en una casa en lo alto de un acantilado con su madre, Lisa, quien le lleva a la guardería.

El padre de Sosuke, Koichi, trabaja como capitán de barco y a menudo está ausente. El niño lleva a la niña pez en un cubo con agua, y la pequeña criatura se recupera. Sosuke decide llamar a la niña pez Ponyo.

En su submarino, Fujimoto sigue al coche de la madre de Sosuke desde el agua. En la guardería, Sosuke oculta el cubo con Ponyo en unos arbustos. Allí, decide enseñarle a Ponyo a una compañera de clase que insulta a la niña pez. Debido a eso, Sosuke lleva el cubo con Ponyo a la residencia de ancianos donde trabaja su madre. Una de las ancianas llamada Toki, le advierte a Sosuke que debe devolver a Ponyo al mar, o una desgracia caerá sobre todos. Sosuke se oculta en la costa de un acantilado, donde descubre que Ponyo puede hablar. Fujimoto aparece en ese momento enviando espíritus de las olas contra Sosuke, recuperando a Ponyo en el proceso y provocando el enorme disgusto del niño. En la residencia de Fujimoto, el hechicero habla con Ponyo, cuyo verdadero nombre es Brunilda.

Sin embargo, Brunilda reniega de su nombre prefiriendo el de Ponyo, y deseando ser humana para regresar con Sosuke. Fujimoto desconfía de los humanos, aunque lo fue cierto atrás, por el daño que le causan al mar. Pero Ponyo utiliza sus poderes mágicos logrando desarrollar brazos y piernas, gracias a la sangre que lamió del dedo de Sosuke. Fujimoto logra invertir el proceso y decide contactar con la madre de Ponyo, Granmamare. En su ausencia, las hermanas de Ponyo consiguen liberarla, y la niña pez vuelve a desarrollar un cuerpo humano, y parte en busca de Sosuke.

Sin embargo, el nuevo uso de sus poderes también afecta al océano, provocando un desequilibrio al liberar la pócima que su padre preparaba para acabar con los humanos. Esto desata un tsunami, y Ponyo viaja de regreso a la costa corriendo sobre sus olas. Una enorme tormenta se desata sobre la costa, y Sosuke acude a recoger a su madre a la residencia de ancianos. De regreso a casa, madre e hijo observan el inmenso tsunami en parte compuesto por peces gigantes.

Pronto divisan a Pony corriendo sobre las olas, pero Sosuke no la reconoce inicialmente. Sosuke y Lisa llegan a casa y Ponyo llega allí también, aunque su transformación ha comenzado a invertirse. Al reencontrarse con Sosuke vuelve a transformarse en humana, y Sosuke por fin reconoce a Ponyo. Aunque sorprendida ante los eventos, Lisa invita a Ponyo a entrar en casa con Sosuke. Allí, Ponyo se siente fascinada por todo lo relativo al mundo de los humanos. Ponyo también explica que su padre es un brujo malo. Cuando Ponyo se queda dormida, el mar se calma por fin. Al ver unas señales de luz, Lisa decide acudir a la residencia de ancianos para comprobar que todo va bien. Sosuke se queda en casa acompañando a Ponyo.

El barco de Koichi se ha perdido y localiza un cementerio de barcos, justo entonces aparece una entidad que Koichi identifica como la Diosa del Mar. Mientras tanto, Fujimoto no logra entrar en la casa de Sosuke, ya que Ponyo ha sido capaz de crear un hechizo de barrera protector. Al volver a su submarino, el brujo se reúne con la Diosa del Mar, quien no es otra que Granmamare, la madre de Ponyo.

Fujimoto le explica que Ponyo ha abierto una brecha entre dos mundos con sus poderes, y que la niña puede provocar la destrucción del mundo. Sin embargo, Granmamare no ve problema en que Ponyo se convierta en humana, ya que si el amor de Sosuke es sincero, ambos serán amigos y la niña perderá sus poderes. Sin embargo, el brujo le recuerda que Sosuke fracasa, Ponyo se convertirá en espuma de mar.

A la mañana siguiente, Sosuke y Ponyo descubren que la casa ha sido rodeada por el océano. Ponyo usa sus poderes para hacer crecer el barco de juguete de Sosuke, y ambos parte en busca de Lisa. En su viaje, los niños ven peces prehistóricos bajo el agua, y encuentran a varios ciudadanos evacuados en sus barcos. Los dos niños llegan a tierra firme y encuentran el coche de Lisa, pero este está vacío. Los dos amigos prosiguen su búsqueda, mientras Fujimoto ha concedido a las ancianas de la residencia la capacidad de respirar bajo el agua, para que esperen a Sosuke y Ponyo y sean testigos de la prueba de amor verdadero de Sosuke. Granmamare también ha protegido a Lisa, con la que conversa a la espera de la llegada de los niños.

Sosuke y Ponyo llegan a un túnel, y al atravesarlo la niña va perdiendo su forma humana progresivamente al haber usado sus poderes en repetidas ocasiones.

En ese momento, Fujimoto aparece ante Sosuke pidiéndole que le acompañe con Lisa y las ancianas. Pero Toki, que se ha negado a acompañarlas, aparece para pedirle que no confíe en el hechicero. Sin embargo, Fujimoto les captura y les lleva a la residencia junto a los demás. Sosuke se reúne con su madre y conoce a Granmamare, quien le pregunta si será capaz de querer a Ponyo sea pez o humana. Sosuke responde que la querrá sea criatura marina o humana, porque siempre le ha gustado en cualquiera de sus formas. Granmamare entonces le explica a Ponyo que si quiere ser humana y compartir su vida con Sosuke, deberá renunciar a sus poderes. Ponyo accede. Granmamare la encierra en una burbuja, y le indica a Sosuke que la bese al llegar a tierra firme.

Gracias a esto, el equilibro es restaurado y los barcos regresan a puerto, mientras las aguas bajan de nuevo. Fujimoto se disculpa ante Sosuke, quien estrecha su mano en amistad. En ese momento, el barco de Koichi llega a puerto. Sosuke besa la burbuja, y Ponyo vuelve a convertirse en una niña humana.

ESCENA

Aquí dejo el tráiler en castellano de la película.

TITULO ORIGINAL

The Killing

CREADOR

Veena Sud

Basada en la serie danesa “Forbrydelsen”

PRODUCCION

Aaron Zelman, Jeremy Doner, Kristen Campo

REPARTO ORIGINAL

Mireille Enos (Sarah Linden), Joel Kinnaman (Stephen Holder), Billy Campbell (Darren Richmond), Michelle Forbes (Mitch Larsen), Brent Sexton (Stan Larsen), Kristin Lehman (Gwen Eaton), Eric Ladin (Jamie Wright), Jamie Anne Allman (Terry Marek), Liam James (Jack Linden), Annie Corley (Regi Darnell), Brendan Sexton III (Belko Royce), Elias Koteas (James Skinner), Hugh Dillon (Francis Becker), Amy Seimetz (Danette Leeds), Bex Taylor-Klaus (Bala), Julia Sarah Stone (Lyric), Max Fowler (Twitch), Peter Sarsgaard (Ray Seward), Gregg Henry (Carl Reddick), Joan Allen (Margaret Rayne), Tyler Ross (Kyle Stansbury), Sterling Beaumon (Lincoln Knopf), Levi Meaden (AJ Fielding)

FECHA DE ESTRENO Y FINAL

Del 3 de Abril de 2011 al 1 de Agosto de 2014

CANAL DE EMISION

AMC, Netflix

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL

Frans Bak

NÚMERO DE EPISODIOS

TEMPORADA 1: 13 episodios

TEMPORADA 2: 13 episodios

TEMPORADA 3: 12 episodios

TEMPORADA 4: 6 episodios

Un total de 44 episodios de cuarenta y tres minutos de duración aproximada cada uno

CURIOSIDADES

La serie está basada en otra danesa titulada “Forbrydelsen” (El Crimen), la cual gozó de un enorme éxito a nivel internacional. Debido a esto, el canal AMC encargó un episodio piloto para una versión americana en enero de 2010, y siete meses después decidió crear toda una serie. Esta fue creada por Veena Sud, que se encargó de escribir el episodio piloto, el cual fue dirigido por Patty Jenkins. En contraste a la serie danesa, Sud decidió crear su propia versión, aunque “Forbrydelsen” fuera el anteproyecto. Debido a esto se creó la frase “¿Quién mató a Rosie Larsen?”, añadiendo una serie de sospechosos, algunos similares a la serie predecesora, algunos añadidos. Sin embargo, Sud tenía claro que la resolución sería diferente, y escogió los ambientes nublados y lluviosos de Seatle como marco para la trama.

Para promocionar la primera temporada, AMC creó una página web que incluía una simulación virtual de la habitación de Rose Larsen, la víctima.

Los usuarios podían explorarla para aprender aspectos de la vida de Rosie, y buscar secretos y pistas que pudieran ayudarles a descubrir quien había sido responsable de su muerte. De esta forma, los usuarios podían mirar dentro del armario de Rosie, escuchar los mensajes de su contestador automático, mirar debajo de su cama, examinar su colección de discos, y examinar su portátil con sus redes y cuentas sociales, emails y fotografías. La página también incluía un rastreo de sospechosos, en el que los usuarios podían votar cada semana por quien creían que había cometido el crimen, así como discutir sus teorías sobre el caso con otros fans.

En “Forbrydelsen” cada temporada contenía un caso que se resolvía al final de la misma. La primera temporada de “The Killing” tuvo un gran éxito, pero al final de la misma no se respondió a la pregunta sobre quien había matado a Rosie Larsen. Esto indignó a muchos fans, que tuvieron que sufrir el parón vacacional y esperar a la segunda temporada para recibir respuestas. AMC anunció que el final de la segunda temporada revelaría el asesino de Rosie Larsen, pero fue demasiado tarde.

La serie fue cancelada a finales de julio de 2012, dejando algunas preguntas sin responder. En noviembre del mismo año, se confirmó que “Fox Television Studios” estaba negociando con “Netflix” para retomar la serie para una tercera temporada. Se decidió incluir a AMC en el proceso, aunque la cadena había cancelado la serie. En enero de 2013, se anunció que la serie gozaría de una tercera temporada. Mireille Enos y Joel Kinnaman regresarían para interpretar a Linden y Holder; pero los personajes interpretados por Billy Campbell, Michelle Forbes y Brent Sexton no regresarían.

La tercera temporada consistió en un nuevo caso, que fue resuelto al final de la misma, tratándose de un asesino en serie cuyas víctimas eran prostitutas callejeras y menores de edad. El caso estaba conectado a uno que mencionaba Linden durante las dos primeras temporadas. Sin embargo, AMC volvió a cancelar la serie al finalizar la tercera temporada.

Fue entonces cuando “Netflix” decidió retomarla para una cuarta y última temporada, de solo seis episodios, que atara los últimos lazos de los protagonistas interpretados por Mireille Enos y Joel Kinnaman.

La crítica alabó el estilo y la ambientación de la serie, así como lo elaborado de los personajes y las tramas. Sin embargo, parte de la crítica y los fans señalaron evidentes similitudes con la serie “Twin Peaks” de David Lynch.

NOTA PERSONAL

Sin duda una serie formidable que me mantuvo enganchado de principio a fin. Es cierto que existen evidentes similitudes entre la serie y “Twin Peaks”, de la que soy un gran fan, sobre todo en lo relativo a las dos primeras temporadas que conciernen al caso de Rosie Larsen. Sin embargo, “The Killing” elimina todos los aspectos sobrenaturales de los que David Lynch era un gran fan, centrándose en resolver el caso. La ambientación, escogiendo la ciudad de Seatle como marco, es formidable y consigue transmitir esa sensación de intranquilidad a lo largo de toda la serie.

La música también es un elemento clave que tiene una funcionalidad excepcional.

Pero si estos aspectos son destacables, lo que más me impresionó fueron las excelentes interpretaciones del reparto de actores. La relación entre los compañeros y detectives, Linden y Holder, es fascinante. Tanto Mireille Enos como Joel Kinnaman realizan una labor sobresaliente en sus interpretaciones. Sus personajes son personas solitarias con pasados tortuosos, que terminan por establecer una conexión singular y de lo más interesante. Sin embargo, tengo que destacar a la excepcional Michelle Forbes, que como siempre me dejo cautivado. Es una actriz que cada vez me ha ido interesando más por su talento y versatilidad, que en esta serie me dejó sin palabras. Es cierto, y en ese aspecto estoy de acuerdo, con que el mayor error de la serie fue el no finalizar el caso de Rosie Larsen en su primera temporada. De hecho, para cuando empezó la segunda tuve que volver a ver la primera, pues este tipo de series poseen tal cantidad de detalles, que es difícil volver a tomar el hilo.

A pesar de esto, me quedo con las dos primeras temporadas, quizás porque me recordaban tanto a “Twin Peaks”.

Tardé bastante en ver la tercera y cuarta temporada ya que, con el caso de Rosie Larsen resuelto, no pensaba que volviera a engancharme. Craso error, pues cuando lo hice, las últimas temporadas volvieron a engancharme considerablemente. El nivel de detalle, de caracterización y ambientación la han convertido en una de mis series favoritas, sin lugar a dudas.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: Una joven adolescente corre por el bosque perseguida por alguien que utiliza una linterna. La joven tropieza y es atrapada. Sarah Linden es una inspectora de policía que reside en Seatle con su hijo Jack. Está a punto de retirarse para mudarse a California, donde planea casarse con su prometido Rick Felder.

El Inspector Stephen Holder llega para ocupar su puesto, siendo entrenado por Linden en su último día. Sin embargo, los planes de la inspectora se ven alterados cuando aparece el cadáver de una joven llamada Rosie Larsen, en el maletero de un coche hundido en el lago. El coche pertenece a la campaña del concejal Darren Richmond, aunque se había denunciado su previo robo. La autopsia revela que Rosie seguía con vida en el maletero del coche cuando este fue arrojado al lago, y la joven pereció ahogada. El encargado de la campaña, Jamie Wright, le insta a que utilice la tragedia para su campaña a la alcaldía, en la que compite encarnizadamente con el actual Alcalde Lesley Adams. Al descubrir lo ocurrido, los padres de Rosie, Stan y Mitch Larsen quedan devastados, comunicando lo ocurrido a sus dos hijos pequeños Tom y Denny. El sospechoso inicial es el antiguo novio de Rosie, Jasper Ames, hijo del poderoso empresario Michael Ames. Rosie había acudido a una fiesta de Halloween disfrazada de bruja, y se localiza un video en que James y su amigo Kris abusan sexualmente de ella.

Sin embargo, se descubre que la chica del video es la amiga de Rosie, Sterling, que celosa de su popularidad había usado su disfraz para estar con los dos jóvenes.

La familia Larsen tiene serias dificultades para seguir adelante. La hermana de Mitch, Terry, se instala en la casa para ayudarles con los niños pequeños; mientras Belko, amigo de Stan, ayuda con el negocio familiar. Linden tiene problemas iniciales para trabajar con Holden, hasta que descubre su pasado como drogadicto y comprueba cómo ha superado dicho pasado. Por su parte, Linden es incapaz de marcharse y dejar el caso sin resolver, lo que destruye su relación con Rick. El siguiente sospechoso es Bennet Ahmed, profesor de literatura de Rosie, quien la animaba a seguir adelante con sus sueños y se había casado con una antigua alumna. Rosie le había visitado la noche de su muerte para devolverle un libro, pero Linden descubre que la chica a la que Bennet se había llevado era una joven musulmana. Su intención era protegerla de sus padres abusivos. A pesar de haber descubierto su inocencia, los detectives llegan tarde.

Azuzado por Mitch, Stan le propina una paliza a Bennet con ayuda de Belko, estando a punto de matarle. Stan es arrestado pero liberado bajo fianza, aunque Mitch decide marcharse de casa incapaz de lidiar con la situación.

Linden descubre que Rosie acudía a un Casino indio, regentado por Nicole Jackson, donde aparentemente trabajaba como chica de compañía, utilizando la cuenta de su tía Terry para ahorrar dinero. A pesar de la nula cooperación de Nicole, los detectives se hacen con una orden, logrando encontrar una imagen de Rosie en el Casino. También descubren que otras chicas de compañía temían a un usuario de internet llamado Orfeo, obsesionado por lo que se debía sentir al ahogarse. Linden descubre que Orfeo no es otro que Richmond, pero carece de pruebas que le incrimine en el asesinato. Animado por su sponsor de rehabilitación, Gil Sloane, Holder falsifica las pruebas necesarias para que Richmond sea arrestado, convencido de su culpabilidad. Al mismo tiempo se han descubierto restos indios en un lugar donde el actual alcalde pretendía construir un complejo que la ayudaría a ganar la elección.

Esto provoca su debacle, y la oportunidad que Richmond esperaba. Sin embargo, el candidato es arrestado y recibe un disparo por parte de Belko. Linden descubre que las pruebas han sido falsificadas.

SEGUNDA TEMPORADA: Holder ha sido manipulado por Gil Sloane, encargado de su rehabilitación como drogadicto, que a su vez trabaja para el Alcalde. La foto de Richmond es falsa, para dañar sus oportunidades en las próximas elecciones acusándole del asesinato de Rosie Larsen. Aunque Richmond sobrevive, queda paralitico, y Linden descubre que la noche del asesinato de Rosie, el candidato intentó suicidarse deprimido por la muerte de su esposa en un accidente de tráfico. De niña, Linden fue dada en adopción y vago por distintas casas de acogida. Esto la ayuda a conectar con Alexi Giffords, con el mismo problema, cuyo padre fue asesinado años atrás por Stan Larsen cuando trabajaba para la mafia. Alexi quería vengarse haciendo daño a Rosie, pero tomó un gran cariño hacia la chica.

La noche en la que Rosie fue asesinada, estuvo hablando un rato con ella, y revela que la chica se marchaba de Seatle tras descubrir que Stan Larsen no era su padre biológico.

Linden y Holder se reconcilian y reasumen la investigación, estancada en el Casino debido a la falta de cooperación de Jackson, y la ausencia de jurisprudencia en territorio indio. Tras agresiones y dificultades organizadas por Jackson, consiguen una orden de registro para la décima planta en obras del casino, ya que una de las empleadas vio a Rosie tomar el ascensor a dicha planta la noche de su asesinato, y el día después la planta quedó bloqueada a todos los empleados. Tras varias dificultades, Linden encuentra una tarjeta de acceso en la planta décima perteneciente a la campaña de Richmond. Mientras tanto, Mitch regresa a casa, dispuesta a reanudar su vida con su familia en una casa nueva. Por su parte, Terry se siente devastada, ya que mantenía una relación con Michael Ames, padre de Jasper, que iba a dejar a su mujer para iniciar una nueva vida con ella.

Sin embargo, al final no lo hace dejando a Terry deprimida.

Linden y Holder descubren que la tarjeta de acceso pertenece a Jamie, y cuando Richmond gana las elecciones llegan a tiempo para descubrir lo ocurrido. Rosie había acudido al casino para despedirse de la ciudad desde la ventana de la décima planta. Allí escucho como Jamie Wright, Michael Ames y Nicole Jackson planeaban enterrar restos indios en la construcción del alcalde para que Richmond, sin que éste lo supiera, les apoyara al ganar las elecciones. De esta forma, Jackson ampliaría el Casino y Ames tendría su propia empresa para abandonar a su mujer. Al marcharse, Jamie escuchó el móvil de Rosie y la descubrió noqueándola y llevándosela en su coche. Rosie logró escapar al bosque, y allí Jamie la encontró y golpeó de nuevo dándola por muerta y encerrándola en el maletero. La historia se corta ahí cuando Jamie apunta a los detectives con su pistola, y Holder acaba con su vida.

Los detectives acuden a casa de los Larsen a comunicarles lo ocurrido, para descubrir el resto de la historia, lo que ocurrió en el lago. Jamie llamó a Michel Ames, que justo había sido recogido por Terry para abandonar a su mujer e iniciar su nueva vida con ella. Sin saber que Rosie era la joven del maletero, y temiendo ser abandonada por Ames, Terry dejo que el coche se hundiera en el lago, dejando que la joven se ahogara encerrada en el maletero. Los Larsen quedan devastados por el descubrimiento, y Terry es arrestada. Sin embargo, Richmond parece haberse corrompido y elimina los cargos contra Jackson, mientras Ames no es culpado de nada. El nuevo alcalde inicia negocios con ambos. Linden y Holder reciben un aviso sobre un nuevo asesinato, pero la detective decide que es el momento de desconectar y comenzar una nueva vida.

TERCERA TEMPORADA: Un año después del caso de Rosie Larsen, Holder vuelve a visitar a Linden para pedir su ayuda en un caso de asesinato de una joven prostituta, que puede estar relacionado con un caso que Linden tuvo años atrás.

En él, Ray Seward fue acusado de asesinar a su esposa, mientras su hijo Adrian se ocultaba en un armario. Linden no tarda en abandonar una nueva relación, y descubre que se trata de un asesino en serie, al descubrir un estanque repleto de cadáveres de jóvenes menores de edad que ejercían la prostitución. James Skinner, antiguo compañero y amante de Linden, quien la ayudó en el caso, ordena una investigación como nuevo jefe de policía. Linden comienza a sospechar que Seward es inocente del asesinato de su esposa, e intenta impedir que éste sea ejecutado, pero fracasa en dicho intento.

Tras descartar a varios sospechosos, Holder comienza a sospechar que el asesino es un policía. Entre los sospechosos descartados se encuentran un Pastor que ayudaba a los jóvenes callejeros, y un productor de porno infantil, que es acusado de los asesinatos. Los dos detectives descubren que el asesino de la mujer de Seward es el mismo de las jóvenes, y que su objetivo era Adrian, quien le había visto arrojar los cadáveres al estanque.

Todas las víctimas tenían un dedo cortado, y sus anillos habían sido conservados por el asesino como trofeos. Al ver el anillo de una víctima en el dedo de la hija de Skinner, Linden descubre que su antiguo compañero y amante es el asesino en serie. Cuando Adrian desaparece, Linden detiene a Skinner, quien la hace seguirle hasta su casa en el lago si quiere ver a Adrian con vida. Holder descubre que Adrian sigue con vida, pero llega demasiado tarde para detener a Linden que acaba con la vida de Skinner con un disparo en el pecho.

CUARTA TEMPORADA: Holder ayuda a Linden a ocultar el cuerpo de Skinner, y ambos crean una coartada para ocultar lo ocurrido esa noche. Poco después, se ven involucrados en un nuevo caso. Kyle es estudiante de una academia militar, y único superviviente de una masacre en la que toda su familia ha sido asesinada. No recuerda nada de lo ocurrido esa noche, y siendo menor la custodia del joven recae en el Coronel Margaret Rayne. Durante las investigaciones, sus compañerosFielding y Knopf son sospechosos, al mostrarse temerosos de que Kyle recupere la memoria.

Al mismo tiempo, el Detective Carl Reddick investiga y descubre que Skinner era el asesino en serie y que Linden y Holder acabaron con él, encontrando su cuerpo y presionando a ambos. La relación entre Holder y Linden se ve puesta a prueba por ello.

Al final de la investigación, Margaret mata a Fielding y Knopf cuando amenazan con contar lo que saben. Linden y Holder aparecen y la arrestan, descubriendo que Margaret era la verdadera madre de Kyle, habiéndole dado en adopción diecisiete años atrás. Aunque confiesa haber matado a la familia, Linden se percata de que Kyle es el asesino, y de que Margaret le ha estado encubriendo todo el tiempo. Presionado y desestabilizado por una familia que no le quería, Kyle acudió a su casa una noche y acabó con sus vidas. Al ver lo que había hecho, Fielding y Knopf habían huido, y Margaret le había protegido. Kyle es arrestado y Linden confiesa haber matado a Skinner. Sin embargo, el Alcalde Richmond reaparece, y no se muestra dispuesto a que la imagen de un policía matando a otro, y declara que Skinner se suicidó.

Cinco años más tarde, Holder se ha divorciado y tiene una hija. Linden regresa tras haber pasado años viajando. Tras resolver varias dudas, Linden decide quedarse en Seatle con Holder.

ESCENA

Aquí dejo un avance de las tres primeras temporadas, que mezcla algunas escenas memorables.

FECHA DE ESTRENO

6 de Junio de 1983

TITULO ORIGINAL

Octopussy

DIRECTOR

John Glen

PRODUCTOR

Albert R. Broccoli

GUION
George MacDonald Fraser, Michael G. Wilson, Richard Maibaum

REPARTO

Roger Moore (James Bond), Maud Adams (Octopussy), Louis Jourdan (Kamal Khan), Kristina Wayborn (Magda), Kabir Bedi (Gobinda), Steven Berkoff (General Orlov), David Meyer (Mischka), Anthony Meyer (Grischka), Desmond Llewelyn (Q), Robert Brown (M), Lois Maxwell (Señorita Moneypenny), Michaela Clavell (Penelope Smallbone), Walter Gotell (General Gogol), Vijay Amritraj (Vijay),

CINEMATOGRAFÍA

Alan Hume

BANDA SONORA

John Barry

DISTRIBUIDA POR:

Metro- Goldwyn- Mayer

DURACIÓN
131 minutos

PRECEDIDA POR:

Solo Para Sus Ojos

SUCEDIDA POR:

Panorama Para Matar

OCTOPUSSY: “Oh, James, los dos somos de la misma calaña. Hay fuertes recompensas para un hombre de su talento dispuesto a arriesgarse.”

JAMES BOND: “No estoy en venta.”

OCTOPUSSY: “Un hombre de principios que justifica lo que hace. Naturalmente, usted lo hace por su Reina y por su país. Yo no tengo país, ni Reina a quien servir. Ni tengo porque disculparme ante usted, un asesino pagado por lo que yo soy.”

JAMES BOND: “Tienes razón. Somos de la misma calaña.”

CURIOSIDADES

Se trata de la décimo tercera película en la saga del Agente 007. El título de “Octopussy” surgió de la colección de cuentos cortos de Ian Fleming, titulados “Octopussy and the Living Daylights”. Casi nada de la trama de dicha colección es utilizada, aunque los eventos relacionados al pasado del personaje de Octopussy, más concretamente su padre, y su relación con Bond si son utilizados.

La escena en “Sotheby’s” (la corporación multinacional británica establecida en Nueva York) sí fue extraída de la historia corta titulada “Propiedad de una Dama”, incluida en 1967 y ediciones posteriores de la colección. La reacción de Kamal Khan durante la partida de Backgammon fue extraída de la novela de Fleming, “Moonraker”. George MacDonald fue contratado para trabajar en un borrador del guion, y fue quien propuso que la historia tuviera lugar en la India. Debido a que en el mismo año se estrenó la película “Nunca Digas Nunca Jamás”, fuera de cannon en la saga de 007, Roger Moore volvió a interpretar a James Bond, aunque había mostrado su interés en abandonar al personaje tras “Solo Para Sus Ojos”.

Tras la mencionada película, Roger Moore había expresado su deseo de dejar de interpretar a James Bond. Su contrato original había sido para tres películas, y había finalizado tras “La Espía que me Amó”. Las siguientes películas habían sido negociadas de una en una, y de forma independiente.

Debido a sus dudas acerca de su regreso para “Octopussy”, los productores iniciaron una nueva búsqueda de un actor que interpretara al Agente 007. Se consideró utilizar a Timothy Dalton o James Brolin para el papel. Fue entonces cuando se anunció el estreno de “Nunca Digas Nunca Jamás”, película rival de la franquicia, que contaría con Sean Connery una vez más. Los productores consideraron que era mal momento para hacer uso de un nuevo actor para el papel de Bond, y volvieron a contratar a Roger Moore con la esperanza de que fuera la mejor opción para competir contra el veterano actor. Se había realizado tres pruebas de cámara con James Brolin, y fueron mostrados por primera vez como extra. Dicho extra tuvo el título de “James Brolin: El Hombre que Hubiera Sido James Bond”.

Maud Adams ya había participado en una película de la saga, “El Hombre de la Pistola de Oro”, donde interpretaba al personaje de Andrea Anders.

En dicha película, su personaje era asesinado. Debido a esto, los productores tenían dudas iniciales acerca de utilizarla para interpretar al personaje de Octopussy, entre otras cosas porque era la primera vez que el título de la película era el nombre de la Chica Bond de turno. Por ello se anunció que se contaría con Sybil Danning para el papel, aunque al final no fue contratada. Otra opción era Faye Dunaway, pero su caché era excesivo para la película. Barbara Carrera rechazó el papel para participar en “Nunca Digas Nunca Jamás”. La directora de casting Jane Jenkins recibió instrucciones de los productores para contar con una actriz sudamericana para el papel. Jenkins consideró a Persis Khambatta y Susie Coelho, las dos únicas actrices indias en un Hollywood predominantemente blanco. También hizo pruebas con la actriz Barbara Parkins, quien consideraba podía pasar por india. Finalmente, se anunció que se contaría con Maud Adams para el papel, a pesar de ser Suiza. Su cabello fue teñido de oscuro, y se cambiaron algunas frases del guion para explicar que había sido criada por una familia india. Una nueva trama se utilizó explicando que el padre de Octopussy había sido británico, y se le había delatado como traidor.

Adams solicitó que el personaje de Octopussy fuera una mujer europea, y se le concedió ese deseo. Sin embargo, la actriz no estuvo muy a favor con que el título de la película fuera el nombre de su personaje.

“Octopussy” también fue la primera película en la que Robert Brown interpretó al personaje de M, tras la muerte de Bernard Lee en el año 1981. Desmond Llewelyn tuvo un papel más extenso interpretando a Q, aunque lamentó no haber podido viajar a la India para grabar in situ. Uno de los aliados de Bond fue interpretado por Vijay Amritraj, quien era un jugador de tenis profesional. Su personaje no solo compartía su nombre, sino que también era profesor de tenis. Utilizó una raqueta de tenis como arma durante una de las persecuciones iniciales de la película. El rodaje comenzó en agosto de 1982, y gran parte de la película fue rodada en Udaipur, India. Aunque la crítica elogió mejor “Nunca Digas Nunca Jamás” y consideró que “Octopussy” era una de las peores de la franquicia, la segunda funcionó algo mejor que la primera en taquilla, a pesar del regreso de Sean Connery.

NOTA PERSONAL

Es cierto que probablemente esta sea una de las películas más flojas de la franquicia, pero aun así yo sigo siendo viendo cierto encanto en la misma. Sigo manteniendo que soy un ferviente fan de Roger Moore en el papel de James Bond, y una vez más no me decepcionó. Me siguió pareciendo particularmente divertido y con un encanto bastante particular. El hecho de que la trama se desarrollara en la India también me pareció una buena idea, y algunas de las persecuciones fueron geniales. Particularmente, me gustó su sintonía con el personaje de Vijay, que parecía disfrutar especialmente de las aventuras en compañía del Agente 007. Ahora bien, eché de menos el uso de gadgets, y reconozco que probablemente se excedieron en el uso de un tono humorístico, con escenas como la de Bond saltando de liana en liana y profiriendo el grito de Tarzán, o ese momento final en el circo disfrazado de payaso. Al margen de esto, la trama no me pareció tan enrevesada, y esta ocasión fue fácil de seguir.

Pero no quiero finalizar sin remarcar a la excepcional Maud Adams en el papel de Octopussy, siendo desde mi punto de vista una de las mejores Chicas Bond de la franquicia, decidida, valiente y con recursos. En general, la película puede ser de las más flojas, pero sigue siendo entretenida y valida.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En la Embajada Británica, en Berlín del Este, un payaso aparece y pierde la vida, tras haber sido perseguido y apuñalado por dos matones. M convoca a James Bond en la base del MI6, donde le presenta a un experto y le muestra un Huevo de Fabergé. M le explica a Bond que el payaso era el Agente 009, y fue encontrado con el Huevo, que ha resultado ser falso. Esto les hace sospechar que los soviéticos están detrás de los eventos, ya que el verdadero Huevo ha aparecido en una subasta en Londres. M envía a Bond a la subasta para que descubra quien es el vendedor. Al mismo tiempo, la cúpula presidencial se reúne en Moscú para discutir las nuevas exigencias de la OTAN.

El General Gogol las acepta, pero el General Orlov es partidario de una guerra que ayude a la expansión de la Unión Soviético. El Presidente decide que el ejército solo debe utilizarse de forma defensiva, y que el socialismo del país será implantando en todo el mundo de forma pacífica. El General Orlov es responsable de la creación del Huevo de Fabergé falso, y solicita a sus matones que localicen el verdadero antes de comprometer una operación.

Durante la subasta, Bond descubre que el propietario del Huevo es una dama, y se enfrenta al exiliado príncipe afgano, Kamal Khan, para hacerse con el Huevo, pero durante la puja, logra intercambiarlo por el falso. Bond lleva el verdadero Huevo a M, y explica que Kamal ha volado a Nueva Deli, hacia donde Bond parte también. Allí, se reúne con su colega Vijay, quien le indica que Kamal acude a un Casino importante a menudo. Esa misma noche, Bond reta a Kamal, quien está acompañado de su ayudante Magda, a una partida de Backgammon usando el verdadero Huevo.

Bond gana la partida al descubrir que los dados de Kamal están trucados, utilizándolos también. Provocado y enfurecido, Kamal envía a su guardaespaldas, Gobinda, tras Bond y Vijay. Tras una persecución por las calles de Nueva Deli, Bond y Vijay logran escapar de Gobinda y sus matones.

En la base de Nueva Deli, Q coloca un micrófono en el interior del Huevo de Fabergé. De regreso en su hotel, Bond se encuentra con Magda, quien tiene una oferta para él, el Huevo a cambio de su vida. Magda seduce a Bond y pasa la noche con él. En la cama, el agente observa el tatuaje de un pulpo, que previamente vio en una bandera, en la piel de Magda, quien le roba el huevo con el micrófono antes de marcharse. Kamal informa a una misteriosa mujer que ha recuperado el Huevo, y ella exige que le traiga a Bond. Bond es capturado por Gobinda y llevado a una celda en el palacio de Kamal. El agente es llevado a cenar con Kamal, quien le amenaza sino le explica todo lo que sabe. De nuevo encerrado, Bond escapa de su celda y usando el micrófono implantado en el Huevo, descubre que Kamal está colaborando con el General Orlov, con el propósito de expandir el control de la Unión Soviética por toda Europa Central.

Ambos quedan en reunirse el Karl-Marx-Stadt en una semana. Antes de partir, Orlov destruye el huevo, y Kamal se percata del micrófono en su interior. Sin embargo, Bond escapa del palacio y Kamal y Gobinda fracasan en su intento de darle caza persiguiéndole en sus respectivos elefantes a través de la selva.

Investigando el tatuaje, Bond descubre que pertenece a una mujer llamada Octopussy que reside en un palacio flotante de Udaipur, liderando un culto donde los hombres no son bien recibidos. Bond se infiltra en el palacio y se encuentra con Octopussy, y pronto Kamal se reúne con ambos. Octopussy ordena a Kamal que se retire y les deje solos, revelando ser la hija del Mayor Dexter Smythe, contratado por el MI6 tras la Segunda Guerra Mundial, y que se suicidó cuando Bond descubrió que era contrabandista de joyas. Octopussy ha seguido en el contrabando de joyas. Orlov ha proporcionado joyas y tesoros a Kamal, reemplazandolos con falsificaciones. Los tesoros verdaderos son enviados al Oeste mediante el culto de Octopussy.

Mientras tanto, Kamal ordena a varios asesinos que acaben con Bond, pero que no dañen a Octopussy. Gobinda y sus asesinos encuentran a Vijay y acaban con su vida, mientras Octopussy se rinde a los encantos de Bond. Los asesinos se introducen en el palacio flotante, pero Bond los evade salvando la vida de Octopussy. Sin embargo, la mujer da a Bond por muerto al caer en el agua con un asesino, siendo atacado por un cocodrilo.

Bond ha sobrevivido, y decide viajar a Karl-Marx-Stadt, donde el Circo Octopussy va a actuar. Allí acuden Orlov y Kamal para su reunión con Octopussy. Bond se infiltra en el tren del Circo donde acaba con uno de los dos hermanos asesinos del Agente 009. Bond captura a Orlov, y descubre que ha reemplazado los tesoros soviéticos por una cabeza nuclear, la cual explotará durante la actuación del Circo en la Base de las Fuerzas Aéreas Estadounidenses de Alemania del Oeste. La explosión provocaría que Europa exigiera el desarme nuclear al pensar que la bomba era americana y que había explotado por accidente.

Esto dejarías las fronteras abiertas para la invasión soviética. La aparición de un soldado provoca que Bond tenga que escapar haciéndose con el coche de Orlov, y siguiendo el rastro del tren, consiguiendo subir al mismo de nuevo. Orlov intenta subir al tren al otro lado de la frontera, y es abatido por los guardianes de la misma. El General Gogol llega para verle morir, acusándole de haber traicionado a su país y percatándose de lo que Orlov ha planeado.

A bordo del tren, Bond escapa de Gobinda y Kamal una vez más, pero cae del tren y se interna en un bosque, donde acaba con el hermano del lanzador de cuchillos. El Circo llega a la Base de las Fuerzas Aéreas Americanas, donde Bond también se infiltra disfrazándose de payaso para evadir a las fuerzas del orden que le han estado persiguiendo. Con la bomba lista para ser detonada, Kamal y Gobinda abandonan el Circo, abandonando a Octopussy y también a Magda a su suerte, ya que es miembro del circo y el culto de Octopussy. Bond logra llegar hasta Octopussy y el General americano, advirtiéndoles de la existencia de la bomba, y haciéndole ver a la joven que ha sido traicionada por Kamal. Bond consigue desactivar la bomba a tiempo, evitando el desastre.

En la India, Kamal se prepara para marcharse con todo el dinero conseguido, mientras Octopussy y su culto de mujeres atacan el palacio para vengarse. Octopussy logra arrinconar a Kamal, sin embargo, Gobinda aparece y la captura. Los dos se la llevan en su aeroplano en un intento de escapar. Bond también llega al palacio en globo, ayudado por Q. Bond les persigue, consiguiendo aferrarse al tren de aterrizaje del aeroplano, e inutilizando uno de los motores. Sobre el techo del aeroplano, Bond se enfrenta a Gobinda, consiguiendo que caiga a su muerte. Cuando el aeroplano se acerca a unas montañas cercanas, Bond y Octopussy consiguen saltar y ponerse a salvo. El Aeroplano se estrella contra una montaña explotando y acabando con la vida de Kamal. Mientras el General Gogol y M discuten el retorno de los tesoros soviéticos, solventando la crisis ocurrida, Bond se recupera en compañía de Octopussy en su barco privado en la India.

ESCENA

Este es un tráiler elaborado por el usuario “Claalc”, que resume la película a través de sus mejores escenas.

FECHA DE ESTRENO

23 de Diciembre de 1954

TITULO ORIGINAL

20000 Leagues Under the Sea

DIRECTOR

Richard Fleischer

PRODUCTOR

Walt Disney

GUION
Earl Felton

Basado en la novela de Julio Verne

REPARTO

Kirk Douglas (Ned Land), James Mason (Capitán Nemo), Paul Lukas (Profesor Pierre Aronnax), Peter Lorre (Conseil), Robert J. Wilke (Primer oficial del Nautilus), Ted de Corsia (Capitán Farragut), Carleton Young (John Howard), J.M. Kerrigan (Viejo Billy), Percy Helton (Conductor), Ted Cooper (Marinero)

CINEMATOGRAFÍA

Franz Planer

BANDA SONORA

Paul Smith

DISTRIBUIDA POR:

Buena Vista Distribution

DURACIÓN
127 minutos

PROFESOR ARONNAX: “No puede usted creer de buena fe en la humanidad, porque si lo hiciese toda esta estructura de su falsa existencia, edificada con odio y venganza, se vendría abajo estrepitosamente como un castillo de naipes. Es usted un hombre vencido que lucha contra los dictados de su corazón.”

CAPITÁN NEMO: “Y usted es demasiado crédulo, Profesor.”

PROFESOR ARONNAX: “¿Crédulo?”

CAPITÁN NEMO: “Sí, se deja llevar por su sentimentalismo. Las buenas obras contra las malas, siempre los extremos. Usted simplifica las cosas, el mundo es más complejo. El bien no puede medirse en una escala en donde quepan actos baldíos como el del Señor Land. Son hombres que lo dan todo un día para negarlo todo al siguiente. Para que el bien sea útil debe ser constante, practicarse a diario con pasión y fuerza.”

PROFESOR ARONNAX: “Me temo que lo que usted busca es la perfección. Jamás la encontrará.”

CAPITÁN NEMO: “Creo haberla encontrado ya, aquí. Es el mundo exterior lo que es imperfecto. Si los hombres y las naciones sintieran igual que yo, esa bondad, desearía compartir con ellos todo esto.”

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela del mismo título, escrita por Julio Verne y publicada en el año 1870. El rodaje comenzó en primavera del año 1954, y se convirtió en un proyecto de grandes dimensiones. Algunas secuencias fueron tan complicadas que requirieron a un equipo técnico de más de cuatrocientas personas. La película fue rodada en múltiples localizaciones de Las Bahamas y Jamaica, mientras que las escenas de la cueva se filmaron bajo lo que es actualmente conocido como Centro Turístico Xtabi, bajo los acantilados de Negril. Cuando Richard Fleischer fue considerado para dirigir el proyecto, se llevó una gran sorpresa. Esto se debía a que era el hijo del mayor competidor de Walt Disney en aquel entonces, Max Fleischer. Richard decidió conversar con Walt Disney, preguntándole si era consciente de quien era. Disney le confirmó saber quién era, y que lo había contratado al pensar que era la mejor opción para el trabajo. Richard Fleischer también procedió a hablar con su padre y preguntarle si le importaba que su hijo trabajara para su mayor rival.

Max le contestó que no le importaba y llegó a pedirle a su hijo que le dijera a Disney que pensaba que había realizado la mejor elección para el trabajo.

Walt Disney consideró brevemente al actor inglés Ralph Richardson para el papel del Capitán Nemo. Cuando Kirk Douglas leyó el guion, y examinó a su personaje de Ned Land, se sintió algo defraudado von varios personajes. Ned Land no tenía escena alguna con ninguna mujer a lo largo del film, y también carecía de escenas de acción emocionantes, con la excepción de la de la batalla contra el pulpo. Para colmo, su personaje se pasaba la mayor parte de la película hablando en lugar de en escenas acciones. Douglas expresó su decepción a Walt Disney y Richard Fleischer. Por ese motivo, el productor y el director decidieron añadir la escena del comienzo de la película, especialmente para él. En dicha escena, el personaje de Ned aparecía con dos mujeres en una calle de San Francisco, y se veía inmerso en una pelea con varios caminantes.

A partir de la experiencia en esta película Kirk Douglas se aseguró de que sus futuros personajes siempre se vieran acompañados de dos mujeres, y tuviera escenas de acción. Ejemplos de esto fueron las películas “Los Vikingos” (1958), “Espartaco” (1960), y “Ataque al Carro Blindado” (1967). A pesar de que la película estaba basada en la novela de Julio Verne, se realizaron varios cambios. El más radical era el de la muerte del Capitán Nemo al final de la trama, cuando el personaje no moría en la novela y volvía a aparecer en la novela “La Isla Misteriosa”.

El diseño del Nautilus se modificó de forma radical para que llamara la atención de los espectadores. En la novela original, el submarino era muy simple, descrito como un largo cigarro con las placas de su casco superpuestas, para que parecieran las escamas de un pez. El timón y las cabinas reflectoras eran retractiles, y el submarino solo se alzaba un metro sobre el agua al alcanzar la superficie. Tampoco tenía ventanas o características exteriores, excepto una ventana panorámica en el salón principal, a menudo oculta tras las placas del casco.

La famosa escena de la lucha contra el pulpo, o calamar gigante, fue originalmente rodada durante una puesta de sol tranquila, y los engranajes que operaban los tentáculos se podían ver con facilidad, lo que provocaba que pareciera particularmente falso. Walt Disney visitó el plató un día, y Fleischer le comunicó ducho problema. Debido a esto, Disney tuvo la idea de que la batalla contra el pulpo tuviera lugar durante una tremenda tormenta, aunque otras fuentes aseguran que la idea fue del guionista Earl Felton. La escena volvió a ser rodada de esta forma, y pasó a convertirse en un clásico, considerada por muchos el momento álgido de toda la película.

El exceso de costes durante la producción, convirtieron a la película una de las más caras de Disney, aunque no comparable a otras productoras. La película logró hacerse con Oscar a la Mejor Dirección Artística en Color, y el Oscar a los Mejores Efectos Especiales.

Recibió una nominación añadida al Mejor Montaje, aunque en esta categoría perdió la estatuilla contra la película “La Ley del Silencio”.

NOTA PERSONAL

Hubo un tiempo en el que Disney producía películas de acción real de gran calidad, con grandes repartos, grandes historias, y grandes montajes. “20000 Leguas de Viaje Submarino” es un ejemplo claro de ello, combinando aspectos que podían llamar la atención del público más joven, con tramas de gran profundidad y cuestiones filosóficas dirigidas a los adultos. La primera vez que vi la película era apenas un preadolescente, y mi familia había comprado su primer reproductor de video VHS. Mi padre la alquiló para mi hermano y servidor, y nos sumergimos en las aventuras del Nautilus. Siendo un gran fan de Julio Verne, quedé encantado con el film, aunque debo reconocer que entonces no aprecié lo suficiente los aspectos más profundos de la trama. Me encantaron personajes como el del león marino, Esmeralda, la batalla contra el pulpo gigante, o simplemente el diseño del Nautilus.

Por lo demás, los efectos especiales eran formidables, incluso para un chaval en plena década de 1980.

Aunque la vi en repetidas ocasiones a lo largo de los años, al igual que leía la novela, no llegué a apreciar la seriedad de la trama hasta mi época universitaria. Sin duda, el Capitán Nemo es uno de los personajes más fascinantes de Verne por su complejidad y dualidad. La película realiza un buen retrato del personaje, dividido por su aversión hacia el mundo exterior y su violencia y naturaleza corrupta, que encuentra la paz en las profundidades del océano. Sin embargo, lo fascinante es que en su cruzada, no se percata de acabar convertido en aquello que tanto detesta. Aronnax es una excelente contrapartida para el personaje. Aunque entiende los puntos de vista de Nemo, admira su intelecto brillante y los descubrimientos tecnológicos que ha logrado desarrollar. Sin embargo, no ha perdido la fe en la humanidad, algo que intenta inculcar en quien sin duda se ha convertido en su ídolo. Los diálogos de la película son brillantes, y esconden una análisis moral y filosófico digno de estudio.

Curiosamente el personaje interpretado por Kirk Douglas, Ned Land, siempre me pareció el menos interesante de toda la producción. Está diseñado de forma excesivamente simplista, y no me parece que Douglas se hubiera lucido mucho, aunque como crío me fijaba más en el intrépido marinero.

Al margen de todo esto, la película sigue siendo todo un clásico de la ciencia ficción, y una prueba más de lo visionario que fue Julio Verne en su época. A día de hoy, todavía consigue dejarme enganchado.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

En el año 1968, se han extendido rumores de la existencia de un monstruo marino que ataca a los barcos del Océano Pacífico. Esto ha creado temor y respeto entre los marinos, y ha interferido con los barcos mercantes. El gobierno de los Estados Unidos invita al Profesor Aronnax y su ayudante Conseil, para que se unan a una expedición con el propósito de probar o desmentir la existencia del monstruo.

A bordo de una fragata, dotada de cañones, ambos conocen a un arponero bastante arrogante, llamado Ned Land. Tras meses de búsqueda, la fragata localiza al supuesto monstruo y realiza varios disparos contra el mismo. Sin embargo, el monstruo da media vuelta y ataca la fragata, que queda demasiado dañada y a la deriva. Ned y Aronnax caen al mar, y Conseil acude a su rescate. Mientras la fragata desaparece en el horizonte, sin que nadie responda a los gritos de ayuda, Aronnax y Conseil se encuentran con un barco de metal de grandes dimensiones, percatándose que se trata de un submarino creado por el hombre, y que no es otra cosa que el supuesto monstruo. Ned pronto se reúne con ellos, y los tres hombres se introducen en el submarino, aparentemente desierto. At través de una cabina, observan lo que parece ser una serie de buzos en una especie de rito funerario bajo el mar.

Ned, Aronnax y Conseil son descubiertos, y cuando intentan escapar en un bote salvavidas, la tripulación regresa al submarino logrando capturarles.

Pronto son presentados al Capitán Nemo, quien explica que el submarino se llama Nautilus. Nemo reconoce al Profesor Aronnax por su trabajo e investigación, y le ofrece quedarse a bordo, mientras envía a Ned y Conseil a la cubierta. Cuando Nemo se percata de que Aronnax está dispuesto a morir con sus compañeros, le hace varias preguntas, y satisfecho permite que Ned y Conseil permanezcan también en el Nautilus. Nemo lleva al Nautilus hasta la isla penal de Rura Penthe, explicando que una vez fue prisionero allí, al igual que gran parte de su tripulación. Los prisioneros de Rura Penthe se encuentran cargando un barco con municiones, el cual es atacado por el Nautilus, que destruye su cargamento y acaba con la vida de su tripulación. Aunque con remordimientos, Nemo le explica a Aronnax que sus acciones han salvado a miles de morir en la guerra. También revela que esa nación forjada en el odio fue responsable de acabar con las vidas de su mujer e hijo, que fueron torturados hasta morir en un intento de que el Capitán revelara todo su trabajo en lo relacionado al submarino.

Considerándose prisionero de Nemo, Ned descubre las coordenadas de su base secreta en Vulcania, y lanza varias botellas al agua con dicha información, esperando que alguien encuentre alguna y acuda en su rescate. Cerca de la costa de Nueva Guinea, el Nautilus queda varado en un arrecife. Ned se sorprende cuando Nemo le permite que acuda a la costa en compañía de Conseil, presumiblemente para recolectar especímenes. Ned parte por su cuenta en un intento de buscar un modo de escapar. Cuando se detiene para beber de un estanque, observa varios cráneos humanos en estacas. Al darse cuenta del peligro que corre, Ned se reúne con Conseil y ambos corren de regreso al Nautilus perseguidos por caníbales en sus botes. En la cubierta del Nautilus, Nemo se muestra despreocupado, y cuando los caníbales intentan subir a bordo, el casco emite descargas eléctricas que los repelen. Sin embargo, Nemo se muestra furioso con Ned por desobedecer sus órdenes, y le envía a una celda.

Un buque de guerra localiza al Nautilus y comienza a disparar sobre el submarino, que comienza a caer a las profundidades del océano.

Allí atrae a un pulpo gigante, que no puede repeler a pesar de emitir descargas eléctricas a través de su casco. Esto obliga a Nemo y sus hombres a emerger a la superficie, durante una terrible tormenta, para poder deshacerse de la bestia. Nemo queda atrapado en uno de los tentáculos del pulpo; mientras Ned, consigue escapar de su celda durante toda la confusión. Ned utiliza un arpón para acabar con la criatura, y salta al mar para rescatar a Nemo de ahogarse cuando se ve arrastrado junto al pulpo. Como consecuencia de este acto, Nemo decide hacer paces con el mundo exterior. El Nautilus regresa a Vulcania, para descubrir que la isla entera está rodeada de buques de guerra, cuyos tripulantes se están reuniendo en su base secreta en el interior de un lago. Cuando Nemo se acerca a la costa, Ned intenta reconocer haber enviado las coordenadas del lugar en botellas. Aronnax se percata de ello y se enfurece, al darse cuenta de que Nemo no tardará en destruir toda prueba de sus descubrimientos científicos.

Nemo prepara una bomba en el complejo, pero resulta fatalmente herido al recibir un disparo en la espalda mientras regresa al Nautilus.

Con gran esfuerzo, Nemo aleja al Nautilus lejos de Vulcania, anunciando que lo hundirá por última vez. Su tripulación declara que le acompañará a la muerte. Aronnax, Conseil y Ned son encerrados en sus camarotes, y el resto de la tripulación se retira a las suyas siguiendo las órdenes de Nemo. Ned consigue liberarse y consigue hacer emerger el Nautilus, chocando contra un arrecife en el proceso. Esto produce que el submarino comience a inundarse. Nemo se arrastra al mirador de su gran salón, donde observa las profundidades del océano falleciendo de la herida recibida.

Aronnax intenta hacerse con su diario, que contiene datos de todo lo acontecido durante el viaje. Sin embargo, Ned se ve obligado a dejarle inconsciente para que no pierda la vida durante dicha búsqueda. Desde el esquife del Nautilus, Ned y Conseil observan como Vulcania es destruida por una gran explosión, Aronnax recupera el conocimiento y Ned se disculpa por lo que ha hecho. Los tres observan como el Nautilus se hunde en las profundidades del océano.

ESCENA

Sé que hay grandes escenas de acción, pero me encanta esta escena de Ned con el león marino Esmeralda, y además es la única que no he encontrado.

MARY POPPINS

SPARTACUS

ALADDIN

POPEYE

TARZÁN Y SU COMPAÑERA

LAS AVENTURAS DE SUPERMAN

DRÁCULA

X-MEN: DÍAS DEL FUTURO PASADO

EL REY LEÓN

MAZINKAISER

STAR TREK: INSURRECCIÓN

PASEANDO A MISS DAISY

LA BODA DE MURIEL

BATMAN

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

HATARI

PONYO EN EL ACANTILADO

THE KILLING

OCTOPUSSY

20000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO